La bella e giovanissima attrice Manal Issa, protagonista del film Nocturama presentato durante la scorsa edizione della Festa del Cinema di Roma, torna al festival stavolta grazie a One of These Days. Si tratta del terzo lungometraggio del regista libanese Nadim Tabet, un dramma tutto adolescenziale che ha come protagonisti dei giovani scapestrati senza regole né valori, anime vaganti in questo mondo pazzo pieno di eccessi e tentazioni.

In One of These Days in una Beirut scossa dalla guerra e dai continui attacchi terroristici, un gruppo di ragazzi, incuranti del pericolo, continua a godere dei piaceri della giovinezza. Yasmina, rinchiusa in un centro di riabilitazione per la sua dipendenza dall’eroina, scappa e si rifugia tra le braccia della sua amica del cuore – interpretata da Manal Issa – e del suo ex ragazzo. A contatto di nuovo con le tentazioni del mondo libero, Yasmina ricadrà presto nelle vecchie abitudini di sempre e finirà col trascinare nella sua follia anche le persone a lei care.

One of These Days si svolge nella capitale libanese di Beirut, città fortemente occidentalizzata che, pur trovandosi vicina a Siria e Israele e quindi alla zona di guerra, sembra costituire un microcosmo urbano a sé stante.

Il conflitto tra le milizie siriane e lo Stato Islamico viene avvertito come una minaccia lontana ma intanto nella città continuano le manifestazioni e le rivolte contro il governo. I ragazzi, nati e cresciuti in questo clima di costante incertezza, non sono però disposti a rinunciare alla spensieratezza dell’adolescenza e fanno di tutto per vivere appieno ogni istante.

Più adatto forse alla sezione dei film per ragazzi di Alice nella Città che alla Selezione Ufficiale del festival, il film di Tabet esplora il mondo degli adolescenti purtroppo in maniera assai superficiale, descrivendone i vizi e le virtù crogiolandosi nei soliti clichè narrativi. Quelli di One of These Days sono ragazzi tormentati che amano le droghe e l’alcol, che accettano passaggi da sconosciuti e fanno sesso non protetto un po’ dove capita. Il loro comportamento sconsiderato è il sintomo evidente di un vuoto che non riescono a colmare e dell’indeterminatezza che pervade la loro quotidianità.

Il regista decide di racchiudere tutto questo in una sola giornata; gli eventi di One of These Days infatti coprono l’arco temporale di ventiquattro ore, il tempo sufficiente ai ragazzi per perdersi e poi di nuovo ritrovarsi. Nonostante però le buone intenzioni di Nadim Tabet, il film risulta poco incisivo soprattutto a causa di una sceneggiatura piuttosto piatta, senza colpi di scena né accelerate improvvise. Inoltre, pur trattando alcune tematiche importanti come la dipendenza dalle droghe e l’effetto della guerra sui giovani mediorientali, tutto viene affrontato con grande approssimazione.

Come era avvenuto un paio di anni addietro per Push Sky Away con il film 20,000 Days on Earth di  Iain Forsyth e Jane Pollard, un altro filmmaker, Andrew Dominik, torna a raccontare la genesi del nuovo progetto di Nick Cave and the Bad seeeds  Skeleton Tree in un lungometraggio intitolato One More Time With Feeling. Ma non si tratta di un normale processo creativo, perché lo sviluppo di tale progetto musicale e la realizzazione del conseguente film si collocano a poca distanza dall’immane tragedia che ha purtroppo toccato Nick Cave, ovvero la morte del figlio Arthur.

