Arriva al cinema, e per ora esclusivamente al cinema, Come un gatto in tangenziale – Ritorno a Coccia di Morto, seguito della fortunatissima commedia che ha infiammato le sale italiane all’inizio a cavallo tra il 2017 e il 2018. Il film, in cantiere da molto e pronto per la distribuzione, è “rimasto fermo ai box” per molto tempo, in attesa di ricevere una distribuzione adeguata alle ambizioni al box office del film di Riccardo Milani. La pandemia ha infatti ritardato i piani di distribuzione, e adesso sembra finalmente arrivato il momento giusto per far arrivare in sala il film. Appuntamento quindi in anteprima nazionale a Ferragosto, e poi dal 26 in tutti i cinema. 

Come un gatto in tangenziale – Ritorno a Coccia di Morto, la trama

In Come un gatto in tangenziale – Ritorno a Coccia di Morto tre anni dopo, mentre Alessio e Agnese si rincontrano in un pub di Londra, a Roma Monica finisce in carcere per colpa delle gemelle che nascondevano merce rubata nei fusti dell’olio di “Pizza e Samosa”, e chiama Giovanni (Antonio Albanese) in cerca di aiuto. Il nostro “pensatore”, ora legato alla giovane e rampante Camilla (Sarah Felberbaum), è impegnato in un progetto di recupero di uno spazio in periferia. Per far uscire Monica di prigione, Giovanni riesce a far commutare la detenzione con un lavoro nella parrocchia di San Basilio guidata da Don Davide (Luca Argentero), tanto bello quanto pio. È così che le vite di Monica e Giovanni si intrecciano nuovamente ma questa volta, pur con le solite differenze del caso e i mille guai in cui si cacceranno, tra i due sembra nascere una vera storia d’amore. Intenzionati a rivelare al mondo la loro relazione, organizzano un pranzo a Coccia di Morto con tutta la famiglia, compresi Sergio (Claudio Amendola), Luce (Sonia Bergamasco) e ovviamente i due ragazzi. Ma è proprio qui che succede l’impensabile…

Il regista Riccardo Milani si è lasciato ispirare dall’accoglienza e dalla semplicità di una piccola parrocchia, per creare il giusto contesto che raccontasse la necessità di avvicinarsi umanamente l’un l’altro, con buona pace del distanziamento.

Un ritorno a casa

Come per il primo film, anche Come un gatto in tangenziale – Ritorno a Coccia di Morto si costruisce tutto intorno alla splendida alchimia tra Paola Cortellesi e Antonio Albanese, che si fanno centro di un gruppo colorato e vivacissimo, arricchito da una serie di nuovi personaggi che non mancano di regalare sorprese e sorrisi. Un film che si colloca perfettamente dentro ad un filone cinematografico nostrano rassicurante e pacioccone, come un’anziana zia di paese. Chiaramente Milani lo sa, ed è precisamente quel tipo di prodotto che vuole offrire agli italiani, anche perché gli riesce perfettamente, con garbo e stile.

Con quella giusta quantità di risate, dovuta ovviamente all’indubbia bravura di due ottimi protagonisti, Come un gatto in tangenziale – Ritorno a Coccia di Morto non impegna nessun tipo di riflessione o di coinvolgimento emotivo. Resta però la sensazione di essere affezionati a Monica e Giovanni, alle loro differenze e alle loro affinità (poche), come a due vicini di casa chiassosi ma simpatici.

Arriva anche in Italia, dopo un buon risultato al botteghino americano, Come ti spaccio la famiglia, la nuova commedia del regista di Dodgeball, Rawson Marshall Thurber, scritta dagli sceneggiatori di 2 single a nozze. La pellicola con protagonisti Jennifer Aniston, Jason Sudeikis, Ed Helms, Emma Roberts, Will Poulter e Molly C. Quinn racconta la storia di David Burke (Jason Sudeikis), uno piccolo spacciatore di marijuana.

