La macchina produttiva cinematografica di Francia è probabilmente la più florida d’Europa, al momento, grazie alle idee di Luc Besson (la serie Taken, Lucy) anche la più ricca.

Marguerite si unisce all’offerta del mercato transalpino quasi in punta di piedi, lontano sia dalle numerose commedie che dai drammi profondi, con una propria personalità, un proprio carattere. Se il soggetto e la storia (vera) non sono originali sino in fondo, anzi Hollywood sta già preparando la sua versione con Meryl Streep nei panni della protagonista, è su tutti gli altri livelli tecnici e artistici che l’opera di Xavier Giannoli impressiona positivamente. Ma procediamo per gradi, il nome Marguerite Dumont vi suggerisce qualcosa? Siamo nel 1921, all’inizio di un decennio incredibilmente dinamico, di fermento, durante il quale la gente si appresta a scoprire il piacere della bella vita, delle sovversioni politiche, dei club culturali e dei teatri sparsi per Parigi come funghi in autunno. La nostra eroina, se così vogliamo chiamarla, è ricca e un po’ ingenua, ed è convinta di possedere una voce divina. Peccato che la realtà dei fatti sia ben diversa, il suo canto è infatti l’emblema della stonatura, del cattivo gusto, del fastidio, un lamento stridulo in grado di annientare in pochi attimi capolavori immani della tradizione operistica universale. Nascondere la verità conviene però a molti, a tanti che bramano il suo denaro e poco altro.

Attorno alla sua figura inizia a crearsi un nugolo di profittatori, imbroglioni e bastardi patentati, ed è con dolore che lo spettatore assiste inerme a ogni tipo di umiliazione dietro le sue spalle. Una macellazione in piena regola, come simboleggiano anche gli onnipresenti animali sulla scena.

Abbiamo però detto appena sopra che Marguerite non è un dramma canonico, infatti uno dei suoi punti di forza è proprio la tagliente ironia che accompagna costantemente le linee di copione e i volti dei personaggi, capace così di alternare momenti di genuina ilarità ad altri più riflessivi, violenti, tristi. Se tutto questo ha solleticato la vostra curiosità, sappiate che bisogna ancora aggiungere al quadro un valore produttivo di altissimo livello. Fotografia e scenografie si fondono in un unico livello barocco, con un’attenzione ai particolari, alle luci e alle ombre da lasciare davvero sorpresi; inoltre le inquadrature possiedono una ricercatezza tutt’altro che comune, non c’è un frame fuori posto, ogni cosa sembra pensata per trovarsi esattamente dove si trova.

I continui cambi di scena pensano poi a mantenere l’amalgama sempre dinamica, perfettamente in linea con le prove attoriali di una qualità estrema. Denis Mpunga, Christa Théret, André Marcon, Michel Fau ma soprattutto la divina Catherine Frot (La Cuoca del Presidente, La Voltapagine), dominano il palcoscenico con una forza e una solidità disarmanti. Danzano assieme alla musica, alle arie di Mozart, Puccini, Leoncavallo, distruggendo la borghesia a suon di provocazioni, di motori scoppiati e crocevia misteriosi. Dettagli che certamente vi sembreranno aria fritta adesso, ma che all’interno del film trovano un posto preciso, e che noi giustamente non possiamo rovinarvi con la recensione.

Cosa resta? Le atmosfere malinconiche di Viale del Tramonto, le tematiche della diva in crisi, invecchiata e facile preda della follia, come i sentori allucinogeni di C’era Una Volta in America, citato esplicitamente in una scena ad hoc. Il finale pecca forse di presunzione, e i ritmi si sfaldano leggermente, ma nulla che non si possa perdonare. Come direbbero i francesi: bravo, con l’accento sulla o.

Molte delle principali città americane, oltre che per la loro storia, i loro monumenti, sono famose anche per i criminali che le hanno tenute in pugno nel corso del ventesimo secolo. New York ad esempio è legata a doppio filo con la leggenda di Al Capone, John Dillinger con la cronache di Chicago, la città di Boston vanta invece una storia molto particolare, quella “dell’ultimo grande gangster” del novecento rappresentato in Black Mass.

Jimmy “Whitey” Bulger, che grazie alla sua posizione di informatore dell’FBI è riuscito a creare un autentico impero criminale specializzato in droga e scommesse, a partire dall’inizio degli anni ’80. Mentre l’agente federale John Connolly teneva buoni i capi del Bureau, promettendo informazioni chiave sulla mafia italiana, la Winter Hill Gang prosperava indisturbata e solitaria.

Black Mass non è altro che il ritratto fedele di un delinquente spietato e violento, capace di restare impunito e latitante sino al 2011, nonostante i numerosi omicidi a suo carico accertati e documentati. Scott Cooper (Crazy Heart, Il fuoco della vendetta) presenta un lavoro canonico, quasi accademico, con tutte le peculiarità del genere, che svolge egregiamente il suo compito, ovvero intrattenere e catturare l’attenzione dello spettatore per tutta la durata del film.

