Il film Ritratto della giovane in fiamme (qui la recensione) di Céline Sciamma ha una scena finale straordinaria, i cui ultimi momenti sono ricchi di profondo significato. Il quarto lungometraggio di Sciamma ha debuttato al Festival di Cannes nel 2019, dove ha vinto il premio per la migliore sceneggiatura e il Queer Palm. Come altri film romantici simili, Ritratto della giovane in fiamme racconta la storia di Marianne (Noémie Merlant) ed Héloïse (Adèle Haenel); la prima è una pittrice, la seconda è il soggetto che le è stato segretamente affidato da dipingere prima di un matrimonio combinato.

Nel corso del film, ambientato nella Bretagna del XVIII secolo, le due diventano molto più che artista e soggetto, diventando amiche, confidenti e amanti. La struttura del film – che si apre con una Marianne leggermente più anziana che tiene un corso di pittura, per poi tornare indietro nel tempo al periodo trascorso con Héloïse – fa capire al pubblico che le due non finiranno insieme. Marianne dipinge il ritratto e se ne va, mentre Héloïse è costretta a sposarsi. Ma il percorso che porta a quel punto rende il finale struggente e ricco di significati da svelare.

Il ruolo di Orfeo ed Euridice in Ritratto della giovane in fiamme

La chiave della storia di Marianne ed Héloïse è la leggenda greca di Orfeo ed Euridice. Orfeo si innamora di Euridice, ma la perde dopo che lei muore per il morso di un serpente. Si reca negli inferi e supplica Ade di riportarla in vita. Ade accetta a condizione che, quando usciranno dalla caverna, lui non la guardi, altrimenti la perderà per sempre. Orfeo, incapace di sentire i passi di Euridice dietro di lui, cede e si volta per vedere la sua amata, solo per vederla scomparire per sempre, diventando nient’altro che un ricordo. L’interpretazione comune è che Orfeo scelga di voltarsi indietro.

Héloïse offre la sua: Euridice lo chiamò affinché si voltasse, e solo per questo lui lo fece. Questo mito fa da cornice alla storia d’amore di Marianne e Héloïse: una storia che sanno non potrà durare. È meglio finire con un ricordo che con niente. Marianne si identifica con Orfeo nel dipinto che svela alla fine di Ritratto della giovane in fiamme, che cattura il momento in cui Orfeo guarda Euridice. Questo riflette il suo ricordo dell’ultimo sguardo a Héloïse mentre lasciava la casa. Orfeo fa la “scelta del poeta” voltandosi; Marianne fa la scelta dell’artista.

Questo porta al secondo atto di Marianne di voltarsi per affrontare Héloïse, mentre si fa strada tra la folla per vedere il suo nuovo ritratto, quasi come se fosse chiamata da una voce inascoltata. Ancora una volta, questo pone Héloïse come Euridice, ma una con il pieno controllo delle sue azioni, che vuole che Marianne la veda ma che è ancora fuori dalla sua portata. La storia di Orfeo ed Euridice è tipicamente vista come quella dello sguardo maschile; lui la guarda, per osservarla, ponendo il suo sguardo al di sopra della sua esistenza. Trasformando la storia in quella dello sguardo femminile, da qualunque punto di vista la si guardi, Sciamma dà a entrambe le donne il controllo sulla storia e sul loro destino.

Il dettaglio francese nascoso nel finale

Come sottolineato da Vox, Ritratto della giovane in fiamme contiene un altro significato aggiuntivo per coloro che possono seguire il film nella sua lingua originale, il francese, piuttosto che affidarsi ai sottotitoli. Quando Marianne ed Héloïse parlano tra loro, usano “vous”, che è la versione formale di “tu” in francese. All’inizio della loro relazione, questo è corretto: Marianne è stata assunta dal capo della famiglia e le donne non si conoscono, quindi è logico mantenere un certo livello di formalità.

Tuttavia, Marianne ed Héloïse continuano a usare “vous” l’una con l’altra, anche dopo aver iniziato a legare, anche dopo che è diventato chiaro che hanno sviluppato dei sentimenti, hanno dormito insieme e Marianne l’ha dipinta. La loro relazione cambia e diventa più intima, ma il loro linguaggio no. Almeno fino alla fine, all’ultima interazione tra Marianne ed Héloïse. Quando Marianne è finalmente pronta a lasciare la casa, Héloïse le corre dietro giù per le scale, nel suo abito da sposa bianco, e le dice: “Retourne-toi”.

Non solo questo è il suo momento Euridice, ma forse ancora più significativo è il fatto che qui lei parli in modo informale. Questo rende i loro sentimenti reciproci ancora più chiari e, anche se molti spettatori non se ne rendono conto, ancora più incisivi. Héloïse si apre completamente a Marianne, ammettendo i suoi sentimenti nel loro ultimo momento insieme. Se tutto ciò che può lasciare a Marianne è un ricordo, allora sarà un ricordo estremamente potente e amorevole.

Il numero 28 nel ritratto di Héloïse

Quando Marianne si fa strada tra la folla per affrontare il ritratto di Héloïse nel finale di Ritratto della giovane in fiamme, ciò che colpisce non è il modo in cui Eloisa è dipinta, né la bambina dai capelli dorati – quasi certamente sua figlia – al suo fianco. Sebbene entrambi potrebbero essere sufficienti a far gonfiare o scoppiare il cuore di Marianne, ciò che conta di più è il numero di pagina che spunta dal libro che ha in grembo: il numero 28, la stessa pagina su cui Marianne ha disegnato se stessa nella copia di Éloïse della storia di Orfeo ed Euridice.

