Dopo l’ultima impegnativa fatica di Leoni per Agnelli, torna dietro la macchina da presa Robert Redford. E lo fa alla grande con The Conspirator: pellicola di grande spessore sociale che conferma il grado di maturità del cinema americano. Questo film è l’occasione per Redford di tornare a raccontare un po’ di storia(macchiata) americana.

Lo ha fatto come attore e lo sta facendo da regista. Solo che questa volta ritorna un po’ indietro nel tempo, per raccontare uno dei momenti più bui della storia americana: l’assassinio di Abraham Lincoln.

A seguito dell’assassinio del 16° Presidente degli Stati Uniti, sette uomini e una donna sono stati arrestati con l’accusa di far parte di un gruppo di cospiratori che ha organizzato l’assassinio di Lincoln, del Vice-Presidente e del Segretario di Stato. Il giovane avvocato, Frederick Aiken, di 28 anni, eroe di guerra, accetta riluttante di difendere davanti a un tribunale militare Mary Surratt, la donna di 42 anni accusata dell’assassinio. Aiken realizza che la sua cliente potrebbe essere innocente e che viene usata come esca al fine di catturare l’unico cospiratore che è sfuggito ad una massiccia caccia all’uomo…

The Conspirator 

The Conspirator analizza con tremenda lucidità la reazione di una nazione all’assassinio brutale del proprio presidente in un momento molto critico in cui il paese era profondamente diviso fra Nord e Sud. Ma il merito di Redford e del film è di sapere individuare e analizzare imparzialmente quello che accadde e tutti gli strascichi politico-sociali che l’evento più sconvolgente della storia americana aveva provocato.

Ne viene fuori un intelligente affresco critico verso se stessi e la propria storia. Capace di guardarsi indietro con trasparenza e lealtà, ammettendo talvolta gli orrori commessi, ma strizzando l’occhio a cosa poteva essere e non lo è stato. Riconoscere i propri errori è il primo passo per poter crescere. The Conspirator in sé può piacere o meno, ma ciò non ridimensiona questo importante assunto: tutti pensano di conoscere la storia, ma ci siamo chiesti qualche volta che forse non è così? … forse noi italiani in tal senso potremmo(dovremmo) fare di più.

Oltre a raccontare i fatti narrati, questo il film è anche una storia di fedeltà e devozione. Fedeltà da parte del protagonista Frederick Aiken (interpretato rigorosamente da James McAvoy) verso la costituzione, devozione di una madre (impeccabile Robin Wright) nei confronti del proprio figlio, che fa di tutto per proteggere nonostante sia colpevole, aggrappandosi a concetti come il dovere, l’onore e la lealtà.

Seppur con qualche difficoltà iniziale, The Conspirator viene fuori nella seconda parte in maniere decisiva, dimostrando tutto il suo potenziale. Ricco di un cast di caratteristi (fra tutti Tom Wilkinson) che contribuiscono a regalarci uno storico affresco di una delle pagine più buie di storia, il film di Redford si dimostra capace di raccontare i fatti lasciando allo spettatore la possibilità di intraprendere la via giusta.

 

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La Sirenetta (The Little Mermaid) di Ron Clements, John Musker, 1989 – Con Jodi Benson: Ariel – Christopher Daniel Barnes: Eric – Pat Carrol: Ursula

Trama: Ariel è la figlia del re del mare, una sirena che però invece di amare gli abissi sogna il giorno in cui potrà vivere sulla terra ferma e conoscere tutto dello straordinario e curioso mondo degli umani. Innamoratasi a prima vista  del principe Eric Ariel sarà disposta a tutto, persino a rinunciare alla sua magnifica voce pur di potergli stare accanto e con l’aiuto dei suoi amici il pesce Flounder, il granchio Sebastian e il gabbiano Scuttle, cercherà di fare innamorare Eric entro soli tre giorni. Intanto Ursula, la strega del mare alla quale Ariel ha ceduto la voce in cambio delle gambe, trama nell’ombra per impossessarsi del potere negli abissi e conquistare il principe…

La Sirenetta, il film

La Sirenetta (The Little Mermaid) non è solo il ventottesimo classico Disney secondo il canone ufficiale, ma soprattutto il lungometraggio che ha segnato l’inizio di un decennio, fortunato e proficuo, per la Casa di Topolino; dopo i disastrosi incassi del sottovalutato La bella addormentata nel bosco che nel lontano 1959 avevano quasi portato lo Zio Walt e la sua azienda sull’orlo della bancarotta, nonostante siano sempre stati prodotti nuovi lavori senza interruzione fu unanime la decisione di mettere da parte a data da destinarsi il mondo delle fiabe, tradizionalmente inteso, per puntare su  progetti alternativi meno sofisticati ma comunque incantevoli e pregevolissimi.