In Come ti spaccio la famiglia tra la sua clientela annovera cuochi e mamme borghesi ma niente ragazzini, dopotutto, si considera un uomo con scrupoli. Cosa potrebbe andare storto, quindi? Beh, diverse cose. Malgrado tenti di passare sempre inosservato, impara nel peggiore dei modi che nessuna buona azione va impunita quando per aiutare dei teenager locali si trova ad essere aggredito da un gruppo di punkabbestie che gli ruba la ‘roba’ e il contante, lasciandolo in debito pesante con il suo fornitore, Brad (Ed Helms). Per poter rimettere ogni cosa a posto, e soprattutto salvare la pelle, David deve passare allo spaccio di droghe pesanti e si trova, così, a collaborare all’ultima operazione di Brad: un carico in arrivo dal Messico. Coinvolgendo loro malgrado i propri vicini: la cinica spogliarellista Rose (Jennifer Aniston), il suo smanioso ‘cliente’ Kenny (Will Poulter) e la tatuata e astuta teenager Casey (Emma Roberts), David organizza un piano perfetto: una moglie e due figli finti. A bordo di una lucida roulotte, i “Miller” si dirigono verso il confine meridionale degli USA.

Come ti spaccio la famiglia, il film

Come ti spaccio la famiglia (We’re the Millers) è una divertente commedia americana, in perfetta sintonia con il filone di moda di questi ultimi anni. Infatti, prende spunto da una certa schiera di registi (Phillips, Apatow) che hanno dato in la a un nuova serie di film raccogliendo l’eredità dei vari Farrelly, Stiller. In sostanza, una comicità incentrata tutto sul gioco degli equivoci, dell’ironia del mito americano, e, non ultima, su una certa volgarità sotto le righe (non del tutto) che via via sta diventando la cifra espressiva che contraddistingue questa tipologia prodotto.

Il film del regista Rawson Marshall Thurber rispecchia in pieno gli stilemi di quella comicità che negli anni è risultata essere vincente, non a caso il film ha ottenuto in patria un buon successo, raddoppiando l’investimento. Quello che viene fuori è un film un po’ ingessato in una prima parte scontata e prevedibile, ma che nella seconda parte si mostra in tutta la sua irriverenza e arroganza, regalando dei momenti di assoluto divertimento che faranno la gioia di coloro che al cinema cercano leggerezza e comicità facile. La parte vincente di questa pellicola è senz’altro una sceneggiatura ben calibrata e curata nella caratterizzazione dei personaggi. Il film regge anche nella costruzione di avvenimenti al limite del credibile, spesso accompagnati da gag ben congeniate e dialoghi ben assortiti. Il resto lo fa il cast di attori, perfetti nel ruolo e mai sopra le righe, sempre al servizio della storie a delle battute. Come ti spiaccio la famiglia non sarà certo una commedia dallo humor inglese però mostra con orgoglio l’efficacia e la padronanza con la quale gli americani costruiscono dei film sempre godibili e funzionali al loro scopo.

Arriva nelle sale il 22 agosto Come Ti Divento Bella, la commedia scritta e diretta da Abby Kohn e Marc Silverstein e interpretata da Amy Schumer.

Quando non recita la parte di se stessa senza filtri e diventa semplicemente lo strumento migliore per raccontare il disagio e le contraddizioni dell’essere donna negli anni duemila, Amy Schumer riesce a risultare molto più gradevole e affettuosa di quella che abbiamo visto (e amato) esibirsi nell’ambito della stand-up comedy. Ma già in Trainwreck – Un disastro di ragazza, dove era diretta da Judd Apatow, aveva dato prova del talento variegato, della capacità di cambiare registro e del lato sensibile che si nasconde sotto le battute a sfondo sessuale (il vero cavallo di battaglia dei suoi sketch).

Dalla difficoltà di impegnarsi in una relazione alla paura di non venire affatto notati, al giorno d’oggi è una questione di sfumature; ecco perché, per certi versi, i personaggi interpretati dalla Schumer in Trainwreck e Come ti Divento Bella non sono poi così tanto diversi, anzi dissimulano bene lo stesso dilemma generazionale affrontato frequentemente nella filmografia apatowiana e dalle voci della nuova commedia romantica: adulti – o presunti – vulnerabili, post-adolescenti sognatori disillusi sulla vita, si scontrano ogni giorno con la loro instabilità sentimentale e con il mito della perfezione, sfuggendone più per paura che per incapacità di affrontarli.

La soluzione più facile sembra essere il travestimento: indossare i costumi di qualcun altro, agire spinti dal potere di un’immagine esterna che giustifichiamo come “modello di ispirazione”, nella maggioranza dei casi esteticamente perfetta; la si può trovare ai limiti dell’umano (i supereroi) o agli angoli della quotidianità spacciata per tale (la moderna ondata di influencer è un ottimo esempio), insomma chiunque pur di evitare il confronto con il proprio sé inadeguato cerca qualcosa da emulare.