Dominik racconta che inizialmente doveva trattarsi della semplice ripresa di una performance live, ma che poi il lavoro  si è a poco a poco trasformato, per volere dello stesso Nick Cave, in una introspezione profonda, in una sorta di elaborazione del lutto in forma cinematografica. Tutto questo è avvenuto naturalmente, quando il regista  ha cominciato a raccogliere materiale e testimonianze  durante la scrittura e la registrazione dell’album, avvolto, come è naturale intuire, in una alone di inevitabile tragicità. Ne è così scaturita una lunga riflessione che vede vagare in un dolente bianco e nero Nick Cave, la moglie Susie, l’altro suo figlio, e soprattutto Warren Ellis, amico sincero e compagno di viaggio di una struggente avventura musicale che dura da  una vita. Tutti sembrano dei sopravvissuti che si aggirano dopo una catastrofe, che attraverso le parole, la musica e le immagini, cercano risposte, o più semplicemente un barlume di forza.

Ne scaturisce un ritratto delicato, unico, di grande impatto visivo ed emotivo, ma soprattutto molto personale, così personale che forse potrebbe addirittura apparire ridondante o superfluo per chi si aspetta dal film un dettagliato servizio di backstage. E’ come se fosse la naturale ma tragica continuazione di  20,000 Days on Earth, ma tra i due film si colloca una maledetta scogliera,  un breve lasso di tempo che si chiude a cerchio attorno a Nick e Susie e che, come lui stesso afferma, li riporterà per tutto la vita sempre indietro, come un elastico.

Anche le canzoni del nuovo album sembrano portare a questo, Cave lascia andare le parole, come sostiene di non aver mai permesso di fare alla sua scrittura, e le lascia correre libere in ipnotici cerchi musicali, in splendide melodie nere nelle quali si aggirano voci femminili, suoni meravigliosi, un limbo di rumori e suggestioni. Su tutto si impone la sua voce che si aggira graffiante e suadente tenuta per mano dai tasti di un pianoforte. Così come si scompone la struttura musicale e la parola, lo stesso avviene per la forma cinematografica; Dominik rifiuta la continuità e il rigore della narrazione, per abbandonarsi a una continua sovversione del concetto spazio-temporale, alla ricerca spasmodica di un punto di rottura e forse di uscita da quell’anello, da quel cerchio, che continuamente e sapientemente sottolinea con eleganti movimenti di macchina. Il film diviene quasi una riflessione wendersiana sul vedere le cose e registrare le immagini, cerca il senso del racconto e scava nelle potenzialità, spesso dimenticate, di un “oggetto” in grado di catturare immagini, suoni e soprattutto emozioni.

Il film è girato in uno splendido 3D, mai gratuito, e in bianco e nero, spezzato a brevi tratti da inserti a colori che ne rafforzano la dirompente valenza espressiva. Crudo, doloroso, toccante. Consigliato solamente a chi ama “King Ink”, o vuole provare ad avvicinarlo in un momento particolare della sua vita e della sua carriera. Astenersi perditempo.

One more time with feeling – trailer del documentario

James Hawes con il suo One life chiude le proiezioni della sezione Alice nella città, alla Festa del Cinema di Roma. Noto regista di film per la tv e serie televisive – come Black Mirror e Slow Horses – Hawes propone stavolta, fuori concorso, un film destinato al grande schermo, che affronta una vicenda poco nota ma reale, riguardante il salvataggio di numerosi bambini ebrei, poco prima della scoppio del secondo conflitto mondiale. Il soggetto del lavoro è infatti tratto dalla biografia di Nicholas Winton – If it’s not impossible… The life of Sir Nicholas Winton. A Sir Anthony Hopkins il compito di interpretare il protagonista, alle prese con i ricordi del passato.

La storia di Nicholas Winton

Nicky, Anthony Hopkins, è un uomo anziano, vive con la moglie Grete, Lena Olin, in una casa inglese immersa nel verde. Sta per diventare nonno, ma qualcosa lo tormenta. Specie quando è solo, si ritrova a fare i conti con un passato doloroso. La mente torna allora al 1938. La Germania nazista ha annesso e occupato militarmente la regione cecoslovacca dei Sudeti. Migliaia di profughi, tra cui moltissimi bambini, in maggioranza ebrei, hanno trovato rifugio a Praga. C’è una vera e propria emergenza umanitaria. I campi sono totalmente inadeguati e molte persone rischiano di non sopravvivere al gelido inverno di Praga. In Inghilterra, Nicky – Nicholas Winton, Johnny Flynn – è un agente di borsa, ma di fronte a una simile tragedia non può stare a guardare. Parte per Praga e cerca in ogni modo di far uscire quanti più bambini ebrei possibile dal paese, affinché siano accolti in Inghilterra da famiglie inglesi. Incontra molti ostacoli e l’impresa sembra a volte impossibile. Al suo fianco ha però sua madre Babette, Helena Bonham Carter, e alcuni volontari inglesi a Praga: Doreen, Romola Garai e Trevor, Alex Sharp.

