Senza Nessuna Pietà è l’esordio alla regia di lungometraggio dell’attore Michele Alhaique, co-prodotto e magistralmente interpretato da un Pierfrancesco Favino gigante, non solo nella mole. Questo noir ambientato nella periferia romana è scritto e girato intorno a lui – il regista sceglie di stare attaccato agli attori fino a riprenderne i minimi particolari – cogliendone al massimo l’espressività, amplificando la valenza di ogni momento, ma soprattutto rendendo il senso di oppressione cui il protagonista è sottoposto. La camera a mano lo avvolge, facendo sentire il peso della mole, la fatica del respiro, che non sono solo fisici, ma specchio di una condizione psicologicamente pesante, non più sopportabile. Le altre interpretazioni sono anch’esse molto valide: dalla protagonista femminile Greta Scarano alle ottime caratterizzazioni di Claudio Gioè (amico di Mimmo) e Adriano Giannini.

In Senza Nessuna Pietà Mimmo (Pierfrancesco Favino) è un omone di mezza età che, oltre a fare il manovale, fa il lavoro sporco per conto dello zio imprenditore e usuraio (Ninetto Davoli), mentre il figlio di questi, Manuel (Adriano Giannini), si dà alla bella vita. Mimmo è ormai stanco di questa situazione, quando viene incaricato di andare a prendere una ragazza, Tania (Greta Scarano), destinata ad allietare una delle tante feste di Manuel. Quest’incontro dà a Mimmo la forza di ribellarsi alla famiglia e spinge anche Tania a rompere con la vecchia vita.

Senza Nessuna Pietà, il film

Tuttavia, soggetto e sceneggiatura sono altalenanti tra buoni spunti – una storia di riscatto e sentimenti, uno sguardo acuto alle periferie e al disagio esistenziale – e incongruenze che coadiuvano le svolte narrative, ma non rendono un buon servizio ai personaggi. Specie al protagonista: un gigante buono, un animo sensibile costretto alla violenza e al crimine da un mondo “senza nessuna pietà”. A tratti consapevole e avvertito rispetto al mondo che lo circonda e che conosce bene; a tratti troppo ingenuo. Un po’ paterno – accenti delicati, toccanti e ironici ha il legame tra lui e Tania, fatto di affetto e istinto di protezione, ma percorso da una sottile vena di sensualità – un po’ bambinone, ma a volte esagerato in entrambi gli aspetti. Alcune sue azioni sono difficilmente spiegabili e stridono con un personaggio che vuole darsi una seconda possibilità. Un paio di ingenuità, utili a far procedere l’intreccio, ma poco comprensibili, riguardano anche altri personaggi.

Uno sviluppo narrativo facilmente intuibile non giova e rende meno efficace l’altra metafora visiva che percorre il lavoro: ampi spazi, mare e cielo, si sostituiscono ai palazzoni di periferia, ma è subito chiaro che quell’orizzonte di libertà difficilmente si spalancherà di fronte al protagonista. Un’interpretazione da non perdere, tra luci e ombre di un esordio comunque promettente per un regista di talento, che speriamo di vedere ancora all’opera. Senza Nessuna Pietà è nelle sale, dopo il passaggio a Venezia nella sezione Orizzonti.

Gianclaudio Cappai con Senza lasciare traccia esordisce alla regia di un lungometraggio (dopo il successo del pluripremiato cortometraggio Purché lo senta sepolto e del mediometraggio So che c’è un uomo) dimostrandosi un regista sicuro della sua mano e delle sue sconfinate capacità, che lo portano a realizzare un microcosmo affascinante fatto di atmosfere inquietanti e claustrofobiche come prigioni, servendosi dello spazio come limite ma anche come possibilità, come luogo in cui sviscerare tutta la rabbia, sentimento che muove i fili del racconto e smuove le intenzioni dello stesso protagonista.

In Senza lasciare traccia la malattia di Bruno lo sta consumando lentamente. Una malattia che ha origini lontane, legate ad un passato di cui l’uomo non ha mai parlato con nessuno, neanche con sua moglie Elena. Ma un giorno Bruno avrà l’occasione di tornare nel luogo dove tutto è iniziato e trovare così un colpevole, guardando finalmente in faccia l’origine del suo male e provando così a fermare l’intruso che è dentro di lui.