Quando nel 1989 dopo anni e anni di rinvii la Disney decise di rimettersi in gioco adattando la nota e tragica fiaba della Sirenetta di Hans Christian Andersen, le premesse erano quanto mai azzardate: per la prima volta si era raggiunta la consapevolezza che quel pubblico che sia apprestava a salutare gli anni 80′ era cambiato, cresciuto e maturato e chiedeva nuovi modi di raccontare storie, capaci di adattarsi al gusto dei tempi attraverso forme di intrattenimento di grande impatto audiovisivo; ecco quindi la nascita della sedicenne sirena Ariel (modellata sulle fattezze dell’allora giovanissima Alyssa Milano), principessa del popolo del mare vivace e curiosa, adolescente ribelle in perenne contrasto con un padre che la vorrebbe ubbidiente e pacata, sorella ideale di ogni giovane ragazza alla ricerca di un posto del mondo, in lotta contro la famiglia per affermare la propria identità e indipendenza: non dunque la solita damigella in pericolo che attende nel castello che le cose cambino ma una ragazza testarda e volitiva che, pur rispettando la regola tipica disneyana di innamorarsi a prima vista del principe Eric, è disposta a sacrificare tutto pur di poter realizzare il suo sogno di vivere sulla terra ferma insieme al suo grande amore.

Se il character design cambia per sempre per avvicinarsi di più a quello dei cartoni giapponesi a mezzo di linee più spigolose rispetto ai disegni morbidi e “umani” della vecchia guardia, la pellicola prende il largo e trionfa grazie a un universo subacqueo colorato e luminoso, ricco di personaggi immortali e unici (dal mitico granchio Sebastian alla strega Ursula, terribilmente moderna nella sua cattiveria di fingere di dare alle persone l’aspetto che più desiderano e che non può non richiamare alla nostra memoria la “terribile” televenditrice Vanna Marchi) e vive di trovate geniali e assolutamente riuscite (memorabile il duello tra Sebastian e il cuoco).

Tuttavia, a farci fare davvero il salto nel blu è il dono prezioso, quello a cui Ariel è disposta a rinunciare ben volentieri, che si rivela più che mai funzionale per realizzare i nuovi orizzonti della Walt Disney Pictures: una voce incantevole, il canto della sirena che rimane nella mente del principe e nello spettatore, che accompagna il kolossal d’animazione nello straordinario mondo dei musical e trova nel compositore Alan Menken e nel paroliere Howard Ashman, novelli autori di Broadway freschi del successo della Piccola bottega degli orrori,  i suoi menestrelli; un viaggio, vibrante ed emozionale, attraverso storiche melodie (la vincitrice del premio Oscar Under the sea su tutte ma anche la commovente Part of my world e la tenera Kiss the girl), per un film che proprio nella voce celestiale della sirenetta trova il centro della narrazione per raccontarsi col cuore a grandi e piccini.

Mentre Menken avrebbe lavorato ancora lungo con la Disney, Howard Ashman ci ha lasciato troppo presto a causa dell’Aids nel 1991, dopo aver terminato il lavoro per La bella e la bestia(che gli fruttò un altro Oscar postumo per la miglior canzone) che chiude i suoi titoli di coda con una commovente dedica :”Al nostro amico Howard, che diede ad una sirena la sua voce e ad una bestia la sua anima, ti saremo sempre grati.“. Grazie davvero Howard, per questo piccolo capolavoro della storia dell’animazione con il quale tutti noi siamo cresciuti e che non dovrebbe essere dimenticato dalle nuove generazioni.

 

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Wayne Wang, già regista di Smoke e Chinese box, porta sul grande schermo la sua ultima fatica: Il ventaglio segreto. In questo lavoro, ci racconta la Cina dell’Ottocento con un’attenta ricostruzione antropologica. La sceneggiatura si basa, infatti, su un romanzo di Lisa See, che prende spunto dalla tradizione cinese del laotong, per raccontare dell’amicizia e dell’affetto tra donne nella società cinese del diciannovesimo secolo. Protagoniste della pellicola due bambine cui sono stati fasciati i piedi nello stesso giorno: Fiore di Neve e Giglio Bianco.

Il laotong – vincolo che unisce due donne in un’amicizia per la vita, più forte di un legame parentale – è un vero e proprio contratto, che suggella l’unione tra le due bambine. A cementarla ulteriormente, l’uso del nu shu: un linguaggio segreto, di cui si serviranno per comunicare, scrivendolo nelle pieghe di ventagli di seta bianca. L’amicizia tra le due donne attraverserà prove difficili, ma le due si terranno in contatto segretamente, attraverso lo scambio dei ventagli. Accanto a questa, una storia moderna, ambientata ai giorni nostri, che vede Nina e Sophia, unite anch’esse da laotong, nell’attuale Shanghai.