One life e il conflitto interiore del protagonista

Chi salva una vita, salva il mondo. È questo che si dice dei “giusti dell’umanità”, ovvero coloro che hanno messo a rischio sé stessi per aiutare gli ebrei durante il periodo nazista, salvandoli dallo sterminio. Anche una sola vita conta. È questo che il film sottolinea, ma è ciò che il suo protagonista sembra non vedere. Nicky appare invece ossessionato dal non aver fatto abbastanza. Quasi se ne vergogna. Il senso di colpa che, paradossalmente, si porta dietro, è quello che gli impedisce anche di fare pace col suo passato. Il regista si interessa a questo conflitto interiore, che Anthony Hopkins è abile nel rendere con aderenza e misura, senza eccessi, ma attraverso tante piccole sfumature, che assieme compongono un quadro intenso, dalla valenza profonda. Fragilità e forza coesistono in questo personaggio, così come non si rinuncia a qualche piccolo tocco di sobrio humour inglese.

Rifugiati, oggi come ieri, al di là del credo

Altro focus del film è quello che lega il passato all’oggi, sul tema dei rifugiati. Chi scappa da guerre e persecuzioni, appare chiaro in One life, merita di essere aiutato, ad ogni latitudine, oggi come ieri. Ciò vale anche trasversalmente rispetto al credo religioso. Alla luce dell’attualità, dei numerosi conflitti e della mole di persone che arrivano in Occidente in cerca di un futuro migliore, colpisce un’affermazione del protagonista, a cui si domanda perché si adoperi così tanto per questi bambini ebrei. Nicky risponde con una professione di agnosticismo, riaffermando il valore intrinseco della vita umana. Il parallelo col tempo presente, si estende anche ai paesi che sono chiamati ad accogliere. L’Inghilterra nel film ha un atteggiamento inizialmente ostile all’ipotesi dell’accoglienza, il che non può non far pensare all’atteggiamento di molti paesi occidentali verso i migranti di oggi. In questo senso, One life offre spunti di riflessione.

Una buona ricostruzione storica

La ricostruzione storica del film appare accurata, anche le ambientazioni lo sono. A partire dalla fotografia di Zac Nicholson, fino alla scenografia e ai costumi. Si rendono bene sia il periodo immediatamente antecedente alla guerra, che la condizione delle famiglie rifugiate nei campi di Praga. Narrativamente, il materiale è ben organizzato e il racconto coeso. La maggior parte del film si svolge in flashback, ma le parti della vicenda che riguardano la vita di Nicky da anziano, hanno una loro precisa funzione e regalano alcuni dei momenti più emozionanti del film.

Il cast di One life

Ad accompagnare un ineccepibile Anthony Hopkins e Johnny Flynn – nel ruolo di Nicky da giovane – vi è un buon cast, che conta su Lena Olin, Romola Garai, Alex Sharp ed Helena Bonham Carter, perfetta nel ruolo della madre di Nicky. Hawes tratta un tema – il salvataggio di molti ebrei da parte di un solo uomo – affrontato in altri lavori anche di grande successo, su tutti, Schindler’s List. Portare di nuovo il pubblico ad interessarsi a una vicenda di questo tipo, dunque, non è semplice. Il regista ci riesce, accendendo i riflettori su una storia poco nota, che resta un esempio alto dei valori più profondi dell’essere umano ed ha ancora tanto da dire.