Senza lasciare traccia, il film

Con Senza lasciare traccia Cappai si inserisce in un filone di genere ben preciso, mettendo in scena un noir italiano sulla vendetta e sulla necessità che l’essere umano ha trovare necessariamente un colpevole, un capro espiatorio su cui riversare tutto il suo malessere (specchio indiscusso della società in cui viviamo). Se il regista si dimostra estremamente abile nella costruzione della tensione e nella direzione degli attori, a mano a mano che la storia si sgretola in un’ossessivo bisogno di catarsi, si palesa più di un’incertezza dal punto di vista della scrittura: le motivazioni dei personaggi non sono sviluppate in maniera adeguata e giunti ormai al finale, una volta usciti dalla fornace in cui Cappai intrappola non solo i protagonisti ma anche lo stesso spettatore, si ha come una sensazione di incompiutezza che stona decisamente con le premesse iniziali.

Il lavoro di Cappai viene comunque supportato da un cast di interpreti di altissimo livello, tra cui spiccano un Michele Riondino straordinario nel delineare (anche fisicamente) un uomo logorato dentro e fuori, prigioniero delle sue ossessioni e schiavo dell’ingiustizia e dello spauracchio della morte. Lo affiancano due ottime controparti femminili (Valentina Cervi e Elena Radonicich) e un Vitaliano Trevisan (l’ex cacciatore di anoressiche in Primo Amore) tanto minaccioso nel volto quanto criptico nelle intenzioni, incredibile e talentuoso come sempre.

Giancarlo Cappai porta sullo schermo un racconto cinematograficamente interessante sulla rabbia e sul rancore, sorretto da un cast di attori bravissimi che lo stesso regista dimostra di sapere dirigere con piglio sicuro. Una messa in scena potente e un comparto artistico superbo che, sfortunatamente, non trovano nella scrittura una degna alleata. Per essere un esordio, l’esame è quindi superato… anche se non ha pieni voti.

Arriva al cinema il 12 ottobre Senza Fiato, film di Raffaele Verzillo, regista casertano alla sua terza regia di lungometraggio, che si affaccia con delicatezza alla situazione di crisi generale che versa nel mondo del lavoro, attraverso la lente privata di storie che si intrecciano e si scontrano, fino a un epilogo inaspettato e ingiusto, degno purtroppo del triste quadro che il film stesso tratteggia.

Matteo ha 45 anni. È un uomo perso, sconfitto dalla vita e da un Paese che ha ucciso la sua generazione negandole le condizioni, le opportunità, i sogni. Insieme a tanti altri come lui, Matteo si ritrova senza ideali, senza ideologie, senza la possibilità di vedere realizzate le sue abilità, concretizzata quella forma di vita che avrebbe voluto costruire. E senza più speranza. Così che decide di andare via. Ma non via dal suo Paese. No. Via dalla vita. Non ha più ragione per restare, non c’è un motivo per continuare. Lui non lo vede.

Nel momento in cui tenta di attuare il suo proposito, però, gli sorge un dubbio: – E se invece ci fosse un motivo per restare, se fossi io che non riesco a vederlo? Così, prima di andare, forse con lo scrupolo di un vigliacco, con la drammatica condizione di essere inadatto tanto alla difficoltà della vita quanto al coraggio della morte, chiede alle persone a lui più vicine, più care, se c’è qualcosa che lui non ha considerato, qualcosa che lui non vede, chiede agli altri una ragione per restare, per non uccidersi.

Senza Fiato – un dramma da camera casertano

Verzillo racconta una storia ancorata al territorio, quello di Caserta, che si intravede in alcuni edifici e nell’accento dei protagonisti, ma che può essere valido in ogni parte dell’Italia. Il film, che adopera un bianco e nero tattico, forse a sopperire degli oggettivi limiti tecnici della pellicola, sposa però benissimo la scelta cromatica e racconta storie oppresse dalla cappa di disperazione, mai accesa, strillata ma sempre palese tessuto che ricopre, riveste, impregna di sé ogni situazione.

