Fughe e Approdi è l’ultimo film-documentario di Giovanna Taviani, figlia di Vittorio Taviani che con il fratello Paolo ha firmato lavori come Kaos e Allosanfàn . Fughe e Approdi, distribuito da Cinecittà Luce,  uscirà Venerdì 8 Aprile nelle sale. In Colloquio con la madre, un episodio di Kaos ( 1984 ) Figliodoro (  soprannome di un pescatore di Lipari che si chiama Francesco D’Ambra ) metteva in salvo una madre, in fuga con i figli, dalle persecuzioni dei Borboni. Una delle bambine in fuga era proprio Giovanna Taviani.

Fughe e Approdi parte dai ricordi d’infanzia di Giovanna Taviani per raccontare queste Isole e ad accompagnare Giovanna è anche stavolta Figliodoro. Fughe e Approdi  si chiama così perché le rive di queste isole ne sono da sempre la scenario. Giovanna Taviani racconta la fuga dei cavatori di pomice per difendersi dal “mal di pietra”, la silicosi. Le fughe da Stromboli, Salina Panarea, Vulcano in seguito ai grandi disastri naturali come l’eruzione dello Stromboli dell’11 Settembre 1930. Racconta le storie degli abitanti di queste terre che si intrecciano con la grande Storia e con il cinema. le immagini di Rossellini (Stromboli, terra di Dio) , De Seta (Isole di fuoco), Moretti (Caro diario), Antonioni (L’Avventura), Radford (Il Postino) e i volti della Bergman, della Magnani, di Troisi e di Monica Vitti accompagnano la narrazione di queste terre che, anche attraverso il cinema, sono entrate nell’immaginario dell’ Italia e del mondo.

Le vicende di Lussu, Nitti e Rosselli che furono mandati al confino a Lipari, e da lì riuscirono a fuggire con l’aiuto dei paesani o di Edda Ciano, figlia di Mussolini, che sempre a Lipari ebbe una storia d’amore con un comunista dell’isola, vivono attraverso le testimonianze degli abitanti che vengono intervistati da Giovanna Taviani. Le bellissime immagini della natura selvaggia e i bei colori raccolti da Giovanna Taviani si alternano alle scene dei molti film e documentari che hanno avuto le Eolie come protagoniste. Le immagini sgranate in super8 intervengono per raccontare il personale rapporto di Giovanna Taviani con quei luoghi dove lei va in vacanza fin da piccolissima.

Fughe e Approdi di Giovanna Taviani risente della fretta con cui le molte storie sono ripercorse, nel tentativo di offrire un mosaico di tantissime avventure che hanno avuto le Eolie come scenario. E’ un peccato perché le storie raccontate dalla “filgia dei Taviani” in Fughe e Approdi  sono interessanti e affascinanti. Ottima e accattivante la scelta di Giovanna che fa sentire più vivi e concreti i fatti che racconta attraverso l’intreccio tra Cinema, Storia,storie biografiche e dimensione autobiografica.

Dopo il successo ottenuto a Cannes 2010 (Premio per la Miglior Sceneggiatura) e agli Asian Film Awards 2011 (Miglior Regia e Miglior Sceneggiatura), sarà dal 1 aprile nelle sale italiane l’ultima fatica del regista coreano Lee Chang-Dong: Poetry. Già scrittore e sceneggiatore, si è fatto apprezzare in questi anni dalla critica e dal pubblico internazionali, essendo oggi una delle più autorevoli voci della cinematografia asiatica, per la sua continua ricerca formale e per la capacità di affrontare con estrema delicatezza, ma al contempo con fermezza, temi difficili.