Questo non è solo il modo di Héloïse per dire a Marianne che anche lei la ricorda, ma è il richiamo di una visione specifica: come quando Héloïse regala a Marianne un ultimo ricordo perfetto usando il francese informale e permettendole di vederla vestita di bianco, proprio come Marianne l’aveva immaginata. Héloïse, includendo il numero 28, mostra a Marianne il momento perfetto tra loro. Sceglie di conservarlo nella sua memoria e dimostra che, indipendentemente dall’artista, Marianne è l’unica che la vede veramente. Il dipinto di Héloïse richiama Marianne, il loro legame condiviso è fisicamente spezzato ma immortalato sulla tela, così come nei loro ricordi e nei loro cuori.

Perché la scelta musicale finale di Ritratto della giovane in fiamme è così importante

Sebbene Ritratto della giovane in fiamme si concentri sull’arte, è piuttosto sobrio per quanto riguarda la musica. Ci sono pochi momenti musicali nel corso del film, ma questo conferisce maggiore impatto alla scena finale. In una sequenza di cinque minuti, Marianne vede Héloïse per la seconda volta da quando ha lasciato la sua casa, questa volta a un concerto. Marianne guarda dall’altra parte della sala e vede Héloïse sul lato opposto, anche se lei non la vede. Héloïse è immersa nella musica, diventando sempre più emotiva. La musica che suona è tratta da “Estate” delle Quattro Stagioni di Vivaldi, la stessa che Marianne ha suonato in precedenza in Ritratto della sposa in fiamme.

Ascoltare un’orchestra era qualcosa che Héloïse desiderava ardentemente. In un certo senso, Héloïse ha qualcosa che desidera; è felice. Ma ascoltare la musica – in particolare questa musica – le riporta alla mente il ricordo di ciò che ha perso per ottenerla, ovvero Marianne. È appropriato che il brano stesso parli di una perfetta giornata estiva interrotta da una tempesta. Sarebbe anche giusto chiedersi quale sia quale nel caso di Héloïse: è il ricordo invasivo di Marianne la tempesta, o è la giornata estiva, schiacciata dalla realtà della vita senza di lei?

Marianne è ancora una volta catapultata nel ruolo di Orfeo, con nient’altro che la possibilità di contemplare il suo amore. Mentre la musica cresce e la telecamera zooma sul volto di Héloïse, Ritratto della giovane in fiamme torna all’atto di contemplare. Per chiunque altro, Héloïse potrebbe sembrare una spettatrice qualsiasi. Ma attraverso gli occhi di Marianne, lo spettatore vede Héloïse come la vede Marianne, ogni emozione ed espressione che danza sul suo viso, dolore e gioia, tristezza e sorrisi che si completano e si contraddicono a vicenda. È il modo in cui solo chi ama veramente qualcuno può vedere, ed è tutto ciò che anche Marianne può fare ora: guardare e ricordare, senza rimpianti.

Il vero significato del finale di Ritratto della giovane in fiamme

Il finale mozzafiato di Ritratto della giovane in fiamme ha un forte impatto emotivo, poiché tutto ciò che lo spettatore può fare è sedersi e guardare in silenzio, osservando Héloïse che guarda l’orchestra, tutto attraverso gli occhi di Marianne. Questa scelta è significativa per come inquadra la storia, che diventa, in parte, una storia sullo sguardo femminile (da notare la generale assenza di uomini nella storia). Attraverso questo sguardo, il pubblico sperimenta la bellezza, la passione, il romanticismo, l’amore e il dolore che Marianne ed Héloïse vedono l’una nell’altra, che raggiungono un crescendo travolgente (e devastante) in quei minuti finali.

Questi momenti conclusivi mettono in evidenza il potere della memoria e dell’arte; come entrambi possano essere interpretati in modo diverso, che nessuno dei due è necessariamente la verità di chi è la persona, e che non possono catturare appieno ciò che significava per te. Eppure entrambi possiedono un potere incredibile: quello di prendere quei momenti di romanticismo e amore, ma anche di dolore e perdita, e dare loro una durata infinita. Il finale di Ritratto della giovane in fiamme riporta alla mente i suoi temi – la storia di Orfeo ed Euridice, lo sguardo femminile, la forza dell’arte e la capacità di vedere l’altra persona – e li conclude perfettamente.

Lo straniero senza nome (1973), diretto e interpretato da Clint Eastwood, rappresenta uno dei primi passi dell’attore nella regia dopo l’esperienza formativa sotto Sergio Leone e Don Siegel. Questo film segna un momento fondamentale nella sua filmografia, perché permette a Eastwood di affermare uno stile personale: più cupo, allegorico e moralmente ambiguo rispetto ai western classici. Pur restando fedele a certe atmosfere del genere, Eastwood introduce un linguaggio registico che accentua il mistero e la tensione, delineando così il suo percorso di cineasta indipendente e anticonformista.