Il film si muove con sorpresa nei territori del melodramma, sfociando nel linguaggio del dramma da camera, soprattutto quando si sofferma sulla scelta, decisa ma mai compiuta, di uno dei protagonisti di togliersi la vita, rimedio estremo e definitivo.

Nonostante i temi disperati e i personaggi allo stremo, il film non cerca la lacrima, non sguazza nella difficoltà, ma abbraccia la freddezza della luce, delle inquadrature, ne sposa la distanza dal dramma e lo mostra, senza alcuna intenzione di esasperarlo.

Più dramma da camera che sceneggiata (nonostante la geolocalizzazione), Senza Fiato palesa non solo i suoi limiti tecnici, riscontrabili nella qualità dell’immagine e in alcune scelte registiche poco felici, ma con la stessa schiettezza rivela una delicatezza distaccata, una verità sorprendente nel raccontare storie comuni e drammi quotidiani.

Nel film Senza arte né parte il Pastificio salentino Tammaro chiude la propria fabbrica e a farne le spese sono i dipendenti. La storia segue quindi tre di questi, Enzo, Carmine e Bandula, rimasti senza lavoro, che cercano di reinventarsi dopo il crollo improvviso delle loro vite. Aurora, moglie di Enzo, viene però assunta dallo stesso Tammaro, che volendo entrare nel mercato delle opere d’arte, ha bisogno di un’interprete. Grazie ad Aurora, i tre diventeranno custodi (sottopagati) del deposito di pezzi d’arte del vecchio datore di lavoro. Senza Arte né Parte comincia da questo semplice, e potenzialmente vincente, presupposto: gli umili, operai e magazzinieri, messi a confronto con le grandi opere d’arte contemporanea, gioia e desiderio di ogni collezionista.

Il mondo umile e laborioso, artigianale, entra in contatto con ciò che di più futile ed alto conosce la nostra cultura: l’uovo di Manzoni, la famosa ‘merda d’artista’ dello stesso, il Baco da Setola di Pascali e i ‘tagli’ di Fontana. Ma cosa succede quando nelle loro mani maldestre l’uovo si rompe? I tre scopriranno così per caso l’incredibile proprietà dell’arte contemporanea: la riproducibilità. Da qui il passo è breve ed Enzo, Carmine e Bandula diventeranno una banda di falsari, ingenui ed ‘onesti’, come Totò e Peppino, senza però il loro mordente spirito farsesco.

Senza arte né parte, il film

Nel caso di Senza arte né parte di Giovanni Albanese, mai titolo fu più appropriato, perché senza arte né parte è i film stesso, la sceneggiatura e ahiloro lo diventano anche i bravi attori appiattiti dalla noia del racconto. La ricerca ostentata e forzata verso la risata contrae il racconto che non sembra mai scorrere con leggerezza, e il risultato è un film che viene percepito molto più lungo dei suoi onesti 90 minuti. Nota di colore è il gallerista senza scrupoli interpretato con il giusto tocco viscido da Ninni Bruschetta, a lui sono affidate le parole che pongono fine alle peripezie di questi falsari per caso, e lui si fa portavoce di un problema, quello della riproducibilità tecnica dell’opera d’arte, che nell’era di internet, della pirateria e del digitale è più che mai attuale e scottante, e per l’arte contemporanea soprattutto diventa nevralgico.

Il problema però viene lasciato lì, a mezz’aria, senza la forza di farlo diventare il vero centro della narrazione, senza il coraggio per una volta (che fosse una) di far finire ‘in tragedia’ un film italiano.

In Sennen No Yuraku (The Millennium Rapture) la casta dei Nakamoto è segnata da una maledizione, i discendenti maschi sono uomini di una rara bellezza che si insinuano facilmente nel cuore delle donne e che muoiono tutti precocemente. Questi proprio per il loro stile di vita, sono costretti a vivere in strada spinti da tentazioni e pulsioni, che li porterà ad essere in bilico tra la vita e la morte. L’intera storia ci viene raccontata dal punto di vista di Oryu, l’allevatrice che è testimone di questa condanna che si svolge su un isola di nome Okushiri, chiamata da tutti “il Vicolo”.