Dalla Cina, il nuovo gigante dell’economia e della produzione agroalimentare, ai laboratori della “food silicon valley” in Olanda, passando per le terre contese delle popolazioni indigene in Brasile, alle minacce globali per la salute umana e alle questioni etiche che stanno alla base del nostro rapporto con la natura: One Earth -Tutto è connesso racconta storie apparentemente distanti tra loro, rivelando paradossalmente come, in questo immenso sistema che poggia su un fragile equilibrio, ogni specifico fenomeno possa avere ripercussioni anche in altre parti della Terra.

Gli allevamenti intensivi di Guangzhou

Il viaggio di Francesco De Augustinis parte dalla conformazione dicotomica di ogni città della Cina, altissimi grattaciali simbolo del pieno boom economico in cui il Paese si ritrova, contrapposti a quartieri squallidi, nelle cui viuzze si tengono mercati in cui è possibile trovare ogni cosa, soprattutto animali domestici e selvatici di ogni genere, che vengono esposti e venduti. La genesi di One Earth comincia proprio qui, tra i mercati nascosti di Wuhan, dove il corona-virus sta facendo un salto di specie: sta passando da un animale all’uomo, il primo contagio della specie umana di Covid-19 che avrebbe causato oltre 1 milione e mezzo di vittime.

La troupe di Francesco di Augustinis sta facendo un breve scalo a Wuhan, diretti a Guangzhou, storicamente una delle capitali commerciali della Cina meridionale, per condurre un’inchiesta sul cibo, in uno degli allevamenti intensivi più tecnologici al mondo. La vera scoperta di questo viaggio documentaristico avrà a che fare con una consapevolezza rinnovata, di come le diverse attività industriali condotte in una megalopoli possano innescare un meccanismo di effetti a catena in tutto il mondo, portando un piccolo e impercettibile avvenimento del mercato di Wuhan a farci soffermare ulteriormente sul tema dell’aumento esponenziale del consumo di carne e di come la crescita degli allevamenti intensivi stia condannando noi e la Terra in maniera irreversibile.

Le conseguenze globali della produzione zootecnica

Viste dall’esterno, non sembrano nemmeno fattorie: sono blocchi di cemento, alti diversi piani, nascosti in una sottospecie di grotta al centro di una montagna nel cuore remoto della Cina. All’interno dei palazzoni di Yangxiang si trova una produzione suina iperintensiva, destinata a soddisfare la crescente domanda di carne del popolo cinese. E’ intorno a questa struttura ipertecnologica, simbolo del progresso umano, che si sviluppa una storia che abbraccia i quattro continenti del pianeta e mostra come il sistema alimentare mondiale stia compromettendo in modo irreversibile il fragile equilibrio del pianeta e contribuendo alle attuali crisi mondiali, come il cambio climatico, le epidemie e il crollo della biodiversità.

L’obiettivo di One Earth – Tutto è connesso e del team di Augustinis è quello di mostrare l’urgenza di una ristrutturazione sistemica e totale, che vada a contrastare i fenomeni dell’iperproduzione e dell’iperconsumo, che attualmente esercitano un effetto cruciale sull’equilibrio del pianeta. Le scelte individuali sono in questo senso molto importanti, vuole suggerirci il documentario, ed è certamente necessario educare le nuove generazioni al riguardo. Qualora aumentasse esponenzialmente la fascia di persone disposte a fare quotidianamente scelte biologiche, prima o poi le aziende dovranno adeguarsi e l’opinione pubblica ne sarà influenzata, sostiene Augustinis.

La suddivisione del film in capitoli contribuisce a legittimare la denuncia di One Earth che, in maniera molto intelligente, decide di basarsi sull’espressione dello stesso concetto da prospettive contrastante, per fare emergere le diverse sfaccettature di un tema oggi così delicato. E’ così che la deforestazione, l’aumento delle epidemie e la perdita di accesso al cibo per svariate fasce della popolazione mondiale convergono in un unico documentario, capace di avvicinare a tematiche così attuali anche i più giovani, grazie a una regia asciutta e che predilige la veridicità dei fatti, piuttosto che un insensato sensazionalismo.