Lo aveva fatto nel suo secondo lungometraggio Peppermint Candy (2000), e poi con Oasis (2002), torna a farlo oggi con Poetry. Poetry è incentrato sulla figura di Mija, anziana donna di modeste condizioni sociali che si prende cura del nipote liceale, Wook, scorbutico e scansafatiche, totalmente deresponsabilizzato e sprezzante nei confronti della nonna. Mija è una donna vitale e operosa, nonostante l’età, curata nell’aspetto e sensibile, che si fa in quattro per dare il meglio al nipote, forte da un lato, ma schiacciata, dall’altro, dal peso di compiti e responsabilità più grandi di lei. Si pone però di buon grado ad assolvere alle incombenze quotidiane (come quella di badare a un anziano disabile per arrotondare le sue entrate), non senza pensare a concedersi uno spazio per sé. Decide infatti di frequentare un corso di poesia. Quello della protagonista è un percorso, una presa di coscienza, dovuta a due elementi principali introdotti all’inizio di Poetry: l’insorgere nell’anziana del morbo di Alzheimer, e la scoperta sconcertante che il nipote è implicato nel suicidio di una coetanea, poiché l’ha violentata assieme a cinque suoi compagni di scuola.

Poetry, il film

Da queste premesse Poetry si dipana con i ritmi tipici del cinema di Lee Chang-Dong (gli stessi dell’acqua che vediamo scorre lenta e inesorabile all’inizio e alla fine della pellicola) seguendo due binari paralleli, che in ultimo si fondono e costantemente invitano lo spettatore a indagare, a scoprire la possibilità della loro intersezione. Da un lato, la violenza (quella sessuale perpetrata ai danni della ragazza, quella del gretto maschilismo dell’uomo cui Mija fa da badante, o del nipote che non la rispetta), il sangue, la crudeltà e il cinismo del mondo che Mija scopre pian pian piano attorno a sé, rappresentato dai genitori che cercano un accordo economico con la madre della morta pur di salvare i figli colpevoli dalla giusta pena. Dall’altro, la bellezza della vita, della natura, della poesia stessa, che la protagonista impara a “vedere” gradualmente grazie al corso che sta frequentando, e forse grazie alla sua malattia. La pellicola può essere letta, dunque come un percorso di avvicinamento alla morte, di rinuncia all’onnipotenza e anche alla comprensione: Mija non saprà mai perché il nipote ha commesso quel crimine (sovrana è l’incomunicabilità tra due generazioni che paiono distanti anni luce), e capisce man mano che non è importante saperlo, né risolvere la situazione è suo compito. Allo stesso modo comprenderà che la bellezza ricercata attraverso la poesia – dovrà comporne una prima della fine del corso – si può trovare e apprezzare a pieno solo quando si è passati attraverso sofferenza e dolore.

Assistiamo perciò a questo passaggio, a questa acquisizione di consapevolezza, riuscendo a “vedere” attraverso gli occhi di Mija, grazie alla grande prova di recitazione di Jun Junghee – nota star del cinema coreano, di nuovo sugli schermi dopo sedici anni di assenza. L’attrice rende al meglio rassegnazione, tristezza, spaesamento, rabbia, così come lo stupore, l’incanto di fronte alla natura che sembra scoprire per la prima volta. Le sue sono emozioni nascoste, quasi implose, rese con una chiave recitativa lieve e misurata, mai plateale, e forse perciò più efficace. Regia e fotografia si accordano sapientemente nell’alternare ampi spazi naturali e paesaggi (che ricordano a noi e a Mija il flusso continuo della vita e i suoi ritmi, ai quali siamo soggetti ma che troppo spesso dimentichiamo), all’analisi dei personaggi, scrutati da vicino solo quando è necessario.