Rispetto agli altri western di Eastwood, Lo straniero senza nome si distingue per il tono fortemente metaforico e quasi soprannaturale. Se nei film di Leone il pistolero solitario era una figura mitica ma ancora umana, qui il protagonista assume le sembianze di un fantasma vendicatore, sospeso tra l’aldilà e la realtà. Questo spostamento accentua il lato morale e filosofico del racconto, anticipando riflessioni che Eastwood svilupperà anche in opere successive come Il cavaliere pallido e, più avanti, Gli spietati, dove il mito del West viene smontato e reinterpretato in chiave critica.

Il film appartiene al genere western ma lo declina in una chiave cupa, quasi gotica, giocando con temi come la colpa, la vendetta, la paura e la complicità silenziosa di una comunità. La cittadina in cui si svolge la vicenda diventa una sorta di microcosmo corrotto, popolato da uomini incapaci di assumersi responsabilità morali. Il protagonista, enigmatico e implacabile, diventa lo strumento attraverso cui si compie la resa dei conti, lasciando allo spettatore il dubbio se si tratti di un uomo o di un’entità soprannaturale. Nel resto dell’articolo analizzeremo nel dettaglio il finale, cercando di comprenderne i significati nascosti.

La trama di Lo straniero senza nome

La storia si apre sull’arrivo nell’apparentemente tranquilla cittadina di Lago di un misterioso pistolero, mai visto prima da quelle parti. L’uomo si distingue subito per la sbalorditiva abilità con le armi, uccidendo senza problemi tre briganti lì presenti. Divenuto subito celebre in città, questi viene approcciato dal neo eletto sindaco, il quale gli racconta che il suo predecessore è stato recentemente ucciso in modo quanto mai brutale da tre pistoleri. Questi hanno poi lasciato la città promettendo di tornare per compiere ulteriori massacri. Vista la sua bravura con le armi, allo straniero viene chiesto di restare e proteggere i cittadini di quel luogo.

Inizialmente riluttante, il misterioso pistolero finisce con l’accettare, allettato dalla possibilità di poter chiedere qualunque cosa in cambio. Nell’attesa che i tre criminali tornino in città, egli prova ad addestrare gli stessi cittadini alla pratica delle armi, attirandosi però l’odio di molti dei presenti, convinti che l’uomo porterà soltanto ulteriori guai. La notizia che i tre briganti stanno realmente per arrivare in città, però, fa nuovamente calare un clima di terrore su questa. Lo straniero, nell’attesa, rivelerà di avere motivi molto più personali di quanto si potrebbe pensare contro i tre in arrivo.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di Lo straniero senza nome, la tensione raggiunge il culmine con l’arrivo in città degli uomini di Stacey Bridges e dei fratelli Carlin. Lago, interamente dipinta di rosso e trasformata in un surreale scenario infernale, diventa il palcoscenico della resa dei conti. Gli abitanti, incapaci di difendersi davvero, vengono facilmente sopraffatti e radunati nel saloon. Quando tutto sembra perduto, lo Straniero ritorna in scena: appare come un’ombra vendicatrice, colpisce dall’oscurità e mette in atto un castigo tanto crudele quanto inevitabile.

La violenza si concentra in momenti simbolici: il fratello Carlin frustato fino alla morte con la stessa modalità subita anni prima dal marshal Jim Duncan, e l’eliminazione di Bridges e dei restanti fuorilegge uno dopo l’altro, come in un rituale di purificazione. Alla fine, la città è devastata, le fiamme avvolgono gli edifici, e lo Straniero si allontana nuovamente nel deserto, dissolvendosi tra le onde di calore. L’ultimo scambio con Mordecai davanti alla tomba appena incisa con il nome di Jim Duncan suggella il mistero: l’identità del cavaliere senza nome resta sospesa tra realtà e leggenda, lasciando spazio a interpretazioni contrastanti.

Il finale ha pertanto dato vita a numerose teorie. Una lettura concreta vede lo Straniero come il fratello del marshal ucciso, tornato per vendicare l’ingiustizia subita, versione accennata in alcune sceneggiature iniziali e ripresa in doppiaggi europei. Tuttavia, Clint Eastwood ha preferito una visione più simbolica e soprannaturale: lo Straniero sarebbe lo spirito inquieto di Jim Duncan, riemerso dall’aldilà per richiamare i cittadini di Lago alle proprie responsabilità morali. I dettagli onirici, i richiami visivi e la sparizione finale sostengono questa interpretazione.

Il film, quindi, gioca volutamente sull’ambiguità: il misterioso cavaliere è un uomo di carne e ossa o un fantasma della coscienza collettiva? La sua figura assume i tratti di una parabola morale, in cui la giustizia non proviene dalle leggi o dalle istituzioni, ma da un’entità che incarna la vendetta e il peso dei peccati passati. L’impossibilità di dare una risposta definitiva rende il finale ancora più potente, lasciando lo spettatore inquieto e stimolato a interrogarsi.

In ultima analisi, Lo straniero senza nome ci lascia un messaggio di forte impatto: la colpa non resta mai impunita. La comunità di Lago, complice della morte del marshal, è costretta a fare i conti con le proprie omissioni e con la vigliaccheria che l’ha condannata. Eastwood costruisce così una parabola western che si trasforma in una riflessione universale sulla responsabilità morale e sulla necessità di affrontare i fantasmi del passato, prima che essi ritornino a reclamare il loro prezzo.

