Neri Parenti ci propone Amici miei – come tutto ebbe inizio, il prequel di un famosissimo film del compianto e di recente tragicamente scomparso, Mario Monicelli: Amici miei, del 1975. Si intitola appunto Amici miei – come tutto ebbe inizio e uscirà il prossimo 16 marzo.

Per questo lungometraggio, Parenti si affida a una squadra di attori che almeno sulla carta sono una garanzia di divertimento e spensieratezza: Christian De Sica, Michele Placido, Giorgio Panariello, Paolo Hendel e Massimo Ghini. Del resto, il film è ambizioso, perché riprende un lungometraggio di successo degli anni ’70, figlio di un grande regista che bene ha saputo raccontare l’Italia tra gli anni ’50 e gli anni ’70.

Le burla della compagnia di “toscanacci” si svolge questa volta nella Firenze della fine del 1400, alla corte di Lorenzo De’ Medici. Duccio (Michele Placido), Cecco (Giorgio Panariello), Jacopo (Paolo Hendel), Manfredo (Massimo Ghini) e Filippo (Christian De Sica) sono protagonisti di scherzi e vicende vissute nell’intento di prolungare lo stato felice della giovinezza e fuggire dalle responsabilità della vita adulta. Neanche la peste li fa desistere dalle loro “zingarate”. Anzi quella drammatica situazione pare la più fertile per agire liberi ed indisturbati e dare seguito ai loro scherzi. Una città rinchiusa e spaventata è infatti l’ideale per far cadere dei malcapitati nelle beffe ordite dai cinque amici per esorcizzare la paura della morte con la vita.

E quando, dopo l’ultima beffa ai danni del legnaiolo ed eroe del calcio in costume Alderighi (Massimo Ceccherini), sembrano scarseggiare le vittime, perché non prendere di mira a sua insaputa proprio uno di loro? È così che Cecco diventa oggetto di una memorabile bravata dei goliardici amici. Bravata in cui giocherà la sua parte anche Lorenzo il Magnifico in persona. Amici miei ha già avuto due sequel, nel 1982 e nel 1985, ritenuti minori e meno originali del primo. E questo come sarà? Non resta che andare al Cinema per scoprirlo.

Metti quattro amici annoiati dalla routine alle prese con una partita di viagra da occultare, e ottieni un pugno nello stomaco, o se si preferisce, un dito nell’occhio, alla cattolicissima Irlanda. Ovvero, ottieni Holy Water.

Holy Water (Acqua santa) è un film diretto da Tom Reeve, prodotto nel 2009 dalla Feature Productions e distribuito in Italia da Mediterranea a partire dal prossimo weekend. Veniamo alla trama. Quattro amici di un tranquillo paesino sulla costa Irlandese, Killcoulin’s Leap, sono profondamente annoiati dalla monotonia del loro quotidiano. C’è chi fa il postino che butta le lettere che non gli interessano; un ragazzone meccanico con poco lavoro; l’albergatore che insieme alla sorella gestisce un alberghetto perennemente semivuoto, e un giovane ragazzo che vive con i suoi e con tanta voglia di evadere da quella monotona realtà. Tutti e quattro suonano in un localino, in cui vanno a ballare vecchietti che nemmeno badano alla loro musica.

Holy Water, il film

Quando i loro problemi raggiungono l’apice, al postino viene un’idea per arricchirsi: dirottare un furgoncino che trasporta Viagra diretto all’aeroporto, direzione Stati Uniti. Dopodiché rubare le casse contenenti la magica pillola blu, per poi rivenderla ad Amsterdam. Ma i quattro sono alquanto impacciati e imbranati e il piano si complica; inoltre sulle loro tracce ci si mette pure una squadra SWAT americana dalle tecnologie avanzate e l’aspetto tipicamente severo. Decidono così di buttare i fusti in un pozzo, contenente le falde acquifere che dissetano l’intero paese. Ed ecco che il tranquillo e sonnacchioso paesino irlandese si trasforma in un’inaspettata Sodoma e Gomorra…