Per quest’analisi il regista prende il suo tempo (2 ore e 19 minuti la durata della pellicola, fors’anche con qualche scena di troppo) e più che darci una tesi, ci suggerisce qualcosa, invitandoci continuamente a farci domande e a partecipare noi stessi nel colmare “lo spazio bianco” di Poetry, che ha voluto lasciare ampio, proprio come quello di una pagina su cui sia stata scritta una poesia. L’analogia tra le due arti è infatti evidente, così come inevitabile è l’interrogativo sull’utilità dell’una e dell’altra in tempi difficili da decifrare, come i presenti. La risposta dell’autore non è esplicita, anzi, egli rivolge a tutti noi il quesito durante Poetry, ogni qualvolta un personaggio si stupisce di quest’anziana donna che cerca la poesia e la bellezza nelle cose di ogni giorno, ma implicitamente, realizzando il lavoro, e attraverso il titolo così simbolico, dà la sua risposta. La pellicola, prodotta dalla Pine House Film dello stesso Lee Chang-Dong, è distribuita in Italia dalla Tucker Film e uscirà in circa trenta copie.

Venerdì 1 aprile esce nelle sale italiane Mia moglie per finta (Just Go With it), la nuova commedia di Dennis Dugan. In Mia moglie per finta il chirurgo plastico Danny (Adam Sandler) dopo un matrimonio sventato a poche ore dalla cerimonia scopre lo straordinario potere della fede nuziale al dito.

Per anni decide di utilizzare l’anello per rimorchiare giovani single raccontando loro storie di disastri coniugali di cui si rappresenta come vittima innocente. Un giorno, però, incontra Palmer (la modella Brooklyn Decker al suo esordio cinematografico) una 23enne bellissima con cui decide di “fare sul serio”. Piuttosto che raccontarle la verità trova più conveniente provare a rendere reali le sue bugie e decide di spacciare l’assistente Katherine (Jennifer Aniston) per la sua ex moglie, coinvolgendola in un vortice di equivoci. Katherine è la persona che lo conosce meglio di tutti, chi meglio di lei può impersonare sua moglie? Chi meglio di lei può aiutarlo a rendere le sue bugie non solo verosimili, ma a trasformarle nella verità nell’arco di un week end alle Hawaii…

Le dinamiche sono quelle della commedia classica, ma se il ritmo regge bene nella prima parte, la catena di equivoci sembra ad un certo punto interrompersi bruscamente, lasciando spazio alla costruzione del finale romantico. Le bugie non vengono al pettine, o almeno non viene mostrato allo spettatore il progressivo sgretolarsi della messa in scena di  Danny. Questo un po’ dispiace, perché avrebbe potuto dare il via ad un crescendo di gag che avrebbero forse accompagnato meglio lo spettatore verso l’ovvia conclusione.

Proprio nella seconda parte del film è però presente un momento divertente: una sfida quasi clownesca tra Jennifer Aniston e Nicole Kidman che si esibiscono in una gara di danze hawaiiane. Nel complesso il film non sorprende, ma intrattiene abbastanza piacevolmente. Risponde perfettamente alle aspettative. La Aniston e Sandler fanno il loro “sporco” mestiere: personaggi collaudatissimi che funzionano. Più eclettica è sicuramente la Kidman che interpreta in un cammeo il ruolo divertente dell’antipatica ex compagna di liceo. La trama è ispirata al film bollywoodiano del 2003 “Maine Pyaar Kyun Kiya”, a sua volta basato sulla pellicola del 1969, “Fiore di cactus”.

Provate ad immaginare cosa fareste se vi fosse offerto un farmaco capace di aprirvi la mente al punto di poter sfruttare il 100% del vostro cervello. Avete una vaga idea delle potenzialità inespresse e nascoste che potrebbero manifestarsi all’improvviso? Se avete la curiosità di scoprirlo Limitless è il film che fa per voi, è il film giusto per scoprire dove potremmo arrivare al massimo delle nostre capacità cognitive.

