I film incentrati sulla danza hanno sempre avuto un grande fascino al cinema, assumendo spesso e volentieri la connotazione di inni all’emancipazione sociale e alla libertà. Titoli come Dirty Dancing, Footloose e Billy Elliot sono solo alcuni dei film più famosi di questo tipo, dove i protagonisti si trovano a dover affrontare numerosi ostacoli pur di poter esprimere sé stessi attraverso questa forma d’arte. Un’altra pellicola che ha fatto epoca e ha segnato l’immaginario di intere generazioni è Flashdance, diretto nel 1983 dal regista britannico Adrian Lyne, oggi noto per aver diretto anche 9 settimane e ½, Attrazione fatale e L’amore infedele – Unfaithful.

Stroncato dalla critica al momento della sua uscita, con particolari invettive per la trama blanda, Flashdance si affermò però come un grandissimo successo di pubblico, con un incasso di oltre 200 milioni in tutto il mondo. Ad aver contribuito al suo successo, vi sono state le avvincenti coreografie di ballo e una colonna sonora composta da brani che sono diventati ormai grandi classici della musica pop. Al di là di ciò, il film è spesso ricordato anche per la felpa con un ampio buco al collo che la protagonista indossa nel film. Il look di questa felpa è nato per caso, in quanto il capo si era ristretto durante un lavaggio e l’attrice decise di ritagliare il collo per poterla indossare nuovamente.

Le curiosità su Flashdance, come si può intuire, sono dunque molte. Essendo divenuto un cult, specialmente per gli amanti di questa tipologia di film, una sua visione è caldamente consigliata, sia per poter godere delle fantastiche sequenze sia per le tante emozioni che la storia sprigiona. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori alla colonna sonora. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Flashdance: la trama e il cast del film

Protagonista del film è l’appassionata di danza Alex Owens, che lavora di giorno come saldatrice in una fabbrica e di sera presso un locale notturno come ballerina di Flashdance. Il suo sogno nel cassetto è quello di riuscire ad entrare all’Accademia di Danza di Pittsburgh, per diventare ballerina di professione. Sostenuta e incoraggiata dalla sua anziana amica Hanna, ex danzatrice classica, come anche da Nick, con cui sta nascendo una storia d’amore, Alex decide di provare ad affrontare le audizioni della scuola e si allena sino allo sfinimento, nella speranza di riuscire ad eseguire una buona esibizione ed essere ammessa al corso. La sua passione e la sua lampante attitudine per la danza non possono essere soffocate ancora per molto.

Ad interpretare Alex Owens vi è l’attrice Jennifer Beals, qui al suo primo ruolo cinematografico come protagonista. Sul set, la Beals aveva ben quattro controfigure che la sostituivano durante le scene di ballo. Una di queste controfigure (nella breve scena di breakdance del balletto d’audizione) era in realtà un uomo. Il fatto che non era realmente la Beals a ballare fu però tenuto segreto, così da non spezzare la magia del film. Accanto a lei, nei panni di Nick, vi è l’attore Michael Nouri. Per questo stesso ruolo si era proposto anche Kevin Costner, all’epoca ancora poco conosciuto. Lilia Skala è l’anziana Hanna, mentre Sunny Johnson interpreta Jeanie Szabo.

Flashdance: la colonna sonora, da Maniac a What a Feeling

Celebre del film è in particolare la sua colonna sonora, dove tra gli autori che contribuirono al successo delle canzoni si ritrova anche il compositore e DJ italiano Giorgio Moroder. Il brano portante della pellicola, Flashdance… What a Feeling, vinse l’Oscar come miglior canzone del 1983. Composta da Moroder (musiche) e Keith Forsey (parole) e interpretata da Irene Cara, diventò una hit rastrellando anche altri premi in tutto il mondo. Ancora oggi è un brano popolarisso, riproposto anche in altri film e serie. Nel film il brano si può ascoltare per due volte. La prima volta è durante la sequenza di apertura del film, la seconda volta invece è nel finale come sottofondo dell’audizione di Alex.

