Ritorna al cinema il franchise di Resident Evil, tratto dall’omonimo video gioco che ha incassato più di qualsiasi altra trasposizione nella storia recente, e lo fa con questo quinto e spettacolare capitolo, dal titolo Resident Evil: retribution, ancora una volta scritto e diretto da Paul W. S. Anderson, fautore della saga insieme alla moglie, conosciuta sul set del primo capitolo, Milla Jovovich.

Il T-virus mortale della società farmaceutica Umbrella Corporation continua a devastare la Terra, trasformando la popolazione mondiale in legioni di zombie affamati di carne umana. Alice (Milla Jovovich), l’unica e ultima speranza per la razza umana, si risveglia all’interno della struttura segreta della Umbrella e svolgendo indagini approfondite, scopre alcuni segreti del suo misterioso passato. Senza un rifugio sicuro, Alice continua a cercare i responsabili dell’epidemia; un viaggio che culminerà con una sconcertante rivelazione che la costringerà a rimettere in discussione tutte le sue certezze.

Come recita in maniera perentoria e anche un po’ ripetitiva la stessa trama del film, la Umbrella Corporation continua a distruggere la Terra (come se fosse ancora rimasto qualcosa da distruggere) e come ogni volta Alice è pronta a combattere contro tutti e tutto.

Se nel primo capitolo erano solo degli zombie, poi nel secondo è diventato Nemesis, e ancora nel terzo zombie mutati geneticamente, ora è la volta di un vero e  proprio mostro da laboratorio, sullo sfondo una guerra apocalittica in fondo a un oceano ghiacciato. Definire surreale la trama di questo film suonerebbe quasi come un eufemismo, ma considerato che gran parte della saga è sviluppata su una trama molto precaria e a tratti contraddittoria, passeremo subito al punto forte del film, ovvero la spettacolarità di alcune delle sequenze che forma questo quinto capitolo.

Resident Evil: retribution

Questa volta la messa in scena è completamente dedita al 3D che indubbiamente conferisce alla pellicola ulteriore carica spettacolare, invadendo completamente lo schermo e lo spettatore. Il film è comunque un infinito ripetersi di azione e fughe che culminano con un tentativo, fin troppo timido di riallacciare i rapporti con l’intera trama della saga che rimane comunque molto abbozzato, finendo per diventare solo un pretesto per dar vita probabilmente ad un sesto capitolo.

In ogni caso, Resident Evil: retribution è un buon condensatore di intrattenimento e scene spettacolari, che se non soddisfano gli spettatori più pretensioni, certamente faranno la gioia di coloro che cercano lo spettacolo puro ed un effetto stereoscopico invasivo.

L’Ultimo Inquisitore è il film del 2006 diretto da Milos Forman con protagonisti nel cast Natalie Portman, Javier Bardem e Stellan Skarsgard.

Trama di L’Ultimo Inquisitore: Spagna, anno 1792. Gli echi della rivoluzione francese giungono sempre più minacciosi nel regno di Carlo IV (Randy Quaid) dove soprattutto il clero vede nei giacobini una minaccia per la propria stessa sopravvivenza.

Ad agitare vescovo e alti prelati sono anche le irrisorie incisioni del pittore Goya (Stellan Skarsgard) che si diverte ad ironizzare sulla lussuria e la corruzione che domina tra i più facoltosi uomini di chiesa. Goya è visto con ancor maggior timore in quanto divenuto da poco pittore di corte particolarmente apprezzato dalla regina Maria Luisa di Borbone (Blanca Portillo) che verso di lui prova una particolare stima.

E’ per fronteggiare questa dilagante sfiducia ed un progressivo scetticismo verso la chiesa che padre Lorenzo (Javier Bardem) proporrà di ripristinare un regime di rigida e spietata fermezza verso tutte quelle forme di eterodossia che hanno portato ad una progressiva degenerazione dei costumi.