La storia è tratta dal romanzo Mille anni di piacere di Nakagami Kenji e la trasposizione è firmata da Kohi Wakamatsu e presentata nella sezione Orizzonti della 69° Mostra del cinema di Venezia. La storia è scritta e montata su due livelli, quella contemporanea di Oryu (Shinobu Terajima)  anziana che in preda a delle allucinazioni per via della malattia, parla con la foto del marito scomparso; E quello del suo ricordo sulle vicende dei tre ragazzi Nakamoto. Il primo è Hanzo, un donnaiolo incallito incapace di avere una certa stabilità negli affetti cambiando più spesso compagnia dopo averle usate per il proprio denaro e per nulla interessato al lavoro onesto. Subito dopo c’è la storia di Miyoshi anche lui donnaiolo ma anche dipendente da droghe e dedito ai furti per provare sempre nuove emozioni, ed infine c’è Tatsuo, cugino di Miyoshi, che se da un primo momento sembra distante dai modi di vivere degli altri due, Oryu ci metterà del suo portarlo sulla cattiva strada.

Mentre si percorre questo intreccio di storie e di vite interrotte, il regista rimane fermo, riproponendo al montaggio anche le stesse inquadrature suggestive di montagne all’alba o di nebbie sulle stradine delle città che oltre a richiamare uno stile di vita a cavallo tra l’ottocento e il novecento, vengono riproposte allo spettatore alla fine di ogni “storia” volendo sottolineare un tempo fermo e poco suscettibile al cambiamento.

La storia per quanto possa essere intrigante da sceneggiatura non suscita il coinvolgimento emotivo nonostante i temi così terreni di questi protagonisti; si guarda il tutto con una distanza che neanche Oryu ,caratterizzata con un atteggiamento e uno sguardo sempre in bilico tra l’istinto materno e il desiderio di essere un’amante, riesce a inquadrare del tutto. Di fatti, lo spettatore è cosciente e capisce che nonostante variano i vizi e gli eccessi, la fine è sempre la stessa non portando alcun insegnamento né riflessione su questa “generazione” di giovani, se non la testimonianza che i “vecchi” danno di loro, dagli ultimi pettegolezzi amorosi oppure della loro non curanza riguardo le usanze di Buddha o della poca voglia di lavorare.

Per quanto Kohi Wakamatsu si sia ritagliato un angolo tutto suo nel genere erotico-pulp, filma con coscienza e con poco trasporto l’impulso, portando lo spettatore in un atmosfera più morbosa che sensuale, restituendo solo in parte le tante tematiche che ha il libro, dai temi ancestrali che si riallacciano al buddismo o la memoria storica della sottocasta dei non-uomini burakumin, tuttora discriminata e a cui lo stesso autore apparteneva. Una piccola nota, molto belle e immersive le musiche interpretate da Hashiken e Mizuki Nakamura che funzionano anche come tema di raccordo per il montaggio.

Appassionante come appassionante era il suo modo di guidare una macchina di Formula 1,  è così che si può definire l’attesissimo film-documentario sulla vita di Ayrton Senna. “Pochi mi conoscono davvero…”dichiarava un giovanissimo Senna. Prima del mito, un uomo semplice e complesso. Ecco chi era Ayrton. Il film – biografia mostra le paure e insicurezze, che non hanno fermato la straordinaria carriera del pilota che ha acquisito lo status di leggenda sportiva. Poi arriva il 1 maggio 1994 e ha fine il sogno, e come spesso accade, aumenta la fama e l’interesse per un epilogo tragico avvolto dal mistero fra dubbi irrisolti…