Terzo film per Tom Reeve, essendosi occupato, nella sua trentennale carriera, come vedremo dopo,  soprattutto di produzione. In Holy water sfrutta tutte le caratteristiche tipiche irlandesi: paesaggi mozzafiato, ironia verso gli inglesi e gli americani, bigottismo cattolico, té, Guinness, paesini tranquilli immersi nel verde; contrapponendo il tutto con un inaspettato evento esterno che travolge siffatti equilibri e stereotipi. Ci aggiunge anche un classico stereotipo americano, quello degli attrezzatissimi e severissimi SWAT che si mettono sulle tracce dei ladruncoli improvvisati. Il risultato finale è un film piacevole, divertente, ma che non fa scompisciare dalle risate come forse ci si aspetta conosciuta la trama.

Tornando al regista, che dicevamo essere Tom Reeve, ha diretto solo tre film (compreso questo). I precedenti sono una commedia “Diggity – A Home at Last” (2001) e un fantasy “George and the Dragon” (2004). La sua carriera è per ora caratterizzata soprattutto per altri ruoli, principalmente come aiuto regista, ma anche come produttore di diversi film tra la fine degli anni ’80 ed inizio 2000, nonché di film per la tv e telefilm. Holy water potrebbe essere l’inizio di una brillante carriera da regista.

Questo weekend saremo già al mare, perlomeno andando al cinema. Esce nelle sale infatti Tutti al mare, opera prima dell’esordiente Matteo Cerami, cognome pesante, che dirige una commedia scritta appunto dal padre Vincenzo, che ha anche una parte nella pellicola.

Anche Tutti al Mare è un “figlio d’arte” visto che la diretta ispirazione, come conferma lo stesso regista è Il casotto, film del 1977 di Sergio Citti, sempre scritto da Vincenzo Cerami e prodotto da Gianfranco Piccoli, provocatore e produttore di quest’ultima opera. Provocatore perché è stato lui ad avere l’idea di ritornare sulla spiaggia di Casotto e vedere come sono cambiate le cose. Nel film di Citti il protagonista principale era appunto un casotto di uno stabilimento di Ostia, dal quale non si usciva mai e nel quale entrava ogni possibile umanità, anche una giovanissima Jodie Foster, oltre che un esordiente Luigi Proietti.

Tutti al Mare di Matteo Cerami invece il protagonista è un chiosco fronte mare , nel quale entrano ed escono personaggi e animali. La storia inizia e finisce in una giornata d’estate in uno stabilimento romano gestito da Maurizio (Marco Giallini) scapolo con madre a carico che accoglie, viene sfruttato e sfrutta i suoi avventori con prezzi al limite dell’usura per una sdraio e ombrellone. Attorno a lui si sviluppano le storie dei bagnanti del weekend, personaggi che sono in bilico tra il buffo e il patetico, tra la commedia e la tragedia.

Tutti al mare, ci tiene a sottolineare il produttore, non è un seguito de Il casotto, ma un nuovo esperimento: laddove il film di 34 anni fa descriveva dei personaggi tipici dell’Italia di quegli anni, qui si tenta lo stesso procedimento e ne viene fuori, sempre per usare le parole del produttore, un’Italia “spiaggiata”. Dal canto suo, Vincenzo Cerami sottolinea come Il casotto fosse un film claustrofobico mentre Tutti al mare è un film in cui c’è l’esatto opposto, c’è troppo “fuori” che entra nella storia, è un film agorafobico. Ovviamente, i riferimenti all’illustre predecessore sono vari e sparsi qua e là nel film, e prendono forma nella figura di Ninetto Davoli, che interpreta un pescatore che vende pesce veramente fresco e “trote di mare”, tipiche della zona,  che quindi fa da collante, insieme a Proietti, tra il passato ed il presente, oltre che fornire un legame anche con un altro personaggio, Pier Paolo Pasolini, che viene ampiamente citato in una scena in cui i due ragazzi immigrati che lavorano nel chiosco di Maurizio reinterpretano il finale di “Che cosa sono le nuvole?”.