Altro brano divenuto estremamente popolare grazie al film è Maniac, del cantante statunitense Michael Sembello. Quando il brano venne scelto dalla Paramount Pictures, per essere inserito nella colonna sonora del film Flashdance, Sembello modificò il testo cosicché il “maniaco” del titolo si identificasse con Alex, la ragazza con la passione per la danza protagonista del film. Anche questo brano venne nominato all’Oscar come miglior canzone, dove vinse però What a Feeling. Inoltre, nella scena della gara di pattinaggio sul ghiaccio dell’amica di Alex, Jeanie, il brano che accompagna la sequenza è Gloria, successo di Umberto Tozzi, interpretato qui da Laura Branigan.

Flashdance: il trailer e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire di Flashdance grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Google Play, Apple iTunes, Amazon Prime Video e Paramount+. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 6 ottobre alle ore 21:10 sul canale TwentySeven.

Fonte: IMDb

Quando Flashdance arrivò nelle sale nel 1983, nessuno poteva immaginare che sarebbe diventato uno dei film simbolo di un’intera generazione. Diretto da Adrian Lyne (regista di 9 settimane e ½, L’amore infedele – Unfaithful, Acque profonde) e interpretato da Jennifer Beals, il film racconta la storia di Alex Owens, una giovane donna che lavora come saldatrice durante il giorno e come ballerina di notte, coltivando il sogno di entrare in una prestigiosa accademia di danza.

Una trama semplice ma potentissima, capace di trasformarsi in un fenomeno culturale grazie alla sua colonna sonora, alle celebri sequenze di danza e a un messaggio universale di riscatto personale. Molti spettatori, però, si sono chiesti nel corso degli anni se la storia di Alex fosse completamente inventata oppure se dietro il personaggio si nascondesse una persona reale. La risposta è più interessante di quanto sembri.

Flashdance non è un biopic e non racconta fedelmente la vita di una donna esistita davvero, ma trae ispirazione da una vicenda autentica che presenta sorprendenti punti di contatto con quella mostrata sullo schermo. La figura che ha dato origine all’idea del film è infatti quella di Maureen Marder, una giovane canadese la cui storia finì per diventare il punto di partenza di uno dei più grandi successi cinematografici degli anni Ottanta.

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La vera storia di Maureen Marder, la donna che ispirò il personaggio di Alex Owens in Flashdance

La storia vera dietro Flashdance ruota attorno a Maureen Marder, una donna canadese che all’inizio degli anni Ottanta conduceva una vita decisamente insolita. Di giorno lavorava nel settore delle costruzioni come saldatrice, un mestiere tradizionalmente maschile e particolarmente impegnativo dal punto di vista fisico. Di sera, invece, si esibiva come ballerina in un night club di Toronto chiamato Gimlets.

Questa doppia esistenza attirò l’attenzione dello sceneggiatore Tom Hedley, che rimase colpito dalla determinazione della giovane e dalla particolarità del suo percorso. A differenza di molte altre ballerine del locale, Marder non si limitava a lavorare nello spettacolo notturno, ma cercava di costruirsi un futuro diverso grazie ai sacrifici compiuti quotidianamente.

Proprio questa combinazione di lavoro operaio, passione artistica e desiderio di migliorare la propria condizione sociale rappresentò il nucleo narrativo che sarebbe poi confluito nella sceneggiatura del film. La figura di Alex Owens nacque quindi da una suggestione reale, radicata nella vita di una donna che cercava di conciliare aspirazioni e necessità economiche in un contesto tutt’altro che semplice.

Dalla vita reale al grande schermo: come Hollywood trasformò una storia autentica in un fenomeno mondiale

Quando Tom Hedley propose il progetto alla Paramount Pictures, la storia di Maureen Marder venne utilizzata come punto di partenza per costruire un racconto molto più romanzato. Nel dicembre del 1982 la donna firmò un accordo con lo studio cinematografico cedendo i diritti sulla propria storia personale in cambio di circa 2.300 dollari.