Cosa c’entra tutto ciò con Come ti divento bella? Tralasciando l’effetto contrario della traduzione italiana (non è un film sul processo del diventare bella, ma sul sentirsi bella, che è assai diverso), c’è un tema che di certo non solleva ma che contribuisce a rinsaldare la pellicola di Abby Kohn e Marc Silverstein, ovvero la relatività di un concetto banale su cui si edifica l’industria dell’intrattenimento, della moda, della pubblicità: l’aspetto fisico.

Un paio di anni fa Brie Larson denunciava un problema di fondo dei meccanismi di casting a Hollywood, cioè che alle ragazze non troppo belle o non troppo brutte non venivano offerte opportunità di lavoro. Discorso sacrosanto visto che mezzo secolo di produzioni americane è stato legato alla presenza di almeno una diva di bell’aspetto (Marylin Monroe, Lauren Bacall, Grace Kelly etc). Poi per fortuna è arrivata la commedia “d’autore” nei circuiti della stan-up, un varco sempre aperto dove tutte le attrici, soprattutto le più talentuose, potevano esprimersi uscendo fuori dagli standard tradizionali (Kristen Wiig, Melissa McCarthy, Sarah Silverman, Tina Fey, Kate McKinnon).

Amy Schumer, una vera regina della comedy, non ha esattamente la silhouette di Julia Roberts, né la sensualità di Scarlett Johansson, tuttavia rappresenta il prossimo canone di bellezza, l’unico davvero accettabile perché indefinito, imperfetto. Insomma lo stesso di una Lena Dunham qualsiasi. Cosa è bello e cosa non lo è siamo noi a stabilirlo, e dobbiamo riappropriarci di un potere che è in mano alle aziende, a chi fabbrica immagini plastificate e irrealistiche; un messaggio forte e chiaro lanciato dal film di Kohn e Silverstein che merita di sicuro attenzione. Per l’ironia con cui tratta l’ossessione dell’apparenza e il complesso di inferiorità delle nuove generazioni, per la cura che si prende dei personaggi (compresa l’imprenditrice di Michelle Williams), infine per la tenerezza che imprime sul percorso di redenzione della protagonista Renee, in fondo più vicina a noi di quanto sembri. Risate garantite e momenti di riflessione come poche volte capita confermano lo stato di salute di un genere sempre più indirizzato dalle donne e fiero di essere diversamente bello. 

Come ti divento bella: trailer italiano

In uscita nei cinema italiani il 5 ottobre, Come ti ammazzo il Bodyguard è una commedia made in Usa che ha già conquistato il cuore di molti spettatori sparsi per il mondo, arrivando a sfiorare l’incasso record di 400 milioni di dollari.

In Come ti ammazzo il Bodyguard la storia gira intorno all’improbabile collaborazione tra il bodyguard professionista Michael Bryce (Reynolds) e il killer su commissione Darius Kincaid (Jackson). Il sicario sarebbe infatti il testimone chiave in un processo contro il dittatore bielorusso Vladislav Dukhovich (Gary Oldman), accusato di crimini contro l’umanità. Gli innumerevoli tentativi da parte degli scagnozzi del dittatore di eliminare Kincaid falliranno miseramente grazie alla coalizione imbranata ma funzionale tra guardia del corpo e assassino. Diretta dal poco conosciuto Patrick Hughes, la pellicola è un concentrato esplosivo di action e humor,  realizzatosi grazie all’azzeccato sodalizio Reynolds-Jackson. I due attori protagonisti puntano tutto sulla loro verve comica, a cominciare dalla locandina ufficiale, dove un accigliato Reynolds porta in braccio un Samuel L.Jackson che pare non averne affatto bisogno.

Le citazioni del film Come ti ammazzo il Bodyguard

Partendo appunto dalla locandina, i riferimenti metacinematografici si fanno lampanti. Chi non ricorda la stessa posa nel poster de La Guardia del Corpo, con Kevin Costner e Whitney Huston? Ma non finisce qui. Con Come ti Ammazzo il Bodyguard siamo di fronte ad un genere di commedia che negli anni sta via via scomparendo. Ci riferiamo al genere parodistico tanto caro al cinema degli anni ‘70/80, dove titoli come L’Aereo Più Pazzo del Mondo, Una pallottola Spuntata, Il Mistero del Cadavere Scomparso, e moltissimi altri, facevano il verso ai più seri film di genere. Così accade che Come Ti Ammazzo il Bodyguard altro non sia che una divertita pantomima del genere action (con tanto di inseguimenti da manuale) , dove gli attori protagonisti non facciano altro che riproporre sé stessi nei ruoli che li hanno resi celebri.