La prima vittima di questo risveglio di oscurantismo da parte del Santo Uffizio sarà la giovane e bellissima Ines Bilbatùa (Natalie Portman) figlia di un nobile e ricco cattolico. Vista rifiutare, al tavolo di una locanda, un piatto di maiale, Ines sarà accusata di praticare il giudaismo ed una volta entrata tra le mura del Santo Uffizio sarà impossibile per lei dimostrare la sua innocenza.

L’arresto della ragazza sarà un trauma non solo per la sua famiglia ma anche per lo stesso Goya che aveva nella giovane ed incantevole fanciulla la sua musa ispiratrice; entrato in contatto con padre Lorenzo a cui stava eseguendo un ritratto, Goya chiederà a lui di intercedere per Ines ma il viscido e sinistro prelato non solo non farà nulla ma ne approfitterà per abusare della giovane tra le segrete delle prigioni.

Intanto sullo sfondo della vicenda la storia fa il suo corso e in questa convulsa fase storica il contesto politico muta con incredibile velocità; al governo rivoluzionario in Francia si sostituisce il consolato e Bonaparte prende in mano le redini del paese. Iniziano gli anni delle conquiste napoleoniche che assoggettano mezza Europa in nome degli ideali rivoluzionari e anche la Spagna cade sotto le baionette dei soldati francesi. Con il cambiare dello scenario politico anche i nostri protagonisti assumeranno e ricopriranno ruoli diversi come attori di una commedia dell’assurdo.

L’Ultimo Inquisitore

Analisi: L’ultimo inquisitore – The Goya’s ghosts, è un film del 2006 diretto da Milos Forman, maestro del cinema mondiale, tratto da un soggetto scritto dallo stesso Forman in collaborazione con Jean-Claude Carriere.

Forman disegna un incredibile affresco storico che racchiude una breve quanto convulsa e mutevole parentesi che coinvolse l’Europa e la Spagna in particolare tra il 1792 e i primi anni dell’800, un lasso di tempo relativamente breve in cui accaddero cambiamenti epocali.

All’interno di questo contesto tumultuoso ed in continua evoluzione ecco la triste e drammatica vicenda della giovane Ines, vittima innocente della follia dell’uomo e soprattutto di una chiesa che ancora credeva di poter legare a sé i propri fedeli con la violenza ed il timore di Dio.

Quello che più piace di questo film è indubbiamente il modo con cui vengono tratteggiati  i personaggi che, grazie anche a notevoli interpretazioni, regalano figure forti e al contempo incisive e ben definite. Javier Bardem è al solito straordinario nell’interpretare un personaggio sinistro, negativo, squallido nella sua doppiezza e volubilità, un uomo senza ideali pronto a vendersi a chi detiene lo scettro del potere, una sorta di allegoria del tempo (ma anche molto attuale). Importante anche l’interpretazione di  Stellan Skarsgard il quale fornisce con grande efficacia l’immagine di un Francisco Goya dotato di grande sarcasmo e al contempo di grande umanità. Bravissima anche e soprattutto Natalie Portman che alterna una serie di personaggi sempre diversi ed estremamente complessi che attraversano la storia con immutata grazia e personalità.

Se non possiamo eccepire nulla sulla confezione stessa del film, dai costumi alla meravigliosa scenografia per arrivare alla raffinata fotografia diretta dal bravissimo Javier Aguirresarobe, ci sentiamo di avanzare delle riserve sulla struttura narrativa, sulla sceneggiatura.

La prima metà de L’ultimo inquisitore è indubbiamente la migliore: tensione, intensità, sequenze che si susseguono con una carica sempre maggiore di mistero e drammaticità, una drammaticità che è solo prevista, ipotizzata, attesa come qualcosa di imminente.

Nella seconda parte il film si perde in un improbabile intreccio narrativo che smorza notevolmente la carica emotiva della vicenda principale, cedendo oltretutto a soluzioni e svolte poco probabili se non poco credibili. La storia principale smarrisce la strada maestra confondendosi nella caoticità degli eventi storici, troppi per un solo film.