Ad omaggiare definitivamente Sergio Citti ci pensa invece il personaggio di Gigi Proietti, che lo inserisce tra i sette re di Roma. Altre citazioni sono sparse nel film, ma ben nascoste, come ha piacere di sottolineare lo sceneggiatore Vincenzo Cerami. E’ un film corale, in cui ogni personaggio ha un proprio spazio di azione, come nell’avanspettacolo in cui i personaggi si alternavano incrociandosi ma senza mescolare le loro storie. Questa forse una delle pecche del film, i personaggi sono tanti e tutti molto ben delineati, forse sono  troppi per un film di soli 95 minuti.

Ed in effetti il film ha un cast che mette insieme il passato e il presente del cinema italiano; dai già citati Proietti e Davoli, poi Anna Buonaiuto, che interpreta una diva della televisione molto sopra le righe, Ilaria Occhini, passando poi per Marco Giallini, Ennio Fantastichini, un’apparizione di Valerio Mastrandrea fino ad arrivare alle nuove leve Francesco Montanari, Ambra Angiolini e Libero De Rienzo, tutti quanti veramente nella parte. E addirittura Pippo Baudo nei panni di se stesso.

Il Rito è un horror nel mondo degli esorcisti che uscirà in Italia l’11 Marzo. La storia è ispirata alle esperienze reali (per il Vaticano e per chi ci crede) raccontate nel libro, dall’omonimo titolo, di Matt Baglio.

Il protagonista, Michael Kovak (Colin O’Donoghue) è un seminarista combattuto tra scetticismo e desiderio di fede. Viene mandato a Roma per formarsi come esorcista e qui conosce Padre Lucas (Anthony Hopkins) che lo porterà a tastare con mano la presenza del maligno. E’ difficile evitare, durante la visione di Il Rito, che il pensiero non vada a The Exorcist (L’Esorcista) di William Friedkin, il suo avo famoso del ’73, e alla sua stirpe fatta di prequel, sequel e versioni integrali fatte per rinnovarne i fasti con le generazioni future di giovani spettatori desiderosi di volti satanici e corpi che si contraggono. Il regista Mikael Håfström (suo, 1408, horror diretto nel 2007)  si confronta quindi con un film di genere i cui stilemi sono ormai ben marcati. Sembra saperlo e in alcuni momenti si concede opportuni spunti ironici che hanno anche il pregio di cercare costruzioni di climax attraverso vie leggermente più insolite.

Inevitabile però l’ortodossia ai più consolidati cliché soprattutto nei momenti risolutivi della fine, complice una sceneggiatura per nulla originale fondata su un esile messaggio di fede (che molto ricorda il Mel Gibson di Signs, diretto da M. Night Shyamalan nel 2002 ). Il tutto è scandito da una schematica strutturazione didascalica. Ortodossia al genere e ortodossia al contenuto, in Il Rito,  sono freni all’immedesimazione con il paranormale (dimensione in cui un mondo trasfigurato aiuta molto) ancor più per un pubblico italiano: l’ambientazione romana (esotica, forse, per gli americani) con annesse comparse che si esprimono in idioma romanesco (questo nella versione con audio originale; starà al lavoro di doppiaggio scegliere la via da seguire) strappano sorrisi. Del resto spesso gli horror dividono la sala tra quelli che sorridono e quelli che si coprono gli occhi. Un altro buon motivo per vedere Il Rito in lingua originale è l’interpretazione di Anthony Hopkins nel ruolo di Padre Lucas. Il suo personaggio è interessante. Ha un animo giocoso e ironico che usa come arma contro il Male con cui si confronta.

Molti dei meriti sono però proprio di Hopkins (scherzoso, cupo, demoniaco) che riesce a dare spessore e umanità al suo ruolo e a salvare le troppe banalità di Il Rito. Padre Lucas poteva essere l’ennesimo elemento anonimo e invece, nell’interpretazione di Hopkins, risolleva le infantili argomentazioni dello sceneggiatore  Michael Petroni che si confronta, in modo superficiale, con il controverso legame tra bene e male. Per fortuna l’Hannibal Lecter per antonomasia con le sfumature del male ha già avuto confidenza proprio con un altro cult capostipite di seguiti: Il silenzio degli innocenti (Johnatan Demme, 1991 ).