Tra Tarantino e Deadpool

Ecco allora che Reynolds non è altri che un Wade Wilson/Deadpool in borghese, mentre Samuel L. Jackson torna a vestire i panni – ma soprattutto gli atteggiamenti, conditi di innumerevoli “motherfu**r!” – del Jules Winnfield di Pulp Fiction. La ciliegina sulla torta è poi una prorompente Salma Hayek, moglie del sicario più pericoloso del mondo ma altrettanto temibile, che porta con sé il palese rimando al suo leggendario personaggio Santanico Pandemonium nel mitico Dal Tramonto all’Alba. In definitiva, Come ti ammazzo il bodyguard è una leggera commedia parodistica, che non si prende troppo sul serio e si propone unicamente di far sorridere lo spettatore a colpi di gag dal sapore nostalgico.

Arriva alla Festa del Cinema di Roma, nella sezione Special Screenings, il nuovo documentario di Riccardo Cremona e Matteo Keffer Come se non ci fosse un domani, che esplora in modo incisivo le motivazioni e le azioni del movimento Ultima Generazione, che si batte contro il cambiamento climatico attraverso atti di disobbedienza civile. Con la consulenza dello scrittore Paolo Giordano e prodotto da Paolo Virzì, il progetto racconta le storie dei protagonisti di questa campagna, tra speranze, timori e una visione del mondo profondamente scossa dall’emergenza climatica.

(Non) c’è ancora domani

Il documentario si concentra sulla vita di cinque giovani attivisti, offrendo uno spaccato dei sacrifici e delle sfide che affrontano nel tentativo di far emergere un’urgenza globale. Le loro azioni, spesso controverse e al limite della legalità, includono blocchi stradali, imbrattamenti di edifici istituzionali e opere d’arte. Questi gesti estremi, che hanno attirato l’attenzione di media e politica, sono espressione di una generazione che si definisce “l’ultima” in grado di invertire una situazione climatica prossima al punto di non ritorno. Attraverso un linguaggio diretto e senza filtri, Cremona e Keffer narrano i retroscena di una lotta in cui il sacrificio personale viene posto al servizio del bene comune, creando un racconto corale carico di empatia e profondità.

Tra questi, c’è Michele Giuli, co-fondatore di Ultima Generazione, che racconta che il tutto è iniziato con un forte senso di ansia ed incertezza, che ha trovato una corrispondenza in alcuni video dell’agricoltore gallese e attivista ambientale Roger Hallam, in cui “era davvero furioso”. Vedere che la rabbia era assolutamente qualcosa di presente lo ha fatto sentire meno a disagio, confessa: questo sentimento serve a far capire alle persone che c’è un problema, convince perché trasuda convinzione. C’è poi Beatrice Pepe, che dice che fino a qualche anno fa pensava di sapere esattamente cosa volesse dalla vita: una bella casa in città, un armadio pieno di vestiti, ed è proprio sovvertendo le aspettative che si presenta ai dibattiti in televisione, vestita e truccata da “bella ragazza”. Conosciamo anche Chloe Bertini, che ha studiato danza per tutta la vita e afferma di aver voluto contribuire al cambiamento sociale tramite il ballo, rendendosi poi conto che fosse un sogno ingenuo: adesso, il suo corpo al posto di ballare blocca le strade. Grande attenzione è posta inoltre su Simone Ficicchia, attivista del collettivo ambientalista, che si distingue per il suo ruolo di primo piano in varie azioni di protesta contro l’uso dei combustibili fossili.

L’urgenza come motore

Tramite questi molteplici punti di vista, arriviamo a capire come è nata l’idea di un metodo di protesta provocatorio e controverso, che include imbrattare monumenti, fontane, palazzi e opere d’arte, al fine di veicolare un messaggio incisivo. La disobbedienza civile, per i membri di Ultima Generazione, deve uscire dagli schemi convenzionali, superando ciò che ci si aspetterebbe da un attivista, per sorprendere e scuotere chi osserva.