Oggi più che mai siamo consapevoli di vivere su un piccolo pianeta, dove ciò che accade in una foresta dall’altra parte del mondo prima o poi ha ripercussioni anche sulla nostra vita quotidiana. One Earth si prefigge di raccontare proprio queste connessioni e, allo stesso tempo, denunciare le tante forme di violenza alla base del modo insostenibile della nostra specie di abitare la nostra unica casa.

Esordio alla regia di Zsofia Szilagyi, One Day racconta una giornata “normale” di Anna, una donna di 40 anni, con tre figli, un marito e una vita sempre di corsa. In questi termini, il film, presentato alla 57° Semaine de la Critique del Festival di Cannes 2018, non si presenta come il film più allettante di sempre, tuttavia regala emozioni e sorprese, grazie all’occhio attento della regista.

La scena si apre sulla scoperta di un tradimento: il marito di Anna ha intrecciato una corrispondenza con un’amica di lei. A questa rivelazione seguono le scuse dell’amica e una promessa di sparire dalla vita dei coniugi. Anna torna a casa, ha tre figli, uno di due anni, con l’influenza, da accudire continuamente. Il più grande, circa 11 anni affronta con timidezza gli amici, la scuola, tutte quelle frivolezze che a quell’età sono problemi importanti; la figlia di mezzo, 5 p 6 anni, è irrequieta e impertinente.

Anna dovrebbe trovare il tempo di discutere con il marito, ma non può, perché i figli la assorbono, la vita di città è frenetica e i minuti non bastano mai. Tra scuola, sport, corsi di musica pomeridiani, traffico e liti con gli automobilisti, piccole dimenticanze e madri invadenti, raffreddori e farmacie notturne, la vita di Anna si esaurisce completamente per gli altri.

Il pregio principale del film di Szilagyi sta nel rendere tutto tangibile, seguendo da vicino la protagonista: sentiamo il suo stress, la sua fretta e a tratti la sua frustrazione, soprattuto la stanchezza e il senso di inerzia che la travolge. Anna continua a muoversi, senza neanche dormire, prosegue nei suoi compiti sistematicamente, sempre più stanca, ma mai ferma.

La città, sfondo grigio e indifferente, contribuisce a costruire il senso di oppressione di Anna e dello spettatore. Alla fine di una giornata durata molto più di 24 ore, siamo noi a staccarci, ad allontanarci, il film si chiude. Anna però, non si ferma ancora.

Arriva al cinema One Day, tratto dal romanzo Un giorno di David Nicholls. Diretto da Lone Scherfig, il film vede protagonisti Anne Hathaway e Jim Sturgess.

In One Day Emma (Anne Hathaway) e Dexter (Jim Sturgess) sono due giovani inglesi che si conoscono la notte in cui festeggiano con altri amici il diploma di laurea appena conseguito. Ebbri ed eccitati dalle tante bottiglie bevute, i due finiscono nello stesso letto ma quella che si prometteva come una calda e passionale notte di sesso si rivela un fiasco.

In compenso tra i due nascerà quella sera una splendida e duratura amicizia destinata a conservarsi nel tempo. Emma, intellettuale, timida e idealista è in realtà innamorata di Dex il quale, da classico figlio di papà, pensa solo a godersi la vita tra donne ed eccessi vari. Ogni anno al 15 di luglio i due si ritroveranno nonostante la vita li conduca su strade diverse e lontane. Trascorrono quasi vent’anni in cui i due non riescono ad incrociare i propri sentimenti e dare concretezza all’amore che li lega sino a quando l’amore stesso si rivelerà da sé.

One Day, il film

One day, film tratto dal romanzo di David Nicholls, best seller in Italia e in tutta Europa, è una commovente e coinvolgente storia d’amore. Una storia d’amore come da tempo non se ne raccontavano, in modo semplice, classico se vogliamo, ma incredibilmente intenso e vero.