All’epoca nessuno poteva prevedere il successo che avrebbe ottenuto Flashdance, motivo per cui quella cifra sembrò accettabile. Nel passaggio dalla realtà alla finzione, tuttavia, numerosi elementi furono modificati o completamente inventati. Alex Owens diventò una diciottenne che sogna di entrare in una prestigiosa accademia di danza, mentre nella vita reale Marder non visse una vicenda identica né affrontò il percorso mostrato nel film.

Anche alcune delle scene più iconiche, compresa la celebre sequenza dell’acqua che cade sulla protagonista durante l’esibizione, appartengono esclusivamente all’immaginazione cinematografica. Hollywood prese dunque i tratti essenziali della sua esperienza — il lavoro manuale, le esibizioni notturne e l’ambizione di migliorarsi — trasformandoli in una moderna favola motivazionale destinata a conquistare il pubblico internazionale.

Il successo di Flashdance e la controversia legale che coinvolse Maureen Marder dopo l’uscita del film

L’uscita di Flashdance nel 1983 si rivelò un evento straordinario. Nonostante molte recensioni negative da parte della critica, il pubblico premiò il film in modo clamoroso. L’opera incassò oltre 200 milioni di dollari nel mondo e contribuì a rilanciare il genere musicale in un periodo in cui sembrava ormai in declino. Brani come “What a Feeling” di Irene Cara e “Maniac” di Michael Sembello divennero successi planetari, mentre l’immagine di Alex Owens entrò nell’immaginario collettivo.

Con il passare degli anni, però, il caso di Maureen Marder tornò al centro dell’attenzione. Rendendosi conto dell’enorme valore economico generato dal film, la donna cercò di ottenere un riconoscimento maggiore sostenendo che il compenso ricevuto fosse stato irrisorio rispetto ai profitti ottenuti dalla produzione. La questione arrivò fino alla Corte d’Appello degli Stati Uniti, che nel 2006 confermò tuttavia la validità dell’accordo firmato nel 1982.

I giudici stabilirono che non vi erano prove di frode, coercizione o inganno e che la cessione dei diritti era avvenuta in modo regolare. Così la vicenda si concluse definitivamente sul piano legale, lasciando però aperto il dibattito morale sul rapporto tra ispirazione artistica e riconoscimento economico.

Quanto c’è davvero di vero in Flashdance? Le differenze tra realtà e finzione nel cult degli anni Ottanta

Osservando oggi Flashdance, appare evidente che il film non possa essere considerato una trasposizione fedele della vita di Maureen Marder. Piuttosto, si tratta di un’opera che utilizza alcuni elementi autentici per costruire una storia completamente diversa, modellata secondo le esigenze narrative di Hollywood.

La protagonista interpretata da Jennifer Beals incarna il sogno americano della realizzazione personale attraverso il talento e la perseveranza, mentre la vicenda reale era molto più ordinaria e meno spettacolare. Eppure è proprio questo legame con una persona realmente esistita a rendere ancora più affascinante la genesi del film. La storia di Marder dimostra come anche esperienze apparentemente comuni possano trasformarsi in racconti universali capaci di parlare a milioni di spettatori.

In definitiva, Flashdance è basato su una storia vera solo in parte: le fondamenta provengono dalla vita di una giovane canadese che divideva le sue giornate tra un cantiere e un locale notturno, ma tutto ciò che ha reso il film un fenomeno culturale appartiene soprattutto alla creatività degli sceneggiatori e alla magia del cinema.

Nel corso della sua lunga e gloriosa carriera come regista, Clint Eastwood ha affrontato numerosi generi cinematografici, passando dal western al poliziesco, dal dramma fino ai tanti titoli biografici realizzati negli ultimi anni. Nel 2006, in una parentesi tra due lungometraggi pluripremiati come Million Dollar Baby e Changeling, ha anche avuto modo di cimentarsi con il film bellico, realizzando due titoli che affrontano la stessa vicenda ma da due punti di vista differenti. Il primo di questi è Flags of Our Fathers, che si concentra sui soldati americani, mentre il secondo è Lettere da Iwo Jima, con protagonisti i soldati giapponesi.