Colin O’Donoghue (Proof, 2005) nel ruolo del protagonista è, al contrario, chiuso in una scarsa espressività. Il personaggio di Michael Kovac risulta piatto e privo di sfaccettature anche nella sua crisi mistica molto schematizzata. Alice Braga (Predators , 2010) ha il ruolo di Angelina, la giornalista scettica che si rispecchia nei dubbi di Michael. Risulta altrettanto anonima, ma nel suo caso molto più per demeriti della sceneggiatura che la relega a personaggio puramente accessorio. Di certo Il Rito non è un film memorabile ( come spesso accade per i film di genere ) ma un buon Hopkins e l’ortodossia al genere lo rendono adatto ad una serata poco impegnata tra amici, magari divisi tra chi si fa qualche risata e chi si copre gli occhi.

Arriva al cinema distribuito da Walt Disney Pictures Italia Gnomeo & Giulietta, il film di d’animazione diretto da Kelly Asbury, con le voci originali di James McAvoy e Emily Blunt.

“Oh Gnomeo Gnomeo, perché sei tu Gnomeo!” Recita così la “nana” da giardino Giulietta nel nuovo cartoon di Kelly Asbury (Shrek 2), che trae evidentemente ispirazione dall’immortale e irripetibile tragedia di William Shakespeare.

Si parla di Gnomeo e Giuletta 3D, un film di animazione ambientato a Verona Street nei giardini di due vicini di casa londinesi. I protagonisti sono i nani da giardino che non appena i padroni sono lontani, escono allo scoperto, vivendo la loro vita. Abbiamo già visto, ad esempio in Toy Story, come si può lasciare spazio alla fantasia e all’immaginazione nel dar vita a “oggetti inanimati”, ma qui c’è l’aggiunta della rivalità epocale tra i due giardini/casate, quella dei Rossi e quella dei Blu. Giorno dopo giorno, i nani appartenenti ai due diversi giardini, portano avanti una ‘faida’ continua, tra sfide in sella ai tagliaerba e incursioni notturne in territorio nemico. Un giorno però, mentre Gnomeo, uno dei più giovani nani dei Blu, fugge dopo un’incursione nel giardino dei Rossi, incontra Giulietta, una bellissima nana dei Rossi, fuggita dal padre iperprotettivo. Tra i due nani, esplode subito un amore incondizionato, che supera ogni barriera o divisione “razziale”. Ma il loro amore è destinato alla condanna, o almeno questa è la storia dei più famosi Romeo e Giulietta…

Decisamente più infantile rispetto agli ultimi prodotti Pixar, Gnomeo e Giulietta 3D è un cartoon che, eccetto alcune trovate registiche e una sceneggiatura a tratti molto divertente, non convince fino in fondo. Due dei personaggi più riusciti sono senz’altro la rana, Nanette, “balia” di Giulietta, e il fenicottero, Piuma Rosa, amico della coppia. Uno straordinario supporto al film è dato dalla musica di Elton John, Lady Gaga e Nelly Furtado, che cantano le canzoni della pellicola, creando un mix perfetto tra la classicità della storia d’amore e la contemporaneità della musica pop.

Un discorso a parte è doveroso farlo sul doppiaggio italiano creato dalla Disney Italia. I Rossi parlano un siciliano, napoletano e calabrese poco credibile. I blu parlano un fastidioso emiliano, torinese e milanese. A parlare il romano, unica eccellenza nel doppiaggio, è lo spassoso “Piuma Rosa”, doppiato eccellentemente da Francesco Pannofino. In generale un’operazione di doppiaggio mal riuscita e notevolmente stridente, ma d’altronde era facile snaturare un film che in lingua originale vede doppiatori del calibro di James McAvoy, Emily Blunt, Michael Caine, Maggy Smith, Ozzi Osbourne e Jason Statham.

Gnomeo e Giulietta 3D, dopotutto è un cartoon per i più piccini e a loro piacerà senz’altro, forse i genitori storceranno il naso, o forse no, ma questo lo potrete scoprire solo dal 16 marzo 2011 nei cinema.

