Cesare deve morire dei fratelli Paolo e Vittorio Taviani, Orso d’oro all’ultimo festival del cinema di Berlino, è stato salutato da molti come film simbolo della rinascita del neorealismo in Italia ed effettivamente molte delle scelte effettuate dai due maestri per Cesare deve morire, ricordano lo stile di questa corrente cinematografica del passato, a partire dal soggetto stesso: “documentare” l’allestimento dello spettacolo all’interno di una struttura carceraria e, contemporaneamente, la vita stessa dei detenuti che si intreccia a quella dei personaggi del dramma di Shakespeare.

La trama di Cesare deve morire

Roma, Carcere di Rebibbia. Un gruppo di spettatori assiste alla messa in scena del Giulio Cesare di William Shakespeare allestita da un gruppo di detenuti/attori diretti dal regista Fabio Cavalli. Alla fine della rappresentazione, tra gli applausi del pubblico, i carcerati verranno nuovamente scortati nelle loro celle e ricomincerà la triste routine delle loro vite da reclusi. Il ricordo dei sei mesi di preparazione dello spettacolo, però, rimarrà vivo in loro e li aiuterà ad andare avanti illuminati da una nuova consapevolezza: c’è qualcos’altro oltre al carcere e la vita violenta che hanno conosciuto nel loro passato.

I Taviani hanno scelto il Giulio Cesare proprio perché si tratta di una vicenda tutta italiana che mette in campo emozioni forti ed estreme come l’amicizia, il tradimento, la brama di potere, l’ambizione, il delitto. Questi sentimenti i protagonisti di Cesare deve morire li hanno vissuti direttamente sulla propria pelle. Da questo aspetto nasce la fusione completa tra attori e personaggi (in entrambi i casi “uomini d’onore”) e scaturisce l’emozione diversa che solo queste interpretazioni riescono a trasmettere allo spettatore, diversa proprio in quanto vissuta profondamente dall’uomo attore, un’emozione reale che si “fa carne” negli sguardi e nelle espressioni.

Il neorealismo dei Taviani

In questo senso si può parlare di neorealismo all’ennesima potenza, un neorealismo in 3D dal momento che questa emozione risulta così vera e palpabile da potersi quasi toccare. Le scene più toccanti sono quelle in cui, soprattutto durante le prove, riaffiorano i ricordi delle vite passate degli attori e si fondono con le vicende del dramma. Mentre  provano nelle loro celle con i compagni di pena, ritrovano analogie tra la finzione e la realtà, “traducono” ognuno nel loro dialetto le battute del copione unendosi sempre più ai loro personaggi. A poco a poco la preparazione dello spettacolo assorbe  ogni aspetto della loro quotidianità nel carcere e gli altri pensieri e preoccupazioni divengono marginali. In questo modo i detenuti ritrovano la libertà tra le sbarre, riescono ad evadere con la mente e la fantasia guidati dalla forza dell’arte.

Cesare deve morire non è, tuttavia, un documentario vero e proprio. C’è una trama ben definita ed una sceneggiatura in cui, però, anche i singoli protagonisti hanno “messo mano” tramite i racconti delle loro esperienze personali. La scelta stilistica di un bianco e nero fortemente contrastato che  rimanda ad una certa tradizione neorealistica degli anni sessanta, non è tipico di uno stile documentaristico tradizionale, come anche il passaggio al colore nel momento della rappresentazione difronte alla platea.

L’aspetto documentaristico potrebbe essere rintracciato nella resa dei sentimenti e delle emozioni, ma il resto Cesare deve morire è un film a tutti gli effetti, un film che mostra una realtà scomoda che difficilmente viene narrata o almeno difficilmente viene narrata in questo modo, avvicinandosi così tanto ai suoi protagonisti. Probabilmente perché si rischia ed il rischio è rendere i “mostri” troppo umani rompendo la netta dualità tra bene e male, mostrando che tra il bianco ed il nero c’è anche del grigio e spezzando, così, le certezze rassicuranti di chi è pronto a puntare il dito. I delinquenti sono uomini che hanno sbagliato ma che, tramite la poesia di Shakespeare, riescono a purificarsi e riscattarsi; dopotutto il recupero non è forse uno degli obiettivi principali della detenzione?