La vicenda narrata è quella vera della battaglia di Iwo Jima, che si svolse tra il febbraio e il marzo del 1945 nell’omonima isola Giapponese. Qui si scontrarono i due schieramenti per il controllo del territorio, portando alla cifra di circa 20 mila morti per l’esercito Giapponese e altrettanti feriti per gli Stati Uniti. Celebre di quella battaglia è in particolare la fotografia dei sei marines che innalzarono la bandiera americana sul suolo giapponese, e due film di Eastwood vanno a raccontare proprio ciò che avvenne intorno a quell’ormai iconico momento. Flags of Our Fathers, scritto da William Broyles e Paul Haggis è basato sull’omonimo libro di James Bradley.

Al momento della sua uscita in sala il film non raccolse un buon risultato in termini di box office, ma negli anni è stato sempre più riscoperto, specialmente alla luce del confronto con il secondo titolo che Eastwood ha dedicato alla vicenda. Prima di intraprendere una visione del film, però, sarà certamente utile approfondire alcune delle principali curiosità relative a questo. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama e al cast di attori. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

Flags of Our Fathers: la trama del film

La vicenda qui narrata ha per protagonista James Bradley, uno scrittore e figlio di John “Doc” Bradley, uno degli uomini ritratti nella celebre fotografia dei marines intenti a issare la bandiera americana a Iwo Jima. Desideroso di saperne di più su ciò che si nasconde dietro quel celebre scatto, l’uomo decide di cercare gli altri componenti di quella spedizione per ricostruire la storia che sta dietro a quell’immagine. Ha così inizio un vero e proprio tuffo nel passato, che porterà James a scoprire verità poco o per nulla note rispetto a quelle da tutti credute. La foto, infatti, è diventata simbolo della vittoria finale pur essendo stata scattata all’inizio della sanguinosa battaglia.

Nel tentativo di scoprire il perché dietro tale risvolto, James cercherà di identificare gli altri uomini oltre a suo padre che avevano partecipato a quel momento. Mentre alcuni di loro sono ormai morti, i pochi superstiti diventeranno dunque testimoni di una vicenda diversa, che esplora non solo la difficoltà inaudita e le violenze perpetratesi durante quella specifica battaglia, ma anche le tante azioni propagandistiche effettuate dal governo degli Stati Uniti per scopi ben precisi. Più andrà in fondo a questa vicenda, più James comprenderà di come molto di quella battaglia sia stato distorto.

Flags of Our Fathers: il cast del film

Ad interpretare il personaggio di John “Doc” Bradley, vero e proprio protagonista del film, vi è l’attore Ryan Phillippe. Per prepararsi al ruolo, egli ebbe modo di incontrare il figlio del suo personaggio, ovvero lo scrittore James Bradley. Questi gli parlò di suo padre, aiutando l’attore a calarsi nel ruolo per risultare il più realistico possibile. Ad interpretare James Bradley nel film vi è invece l’attore Thomas McCarthy. Vi sono poi gli attori Jesse Bradford, Adam Beach e Jamie Bell nei panni dei soldati Rene Gagnon, Ira Hayes e Ralph Ignawski. L’attore John slattery, celebre per la serie Mad Men, interpreta invece Bud Gerber.

L’attore Paul Walker, noto per il personaggio di Brian O’Conner nella saga di Fast & Furious, interpreta il sergente Hank Hansen, uno di coloro che issarono la prima bandiera americana. Completano poi il cast gli attori Benjamin Walker nei panni di Harlon Block e Ned Eisenberg in quelli del fotografo Joe Rosenthal. Barry Pepper ricopre il ruolo del sergente Michael Strank. Il film segna inoltre il debutto cinematografico di Scott Eastwood, figlio di Clint, qui nel ruolo del soldato Roberto Lundsford. Come noto, il regista non richiese la partecipazione degli attori a dei corsi di addestramento. Egli preferì farli parlare con attori che avevano già avuto precedenti esperienze su set di film di guerra.