Il ventaglio segreto inanella tre livelli temporali: l’800, il presente e gli anni ’90. Era dunque una bella sfida per il regista tenere insieme tutta questa materia in maniera non lineare. Tuttavia, se l’inizio può generare qualche confusione, presto tutto si chiarisce: le due storie si svolgono in una sorta di gioco di specchi. È stato Wang stesso a voler inserire la parte moderna, ambientata a Shanghai, per attualizzare il tutto e fornire allo spettatore anche un racconto più vicino alla sensibilità moderna. Scelta senza dubbio felice, che sortisce l’effetto sperato, anche grazie agli sceneggiatori che hanno curato questa parte della storia (il premio Oscar Ron Bass e Michael Ray). Passato e presente sono dunque, allo stesso tempo simili, perché simile è la storia delle protagoniste, ma opposti, come inevitabilmente lo sono la Cina dell’800 e quella di oggi.

Le due attrici offrono buone prove, interpretando caratteri diversi, ma complementari, in maniera intensa e convincente. Il regista ha tempo e modo di delineare i personaggi in maniera precisa e dettagliata. Quello che Il ventaglio segreto sconta però è un’eccessiva retorica, uno smaccato sentimentalismo, certo gusto melodrammatico, evidente in alcuni snodi della sceneggiatura e soprattutto nei dialoghi. Wang riesce comunque a darci una lettura critica del presente asiatico che, in tumultuosa crescita, rincorre il modello di sviluppo occidentale, pagando però un prezzo per questo affanno verso sviluppo, progresso e ricchezza, cioè quello del deterioramento dei rapporti umani.

Il ventaglio segreto è quindi un invito a riscoprire i valori umani, i legami forti e autentici tra le persone, come l’amicizia e l’affetto, e a mantenerli, perché davvero essi costituiscono l’essenza della vita, al di là della realizzazione nel lavoro, del denaro. Dal punto di vista estetico, il film è pregevole: molto accurata la ricostruzione scenografica della Cina Ottocentesca, vivissimi i colori, affascinanti i costumi e i materiali di scena. Tutto è ricreato con particolare attenzione. Con altrettanta cura si caratterizza l’ambiente moderno: una Shanghai sfavillante di progresso, simboleggiato da grattaceli e lavori in corso. Una città in continuo mutamento.

Le musiche, del premio Oscar Rachel Portman ben si accordano con la vena melodrammatica del film. La pellicola è distribuita da Eagle Pictures e sarà nelle sale italiane dall’8 luglio.

 

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Arriva al cinema Kung Fu Panda 2 il secondo capitolo della serie Kung Fu Panda prodotta dalla DreamWorks Animation e diretto da Jennifer Yuh.

In Kung Fu Panda 2 Po (Jack Black) è il Guerriero Dragone e protegge la Valle della Pace con i Cinque Cicloni: sta vivendo il suo sogno. L’arrivo del cattivo Lord Shen metterà però in pericolo la Cina e farà tornare alla mente di Po ricordi che pensava di aver rimosso. Arriva così per il tenero Panda il momento di combattere per salvare la Cina, il kung fu e per scoprire finalmente le proprie radici, sempre aiutato e sostenuto dai saggi consigli del maestro Shifu (Dustin Hoffman). Kung Fu Panda 2 ha tutti i pregi e i difetti di un sequel di un film di successo. Ritroviamo i personaggi che abbiamo amato nel primo film, primo su tutti il simpatico e perennemente affamato protagonista. Una volta trovata la sua strada nel primo film, qui Po deve fare i conti con il proprio passato oscuro: perché un panda si ritrova ad essere allevato da un’oca che cucina noodles?

Kung Fu Panda 2, il film

La scelta di approfondire l’origine del personaggio si rivela vincente e la trama non è mai banale. Aumentano le scene d’azione, e lo humor dei sei personaggi combattenti (Po, Tigre, Scimmia, Vipera, Mantide e Gru) è esaltante. Vero è che l’effetto sorpresa del primo film qui viene a mancare , ma in un sequel è inevitabile. Al cast di stelle del primo film, tra le quali ricordiamo Angelina Jolie, Lucy Liu, Jackie Chan, Seth Rogen e Dustin Hoffman, si aggiungono in questo nuovo capitolo le voci di Jean-Claude Van Damme, Dennis Haysbert e Victor Garber, oltre al bravissimo Gary Oldman che presta la voce al pavone Lord Shen.

Il linguaggio pulito e i semplici quanto profondi temi legati alla famiglia e al senso di appartenenza ad un gruppo fanno di Kung Fu Panda 2 un film per piccoli e piccolissimi, ma che non dispiacerà a quegli adulti che non dimenticano di coltivare la loro “miticità”. Il 3D non aggiunge nulla ma, in un’animazione luminosa e dai colori vivaci, non disturba la visione.

 

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