A giudicare dall’emergenza che riguarda le strutture carcerarie in questo periodo (sovraffollamento, condizioni di vita insostenibili che portano molti detenuti al suicidio, etc.), pare che molti lo abbiano dimenticato. In questo contesto l’Istituto circondariale di Rebibbia, con le sue molte attività di recupero tra le quali i laboratori teatrali, rappresenta un esempio virtuoso che anche questo film ha contribuito a far risaltare.

Arriva anche in Italia l’atteso The Woman in Black, adattamento cinematografico dell’omonimo romanzo gotico dell’autrice britannica Susan Hill, pubblicato nel 1983. Il titolo è atteso da molti soprattutto perché segna il ritorno di Daniel Radcliffe dopo la fine di un’epoca che l’ha visto interpretare il famoso mago Harry Potter. Il giovane attore britannico ritorna dunque sui grandi schermi con un ruolo coraggioso, quello di un giovane padre alle prese con la morte della moglie e un figlio da accudire.

La trama di The Woman in Black

La pellicola ripercorre infatti la storia di Arthur Kipps (Daniel Radcliffe), giovane avvocato londinese che per mantenere la sua famiglia è costretto a lasciare suo figlio di tre anni e recarsi nel remoto villaggio di Crythin Gifford, dove deve sbrigare delle questioni legali legate all’eredità di una cliente defunta. Ma quando arriva nella sinistra e diroccata villa, scopre oscuri segreti nel passato degli abitanti del villaggio ed il suo senso di disagio aumenta quando gli appare una misteriosa donna vestita completamente di nero, un fantasma che aleggia sull’intero villaggio ed è in cerca di vendetta.

Le atmosfere gotiche di The Woman in Black

Sin dalle prime battute s’intuisce che The Woman in Black non è soltanto una Ghost Story ma è anche un’oscura storia sul lutto, sul dolore e sulla vendetta. Ne danno conferma un inizio molto cupo e sofferto che riempie lo spettatore di fascino e suggestione. E da subito lo catapultano in un racconto ricco di tensione che taglia a fette il respiro e che accompagna l’angoscioso viaggio del protagonista, interpretato discretamente da Daniel Radcliffe, che passati i primi istanti d’incertezza, riesce pienamente ad entrare nella parte tormentata di Arthur, regalando un’interpretazione sofferta e convincente.

Ma The Woman in Black è prima di tutto un film di atmosfere che per certi versi rubano completamente la scena al cast, diventando esse stesse il fulcro centrale a discapito della narrazione e soprattutto della trama che risente un po’ di eccessiva fedeltà al testo originale. Tuttavia rimane di notevole fattura il lavoro compiuto dalla scenografa Kave Quinn e dal direttore della fotografia Tim Maurice-Jones che mettono al servizio della storia una solida messa in scena.

Un film ostacolato da una narrazione inconsistente

Non mancano i momenti sospesi e di suspance che faranno senz’altro accapponare la pelle dello spettatore, ma nonostante ciò i difetti maggiori del film risiedono nella narrazione della storia, a volte troppo dilatata e inconsistente. Il continuo tergiversare di momenti forti all’interno del film diventa un’attesa che certamente non allunga il piacere, finendo per produrre una soluzione finale sottotono rispetto alle attese costruite.

Il film si fregia anche della performance di un grande attore irlandese come Ciarán Hinds (Belfast, Red Sparrow) che impreziosisce il film con il suo straordinario talento e insieme agli elementi riusciti di cui si è parlato precedentemente rendono The Woman in Black  un film da non perdere anche solo per ciò che offre esteticamente. Un titolo dunque consigliato specialmente a chi adora questo genere di film e per chi ama avventurarsi nell’epoca vittoriana.