In Limitless Eddie Morra (Bradley Cooper) è un giovane scrittore fallito, incapace di scrivere una sola riga del suo ipotetico nuovo libro ed incapace di perseguire un benchè minimo risultato nella sua disordinatissima vita. Un matrimonio lampo fallito alle spalle ed una bellissima fidanzata, Lindy (Abbie Cornish), ormai stanca di aspettare Eddie e le sue patetiche promesse. Finita la relazione con Lindy e sempre preda del classico “blocco dello scrittore” Eddie consuma le sue inutili giornate bighellonando per le strade ed i bar di New York fino a che non avverrà il fatidico quanto casuale incontro con Vernon, il suo ex cognato. Venditore presso una multinazionale del farmaco, Vernon regala a Eddie una pastiglia non ancora in commercio ma dalle qualità, a suo dire, incredibili; NZT, questo il suo nome, ha la capacità di aprire tutte le potenzialità celebrali di un individuo sino a permettergli di sfruttare il 100% del proprio cervello. Eddie dopo una serie di tentennamenti decide di provare quel misterioso farmaco non vedendo altre soluzioni alla sua misera vita; assunta la pasticca bastano a Eddie pochi secondi per cominciare a sentirne i benefici effetti come provare una lucidità mai conosciuta, una capacità percettiva illimitata e un’energia mentale inesauribile.

Tutto appare più chiaro, cosa fare, cosa dire, come affrontare ogni situazione; la memoria, ogni singolo ricordo, ogni lettera letta o studiata anche anni prima sono lì a disposizione, pronte per essere utilizzate. Finito l’effetto della droga Eddie si reca da Vernon per avere altre pasticche ma trovatolo misteriosamente freddato da un colpo di pistola nel suo appartamento ruba la scorta di NZT che Vernon teneva in casa e fugge. Inizia così la nuova vita del nuovo Eddie Morra. Perennemente sotto l’effetto del NZT Eddie scrive il libro in soli quattro giorni, riconquista la bella Lindy e diventa un geniale broker di Wall Street capace di moltiplicare i proventi come per miracolo leggendo ed interpretando il mercato azionario con netto anticipo su tutti. Diventato ricco e famoso Eddie attira le mire del tycoon della finanza Carl Van Loon (Robert DeNiro) che vede in lui un fuoriclasse dotato di innate quanto inspiegabili capacità e la strada per il successo sembra ormai tracciata. Ovviamente come tutti i farmaci, sopratutto se non ancora brevettati e riconosciuti ufficialmente, anche l’ NZT presenta pericolosi effetti collaterali ed Eddie, avendone per di più ampiamente abusato, avrà presto modo di conoscerne gli effetti. Ma forse, ormai, potrebbe essere troppo tardi.

Limitless, il film

Diretto da Neil Burger e prodotto dalla Eagle Pictures Limitless è un film tratto dalla sceneggiatura di Leslie Dixon che si è basata sul romanzo The Dark Fields di Alan Glynn di cui aveva personalmente acquisito i diritti. Limitless è un film emozionante, dai ritmi sempre elevati e che alterna uno spiccato umorismo con momenti di autentica tensione. E’ un film sui limiti dell’uomo e su cosa un uomo sia disposto a fare se gli venisse mostrata la via per andare oltre quei limiti: “il film è una storia sulla potenzialità dell’uomo” afferma Burger, “ sul potente viaggio che Eddie compie”. Un viaggio quindi ma che porta dove e perché? Risponde sempre il regista: “ è la storia di un uomo assetato di successo, un successo che non ha mai potuto raggiungere. La domanda è: cosa si è disposti a fare per ottenerlo?” e conclude Burger:” io voglio che lo spettatore sia insieme a lui quando fa queste scelte…che lo spettatore sia disposto a scendere con lui in abissi oscuri”.

Le intenzioni del regista spiegano in gran parte determinate scelte e determinate caratteristiche che fanno di questo film un thriller ma anche e sopratutto un lungo “viaggio picaresco” per usare sempre un’espressione di Burger. Eddie, interpretato ottimamente da Bradley Cooper, è incessantemente protagonista della scena, non c’è sequenza dove non compaia proprio perché, come affermato dal regista, lo spettatore deve fondersi completamente con il personaggio, condividerne le scelte e le esperienze, vivere al suo fianco gli straordinari effetti del NZT.