I segreti di Osage County (qui la recensione), diretto da John Wells, è tratto dall’omonima opera teatrale di Tracy Letts, vincitrice del Premio Pulitzer e del Tony Award. L’adattamento cinematografico conserva la struttura corale e claustrofobica della pièce, ambientata quasi interamente tra le mura della casa della famiglia Weston, dove l’atmosfera soffocante diventa specchio delle tensioni e dei rancori mai sopiti. Wells riesce a trasporre sullo schermo la densità dei dialoghi e il peso dei silenzi, mantenendo intatta l’anima teatrale e amplificandone la forza drammatica attraverso il linguaggio visivo.

Il film può contare su un cast straordinario, guidato da Meryl Streep nel ruolo della matriarca Violet Weston e Julia Roberts nei panni della figlia Barbara. Attorno a loro, un gruppo di interpreti di altissimo livello – tra cui Ewan McGregor, Benedict Cumberbatch, Chris Cooper e Julianne Nicholson – contribuisce a dare profondità al dramma familiare. Le tensioni tra i personaggi esplodono in dialoghi taglienti, scontri emotivi e rivelazioni che mettono a nudo ferite mai rimarginate. Le prove attoriali, intense e calibrate, sono il motore di un film che vive dell’energia dei conflitti interpersonali.

Collocato nel genere del dramma familiare, I segreti di Osage County affronta temi universali come la disgregazione dei legami familiari, la difficoltà di comunicare, l’eredità emotiva e il peso dei segreti. La vicenda si muove tra la tragicità e momenti di grottesco, offrendo una riflessione amara sulle dinamiche di potere all’interno della famiglia e sulla difficoltà di sfuggire ai modelli imposti dall’infanzia. È proprio nel confronto tra dolore e resilienza che il film trova la sua forza, anticipando un finale che, nel prosieguo dell’articolo, analizzeremo e spiegheremo nei dettagli.

La trama di I segreti di Osage County

Il film racconta la storia di una famiglia che vive in Oklahoma con un passato travagliato fatto di ricordi spiacevoli. Memorie che vengono a galla quando Beverly (Sam Shepard), marito di Violet Weston (Meryl Streep), anziana donna malata di tumore, scompare improvvisamente senza lasciare alcuna traccia. La figlia Ivy (Julianne Nicholson) riunisce immediatamente tutti i familiari per capire dove sia finito l’uomo, compresi gli zii Mattie Fae (Margo Martindale) e Charles Aiken (Chris Cooper). Arriva nella contea anche Barbara (Julia Roberts), la secondogenita, con il marito Bill Fordham (Ewan McGregor) e sua figlia Jean (Abigail Breslin).

Fin da subito tutti si rendono conto che il loro matrimonio è ormai solo una farsa. Alla cerimonia funebre arriva anche Karen (Juliette Lewis), l’ultima sorella Weston, con il suo nuovo fidanzato Steve Heidebrecht (Dermot Mulroney). Il punto di non ritorno la famiglia lo raggiunge durante il pranzo dopo il funerale: Violet, sotto l’effetto dei farmaci che le servono per curare il cancro, aggredisce tutti i presenti. Le tre figlie cominciando dunque a interrogarsi su chi tra di loro dovrà prendersene cura restando a Osage. Tutto si complica quando salta fuori la relazione incestuosa tra Ivy e il figlio della zia Mattie Fae, “Little” Charles (Benedict Cumberbatch).

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di I segreti di Osage County, le tensioni familiari raggiungono il punto di rottura definitivo. La verità sulla relazione tra Ivy e Little Charles viene spezzata da Violet, che rivela come lui sia in realtà suo fratello, figlio di una relazione extraconiugale tra Beverly e Mattie Fae. Questa rivelazione distrugge ogni possibilità di futuro per Ivy, che abbandona la casa con la promessa di non tornare mai più. Parallelamente, anche gli altri membri della famiglia iniziano a disgregarsi: Karen nega la realtà del suo rapporto con Steve e se ne va, mentre Bill decide di riportare Jean in Colorado.

Il culmine arriva nello scontro finale tra Barbara e Violet. Qui, Violet confessa di aver ricevuto una telefonata dal marito Beverly quando era ancora in vita, ma di non aver mosso un dito per aiutarlo, preferendo invece prelevare denaro dal conto comune prima che lui si togliesse la vita. Questa rivelazione segna il definitivo distacco tra madre e figlia: Barbara, resa consapevole dell’abisso di egoismo e crudeltà in cui è precipitata Violet, sceglie di andarsene, lasciandola sola con la badante Johnna. Il film si chiude con Barbara in viaggio verso ovest, devastata ma determinata a liberarsi dal peso della madre, mentre Violet rimane nella casa, abbandonata da tutti.

Il finale del film sottolinea come la famiglia Weston sia irrimediabilmente fratturata, incapace di superare segreti, rancori e tradimenti. Violet, figura centrale e distruttiva, resta prigioniera della propria solitudine, mentre le figlie intraprendono strade diverse per fuggire dalla sua influenza tossica. La partenza di Barbara rappresenta il punto di non ritorno: pur nel dolore, sceglie di non ripetere il ciclo di odio e dipendenza che ha segnato la sua famiglia. La casa, che fino a quel momento era stata il teatro dei conflitti, diventa così simbolo di isolamento e autodistruzione.