Scritto da Manish Pandey, diretto dal regista inglese, Asif Kapadia, grazie al contributo di scene di vita quotidiana fornite dalla famiglia, Senna ci permette di leggere ancora meglio il linguaggio del corpo del campione che nel suo gesticolare sapeva comunicare chiaramente il suo pensiero, non nascondeva gli stati d’animo e la sua forte, a tratti aggressiva personalità. Ma il senso del lavoro del film è soprattutto quello di un’inchiesta. Dice Senna ricordando la sua prima gara ufficiale nel 1978: “era corsa allo stato puro, non c’era politica”. E’ sempre stato questo il vero nemico di Senna, non Alain Prost, ‘il professore’ prima compagno di scuderia poi eterno rivale perfettamente integrato nel sistema-corse, non sono mai stati gli avversari, il problema era ‘la politica dello sport’. Tre volte campione del mondo, poteva esserlo almeno in un’altra occasione, invece, la sua storia è segnata da una squalifica che gli toglie il titolo e da un processo che sentenzia la sospensione per sei mesi della patente. Da qui, sempre più in polemica con quel mondo, il ragazzo dalla faccia pulita che è riuscito a farsi amare da un pubblico vasto per il suo impeto dentro e fuori dalla pista, reagisce, e l’anno dopo torna a correre per aggiudicarsi il terzo titolo.

Senna si concentra anche su un aspetto significativo. Senna e il suo Brasile. Una speranza, un modello, un modo per sognare, per far conoscere una nazione diversa da quella che realmente era in quegli anni di crisi. Non solo, non mancano, tanti riferimenti ad aspetti privati e intimi dello sportivo, dall’amore agli affetti. Ma la storia è una storia di passione sportiva che diventa ragione di vita: Prost, Dennis, Lauda, Williams, Schumacher sono nomi che in qualche modo si legano o hanno intrecciato rapporti col pilota, sono testimoni nel film del racconto di alcune esperienze e danno voce a sensazioni che fanno rivivere il brivido del clima di gara.

Ultima vittima della Formula 1, dopo di lui non si son registrati più decessi. Un destino che sembra così ingiusto è stemperato proprio dall’atteggiamento di Senna. La sua fede, il credere in Dio così fortemente lo faceva apparire immortale, e a detta di altri, quasi incurante della morte. Ecco l’altro tema ben sviluppato nel documentario: la religione. Atmosfera strana in quel 1 maggio, segnata forse dagli avvenimenti dei giorni delle qualifiche caratterizzati dal grave incidente di Rubens Barrichello e dalla morte in pista di Roland Ratzenberger. La sorella, Viviane, riporta un discorso del fratello, nel pre-gara di Imola, Ayrton sapeva che “quel giorno Dio gli avrebbe fatto il dono più grande.” Fimo all’ultimo sospiro, era questa l’altra vera passione del trentaquattrenne pilota.

L’Ottima e intelligente regia, appropriate le musiche di Pinto. No alle tradizionali tecniche documentaristiche, ma si al racconto nel rispetto della verità. Ecco gli ingredienti che hanno fatto apprezzare il prodotto, lo dimostrano i premi già vinti: Asif  Kapadia ha ritirato il ‘Cinema Audience Award’. Dopo essere uscito in Giappone, Brasile e America, l’11 Febbraio siamo pronti per accoglierlo nelle nostre sale, con una distribuzione, in realtà, esigua. La F1 è cambiata, il rischio, proprio in seguito alla vicenda di Ayrton grazie allo sviluppo tecnologico dell’elettronica e della meccanica nell’ingegneria dell’automobilismo, è diminuito notevolmente. Si ripensa, dunque a quei tempi come ad un periodo epico, dove la capacità di portare al limite la propria monoposto determinava vittoria o sconfitta.

“Vincere è come una droga, quando cominci non puoi più farne a meno”, queste le parole del giovane Senna al seguito del primo successo del gran Premio del Portogallo. Sia per chi vuole ricordare e rivivere a circa vent’anni di distanza quei momenti, sia per chi vuole capire quella storia, quel mondo, quella logica sportiva e politica di sport, il documentario rappresenta un occasione. Lontano dalle logiche dei film sull’automobilismo, è un omaggio che cerca l’emozione nel ricordo del pilota che non ha mai accettato giochi di potere se non quelli dettati dalle regole dell’asfalto.