Arriva alla Festa del Cinema di Roma Posso entrare? An Ode to Naples di Trudie Styler, regista che, insieme a suo marito Sting, si dice da sempre innamorata dell’Italia. Il film è allora un viaggio bulimico che vuole tenere insieme le mille anime di Napoli in un unico racconto, con il mare sullo sfondo e la fotografia di Dante Spinotti a creare magie. Arriva in punta di piedi Styler, bussa alla porta e chiede: posso entrare? Dall’altra parte trova la calorosa accoglienza napoletana e una voglia di raccontarsi, nel bene e nel male, che non si esaurisce mai, tra orgoglio, resilienza e pragmatismo, per usare le parole della regista inglese, nata poco lontano dalla Stratford – upon – Avon di Shakespeare.

Una densa passeggiata a Napoli con Trudie Styler

Raccontare in poche righe quanto è contenuto nel documentario Posso entrare? An Ode to Naples è impresa ardua. Si può però senz’altro dire che c’è musica, e come avrebbe potuto essere altrimenti? Si parte da Clementino, che apre il film con un rap sulla storia di Napoli, fino ad arrivare all’orchestra dei ragazzi di Sanitansamble. Ci sono l’impegno civile alla Sanità, cuore pulsante di Napoli, e non solo lì, di Don Antonio Loffredo e i progetti cui dà vita nelle sue parrocchie: box, teatro e quant’altro, per sottrarre i giovani alla criminalità. Intervengono Roberto Saviano e Alessandra Clemente. Il primo, da quindici anni sotto scorta, parla del suo rapporto conflittuale con Napoli. La seconda racconta come sia riuscita a trasformare la rabbia per la morte della madre – uccisa da una pallottola vagante durante una sparatoria, quando lei era una bambina – in carburante per cercare di cambiare in meglio la sua città.

Ci sono casalinghe, artigiani, bottegai e ambulanti, che conservano saperi su mestieri antichi e li portano avanti – Michelle, alias Michelina la guantaia, l’acquafrescaio Poppò, Immacolatina e Gennaro, il tipografo Carmine Cervone. Ma vi è anche lo scultore Lello Esposito che con le sue opere porta Napoli nel mondo. Tradizione e devozione: San Gennaro, Pulcinella, il presepe e il Vesuvio, immancabile in un racconto di Napoli. Maradona e la street art di Jorit, la Napoli sotterranea e il racconto storico: il ricordo del fascismo, della guerra e dell’insurrezione popolare delle 4 giornate, attraverso il materiale dell’Istituto Luce. Un caleidoscopio condensato in 107 densissimi minuti.

Troppo materiale senza una direzione precisa

Il problema di Posso entrare? An Ode to Naples è che c’è troppo. È una miscellanea di tutto ciò che è Napoli. Styler non vuole lasciar fuori niente, ma la scelta di non dare un taglio preciso è disorientante e dispersiva. Manca un focus. Così, lo spettatore a volte si perde. Si fa fatica a seguire il discorso per immagini e parole. Il racconto diventa quasi, per usare una metafora letteraria, un flusso di coscienza, in cui si salta da un elemento a un altro senza apparente coerenza logica, ma seguendo un istinto. In questo suo essere caotico, il lavoro intende forse rispecchiare l’essenza di Napoli, fatta di molteplici anime, piena di contrasti, che sembra contenere tutto e il suo contrario.

Tuttavia, il film soffre la mancanza di una direzione. Anche nello stile Posso entrare? An Ode to Naples è una miscellanea: video musicale, documentario con materiale di repertorio, tratto dall’archivio dell’Istituto Luce, interviste a personaggi contemporanei, noti e non. Apprezzabile però, che cerchi di stare lontano dai luoghi comuni. Spesso vi riesce, guardando a ciò che è simbolico, iconico, in modo diverso e obliquo.

Uno sguardo romantico in Posso entrare? An Ode to Naples

È evidente in Posso entrare? An ode to Naples la passione e il trasporto dello straniero, affascinato dal caleidoscopio frastornante che è Napoli. Questo elemento ci introduce al lato romantico del lavoro. Styler, da inglese, sembra guardare a Napoli con gli stessi occhi dei poeti e degli intellettuali romantici che qui facevano il Grand Tour. Sono citati espressamente – ad esempio, Shelley, con la sua Ode to Naples – e richiamati nel titolo stesso del film. Dal punto di vista visivo, poi, la fotografia di Dante Spinotti contribuisce a creare atmosfere calde e sognanti, con tramonti che sembrano quadri di Turner, senza peraltro dimenticare la chiassosa Napoli dei vicoli e quella grigia delle periferie. Vi è qualche momento particolarmente intenso. Ognuno potrà trovare ciò che farà vibrare maggiormente le sue corde. Uno di questi, però, è sicuramente quello che vede protagonista Sting. Senza spoiler, possiamo dire che qui Styler vince facile, e lo sa.

Le contraddizioni e la resilienza di Napoli

Fortunatamente, la regista vede anche le contraddizioni della città alle pendici del Vesuvio e non le mette da parte. Il disincanto coesiste con la fascinazione. Styler sceglie di mostrare soprattutto chi resiste, chi non soccombe ai problemi e alle sfide che una città complessa come Napoli pone ogni giorno. Racconta il sublime e la criminalità, ma punta su chi si dà da fare per renderla un posto migliore. Sono ad esempio i ragazzi del NEST, progetto teatrale nato in uno stabile abbandonato, da un idea di Francesco Di Leva; o i detenuti che in un laboratorio recuperano il legno delle navi dei migranti per farne strumenti musicali. Simboli di una resilienza e di una voglia di riscatto che hanno sempre fatto di Napoli una città brulicante di vita e, nonostante tutto, di speranza.