Così, davanti ai nostri occhi scorrono le immagini del blitz davanti a Palazzo Madama, il blocco del traforo del Monte Bianco, il fango davanti al tribunale di Bologna come flash-mob di protesta, l’imbrattamento del Consiglio regionale della Toscana e tante altre azioni tramite cui UG ha voluto veicolare l’urgenza di un cambiamento sociale e politico. I luoghi del potere, ingrigiti da smog e piogge acide, vengono colorati per alcuni secondi, fino a quando Ficicchia o altri attivisti, cessato il getto di vernice, si posizionano al centro della scena per spiegare i tre messaggi principali: chi è il collettivo Ultima Generazione, il perché della protesta – ovvero la richiesta al governo di interrompere i sussidi pubblici per le fonti fossili – e l’invito ai cittadini a unirsi alla resistenza civile. Le immagini di queste azioni sono pensate per lasciare un segno duraturo nella memoria di chi le osserva.

Cosa siamo disposti a fare per proteggere il nostro pianeta?

Come se non ci fosse un domani è un viaggio in una realtà complessa, dove la crisi climatica non è più un semplice problema, ma un contesto in cui l’umanità si trova a vivere quotidianamente. Il progetto di Cremona e Keffer non si limita a descrivere le proteste, ma cerca di andare oltre le immagini sensazionalistiche dei media, offrendo una narrazione profonda e onesta sulle motivazioni di una generazione che si sente inascoltata e priva di prospettive per il futuro. Sostanzialmente, affronta un tema di portata universale e invita lo spettatore a riflettere su cosa significhi, oggi, lottare per un domani migliore, ricordandoci che questa battaglia non riguarda solo pochi idealisti, ma è una questione collettiva.

Il cuore del documentario risiede proprio nella sua capacità di portare il pubblico a confrontarsi con un interrogativo profondo e personale: cosa siamo disposti a fare per proteggere il nostro pianeta? Questo film diventa quindi un invito ad agire, a mettere da parte l’indifferenza e a prendere posizione di fronte a una crisi climatica che non può più essere ignorata. Tutto ruota attorno al quanto è grande la conversazione che si genera, non quanto è esatta: lo sviluppo di un’auto-pedagogia, il collettivo che forma un’idea sul tema e se ne appropria, perchè capisce che non può più essere rimandata al tempo del futuro, che è anche quello dell’incertezza.

Mentre nei teatri di tutta Italia continuano a impazzare con il loro Felicissimo Show, Pio D’Antini e Amedeo Grieco – in arte Pio e Amedeo – arrivano anche nei cinema con il loro secondo film, Come può uno scoglio, diretti ancora da Gennaro Nunziante (Quo vado?, Sole a catinelle) come nel precedente Belli ciao. In attesa di Alessandro Siani e Fabio De Luigi, saranno loro a dover soddisfare la voglia di commedia del pubblico italiano, sulla quale punta molto Vision Distribution che dal 28 dicembre porta in sala questa commedia per tutti, o come la definiscono i due protagonisti, “un film sincero, onesto” nel quale la vera rockstar è proprio il regista, che è partito dall’osservazione delle dinamiche del duo per accompagnarli in una crescita che – a prescindere da tutto – appare evidente.

Come può uno scoglio, la trama

Stavolta, Pio è un ragazzo dal carattere debole e impacciato, al quale il defunto papà Salvatore, ricco costruttore, ha imposto le sue scelte regalandogli una vita agiata al fianco di Borromea (Francesca Valtorta), alla guida di una storica azienda vinicola e della famiglia che completano i due piccoli Ginevra e Manfredi. Una vita che cambia radicalmente quando don Boschin (Claudio Bigagli) gli mette accanto Amedeo, un ragazzo dal passato turbolento che dopo il carcere sta cercando di reinserirsi nel mondo del lavoro e che dovrà fargli da autista nella campagna elettorale che potrebbe portare Pio a diventare sindaco del paese dove vive, come si augurano gli imprenditori locali che lo hanno candidato per poterlo facilmente manovrare. Contro tutto e tutti, Pio verrà invece travolto dall’irruenza dell’altro fino a trovare il coraggio di mettere in discussione la sua vita, scavando nel proprio passato e nei tanti segreti che il padre gli aveva sempre nascosto.

Pio e Amedeo Vs Pio e Amedeo

Facile avere dei pregiudizi nei confronti di Pio e Amedeo, soprattutto dopo averli visti imperversare sul piccolo schermo nei panni degli intollerabili e incivili Emigratis che li hanno resi famosi, ma le differenze ci sono, come sottolineano loro stessi, consapevoli della necessità di cambiare quel registro per raggiungere un pubblico diverso. Più nazional-popolare, forse, come sembrerebbe suggerire il riferimento più che subliminale insito già nel titolo. Un pubblico da conquistare senza censurarsi, ma anche senza esagerare, come sanno i loro fan più convinti, e approfittando dell’occasione e del grande schermo per mostrarsi in grado di fare altro, grazie anche alla guida di un esperto come Nunziante.