E con la storia anche i personaggi che avevano tanto attratto perdono fascino e credibilità e di conseguenza il film stesso perde spessore. Un peccato non aver continuato sul percorso tracciato nella prima parte, non aver dato compimento ad una storia che aveva delle buone basi ma aver preferito inglobare troppi accadimenti, l’aver sommerso la narrazione principale sotto uno tsunami di eventi storici che non hanno lasciato che il relitto di una sceneggiatura troppo confusionaria.

Nato il 4 luglio è un film del 1980 diretto dal regista Oliver Stone e con protagonisti nel cast Tom Cruise, Willem Defoe, Tom Berenger, Caroline Kavae Raymond Barry.

La Trama di Nato il 4 luglio : Stati Uniti, 1967. Ron Kovic (Tom Cruise) è un giovane americano modello: faccia pulita, bravo studente, campione negli sport, un lavoretto come commesso dopo la scuola, educato e pieno di vita, l’orgoglio di una famiglia ferventemente cattolica.

Quando il sergente Hayes (Tom Berenger) si presenta nella sua scuola per convincere i giovani studenti ad arruolarsi per partecipare alla guerra contro i vietcong comunisti ecco che nella testa di Ron scatta la scintilla; senza sentire niente e nessuno decide di partire come volontario nel corpo dei marines.

Dopo quasi un anno di servizio trascorso a combattere i vietcong, Ron viene colpito alla spina dorsale, e non sente più le gambe. I mesi trascorsi in un agghiacciante ospedale militare non ridaranno mai più l’uso degli arti inferiori al nostro protagonista che dovrà quindi tornare a casa, nella sua piccola provincia americana, seduto su una sedia a rotelle, da ora inseparabile compagna di vita.

Nato il 4 luglio

Iniziano mesi terribili per Ron e per la sua famiglia; accudito con amore ed affetto dal padre (Raymond Barry) Ron si scontra invece con il perbenismo della madre (Caroline Kava) che quasi si vergogna di quel figlio storpio e così diverso dal bravo ragazzo che era.

Nottate trascorse ad ubriacarsi, a bere in continuazione per dimenticare la realtà, per fuggire da quell’incubo quotidiano reso ancora più amaro dal constatare l’indifferenza e, ancor peggio, l’avversione che accompagna i reduci come lui nella società americana che ha trovato al suo ritorno.

Inizia un lungo percorso interiore che lo porterà in una comunità di reduci in Messico, a Villa Dulce, dove una prostituta e soprattutto uno svitato compagno di bevute (Willem Defoe) gli faranno ritrovare quell’equilibrio perduto, dandogli il coraggio di svuotare il suo animo anche dei più reconditi segreti.

Inizia così per Ron Kovic una nuova vita che farà di lui uno dei più convinti e accaniti sostenitori della pace, uno dei leader di quei movimenti contrari a quella guerra in cui  tanto credeva.

Analisi: Nato il 4 luglio è un film del 1989 diretto magistralmente da Oliver Stone, uno dei film più riusciti del regista americano e pietra miliare tra quelli incentrati sul tema della guerra del Vietnam. La sceneggiatura prende spunto dall’omonimo romanzo autobiografico scritto proprio da Ron Kovic, il personaggio interpretato splendidamente da un giovanissimo Tom Cruise.

Nato il 4 luglio è un film di un’intensità rara e incredibile che tiene lo spettatore incollato allo schermo dalla prima all’ultima sequenza in cui la tensione emotiva è sempre a livelli altissimi. Un film intimo, crudo ed emozionante, capace di impressionare, commuovere e stimolare in profonde riflessioni.