Esce nelle sale italiane il prossimo 16 Marzo Tournée di Mathieu Amalric, attore francese pluripremiato, ora regista di un film che all’ultimo Festival di Cannes ha vinto proprio la palma d’oro per la miglior regia. Forte di questo, ci si concentra sulle immagini e la storia perché i dialoghi, complice quasi certamente la traduzione in italiano, sono a volte incomprensibili.

La storia principale di Tournée riguarda un gruppo di personaggi; da questi partiranno poi due racconti: motore della storia principale è Joachim, ex divo della televisione francese, fuggito in America a cercare fortuna, torna in patria come impresario con un carico di ballerine di New Burlesque nel quale vede vita, vitalità e novità. Le ha riunite scegliendole in varie città statunitensi, ognuna con una caratteristica diversa e una storia da raccontare, ognuna con un suo modo di interpretare il burlesque di cui però tutte e quattro rappresentano l’essenza principale: non è un gioco per rifatte dai corpi perfetti, ma piuttosto donne che così prendono in giro i loro difetti e mettono in gioco se stesse e il pubblico, finendo poi con apprezzare anche quello che non va.

Tournée, film

Joachim le ha selezionate una ad una, perché normalmente lavorano da sole, tra di loro c’è anche un uomo, e ha promesso loro una tournée in Francia, prima nelle città più piccole e di porto, per poi arrivare a Parigi. Sulla strada per la capitale però capita un imprevisto e Joachim deve abbandonare il suo gruppo per correre a Parigi a risolvere il problema, ritornando di colpo in quella realtà che aveva abbandonato: l’amico ex collega regista televisivo di successo che lo aiuta con molti sforzi e poca voglia, l’impresario parigino che ha rimpiazzato lo spettacolo di sconosciute glitter di Joachim con uno spettacolo serio che ha però per protagonista una star, una vecchia fiamma che non aspettava di vederlo per potersi finalmente infuriare per il trattamento ricevuto.

Persa ogni speranza di riconquistare Parigi, Joachim torna dal gruppo di signore americane che chiedono di vedere la Francia, ma che per ora vedono solo filtrata dalle catene di alberghi tutti uguali, in cui lavorano concierge del tutto simili (è in realtà lo stesso attore che fa lo stesso ruolo in due hotel differenti) che ormai è la sua nuova famiglia. La sensazione che si ha guardando Tournée è quella di assistere ad un esperimento di incrocio culturale: Amalric prende infatti delle ultraquarantenni attrici di avanspettacolo e le mette in gioco in un’ambientazione a loro totalmente estranea, per vedere cosa succede.

L’idea di Tournée viene da un libro degli inizi del secolo scorso di Colette, “L’altra faccia del Music Hall” poi contaminato da un articolo sul new burlesque che il regista lesse più di sei anni fa. L’operazione, più che far interessare alla disciplina dello spettacolo, ormai di gran moda, si concentra sulle donne e su cosa le spinge e che cosa esprimono attraverso questo spettacolo. Amalric porta sullo schermo la vita di queste donne che hanno trovato in questa arte un sistema per affrontare i loro problemi sia di accettazione del proprio fisico che un modo per avere la possibilità di dimenticare o sminuire una situazione familiare magari difficile.

Delle quattro donne protagoniste non conosciamo niente di più che il nome, Amalric lascia infatti che siano i loro corpi a parlare, i tatuaggi le rughe, le pance e i fondoschiena. Su di loro infatti la macchina da presa indugia in dettagli molto stretti, mentre l’impresario Joachim è quasi sempre ripreso inquadrato in qualcos’altro, una volta la cabina telefonica, in un altro momento è l’apertura sul palco che gli permette di vedere una delle ragazze mentre mette in scena in suo spettacolo. D’altra parte Joachim e le performers sono rappresentazioni di due stati d’animo opposti: la libertà che le donne hanno trovato attraverso il burlesque e dall’altro lato la costrizione, data dalla famiglia, dalle amicizie, dalla rigidità degli schemi, come ad esempio quello che non permette al concierge di abbassare la musica dell’albergo perché “è stata programmata così”, in cui invece fino a quel momento ha vissuto Joachim.