Attraverso questo epilogo, I segreti di Osage County porta a compimento i suoi temi centrali: la disintegrazione della famiglia, la difficoltà di affrontare la verità e l’impossibilità di guarire vecchie ferite. Ogni personaggio, nel momento di massimo confronto, è costretto a misurarsi con il proprio dolore e con l’eredità emotiva lasciata dai Weston. Violet, incapace di cambiare, diventa emblema di un passato che non può essere redento, mentre Barbara incarna la scelta difficile ma necessaria di rompere con le radici tossiche per non esserne definitivamente schiacciata.

Ciò che il film lascia allo spettatore è un’amara riflessione sulla famiglia come luogo di affetti ma anche di ferite profonde. I segreti di Osage County mostra quanto sia difficile separarsi dai legami familiari, anche quando questi si rivelano distruttivi. Il messaggio finale è duplice: da un lato, la necessità di riconoscere le radici del proprio dolore; dall’altro, il coraggio di allontanarsene per costruire una vita diversa. È un film che parla di perdita e sopravvivenza emotiva, invitando a chiedersi fino a che punto il legame di sangue debba essere un vincolo ineludibile.

Il finale di Him rivela chi è il vero GOAT, Cam o Isaiah. Him è un film horror sul football americano con molti significati nascosti, che utilizza la storia di un aspirante rookie che viene preso sotto l’ala protettrice di una leggenda esigente per esplorare il lato oscuro dell’ambizione. È una visione cupa del genere sportivo, una decostruzione avvincente di qualcuno che vuole diventare il più grande.

Il film non si accontenta però di approfondire la psicologia di Cam e Isaiah. Him ha in mente un ambito molto più ampio, toccando la storia di questo sport, il trattamento riservato ai giocatori appartenenti a minoranze nel corso della storia e il modo in cui l’élite ricca continua a prosperare grazie ai sacrifici delle persone che “possiede” attraverso i contrasti sportivi. Ecco cosa succede nel finale cruento e selvaggio di Him.

Perché Isaiah sta allenando Cam per diventare il GOAT

I colpi di scena di Him rivelano progressivamente che Cam è destinato a sostituire Isaiah come GOAT, non solo in termini di abilità atletiche, ma anche come strumento per la cricca di proprietari di squadre e agenti per continuare a governare attraverso di lui. Him non si concentra solo sugli sforzi dell’individuo per diventare il migliore, ma anche sulle persone che ne trarrebbero vantaggio.

Al centro della prima ci sono Cam e Isaiah, una nuova sensazionale matricola e una star esperta, entrambi amanti del football. Tuttavia, mentre l’amore di Cam per la sua famiglia e la lealtà verso i suoi cari resistono durante l’allenamento e le varie tentazioni, Isaiah ha da tempo abbracciato il potere che gli conferisce l’essere il migliore.

Questo non è solo un’estensione del fatto che Isaiah usa la sua fama per diventare un leader carismatico della sua squadra o per vivere per sempre grazie a medicine miracolose. È una spinta personale per Isaiah rimanere il più grande. Questo è il motivo per cui continua ad andare a “guardare i video”, che Cam scopre essere filmati di folle festanti che lo celebrano come lui vorrebbe essere celebrato.

Isaiah sta addestrando Cam perché è destinato a essere il prossimo di una lunga serie di “grandi”, un ruolo che Isaiah ha ereditato dai giocatori precedenti. Questo legame è reso ancora più evidente dal fatto che Isaiah dona a Cam parte del suo sangue attraverso una trasfusione, un riferimento al precedente paragone fatto nel film con i cacciatori delle tribù native americane che bevono il sangue dei loro anziani.

Isaiah non sembra voler rinunciare ad essere il più grande e costringe Cam a combattere fino alla morte per guadagnarsi la possibilità di diventare il più grande. Mentre l’ascesa di Cam come prossimo atleta “più grande” fa il gioco della cricca, Isaiah è un vero credente nella “grandezza”, il che spiega perché sorride quando Cam lo uccide e gli strappa il titolo.

Il culto demoniaco di Him e i loro piani per Cam, spiegati

Mentre Isaiah è un antagonista affascinante per gran parte di Him, i veri cattivi della storia si rivelano essere le persone che traggono profitto da atleti come lui e Cam. Una volta ucciso Isaiah, Cam raggiunge un campo da football dove trova i proprietari dei San Antonio Saviors, il suo agente Tom e la moglie di Isaiah, Elsie, tutti in attesa che lui firmi un contratto per sostituire formalmente Isaiah.

L’intera sequenza si basa sulle immagini demoniache che sono state presentate in altre parti del film, rivelando che c’è davvero una forza soprannaturale in gioco. Tuttavia, le vere origini, gli effetti e le motivazioni dell’accordo non vengono rivelati in Him. Cam viene invece colto di sorpresa da tutto questo e inizialmente rimane sconcertato.

È una potente metafora del mondo in cui spesso si trovano i giovani atleti, un labirinto di ricchezza, burocrazia e contratti che alla fine possono sembrare come firmare la propria condanna a morte. Questo tema si inserisce nell’esplorazione del film dello sport professionistico e del modo in cui alcuni giocatori sono disposti a stringere patti con il diavolo se questo significa ottenere ricchezza e grandezza.

Him mette in evidenza il modo in cui le persone possono diventare merce nella società, specialmente in ambiti come lo sport. I proprietari della squadra, tutti bianchi, sono sprezzanti nei confronti di Cam e lo chiamano addirittura “ragazzo”, rendendo ancora più evidente il sottotesto razziale della visione del film sui proprietari. In questo modo, i proprietari diventano il diavolo del film.