La storia di Ron Kovic è la storia di uno dei tanti giovani americani che sono partiti per il Vietnam convinti di fare la cosa giusta per se stessi e per il loro paese ma che l’orrore della guerra prima e il decorrere dei fatti poi ha condotto verso una progressiva presa di coscienza di quanto quella guerra fosse sbagliata. Nel film Oliver Stone pone l’accento su una quantità di temi correlati al conflitto asiatico che rendono la narrazione ricca e completa: su tutti il dramma dei reduci, l’incredulità e lo sbigottimento di giovani partiti da eroi e tornati tra sputi e insulti.

Quindi l’ipocrisia e la falsità della società americana che si vergogna dei propri giovani soldati tornati con qualche arto in meno e seduti su cigolanti sedie a rotelle; un’ipocrisia personificata mirabilmente nella figura della madre, che mentre riabbraccia il figlio tornato dalla guerra si preoccupa con lo sguardo di cosa possano pensare i vicini del quartiere.

Ma Nato il 4 luglio è soprattutto la storia di un viaggio. Il viaggio interiore che il giovane Ron vive dentro se stesso e che lo porterà, dopo un’incredibile sofferenza, a prendere atto di se, della propria nuova condizione e di tutto quello che lo circonda. Il percorso che inizia con quell’arruolamento volontario e termina con il suo primo intervento ad un congresso democratico in nome della pace simboleggia la maturazione non solo di un singolo ma, forse, di un intero popolo che realizza quanto sia stato sbagliato sporcare le mani dei propri giovani col sangue di poveri contadini lontani migliaia di chilometri.

Alla prima interpretazione in un ruolo drammatico, Tom Cruise è impeccabile nella parte del giovane americano modello prima e ancor più in quella del disperato e sbandato reduce paralitico poi. Un’interpretazione intensa, commovente e coinvolgente che domina su un film comunque arricchito da altre straordinarie interpretazioni; su tutte sottolineiamo quella dell’affettuosissimo padre di Ron, un bravissimo Raymond Barry, e soprattutto quella incredibile di Willem Defoe semplicemente perfetto nel ruolo del reduce arrabbiato e deluso che impreca contro tutto e tutti.

Nato il 4 luglio è un film meraviglioso che più di ogni altro riassume e sintetizza l’epopea americana in quello che è stato il suo più grande dramma moderno della storia recente; una guerra del Vietnam raccontata non attraverso i combattimenti, le marce nella giungla o i bombardamenti al napalm, ma vista dal prospetto della società civile, delle famiglie colte da quel dramma e dei giovani reduci in lotta per riaffermare la loro dignità.

Nato il 4 luglio, il libro

Nato il 4 luglio (Born on the Fourth of July) è basato sul libro, autobiografia scritta e pubblicata da Ron Kovic nel 1976.

Ron Kovic è un giovane americano nato il 4 luglio 1946 da una famiglia di religione cattolica e di sentimento tradizionalista. Nel 1964, ispirato dal presidente John Fitzgerald Kennedy, Ron, all’età di 18 anni, si arruola volontario nel corpo dei Marines, desideroso di servire la patria come i suoi antenati nella guerra di indipendenza americana e nelle guerre mondiali. Nell’ottobre 1967, con il grado di sergente, viene destinato a partire per la guerra del Vietnam, dove scopre la cruda realtà della guerra, unita anche al rimorso dopo aver ucciso accidentalmente un suo commilitone nel corso di una feroce battaglia in un villaggio pieno di civili innocenti uccisi.

Il 20 gennaio 1968 viene ferito gravemente alla spina dorsale durante un’imboscata, perdendo di conseguenza l’uso delle gambe e costretto in sedia a rotelle. Tornato in patria e decorato con la Bronze Star Medal, Ron, paralizzato e impotente, avendo difficoltà d’inserimento decide di dedicarsi all’attivismo pacifista e confrontarsi con gli orrori della guerra, finendo varie volte arrestato in varie manifestazioni di protesta nonostante in sedia a rotelle.