Flags of Our Fathers: il trailer e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire di Flags of Our Fathers grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Rakuten TV, Chili Cinema, Google Play, Apple iTunes, Now e Amazon Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di venerdì 4 marzo alle ore 21:10 sul canale Rai Movie.

Fonte: IMDb

La sequenza presa in questione è tratta dal film Flags of Our Father, e l’analisi proposta si sviluppa tramite  un lavoro comparativo tra la sequenza del film e alcune sequenze tratte dal videogame di guerra Call of Duty; scopo di tale lavoro è quello di individuare assonanze tra le immagini di uno e dell’altro prodotto preso in questione avvalorando la tesi di una reciproca influenze tra i due mezzi analizzati mediata dallo sviluppo della computer grafica, e il conseguente cambiamento dell’estetica, del film e del videogame, proprio in virtù dell’influenza sopracitata.

La lunga sequenza dello sbarco

Prendiamo in esame la lunga sequenza dello sbarco delle truppe americane sull’isola giapponese di Iwo Jima,  teatro di violenti scenari di guerra, spesso accostata da molta critica alla sequenza dello sbarco in Normandia girata da Spielberg (che figura come produttore del film di Eastwood ) per Salvate il soldato Ryan. Tale affermazione risulta approssimativa nel momento in cui non tiene conto della spettacolarizzazione operata da Eastwood, il quale, diversamente dall’autore di Lo squalo, ricostruisce interi scenari in computer grafica, svincolando spesso la mdp dal suo referente indicale e puntando invece su una ricostruzione di intere scene in post-produzione; in tal senso, l’operazione compiuta accosta il film alle modalità di creazione operata dai videogame;  ovviamente non ci sarebbe nulla di particolare se tale intervento si limitasse ad una mera ricostruzione ex-novo operata dalla computer grafica: in realtà il film di Eastwood merita un approfondimento nel momento in cui egli  sembra ricalcare alcune modalità di riprese tipiche dei giochi di guerra FPS (first person shooter).

Ad avvalorare ciò, l’uso frequente di soggettive, o semi-soggettive dei militari intenti a far fuoco, o le numerose scene -caratteristiche proprio di questo genere di gioco- in cui il regista posiziona l’arma in diagonale nella parte bassa dell’inquadratura. Un espediente quest’ultimo tipico dei giochi FSP, ove lo scopo è ovviamente quello di creare un’interazione visiva tra lo schermo e il giocatore. Partendo da tali presupposti, è facile intuire il perché Clint Eastwood abbia usufruito di tali artifici compositivi: l’intento del regista è, in una prima analisi, quello di rendere lo spettatore partecipe alla guerra, liberandolo dalla sua condizione di spettatore passivo e immettendolo direttamente nello scenario di guerra, in una posizione che lo interpella e lo chiama in causa rendendolo attivo al limite delle possibilità offerta dallo schermo. Il passo successivo di un’operazione del genere è senz’altro il cinema 3d e le nuove forme ludiche di tipo interattivo(quelle offerte dal videogame appunto).

A livello puramente formale quindi, il lavoro del regista si configura come una ripresa dei codici del linguaggio dei FPS game, rivolgendosi allo spettatore -nei momenti che rappresentano la guerra- instaurando un rapporto di interazione: tal interazione è spronata esclusivamente dall’impianto visivo ed esclude il coinvolgimento fisico, il quale è invece una prerogativa del videogame (gamepad). Per esemplificare tutto ciò basti mettere a confronto  le immagini qui riportate per capire quanto le modalità di ripresa del film di Eastwood siano debitrici al videogame FPS: le riprese in first person del videogame si configurano nel film come delle soggettive, le quali però, non appartenendo a nessuno(non vediamo quasi mai chi regge l’arma), elevano il ruolo dello spettatore a protagonista in prima persona (figure 2A e 2B); si tratta di “soggettive intercambiabili che rendono lo spazio una risultante dell’incrocio fra i diversi punti di vista dei personaggi in gioco”  e trovano le proprie origini nel videogame; anche i numerosi sguardi in macchina (figure 4A e 4B) da parte di terzi, che nel videogioco si rivolgono al character guidato dal player, nel film si rivolgono direttamente allo spettatore; laddove quindi, le modalità di ripresa del videogame vanno ad interpellare il giocatore, il film mettendo in scena i medesimi schemi compositivi attiva direttamente lo spettatore/giocatore rendendolo player del film e della guerra inscenata.  Come precedentemente affermato, il rapporto di influenza tra  cinema e videogame non è unilaterale; laddove il cinema va alla ricerca di espedienti visivi coinvolgenti propri dei videogiochi, è anche vero che sempre più spesso i videogame vanno verso una teatralizzazione propria del film, soffermandosi sempre di più sulla storia e costruendo sequenze sempre più realistiche che, svincolate dal gioco, si configurano come delle vere e proprie sequenze filmiche.