Questi proprietari traggono profitto dal duro lavoro e dal sacrificio personale dei giocatori, i cattivi principali che traggono il massimo vantaggio dal dolore che Isaiah (e ogni altro giocatore professionista) ha sofferto e causato nel corso degli anni. È una delle critiche più dure di Him al mondo dello sport, ma almeno ripaga con una sanguinosa catarsi.

Il ruolo del padre di Cam nel finale raccapricciante di Him

Il padre di Cam appare solo in una scena di Him, ma la sua influenza e la sua ombra aleggiano su gran parte dell’arco narrativo del film. Il padre di Cam viene presentato in una scena prologica come un fan di lunga data dei San Antonio Saints, una passione che trasmette al figlio. Anche se al momento della vicenda del film è già morto, Cam afferma di rendere orgoglioso suo padre diventando il GOAT.

Questo ha due significati aggiuntivi. Per Cam, diventare il GOAT è un modo per rimediare al litigio che ha avuto con suo padre. Il segreto straziante di Cam è che ha quasi smesso di giocare a football, cosa che sembra aver spezzato il cuore di suo padre. Questo aggiunge un ulteriore strato di tragedia all’impegno di Cam di diventare il più grande, come mezzo per rimediare al suo “errore”.

Tuttavia, il padre di Cam si rivela essere una figura più oscura di quanto il pubblico veda inizialmente. Nella parte finale del film, i proprietari rivelano che, oltre ad aver aggredito Cam per costringerlo a seguire la loro strada, una foto dimostra che avevano fatto un accordo con il padre di Cam anni prima per assicurarsi che Cam diventasse il GOAT.

Il padre di Cam mette in evidenza una delle motivazioni psicologiche più oscure che possono spingere le persone a impegnarsi in qualcosa: perché i loro genitori li hanno costretti a farlo. Anche se è Cam a scegliere di portare avanti la carriera atletica che suo padre aveva immaginato per lui, era un mondo in cui era stato spinto (e sembra che non avrebbe mai potuto sfuggirgli).

Perché Cam dice di no (e cosa significa)

Tutto questo porta al finale catartico di Him, in cui decide di non assecondare il piano del proprietario e si rifiuta anche di lasciarsi uccidere. Cam uccide invece l’allenatore che cerca di attaccarlo e poi usa la sua spada per eliminare tutti i proprietari della squadra. È un atto brutale di ultraviolenza, che rappresenta il culmine del rifiuto di Cam di diventare come Isaiah.

Per tutto il film Him, Cam lotta con i propri conflitti interiori e con ciò che è necessario per placare Isaiah. Diventa sempre più freddo e distaccato, ma i legami che ha con la sua famiglia e l’amicizia che sviluppa con il medico di Isaiah, Marco, rafforzano il suo impegno verso la famiglia e la fede piuttosto che verso il football.

È qui che si differenzia da Isaiah, che vede il football e il raggiungimento della grandezza in esso come le uniche cose che contano. Isaiah era disposto a sacrificare se stesso per diventare il GOAT, cosa che Cam si dimostra incapace di fare. Ha la grinta e la determinazione necessarie, ma Cam non è disposto a rinunciare a se stesso per diventarlo.

Di conseguenza, Cam resiste alla tentazione finale e si fa strada verso la libertà uccidendo, tornando a essere se stesso invece di diventare una “mascotte” di cui i ricchi possono trarre vantaggio. In questo modo, Cam impara l’ultima lezione da Isaiah, anche se rifiuta la vita che il leggendario quarterback ha cercato di preparargli.

Il vero significato del destino di Cam in Him

Him ha molto da offrire sotto la superficie. Le storie di Isaiah sui giocatori nativi americani che hanno perfezionato il passaggio in avanti e sono poi diventati “mascotte” riflettono il sottotesto razziale del film. C’è un solo personaggio bianco nel cast che cerca di aiutare Cam. Anche in questo caso, Marco è moralmente compromesso, lavora per Isaiah e viene ucciso per i suoi avvertimenti.

Il film rafforza i rischi degli sport da combattimento, sottolineando come gli infortuni gravi vengano derisi o celebrati come sacrifici onorevoli. Him lo paragona apertamente agli sport dei gladiatori e alle vecchie battute di caccia, suggerendo che il sacrificio personale è l’ideale per raggiungere la grandezza.

Soprattutto, Him tratta in definitiva dei modi in cui il mondo può prendere le passioni, i talenti e le vite delle persone e trasformarli in sacrifici fisici sull’altare del successo. Che sia per alimentare la ricerca della perfezione o per arricchire i ricchi, il costo è pagato dalle persone. È potente il fatto che Cam non solo sfugga a questo mondo, ma lo combatta attivamente, diventando il vero GOAT del finale di Him.

A rischio di essere troppo espliciti, è giusto dire che il titolo A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario prepara gli spettatori a un’epica prova che cambierà la loro vita, o almeno prepara i personaggi a viverla. Eppure, alla fine del film di Kogonada appena uscito, è davvero quello che è successo? Per Sarah (Margot Robbie) e David (Colin Farrell), è quello che siamo portati a credere.