Cooper dal canto suo veste perfettamente i panni del giovane squattrinato e fallito prima e del rampante uomo di successo poi mostrando una notevole capacità trasformista ed una costante carica emotiva che accompagna ogni singola sequenza. Scott Kroopf, uno dei produttori di Limitless ritiene Cooper:” divertente, intelligente e carismatico…perfetto per il film” e continua “ lo spettatore vorrebbe essere amico di Eddie, piace agli uomini e ancora di più alle donne”. In effetti Cooper ha la notevole capacità di creare un’indubbia complicità con lo spettatore “ deve poter abbindolare verbalmente le persone” afferma Burger “ ed io ero certo che Bradley fosse una persona intelligente e molto convincente con le parole”.

Il regista temeva che la produzione non avrebbe accettato la candidatura di Cooper in quanto poco sponsorizzato a Hollywood, per sua fortuna proprio in concomitanza con tale scelta Cooper ha ottenuto grandi consensi per la sua partecipazione ad un film che negli Usa è stato un grande successo di pubblico, Hangover (Una notte da leoni) e a quel punto il gioco era fatto. Sicuramente non aveva bisogno di nessuna sponsorizzazione Bob De Niro che in Limitless interpreta la parte di Carl Van Loon, un vecchio magnate della finanza senza scrupoli. Leggendo la sceneggiatura De Niro è apparso inizialmente titubante in quanto il personaggio di Van Loon gli appariva poco importante e quindi non alla sua altezza ma dopo i dovuti cambiamenti e ampliamenti eseguiti dalla  Dixon il due volte premio Oscar ha deciso di accettare la parte.

“Robert De Niro è fantastico in questo ruolo” afferma il regista Neil Burger “perché è una persona incredibilmente intelligente e forte e anche molto generoso e gentile” ma questa è solo una facciata, in quanto, come ci dice lo stesso regista “come in tutti i migliori ruoli di De Niro, c’è qualcosa di leggermente sinistro che cova sotto la brace”. Non è stato facile per tutta la troupe e per il resto del cast lavorare al fianco di un mito quale De Niro ma il risultato è stato molto positivo.

Oltre alla bravura degli interpreti, Limitless si fa apprezzare anche per innovative scelte e tecniche stilistiche le quali variano a seconda dello stato d’animo e della condizione mentale del protagonista. Per distinguere anche e sopratutto visivamente le sequenze in cui Eddie è “normale” con le sequenze dove invece è sotto l’effetto del farmaco, Burger in collaborazione con il direttore della fotografia Jo Willems cerca ed esplora diverse tecniche di ripresa. L’obbiettivo era quello di presentare immagini poco pulite, quasi sfuocate e imprecise quando Eddie guarda il mondo con gli occhi della normalità mentre assunto l’ NZT le riprese tornano ferme e precise e le immagini sono chiare, pulite, l’effetto visivo patinato e le luci più soffuse.

In conclusione, possiamo dire che Limitless è un film indubbiamente coinvolgente e che offre allo spettatore svariate sensazioni, molteplici emozioni che di certo non possono lasciare indifferente. La storia raccontata si basa su qualcosa di estremamente ipotetico e fantasioso ma se ha un difetto è che in qualche punto la logica cede eccessivamente spazio alla fantasia, all’assurdo, lasciando così a desiderare in quanto a coerenza narrativa. Sicuramente da elogiare la mancanza di una morale ipocrita quanto retorica, sopratutto nel finale, a cui sceneggiatrice e regista si guardano bene di cadere non cedendo così a tale tentazione sempre latente nei film d’oltreoceano. Limitless è un film che ci pone di fronte ad una situazione sì assurda ma che probabilmente ognuno di noi vorrebbe vivere, domande e curiosità estremamente ricorrenti, un film in cui ritrovare desideri e debolezze che nel nostro intimo coviamo da sempre.

