20 sigarette é un film vero, potente e appassionante. Opera prima del regista Aureliano Amadei che in questo film si racconta e offre all’Italia una testimonianza indiscutibile dell’attentato accaduto a Nassirya il 12 novembre del 2003. Aureliano è un ventottenne anarchico e antimilitarista, assiduo frequentatore di centri sociali, che sogna di diventare attore e regista di documentari.

Un giorno riceve l’offerta di partire subito per l’Iraq come aiuto regista di Stefano Rolla per realizzare un film sulla missione di pace dei militari italiani. Aureliano decide su due piedi di partire; il governo, la Farnesina e i mezzi d’informazione assicuravano che la situazione in Iraq fosse tranquilla. In realtà, appena atterra con l’aereo militare in terra irachena, scopre che la situazione è stata sottovalutata in Italia.

Aureliano non fa in tempo a finire il suo amato pacchetto di sigarette, che si ritrova nel mezzo dell’attentato alla caserma dei Carabinieri italiani “Maestrale di Nassiriya” e diviene l’unico civile sopravvissuto alla strage, dove persero la vita 19 italiani.  20 sigarette è un film che ha la grandezza di non dare risposte: non ci vuole indottrinare e non è pretenzioso. Inevitabilmente, però, (com’è solito accadere in Italia, per questo genere di film “scomodi”) ci sono state alcune polemiche prima dell’uscita del film, perché Aureliano ci racconta una verità storica, che nessun giornale, né autorità giudiziaria o politica, ci ha raccontato con autenticità prima d’ora.

20 Sigarette, il film sulla tragedia a Nassiriya

Riguardo alla tecnica del film, ciò che maggiormente risalta all’occhio dello spettatore è la grande verità delle immagini, per la maggior parte girato con la camera a mano, la quale permette uno straordinario effetto realistico, emotivo, che ricrea il movimento in soggettiva dell’interprete e aumenta la tensione e il coinvolgimento. La lunghissima soggettiva del protagonista durante l’attentato ci fa vivere, in prima persona, ciò che il regista Aureliano ha vissuto. Usa il piano sequenza per darci la sensazione reale della paura, dell’angoscia di morte. Vinicio Marchioni, alter ego del regista, è riuscito perfettamente nell’intento di Aureliano e i suoi versi di dolore estremo hanno reso ancora più reale e commovente la scena.

La scrittura di 20 sigarette è stata realizzata da Amadei e dal talentuoso Francesco Trento, co-autore anche del libro, dal quale è tratto il film, “Venti sigarette a Nassirya”, edito da Einaudi. Una scrittura semplice e interamente corrispondente al ricordo dell’unico civile sopravvissuto alla strage, che racconta con sincerità e nessun artificio la sua esperienza tragica, che gli cambiò per sempre la vita. Un’opera prima talmente apprezzata, da strappare al pubblico, un applauso di 14 minuti nel corso dell’ultima edizione del festival del cinema di Venezia.

Inoltre 20 sigarette, ha vinto la sezione “Controcampo Italiano.” Così la giuria, presieduta da Valerio Mastrandrea e composta da Susanna Nicchiarelli e Dario Edoardo Viganò, ha motivato la sua scelta: “La densità del racconto ha il ritmo di una verità che, oltre ogni pregiudizio, diviene personale storia in cui si intersecano, con intelligenza e non senza qualche venatura di ironia, gli elementi dell’esercizio di libertà. Libertà dal proprio vissuto per inseguire un sogno, libertà dai propri pregiudizi per incontrare le persone, libertà dal proprio dolore per non indurre lo spettatore a sguardi prestabiliti”.

Per di più, il film ha ricevuto la menzione speciale della giuria grazie all’interpretazione, che supera ogni aspettativa, di Vinicio Marchioni; tale è stata la motivazione: “per la prova d’attore con cui permette allo spettatore di vivere in prima persona la complessità emotiva della vicenda narrata, attraverso la combinazione di istinto e tecnica”. Il film, di Aureliano Amadei con Carolina Crescentini, Vinicio Marchioni, Giorgio Colangeli, Duccio Camerini, è uscito nelle sale italiane l’8 settembre, ed è distribuito da Cinecittà Luce e prodotto da R&C Produzioni in collaborazione con Rai Cinema.

I Mordimi i personaggi tormentati della saga “Twilight”, finiscono nel mirino di Jason Friedberg e Aaron Seltzer (autori di “Epic Movie”, “Disaster Movie”, “3ciento – Chi l’ha duro… la vince”).

La protagonista, Becca (perfetta caricatura di Bella Swan/Kristen Stewart), torna dopo anni nella casa del padre che la considera ancora una bambina e la metafora presa alla lettera dà origine alle prime gag del film. È una giovane problematica che deve inserirsi nel nuovo ambiente liceale, impresa notoriamente difficile che è sintetizzata ed esasperata in rapide, gratuite e divertenti esplosioni di violenza da parte dei nuovi compagni. Come nella popolare saga a cui il film fa il verso, la bella scontrosa è al centro di un triangolo che la vede divisa tra un rassicurante e protettivo licantropo e un vampiro che le fa ribollire il sangue.

Mordimi (Vampires Suck) è la parodia della saga tratta dai romanzi di Stephenie Meyer, ma soprattutto dell’effetto dirompente di questa saga sui teen agers. Il fascino sottile del vampiro diventa moda. “Con un look da emo elegante” il protagonista fa strage di cuori, l’inquietante diventa trendy e l’ignoto noto e perfettamente commerciabile se, come sentenzia il protagonista in un picco di autoconsapevolezza extra-testuale: “negli anni Ottanta andava la coca, nei novanta il grunge. Adesso è l’era dei vampiri”.