Black Mass, il film

Un’opera che sguazza “allegramente nel mezzo” sia a livello tecnico che artistico, non fa gridare al capolavoro ma non fa neppure storcere il naso, anzi racconta in modo appassionato e lineare una vicenda che forse in pochi conoscono. Inoltre la componente action non manca, sono molte le scene ricche di genuina tensione e brutalità, anche se talvolta prevedibili o scontate. Accompagnano perfettamente un sottotesto ben celato che critica l’eterna collusione fra politica, giustizia e criminalità, e celebra l’importanza di agire nell’ombra per regnare indisturbati.

Esattamente come accade in Spotlight di Tom McCarthy, in Black Mass la città di Boston – con le sue numerose chiese, i ponti, le case di legno con il barbecue in giardino – svolge un compito fondamentale. Sotto una perenne coltre di nubi, la metropoli si affianca costantemente ai protagonisti in carne ossa, che hanno i volti di Benedict Cumberbatch (con un insolito accento irlandese), Joel Edgerton (un impacciato agente Connolly), Juno Temple, Corey Stoll, Kevin Bacon (purtroppo solo in un ruolo marginale) e Peter Sarsgaard. Manca all’appello soltanto Johnny Depp, che ha il compito più difficile fra tutti: impersonare il glaciale “Whitey” Bulger. Appesantito da un trucco di ottima fattura e con delle lenti chiare poggiate sugli occhi, l’attore di Edward Mani di Forbice, Sweeney Todd, La Fabbrica di Cioccolato, appare irriconoscibile.

La reale notizia sta però nel fatto che finalmente, dopo anni traballanti e film come Mortdecai, il feticcio di Tim Burton torna a recitare in un film interessante, magnetico, portando a casa un’interpretazione di tutto rispetto. Il lavoro svolto sugli occhi, sulla voce, sull’accento, riporta in carreggiata una carriera ormai a scossoni, per il beneplacito dei fan più affezionati. Non resta che rispolverare uno qualsiasi degli album degli Allman Brothers, così da avere una panoramica completa di ciò che ci aspetta in sala.

Francofonia – L’industria cinematografica, almeno in superficie, è un universo abbastanza semplice da comprendere, anche per i ’non addetti ai lavori’. La parte più scintillante, patinata e glamour è ovviamente dominata dalle produzioni hollywoodiane, create con la preoccupazione primaria di infrangere record su record al botteghino; subito dopo troviamo la parte più appassionata, il cinema di genere, che cattura puntualmente milioni di estroversi incalliti, nerd di vario genere, collezionisti e feticisti del sangue, delle pallottole, delle lame affilate. Inseguono poi commedie e drammi dell’Europa occidentale, gli indie americani, tutto l’underground dei cinema monosala, luoghi dall’aura mitologica dalle sedie di legno trasandate e unte.

Più nascosti, timidi, introvabili, ci sono poi i grandi Maestri, persone uniche che badano molto a loro stesse – è vero – ma solo per regalare al loro selezionato pubblico adorante un respiro di meraviglia. Ci viene da pensare a Jean Luc Godard, a Terrence Malick, alla Russia e ad Aleksandr Sokurov. Già, Sokurov, che sprezzante di qualsiasi regola commerciale e materiale ha tirato fuori dal cappello del suo inestimabile talento – dopo il gigantesco Faust, Leone d’Oro a Venezia nel 2011 – Francofonia. Un esperimento, un saggio, un sogno sfocato, un documentario, un viaggio nel tempo e nello spazio, ma soprattutto una dichiarazione d’amore.

Amore per quell’arte eterna, monumentale, universale, attraverso la quale l’uomo ha lasciato la sua impronta sull’esistenza passata, presente e futura. Una passeggiata mano nella mano attraverso le sale e le gallerie del Museo del Louvre di Parigi, custode della verità e della bellezza, ma non solo. Anche testimone di eventi nevralgici, di grandi rischi e grandi offese, di valorosi e infimi uomini. Il cuore del mondo visto come una nave in mezzo all’oceano, carica di opere d’arte dal valore incalcolabile eppure in balia di una tempesta selvaggia, di onde feroci, che rischiano di annientare tutto.

Tele, sculture, l’umanità nella sua interezza, perché è senza arte che l’uomo si fa arido, vuoto, inutile. Ecco dunque la critica all’età contemporanea, alla madre Russia, affidata a un urlo soffocato che tenta di rianimare i grandi autori del passato, sussurrando loro quanto bisogno urgente vi sarebbe oggi del loro operato. Un’utopia in piena regola, narrata con una voce quasi spezzata, innamorata e nostalgica, desiderosa di conservare, assorbire la bellezza e l’assoluto – del resto sono due cose che spesso coincidono – e condividere tutto con gli altri, nel buio della sala. Il risultato è un’opera slegata, visionaria, incantevole, comlicata, a tratti persino interattiva, anarchica, da rivedere più volte, che prova a ricordarci chi siamo, chi siamo stati, chi saremo, con il piglio di chi sa di poter tutto, sfidare la corrente, capovolgere il mondo, far scorrere i titoli di coda all’inizio. E creare l’incantesimo.