Basato sulla fortunata opera teatrale scritta e portata in scena da Laura Wade nel 2010, Posh si presenta come un trattato mirabilmente preciso e graffiante sul tema del fascino esercitato dal potere e dall’aspirazione sociale, parabola ascendente a cui si può giungere attraverso l’affiliazione cameratesca tanto comune negli ambienti scolastici dei dining-club anglosassoni e fondata sui miti delle congreghe esoteriche e segrete di fine XVII secolo. Pur facendo i conti con un latente e ben visibile sostrato teatrale che si palesa soprattutto nella parte centrale della lunga scena simbolica del banchetto, il film riesce ad uscire intelligentemente dalle briglie della finzione da palcoscenico e adattarsi ad una narrazione frizzante e dinamica tipicamente cinematografica, grazie anche alla sceneggiatura serrata e ritmica adattata dalla stessa autrice.

Posh, la trama

In Posh dieci giovani studenti di Oxford provieniti da differenti estrazioni sociali, ma col comune obbiettivo di raggiungere fama e notorietà, vengono ammessi al prestigioso Riot Club, congrega segreta fondata nel 1776 dedita ai piaceri e al libertinaggio e che ha visto nelle sue fila future personalità del mondo della politica e della finanza. In occasione di una cena inaugurale durante la quale il gruppo si lascia andare a divertimenti sfrenati, i ragazzi si rendono responsabili di un evento terribile che rischia di compromettere le loro carriere e le loro vite. Due sono le possibilità: trovare un capro espiatorio oppure tenere segreto l’accaduto.

Alla guida della pellicola troviamo Lone Scherfig di An Education, la quale riesce a rendere alla perfezione il ritratto di una giovane aspirante classe dirigente che trova nei rituali iniziatici un motivo di divertimento ma anche di abbandono delle proprie inibizioni, che si auto-conduce verso una colpa di gruppo che diviene simbolo di un male gratuito, un male fatto solo per noia. Il ritmo del film segue l’evoluzione psicologica dei personaggi senza mai cadere in fallo e stregando con il solo potere delle parole, di cui il lungo dialogo del banchetto risulta un perfetto esempio, una lezione di cinema fatto di parole più che di azioni. La narrazione si suddivide in tre sezioni distinte: l’iniziazione al club, una sequenza dalle tinte grottesche in cui i ragazzi paiono i protagonisti-fantoccio di una sit-com da teenager; la cena, in cui i giovani subiscono una rapida inversione degna di Funny Games e dei drughi di Arancia meccanica; il day-after dove le conseguenze conducono ad un epilogo tragico e fosco non privo di un’aberrante morale.

Una regia misurata e puntuale, resa perfetta anche grazie alla fotografia ricercata di Sebastian Blenkov e ad un cast di giovani stelle già note al grande pubblico, tra cui si notano Max Irons, Douglas Booth, Hollyday Granger e Sam Claflin. Questi giovani sono disposti a tutto pur di raggiungere i loro obbiettivi. Sono disposti a tutto per entrare nel club.

Dopo il suo ultimo film al cinema Ponyo sulla scogliera, come sempre delicato e commovente, il maestro del cinema d’animazione giapponese Hayao Miyazaki torna al cinema con Porco Rosso (Kurenai no Buta) film datato 1992 che, finalmente doppiato in italiano, esce nelle sale del nostro Paese il 12 novembre.

Porco Rosso racconta la storia, ambientata negli anni ’30, di Porco Rosso, un aviatore, trasformato per magia in maiale, che combatte i pirati dell’aria sul mar Adriatico. Come ogni opera di Miyazaki che si rispetti anche Porco Rosso è attraversato da quella vena narrativa malinconica e dolce che ci ha fatto amare tutti i suoi capolavori. Anche in questo caso è presente l’elemento magico della trasformazione, che coincide per certi versi con il viaggio iniziatico della piccola protagonista Fio, geniale ingegnere di alianti.

Porco Rosso

Costellato di numerosi personaggi, alcuni romantici, altri caricaturali, il film si lascia guardare, permettendo allo spettatore di immergersi in un ambiente magico, che per lo spettatore italiano sarà difficile identificare con il ‘nostro’ mar Adriatico, ma che considerando il punto di vista giapponese si colloca perfettamente nell’ottica di un luogo esotico nel quale si svolgono storie avventurose e remote. Punto di equilibrio del film è sicuramente un finale aperto che aggiunge fascino ad un’opera senza dubbio di valore, nata per gioco e sfociata in un bellissimo cartone animato per grandi e piccoli, come sempre succede quando ci troviamo davanti a Miyazaki.

Porco Rosso doppiato in italiano è stato presentato in anteprima italiana durante il Festival Internazionale del Film di Roma, all’interno di una retrospettiva dedicata al famoso studio Ghibli, casa di produzione che da anni permette a questi capolavori dell’animazione di vedere la luce, o meglio, il buio della sala.