Secondo un’attitudine ormai consolidata del genere cine-parodico, in cui la parodia è giocata in larga parte sulla consapevolezza dei personaggi di trovarsi all’interno di un film, il mondo dei fans irrompe nella finzione. Si rende così possibile la messa in scena di uno scontro tra ammiratrici del biondo vampiro Edward e fanatiche del moro licantropo Jacob, così come diventa possibile alla protagonista chiedere un autografo al suo spasimante che si materializza sulla copertina di una rivista per ragazzine.

Mordimi: recensione del film

Un meccanismo che verte anche sulla messa in ridicolo di alcune convenzioni cinematografiche, dalle interferenze tra voci fuori campo che si alternano nella testa della protagonista all’utilizzo consapevole da parte di questa dello sguardo a rallenty per “interconnettersi” e sedurre l’intrigante e pallidissimo compagno di liceo con l’aria da becchino. Il film segue irridendole in maniera puntuale alcune delle scene più riconoscibili della saga che costituisce un ricco calderone dal quale pescare spunti comici.

La recitazione degli attori è convincente, giocata su una quasi verosimiglianza che scimmiotta con garbo la recitazione dei protagonisti della serie, che viene rotta efficacemente dall’arrivo della battutaccia che spesso compare nella forma di una strizzata d’occhio allo spettatore “erudito” con frequenti riferimenti a idoli adolescenziali made in USA dai Black Eyed Peas a Lady Gaga, ai “rivali” di “High School Musical”, riferimenti che possono cogliere impreparato lo spettatore sprovveduto.

Il film non ha il mordente degli “Scary Movie”, rispetto a cui appare piuttosto addomesticato, ma la demanialità tenuta a freno potrebbe non essere un difetto in mano ad autori che hanno dimostrato di saperla spingere fin troppo in basso. A chi si aspettava un’escalation in questo senso il film può apparire fin troppo “ricercato”, ma nel complesso risulta godibile, se si accetta la sua fondamentale distanza dagli indiscussi capolavori di Mel Brooks o dai momenti più felici dei cine-minestroni di Keenen Ivory Wayans e David Zucker. Il film uscirà nelle sale il 17 settembre.

Niente Paura è un film documentario che a piccoli tratti non manca di farci sorridere, ma che è, e rimane fondamentalmente, un invito a specchiarci e a domandarci quanto di noi possiamo riconoscere nei suoi fotogrammi. Ultima fatica del regista Piergiorgio Gay, allievo di Ermanno Olmi, è stato presentato nella categoria fuori concorso alla 67.

Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. Un film di una dolcezza molto potente. Nel quale gli sguardi e i gesti di chi lo racconta sono l’espressività più solida. Perché Niente Paura, è effettivamente un “documentario atipico”, per abbracciare la definizione che Lionello Cerri propone, nel quale si punta a raccontare la nostra identità nazionale, da un lato attraverso la musica, quella di Luciano Ligabue, e dall’altro attraverso l’Italia che vive e respira, quella che va da Carlo Verdone, Fabio Volo, Paolo Rossi, Giovanni Soldini e Margherita Hack, alle presenze concrete di studenti, sportivi e sognatori della nostra realtà comune.

Le tematiche, le idee, le riflessioni si ritrovano a galleggiare In un tono confidenziale, colloquiale e spontaneo, tanto che val la pena sottolineare la capacità di questa pellicola di riuscire, prima di qualunque altra cosa, ad annullare lo spazio tra spettatore e commediante. Tutto aderisce, la musica è quella che siamo abituati ad ascoltare mentre svolgiamo gran parte delle nostre usuali e quotidiane attività; la gioia è quella che tutti abbiamo provato nell’estate mondiale del 2006; la nostalgia è quella che a tratti ci coglie quando ci scopriamo incapaci di sentirci, come in quei momenti, parte comune  e indiscussa della stessa fertile terra.

Niente Paura, il film

La facilità con cui in un attimo ci si riesce a sentire italiani…è la stessa facilità con la quale spesso ci vorremmo dimenticare di esserlo. E questo documentario è anche questo, non cancella vergogne o responsabilità civili, né aliena meraviglie della nostra terra con una sterile e scontata autocritica. Niente affatto. I suoi fotogrammi semplicemente ci parlano, così, come accade durante le migliori associazioni non veicolate di idee, quelle che occupano i nostri consueti discorsi.

Ed è vero, ci si ritrova, su quella poltrona, a sorridere ed annuire, con una piacevole tenerezza sul viso, prendere atto di ciò che in ogni caso ci rende unici, italiani, senza dover poi combattere con la rabbia e la frustrazione, due malumori che diventano dominanti quando qualcuno ci sbatte in faccia, attraverso lo schermo, qualcosa che non ci piace ma che non si può ignorare. Ci si alza invece rincuorati, nonostante non ci abbiano certo raccontato una favola.

E questo messaggio, d’altra parte, non fa che condire lo spirito con il quale sembra essere stato forgiato il film: non certo quello della commiserazione, quanto piuttosto quello della consapevolezza. Perché ci suggerisce di crederci ancora, cercarci ancora, in quel che vogliamo e preferiamo, anche se spesso quel che vediamo, sembra essere tutto ciò che non potrebbe essere di più lontano da noi. Notevole l’unico intervento di Enzo Biagi nel tessuto narrativo.