Nel corso dell’estate che segna il passaggio dalla scuola media al liceo, la scoperta della sessualità e una realtà sempre più scomoda le porterà verso nuove direzioni, alcune inaspettate. Stefano Mordini, noto regista di documentari, dirige e scrive assieme a Giulia Calenda e Silvia Avallone, Acciaio, trasposizione di uno dei più grandi successi letterari italiani degli ultimi anni.

In Acciaio Anna e Francesca hanno tredici anni e vivono a Piombino, città in cui la realtà dell’acciaieria Lucchini sembra essere l’unica possibilità di vita. Sognano un giorno di poter cambiare le loro esistenze, ma in realtà desiderano soltanto lasciarsi alle spalle una vita fatta di famiglie spezzate. Al lato opposto c’è Alessio, fratello di Anna, operaio amante del suo lavoro, saldo nei suoi principi, innamorato da sempre di Elena, che ritorna in città dopo aver avuto altre esperienze lavorative, nonostante sia passato tanto tempo, i due non si sono mai dimenticati.

Acciaio è stato presentato per la prima volta durante la 69° Mostra del Cinema di Venezia nelle Giornate degli Autori e porta sullo schermo la realtà di questa fabbrica senza però scendere nelle relazioni umane associate a questo lavoro, molto più forte è la situazione delle due ragazze che si ritrovano ad  attraversare e crescere in questo mondo operario, soffrendo nel relazionarsi con quest’ultimo e quindi trovarsi a vivere un “adolescenza a metà potenziale”. Acciaio punta sulle due esordienti Matilde Giannini e Anna Bellezza cambiando così lo sguardo e la profondità che aveva la fabbrica nel libro. Il regista ci tiene a mostrare la realtà e le domande delle ragazze, però sottovalutando la realtà in cui vivono i giovani operari toscani e su cui si basano molte realtà limitrofe riducendo, così, il tono che porta con sé il libro.

Acciaio, il film

Inoltre poco accennato è il ritorno sul grande schermo della classe operaia che prende bene le distanze dall’ideologia politica ed inquadra esclusivamente la vita di Alessio (Michele Riondino – Dieci Inverni) un ragazzo (ormai) padre di famiglia cresciuto con dei valori ed appassionato del suo lavoro, da apparire quasi un eroe anomalo, perché sembra accontentarsi della sua vita senza ambizioni, dall’esistenza quasi leggera ma bella anche se continuamente precaria. Altro personaggio sfuggente e poco approfondito è Elena (Vittoria Puccini – Magnifica Presenza) che pur trovandosi in una situazione privilegiata, lontana dalla fabbrica e della sua vita dura ne è coinvolta emotivamente, un personaggio che scappa dalla città e che riflettere troppo velocemente sulle ipotesi di un futuro che non deve essere per forza altrove. Una donna indecisa e sbilanciata rispetto alle giovani adolescenti, che sembra non avere né la forza né il coraggio di decidere della sua vita.

Quindi anche se vediamo la fabbrica sin dai titoli di testa che con la sua attività incessante cerca di riflettersi con delle immagini-metafore nelle storie coinvolte nella pellicola, (il fuoco che plasma la materia prima di solidificare) queste vite in realtà sono troppo fragili per sostenere tutto il processo, anche quello del film. Anche se lo stile e il tono di regia sono delicati e rispettosi senza lasciarsi andare a banalismi, c’è sempre il rischio del fraintendimento o della doppia lettura, segnato forse da delle azioni poco incisive per personaggi così complessi.

Presentato in concorso al Festival di Cannes 2012 e vincitore del Gran Premio della giuria arriva nelle sale il nuovo film di Matteo Garrone (Gomorra), fra i pochi in Italia ad essere autore di un cinema capace di raccontare storie personali ma allo stesso tempo raggiungere ampio respiro e grandi platee. Non è da meno quest’ultimo lavoro, Reality, un racconto fortemente radicato nel territorio e sul filo del rasoio fra realtà e sogno, fra aspirazioni e illusioni, fra contorni fiabeschi e grande virtuosismo registico.