Tuttavia, sulla base delle recensioni critiche di A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario, gli spettatori potrebbero non pensarla così. Il film segue i due personaggi che, dopo aver noleggiato un’auto dalla stessa compagnia (The Car Rental Agency, naturalmente) per partecipare allo stesso matrimonio, intraprendono un’avventura mistica volta a svelare il loro passato e a superare i loro blocchi emotivi.

Dopo aver attraversato insieme una serie di porte impossibili e aver rivisitato vecchi ricordi, Sarah e David si separano proprio prima delle loro prove finali, che vedono Sarah confrontarsi con la madre defunta (Lily Rabe) e David trovarsi faccia a faccia con se stesso da adolescente (Yuvi Hecht). Attraverso queste interazioni, entrambi ricevono le ultime lezioni di cui hanno bisogno per imparare a vivere finalmente una vita soddisfacente.

Il vero scopo delle porte in A Big Bold Beautiful Journey

I trailer di A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario creano il mistero delle varie porte che Sarah e David attraversano. C’è la porta rossa arrotondata che li porta al faro che David ha visitato una volta, e la porta metallica ricoperta di graffiti che conduce al museo preferito di Sarah, e così via. Ognuna rappresenta un aspetto chiave della loro vita ed è spesso legata a un momento intenso e determinante.

Per quanto riguarda la provenienza delle porte, però, A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario non è esattamente esplicito. Se guardate questo film alla ricerca di risposte concrete, rimarrete delusi, poiché non si tratta tanto di come funziona il tutto, quanto piuttosto del viaggio stesso. Da qui il titolo iperbolico.

Le porte non sembrano provenire da nessuna parte, anche se sono chiaramente legate all’agenzia di noleggio auto, ai suoi strani dipendenti e al GPS simile a un angelo custode (Jodie Turner-Smith). Forse la spiegazione migliore è che sono un’estensione di una vocazione superiore, una sorta di entità spirituale che ha lo scopo di aiutare le persone a riscoprire se stesse e ad andare avanti con la loro vita.

Il mistero dell’agenzia di noleggio auto

Inizialmente, A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario inizia come un film ambientato in un mondo normale e quotidiano. Tuttavia, non passa molto tempo prima che l’eccentricità faccia la sua comparsa, con David che trova la strada per l’agenzia di noleggio auto, gestita da due dipendenti interpretati da Phoebe Waller-Bridge e Kevin Kline. Tutto ciò che riguarda l’ambientazione è strano, dall’accento tedesco dei dipendenti che va e viene al magazzino vuoto in cui hanno sede.

Proprio come le porte, l’agenzia di noleggio auto e le sue stranezze non vengono mai spiegate. I dipendenti potrebbero essere veri angeli, oppure maghi. Il film non si preoccupa molto di fornire risposte, quasi come se volesse spingere il pubblico ad accettare semplicemente un po’ di fantasia nella propria vita. Certo, ci sono messaggi peggiori che un film può trasmettere.

Una cosa mi ha colpito, però, ed è il modo in cui l’agenzia di noleggio auto sembra funzionare come un’audizione per uno spettacolo teatrale o un film. I dipendenti hanno le foto dei volti delle persone che entrano e David finisce persino per affermare di non essere un attore, cosa che il personaggio di Waller-Bridge gli fa ripetere, come un regista che guida un attore.

Questo aggiunge un livello meta a A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario, anche se non sono sicuro che il resto del film si basi su questo una volta che si concentra sulle vicende di David e Sarah. Tuttavia, se seguiamo la teoria secondo cui si tratta di una sorta di intervento divino, allora forse i dipendenti dell’agenzia di noleggio auto stanno facendo un provino alle persone che entrano per scoprire chi si adatta meglio all’altra.

Sarah e David finiranno insieme?

Non credo ci fossero molti dubbi sul fatto che Sarah e David si sarebbero davvero innamorati alla fine di A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario, ma per soddisfare tutte le curiosità: sì, le due anime perdute ritrovano la strada l’una verso l’altra e iniziano una vera relazione romantica.

Questo avviene dopo che Sarah raggiunge una svolta con i suoi problemi di impegno mentre parla con sua madre, e David impara ad apprezzare se stesso trascorrendo del tempo con il suo io adolescente. Lui restituisce la macchina e torna a casa, dove Sarah lo trova più tardi e fa un atto di fede.

Piuttosto che lottare per la felicità, Sarah propone di provare a vivere una vita serena insieme, un consiglio che ha ricevuto da sua madre. Sarah ha passato tutta la sua vita a fuggire dal vero amore, sempre convinta che avrebbe finito per ferire l’altra persona, ma ora è pronta a provare qualcosa di reale, accettando pienamente che qualsiasi cosa possa accadere nel loro futuro.

I personaggi di Sarah e David all’inizio di A Big Bold Beautiful Journey non avrebbero potuto stare insieme, poiché non avevano fatto il lavoro introspettivo necessario per andare avanti con le loro vite. Ora che hanno intrapreso, sì, un grande viaggio, sia insieme che separatamente, sono pronti per l’amore.

Il vero significato di A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario

Il messaggio finale di A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario è chiaro: non abbiate paura dell’amore, non abbiate paura di voi stessi o del vostro dolore. E immagino che non dovreste scappare dai noleggi auto strani, anche se l’atmosfera non è delle migliori. A parte quest’ultimo punto, il nuovo film promuove quel tipo di sentimento edificante e positivo che molti film prima di esso hanno sostenuto.