Di conseguenza il videogame esplora nuove possibilità, caratterizzando maggiormente i personaggi e gli scenari, proprio forte della fascinazione subita dal cinema. In tal senso basti confrontare un trailer di un film con i nuovi trailer dei videogame per capire quanto queste due arti visuali guardino l’una all’altra. Detto ciò, possiamo dedurre che, se il videogame tende verso il cinema cercando in esso la possibilità di rendere il gioco più realistico, il cinema da parte sua sembra che aspiri alle possibilità ludiche offerte dal videogame, come se volesse –paradossalmente- svincolarsi dagli intenti realistici per favorire una forma che miri invece ad un rapporto più interattivo con lo spettatore(vedi in tal senso il grande successo dei nuovi film in 3d).

Rapporto dialettico il film di Eastwood instauri con il videogame

Proprio partendo da tale considerazione cerchiamo di capire che tipo di rapporto dialettico il film di Eastwood instauri con il videogame. A prescindere dagli elementi prettamente formali, la scelta di Eastwood di far riferimento all’estetica del videogame va inquadrata all’interno del contesto e del tessuto narrativo del film stesso: il film infatti non è altro che il racconto di un falso storico, e va a distruggere uno dei simboli americani (la fotografia dei Marines che piantano la bandiera sulla collina di Iwo Jima). In tal caso, potremmo azzardare dicendo che la guerra rappresentata da Clint Eastwood non poteva essere del tutto realistica (come lo era invece la sequenza d’apertura di Salvate il soldato Ryan), in quanto lo stesso film si snoda attorno all’immagine falsa della fotografia. Un film dunque che si presenta come un gioco sull’immagine (quello della fotografia che in realtà un falso), e come l’immagine di un gioco(la rappresentazione dei soldati americani che piantano la seconda bandiera). Ovvero: Clint Eastwood si diverte a smontare la fotografia e con essa il mezzo fotografico e le sue capacità documentaristiche e mette in scena la “recita” dei militari che inscenano la seconda volta la conquista di Iwo Jima piantando una seconda bandiera.

Di conseguenza a tale considerazione viene messa in gioco la dicotomia finzione-realtà, sia in rapporto alle immagini sia a livello. La trama stessa si impernia sul rapporto tra finzione e realtà, e tale rapporto ovviamente trova riscontro nella nostra sequenza, dal momento in cui questa, forte della computer grafica che impera in maniera evidente, invece di adottare un approccio documentaristico(vedi Redacted), fa affidamento appunto all’iperrealismo ricreato dal computer, con un virtuosismo tale che va a discostarsi dalla realtà stessa, stravolgendola e rendendo invece la sequenza più vicina ad uno dei tanti momenti che si vivono giocando a Call of Duty e giochi affini. È come se il regista, partendo da una considerazione che va ad abbattere e contestare la veridicità del mezzo (sempre riferimento alla fotografia), avesse scelto anche formalmente un tipo di immagine che, scevra dal suo indice di riferimento, manifestasse la perdita del luogo reale e palesasse la sua inadeguatezza ad elevarsi a mezzo testimoniale.