Reality racconta una storia semplice: Luciano è un pescivendolo napoletano che per integrare i suoi scarsi guadagni si arrangia facendo piccole truffe insieme alla moglie Maria. Grazie a una naturale simpatia, Luciano non perde occasione per esibirsi davanti ai clienti della pescheria e ai numerosi parenti. Un giorno, spinto dai familiari, partecipa a un provino per entrare nel Grande Fratello. Da quel momento la sua percezione della realtà non sarà più la stessa.

Reality, il film

Nella sua semplicità, quello che colpisce di Garrone è senza dubbio la capacità di mettere in scena una storia dalle innumerevoli sfumature e dai connotati di grande cinema, e nello stesso tempo capace di affrontare una riflessione sincera, umile ed innocente su un paesaggio contemporaneo e su un contesto sociale forse troppo legato alle apparenze e alle illusioni, allontanatosi troppo in fretta dai valori veri e dalle emozioni reali. Un paesaggio che assuefatto dalla società di consumi perde la testa e smarrisce la strada, perdendosi negli inganni e nei trabocchetti di una macchina divoratrice di sogni e di speranza. Ma la favola descritta dall’autore è anche qualcosa di estremamente leggero, tanto da diventare un viaggio attraverso i meandri di un giovane Pinocchio che ben presto dovrà fare i conti con il grillo parlante e con la realtà della sua esistenza, fatta di una famiglia  e di amici che lo amano e che lo sostengono anche e soprattutto nei momenti difficili, peccando forse d’ignoranza, ma diventando un parafulmini infallibile dalle saette della “macchina del consumo” grazie alla loro innocenza.

Reality ancora una volta è girato magnificamente, con sorprendenti piani sequenza, che confermano la grande padronanza del linguaggio del regista, sottolineati e raffigurati in uno splendido gioco di luci e ombre che è l’ultima fotografia del grande Marco Onorato. Da menzione speciale in fine è la “favolosa” partitura di Alexander Desplat che sostiene la messa in scena del regista e portano il film in una dimensione fiabesca di grande fattura, com’è del resto anche l’interpretazione di tutto il cast principale. Se bisogna trovare un neo a questa pellicola è forse nel ritmo che presenta i punti di debolezza, generati prevalentemente da una sceneggiatura a tratti ridondante che tuttavia, non impedisce alla spettatore di arrivare nella splendida sequenza finale, un vero fiore all’occhiello del cinema contemporaneo.

Arriva al cinema ParaNorman, il nuovo film in stop-motion diretto da Chris Butler e Sam Fell e distribuito dalla Universal Pictures. Nella piccola e tranquilla cittadina di Blithe Hallow il giovane Norman Babcock non ha una vita semplice e felice. Apparentemente normale ed uguale agli altri ragazzi, il nostro Norman ha una dote non proprio convenzionale: può vedere e parlare con gli spiriti…coloro passati a miglior vita.

Questa particolarità gli crea non pochi problemi dovuti alla diffidenza e allo scetticismo della gente; in casa deve sorbire le quotidiane ramanzine di un padre disperato nel vedere un figlio tanto strambo oltre al dileggio da parte di Courtney, una sorella alquanto altezzosa. Solo la madre cerca di comprenderlo e giustificarlo pur palesando una certa inquietudine verso le stranezze del figlio.

A scuola le cose non vanno di certo meglio in quanto il nostro giovane protagonista è puntualmente oggetto di scherzi e battute che hanno come ispiratore principale Alvin, il classico bullo della scuola tutto muscoli e niente cervello. E’ così a Norman non rimane che l’amicizia di Neil, un ragazzino grassottello e pavido con cui condivide una solitudine forzata.