La storia di Em e Dex è la storia di due vite, due esistenze presentate con tutti gli alti e i bassi che la vita può serbare. E’ la storia di un amore vero e intenso che resiste nel tempo e nonostante tutto; è una storia di rimpianti e rimorsi, di quello che doveva essere è non è stato, di quello che poteva essere e non è stato. La vita. One day di Lone Scherfig, ottima regista danese, è un film capace di divertire, strappare un sorriso grazie a dialoghi mai banali, è un film capace di far commuovere grazie anche alle ottime interpretazioni dei due protagonisti, ma soprattutto è un film capace di far riflettere perché parla di una storia semplice e al contempo vera in cui lo spettatore non fatica a ritrovarsi.

La Jacobson, che in passato ha prodotto film di successo come Il Sesto Senso di M. Night Shyamalan, I pirati dei Caraibi di Gore Verbinski e Le cronache di Narnia di Andrew Adamson, si è innamorata come altri milioni di lettori dei personaggi protagonisti del libro di Nicholls che senza esitare ha acconsentito ad occuparsi della sceneggiatura.

Lone Scherfig si presenta a questo progetto forte del grande successo avuto con il suo ultimo lavoro An Education uno dei film più discussi degli ultimi anni che ha anche ottenuto tre nomination all’Oscar tra cui quella per il miglior film. La regista danese è stata ovviamente costretta a compattare la storia raccontata nel libro ma ne mantiene lo stile narrativo senza stravolgere il profilo dei personaggi.

I due interpreti principali sono perfetti nella parte; esprimono e trasmettono complicità, un legame vero e di intimità. Anne Hathaway (Amore e altri tradimenti) è un’attrice che qui non fa altro che consolidare una reputazione già importante grazie soprattutto alle brillanti interpretazioni in film come Il diavolo veste Prada, o I segreti di Brokeback Mountain.

Jim Sturgess invece gode ancora della lunga scia di ammirazione e successo ottenuto con l’interpretazione di Jude Feeney in Across the Universe film di Julie Taymor; da non dimenticare anche la partecipazione a 21 di Robert Luketic o in Fifty dead man walking in cui interpreta un terrorista dell’IRA al fianco di Ben Kingsley.

La grande curiosità attorno al film è giustificata e spiegata dal cast di alto livello ma soprattutto dall’incredibile successo editoriale del romanzo di Nicholls da cui è tratto, ma il film merita un giudizio critico e sincero ma come film con tutte le compromissioni che comporta il suo mezzo espressivo; in ogni caso One Day è un adattamento molto fedele, parola di Nicholls.

La prima volta che incontriamo Lisa, la protagonista di One Day All This Will Be Yours, è nella sua vasca da bagno, in cerca di riparo dalla sua vita confusionaria e frenetica. Un riparo che però non trova, reimmergendosi ben presto nei tentativi di trovare un titolo al suo primo libro e nei complessi rapporti con il suo editore. Andreas Öhman – regista svedese fattosi notare nel 2010 con il suo esordio Simple Simon – ci presenta dunque sin da subito una protagonista totalmente fuori controllo e proprio la ricerca di esso come anche del proprio posto nel mondo saranno alla base di questo racconto.

Un racconto, affrontando il quale Öhman, anche sceneggiatore del film, sceglie di mettersi per primo totalmente a nudo, rielaborando vicende personali ma anche la dolorosa scomparsa della sorella quando era solo un bambino. Così facendo permette a One Day All This Will Be Yours – Presentato nella sezione Progressive Cinema della Festa del Cinema di Roma, di acquisire una spontaneità seducente e una vitalità contagiosa, infondendogli inoltre il giusto equilibrio per raccontarci una volta di più di quanto le persone possano essere imperfette, complicate, fragili e proprio per questo amabili.