In Boris – Il film un giovane Papa Ratzinger corre felice su un prato dopo aver saputo della scoperta del vaccino antipolio. Il regista, Renè Ferretti (Francesco Pannofino), dopo aver realizzato svariate fiction fatte “a cazzo di cane” come Gli occhi del cuore, Libeccio, Machiavelli, decide questa volta di opporsi di girare l’ennesima squallida scena e molla il set.

Così inizia l’attesissimo film di Boris, ispirato alla serie televisiva che dal 2007 prende di mira il mondo della fiction, con un atto estremo di coraggio, fatto da chi, come lui, è “il campione della merda”. Renè Ferretti si ritrova quindi precario, in un mondo che, soprattutto negli ultimi giorni, sta conoscendo le conseguenze del grave problema della precarietà. Però per Renè arriva presto un’altra occasione, offerta da un produttore indipendente, il famoso Sergio (Alberto Di Stasio), conosciuto dai fan della serie come l’assistente alla produzione della fiction Gli Occhi del cuore. Sergio gli propone di fare il grande salto nel cinema, una grandissima occasione per riscattarsi dalla bruttezza girata fino ad oggi. Il progetto prevede di portare sullo schermo il libro La casta di Sergio Rizzo e Gian Antonio Stella, un film d’autore quindi, impegnato, alla “Gomorra”; per questo progetto Renè lotta contro tutto e tutti per riuscire a riscattarsi e fare qualcosa di qualità. Ma ancora una volta dovrà fare i conti con la palude culturale che tutto ingloba.

Da una tv fatta a “cazzo di cane”, passa a un Cinema, se è possibile, ancora peggiore, roba da cialtroni. Di conseguenza, come se fosse inevitabile il suo destino e nonostante i suoi lodevoli sforzi, René Ferretti si ritrova tra i piedi la stessa troupe malconcia e fannullona di sempre, gli stessi attori cani, gli stessi sceneggiatori inetti e blasè e perfino lo stesso arrogante capo di produzione d’un tempo, Diego Lopez (Antonio Catania). Ferretti nonostante le premesse di questo progetto siano disarmanti, tenta comunque di riuscire a realizzare un film, perlomeno apprezzabile…ma lo spettro del Cinepattone incombe. Boris – Il Film, non delude né i fan, né i critici e sono certa che non deluderà il pubblico, perché sa far riflettere, in un modo straordinariamente semplice, e con un’ironia fresca, mai banale. Dispone di un cast perfetto, composto, insieme a Renè Ferretti da Duccio Patanò che interpreta il simpatico cocainomane direttore della fotografia (Ninni Bruschetta), il suo fedele capo elettricista Biascica (Paolo Calabresi), lo stagista di fotografia schiavo Lorenzo (Carlo De Ruggieri); Stanis La Rochelle (Pietro Sermonti), attore cane, demente, totalmente perso nella sua deriva psichica che vuole imporre la sua presenza nel film La Casta interpretando Gianfranco Fini e, infine Corinna (Carolina Crescentini): la cagna maledetta pronta a riciclarsi nel cinema d’autore. Un film, che si può forse inquadrare nel genere della commedia italiana (ma con notevole distacco da quella degli ultimi tempi) che parla dei reali compromessi che avvengono nel cinema italiano, di situazioni reali e grottesche, di luoghi comuni e di rassegnazione; e in questo tipo di cinema la rassegnazione è la regola.

Boris – Il film ha dunque il grande merito di mostrare il dietro le quinte del cinema, scandagliando gli stereotipi della televisione e del cinema e di far vedere al pubblico anche quegli odiosi atteggiamenti intellettuali e radical-chic tipici di coloro che realizzano o pensano di realizzare il cinema “di qualità. È un’opera originale ed esilarante destinata non solo a coloro che si sono appassionati alla serie ma a tutti quelli che hanno voglia di divertirsi e per una volta senza essere costretti alle volgarità dei cinepanettoni o alle banalità delle ultime commedie italiane. Uscirà nelle sale italiane in 300 copie il 1° aprile: il film che Wim Wenders non è riuscito a fare