“Nei live siamo più liberi“, ammettono Pio e Amedeo, qui comunque abbastanza a loro agio anche entro i limiti della sceneggiatura di un personalissimo Quasi amici del quale risultano anche come autori, insieme al regista, e nel quale si ammicca ai Blues Brothers e al Freddie Mercury di Wembley mentre si continua a fare ironia sui malcostumi italici (e sul potere della chiesa), limitando il politically incorrect a un breve riferimento al bere che Oltreoceano avrebbe fatto urlare alla celebrazione dell’alcolismo.

C’è molto del terrunciello di Giorgio Porcaro e Diego Abatantuono nei personaggi con i quali si spera di conquistare il pubblico di oggi, e di “distrarlo dai problemi della vita”. Un obbiettivo che il film sembra capace di raggiungere facilmente, nonostante una evidente disomogeneità tra l’ovvia chimica che sviluppa la coppia protagonista e le reazioni cartoonistiche o le faccette dei tanti comprimari. Elementi di un contorno che resta sullo sfondo e che non sostiene come potrebbe uno sviluppo che risolve le sue necessità narrativamente con qualche strappo e colpi di scena poco sorprendenti, ma che funziona proprio nel suo lasciare la scena alle due star, veri professionisti nello strappare la risata voluta.

In Come Pietra Paziente in un paesino senza nome dell’Afghanistan, una donna (Golshifteh Farahani) veglia il marito (Hamidreza Javdan) in coma. Lui è un eroe di guerra ferito da una pallottola al collo, lei un’invisibile compagna rimasta sola ad accudirlo. Fuori, nelle strade e nelle case, gli scontri e i bombardamenti, i miliziani che uccidono i civili, la mancanza di cibo e di acqua.

Disperata per la sorte che le toccherà se dovesse morire il marito, lei lo accudisce con cura, nella speranza che lui si risvegli. Le sue attenzioni, però, col tempo mutano: potendo parlare con il suo uomo senza ottenere risposte né giudizi, la donna lentamente comincia a svelare al compagno incosciente i suoi pensieri, i suoi sentimenti, le sue paure, i suoi segreti. Un giorno un miliziano (Massi Mrowat) irrompe in casa sua e, scambiandola per una prostituta la costringe a fare sesso, facendola sentire inizialmente in colpa e usata, ma poi, incontro dopo incontro, viva e desiderata, cosciente di sé e del suo corpo. Il marito, chiuso nel suo sonno forzato, resta immobile ad ascoltare, come la Pietra Paziente della leggenda; una pietra a cui si può confidare tutto e che, una volta distrutta, compie la magia di liberare da ogni sofferenza.

Come Pietra Paziente, il film

I personaggi di Come Pietra Paziente non hanno nome, ma solo il loro ruolo: la protagonista è moglie, madre, amante, amata, l’uomo è un marito, un eroe, un guerriero e il giovane che si invaghisce di lei è un ragazzo, un miliziano, una vittima e un innamorato. Così il film diventa una metafora universale e un percorso di liberazione dall’oppressione del silenzio, di tutti i silenzi. Le parole della donna da pudiche diventano sempre più audaci, le rivelazioni meno trattenute e questo monologo che scorre come un flusso quasi fisico da lei al marito ripristina un equilibrio di potere e di importanza in una società, come quella afghana, che fa del disequilibrio di genere e della repressione sessuale il suo tratto dominante.

Tratto dal romanzo Pietra di Pazienza, dello scrittore Atiq Rahimi nel film in veste di regista, Come Pietra Paziente si impone per il suo ritmo discontinuo, le sue inquadrature in lento movimento, i suoi dettagli e per l’effetto provocato dalla commistione della voce della bravissima Golshifteh Farahani e le immagini che scorrono sullo schermo.

L’abuso del parlato e la scelta di rappresentare una sorta di monologo interiore, inizialmente straniante, é decisamente funzionale alla riuscita del film e soprattutto al messaggio che sembra voler veicolare, poiché la protagonista, grazie alle parole e attraverso le parole, smette di essere la serva invisibile del marito e acquista sostanza, diventando un corpo pulsante, una mente riflessiva, una donna, un profeta.

Come Pietra Paziente che mostra come i regimi si possano abbattere dall’interno delle mura di una casa, semplicemente infrangendo il silenzio. In sala dal 28 marzo.