La trama di One Day All This Will Be Yours

Come già detto, protagonista di One Day All This Will Be Yours è Lisa (Karin Franz Körlof), una fumettista trentenne che proprio mentre sta lavorando per terminare in tempo il suo nuovo libro, viene convocata insieme alla sorella e al fratello nella fattoria di famiglia nel nord della Svezia. I due anziani genitori, infatti, devono fare loro un importante annuncio riguardante la foresta che la famiglia possiede da generazioni. Questo ritorno a casa costringe però Lisa ad affrontare i problematici rapporti che l’hanno allontanata dai suoi parenti, come anche un trauma del passato mai realmente risolto.

La strada verso casa

Si è soliti dire che tutta la vita non è altro che un lungo e continuo viaggio di ritorno a casa, qualunque essa sia e ovunque possa trovarsi. La Lisa che incontriamo all’inizio del film sembra rispondere perfettamente a questo modo di dire, poiché pur avendo fatto della propria passione il suo mestiere, sembra continuamente non appartenere al mondo che si è costruita intorno. E se anche lei non vuole ammetterlo, ce lo suggerisce il regista con la sua tremolante macchina a mano, evidenziando così quel tremore che la protagonista cerca di camuffare.

Ma anche quando tornerà a casa dai suoi genitori, a Lisa verrà in più occasioni detto che non appartiene a quel posto. Ma allora dov’è la casa di Lisa? Qual è il suo posto nel mondo? È quello che lei cerca di scoprire, dapprima riluttante poi sempre più determinata. Lentamente inizia allora a rifuggire da quel mondo di fantasia che si è costruita negli anni – e che le permette di vedere oggetti inanimati prendere vita, come la schiuma, gli alberi o perfino le lattine di birra che beve continuamente – per abbracciare sempre di più la natura e la rinnovata serenità che essa sembra conferirle.

Quando ciò avviene, anche se non è immersa dal verde della foresta, Lisa avrà sempre qualche elemento di questo colore accanto a sé, indicandoci che il suo pensiero o il suo animo continua ad andare in quella direzione. Ma Lisa non è il tipo di persona che si abbandona facilmente e incondizionatamente agli istinti del proprio cuore. Sboccata, cinica e aggressiva, si è costruita nel tempo una corazza – o corteccia, per rimanere in tema natura – difficile da scalfire e che prontamente indossa quando le cose sembrano complicarsi troppo a livello emotivo.

La bellezza dei personaggi imperfetti

Risulta allora difficile prevedere le sue azioni e reazioni, anche se il racconto che Öhman costruisce rimane saldamente ancorato (a volte forse troppo) a determinati binari tipici di questo genere di racconti. Ma il regista riesce a non far pesare questa aderenza, che anzi sembra servirgli per potersi concentrare totalmente sulla sua protagonista, un personaggio che ci ricorda quanto siano belli i personaggi così imperfetti e umani, specialmente quando scritti in modo accurato, con le giuste caratterizzazioni e interpretati da attori all’altezza.

Karin Franz Körlof si dimostra essere anche di più, una vera e propria forza della natura capace di accentuare quanto da Öhman scritto per Lisa, rendendola un personaggio impossibile da non amare. La si segue allora con grande attenzione nel corso del suo viaggio e nel suo ricercare il coraggio di affrontare il passato e dunque crescere. Un viaggio nel quale si può sperimentare un umorismo amaro, i drammi dell’esistenza e dei rapporti umani, ma anche le innumerevoli sfumature colorate che la vita può assumere e svelare nei momenti più impensabili.

Öhman, attraverso Lisa, riesce a cogliere tutto ciò e a racchiuderlo in un feel-good movie dotato di grande sincerità, che nel momento in cui porta a compimento il viaggio della sua protagonista riesce a far strabordare dallo schermo emozioni che investono lo spettatore lasciandogli addosso sensazioni particolarmente positive. Un risultato che non sempre riesce a questa tipologia di film, talvolta così concentrati nel ricercare l’emozione a tutti i costi da non riuscire a farla propria. One Day All This Will Be Yours non perde invece di vista la sua protagonista e le sue vicende, ed è proprio lì che trova infine il proprio posto, il proprio cuore e le emozioni che lo renderanno memorabile.