È un messaggio facilmente riconoscibile e profondamente umano, quindi non sorprende che sia uno di quelli che ricorre abbastanza spesso. Ogni porta che Sarah e David attraversano insegna loro qualcosa di importante; David impara a godersi il momento al faro e Sarah capisce il valore di condividere qualcosa di speciale con una persona nuova al museo.

A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario è esattamente ciò che dice il suo titolo esplicito, almeno per Sarah e David. Per noi spettatori, è un viaggio piuttosto familiare che abbiamo visto intraprendere da innumerevoli personaggi, ma è anche un viaggio che potremmo rivedere di tanto in tanto. Forse, alla fine della giornata, anche noi siamo Sarah e David, che cercano di trovare la loro strada nel mondo.

O forse, come in The Car Rental Agency, è solo una strana esperienza che non richiede alcuna spiegazione. Con qualcosa come A Big Bold Beautiful Journey – Un viaggio straordinario, ciò che si ottiene è ciò che si mette dentro. Quindi godetevi il viaggio.

Geostorm, diretto da Dean Devlin, è un thriller fantascientifico ambientato in un futuro prossimo, dove i cambiamenti climatici hanno spinto la Terra sull’orlo della catastrofe. Per difendersi, una coalizione internazionale guidata da Stati Uniti e Cina ha sviluppato il “Dutch Boy”, un sistema satellitare in grado di controllare il clima. Progettato dallo scienziato Jake Lawson, il sistema viene presto sottratto al suo controllo e affidato al fratello Max.

Quando anomalie climatiche iniziano a verificarsi – come un congelamento improvviso in Afghanistan o esplosioni di calore a Hong Kong – diventa chiaro che Dutch Boy è stato compromesso. Un virus informatico, collegato a un’operazione segreta chiamata “Project Zeus”, minaccia di innescare una catena di disastri globali: la Geostorm.

Project Zeus: da difesa a strumento di potere

Il “Project Zeus” nasce come parte integrante di Dutch Boy per regolare il clima, ma viene trasformato dal Segretario di Stato americano Leonard Dekkom in un’arma geopolitica. Il suo piano è manipolare il clima per distruggere città e nazioni, consolidando il potere degli Stati Uniti e riportando l’equilibrio mondiale a una situazione simile al dopoguerra del 1945.

Dekkom non mira solo a colpire i nemici esterni: intende anche eliminare la linea di successione presidenziale per diventare l’unico detentore del potere. Il suo tradimento viene svelato da Max, che scopre come il politico abbia orchestrato sabotaggi, attentati e insabbiamenti per mantenere nascosto il complotto.

Il virus che innesca la Geostorm

La serie di disastri climatici è causata da un virus inserito nel sistema Dutch Boy da Duncan Taylor, un tecnico della Stazione Spaziale Internazionale, corrotto da Dekkom. Il virus blocca gli accessi ai sistemi e altera i dati operativi, generando anomalie climatiche incontrollabili.

La minaccia culmina nella possibilità di una Geostorm globale: un concatenarsi di eventi atmosferici letali in grado di distruggere gran parte del pianeta. Jake e il suo team in orbita lavorano contro il tempo per eliminare il virus e ripristinare il controllo della rete satellitare.

Gli omicidi di Habib e Cheng Long

Makmoud Habib, ingegnere a bordo della stazione spaziale, e Cheng Long, responsabile di Dutch Boy a Hong Kong, vengono eliminati su ordine di Dekkom. Entrambi avevano scoperto prove cruciali del sabotaggio.

Habib viene espulso nello spazio, fatto passare per un incidente, dopo aver copiato dati compromettenti su un hard disk. Cheng, invece, muore a Washington investito da un’auto in un omicidio camuffato, poco dopo aver avvertito Max della minaccia legata a “Zeus”. Le loro morti servono a proteggere il complotto e a impedire che la verità emerga.

Come Jake e Max fermano la Geostorm

I fratelli Lawson collaborano per sventare il piano di Dekkom. Max, sulla Terra, ottiene il codice di disattivazione dal presidente Palma, che viene temporaneamente rapito per proteggerlo. Con l’aiuto della fidanzata Sarah, Max smaschera Dekkom e riesce a inviare il codice alla stazione spaziale.

Nel frattempo, Jake affronta Duncan Taylor, che muore accidentalmente nello spazio, e avvia il riavvio del sistema. Con l’aiuto della collega Ute, riesce a cancellare il virus e a riprendere il controllo dei satelliti, anche se la stazione è in autodistruzione. Entrambi riescono a salvarsi grazie al soccorso di un compagno di missione. La crisi viene evitata all’ultimo istante, salvando milioni di vite.

Il futuro di Jake e del Dutch Boy

Sei mesi dopo, Jake ritrova la serenità con la figlia Hannah e il fratello Max. Tuttavia, lascia intendere che continuerà a occuparsi del Dutch Boy, ora affidato a un comitato internazionale. Questo passaggio segna un cambio di rotta: il sistema non sarà più sotto il controllo esclusivo degli Stati Uniti, ma gestito collettivamente per prevenire abusi futuri.

Il ruolo di Jake resta cruciale, sia per la sua competenza tecnica sia per garantire che Dutch Boy sia protetto da sabotaggi o manipolazioni politiche. La conclusione lascia spazio a un messaggio di speranza: solo la cooperazione internazionale può salvaguardare il futuro del pianeta.