Intanto a Blithe Hallow è prossimo l’anniversario della morte di una terribile strega che duecento anni prima lanciò una maledizione sul giudice e la giuria che sentenziarono la sua condanna. Lo zio di Norman, uno svitato ed eccentrico eremita, unico a riconoscere le capacità occulte del nipote, lo avvertirà che solo lui è in grado di leggere la formula per evitare il ritorno della strega pronta a invadere la tranquilla cittadina con un piccolo esercito di zombie e dare così compimento alla sua maledizione…sarà in grado il giovane Norman di salvare la comunità?

In uscita nelle sale italiane dal prossimo 11 ottobre, ParaNorman  è l’ultimo prodotto della premiata ditta Focus Feauteres e LAIKA già note per il precedente successo di Coraline e La porta magica. Come per Coraline anche per ParaNorman  assistiamo all’uso della tecnica in stop-motion con la particolarità, non trascurabile, di vedere combinata questa tecnica con la concezione stereoscopica ossia fotografata in tredimensioni.

LAIKA ha una lunga storia nello studio e nella sperimentazione animata in stop-motion, basta ricordare che ha dato un contributo tecnico fondamentale ad un altro lungometraggio, poi premiato con l’Oscar, La sposa cadavere diretto nel 2005 da Tim Burton. ParaNorman si propone quindi un risultato ancora più sorprendente che, associando le due tecniche, ambisce a realizzare un film in cui lo spettatore si senta davvero parte integrante, protagonista in ogni singola sequenza.

Per chi non conoscesse la tecnica stop-motion accenniamo semplicemente al fatto che fotogramma per fotogramma gli animatori manipolano meticolosamente oggetti tangibili, veri, reali (sia personaggi che parti della scenografia) collocandoli su un piano di lavoro. Ogni inquadratura viene fotografata e le migliaia di inquadrature sono poi proiettate in sequenza animandosi in un movimento continuo. Questo per rendere l’idea dell’enorme mole di lavoro affrontato dai tecnici e dalla coppia di registi che hanno reso possibile questo film di animazione: Sam Fell e Chris Butler.

Il risultato è indubbiamente interessante e ammirevole. La tecnica stop-motion conferisce un realismo agli oggetti così come ai personaggi che va oltre la semplice animazione mentre la tecnica stereoscopica dovrebbe aggiungere quel pizzico di magia di ultima generazione (essendo la stop-motion  una tecnica ben più datata). E qui sorgono i nostri dubbi nel senso che il 3D non conferisce quel qualcosa in più che ci aspetterebbe, non riesce a proiettarti dentro ad ogni sequenza, non lascia una traccia particolarmente tangibile. Riguardo la trama narrativa di ParaNorman  siamo in difficoltà nel catalogare questo film come un film per bambini, essendo a nostro avviso più adatto ad un pubblico che quantomeno parta dai 13-14 anni in su, sino agli adulti.

E’ vero che il mondo dell’horror con i suoi mostri, i fantasmi e gli zombie qui viene esorcizzato con una continua lettura comica e demenziale ma alcune sequenze sono di una tensione eccessiva per un pubblico troppo giovane. Quella di Norman è una storia semplice e non certo originale, la storia di un ragazzo diverso che fatica ad essere accettato in una società convenzionale e chiusa. Quindi la storia si inerpica su sentieri più tortuosi in cui ad un certo punto si crea una sorta di contrapposizione tra il mondo dei morti, gli zombie, e il mondo dei vivi, non meno zombie e non meno inquietanti; questa è la sfumatura che più ci è piaciuto sottolineare.

Il finale prende una tangente eccessivamente complicata e confusa, dove si vuole mescolare un insieme di luoghi comuni e sentimentalismi che ne riducono l’incisività e l’immediatezza. In ogni caso ParaNorman è indubbiamente un interessante modello di animazione proposta con criteri tecnici innovativi ed abbastanza efficaci, un film da vedere che sa far ridere e persino spaventare, un film per grandi e piccini, anche se non troppo piccini.