Anomalo road movie all’insegna del citazionismo sfacciato e autoreferenziale, Paul sovverte tutta la leggendaria cronologia costruitasi negli anni intorno agli alieni e ne mostra un esemplare umanizzato che parla la nostra lingua e che pare aver preso un sacco di cattive abitudini dagli umani, fumo e parolacce comprese.

Graeme Willy e Clive Collings, due nerd inglesi appassionati di fantascienza, partono per gli Stati Uniti alla volta del ComiCon. Decidono di proseguire il loro tour negli States percorrendo con un camper tutte le mete di avvistamento UFO entrate nella leggenda. Nel loro viaggio si imbattono però nella cosa più assurda ed inaspettata che potesse loro capitare: Paul!

I due nerd del caso sono interpretati da Simon Pegg e Nick Frost, inglesi doc, che si confrontano con le dimensioni estese del deserto americano. Come al solito ottimi attori di commedia demenziale all’inglese, rasentano la più assurda stupidità mantenendo un contegno che può essere solo made in Uk, dove addirittura i poliziotti non girano armati…ma come faranno mai a sparare alle persone?

Tuttavia nonostante la bravura dei protagonisti e una certa freschezza di scrittura, i tempi del film troppo spesso di alternano tra lunghi tempi morti e inseguimenti rapidi che sfociano poi nel finale a sorpresa con tanto di (prevedibilissima) guest star. Caricaturale il personaggio di Jason Bateman, agente federale che sembra uscito direttamente da un film di James Bond, ma qui siamo dall’altro lato del Pacifico, e lui non è al servizio di Sua Maestà. Infarcito di citazioni, sin dall’inizio il film rivela il suo essere un omaggio a quella fantascienza il cui capostipite è senza dubbio Steven Spielberg, con gli inflazionati (anche in questo film) E.T. e Incontri Ravvicinati del Terzo Tipo. Per quanto sia divertente per lo spettatore medio (ma anche per il critico più snob) prevedere le battute e le vicende di un film mentre lo si guarda, nel caso di Paul la prevedibilità diventa imbarazzante, talmente sono ovvi i riferimenti ad altri classici di genere, anche da un punto di vista delle battute, che scatenano larghi sorrisi, probabilmente perché quelle stesse battute, nate al cinema, sono entrate nella vita quotidiana di tanti appassionati, ed ora, forse impropriamente, vengono restituite allo schermo.

Presentato fuori concorso al 48º Festival di Cannes, I soliti sospetti (The Usual Suspects, 1995) di Bryan Singer è uno dei thriller più acclamati degli anni ’90. Un film che ha ridefinito il concetto di narratore inaffidabile, mescolando struttura labirintica, ritmo serrato e un finale tra i più sorprendenti della storia del cinema.

Con Kevin Spacey, Chazz Palminteri, Gabriel Byrne, Kevin Pollak, Stephen Baldwin e Benicio Del Toro, la pellicola è diventata un punto di riferimento per registi e sceneggiatori del genere.

Trama de I soliti sospetti

Dopo la misteriosa esplosione di una nave nel porto di Los Angeles, il truffatore invalido Roger “Verbal” Kint (Kevin Spacey) viene interrogato dall’agente doganale Dave Kujan (Chazz Palminteri). L’uomo ricostruisce l’intera vicenda attraverso una lunga deposizione che diventa il cuore del racconto.

Tra flashback e testimonianze ambigue, emergono i membri di una banda criminale: l’ex poliziotto corrotto Dean Keaton (Gabriel Byrne), lo scassinatore Todd Hockney (Kevin Pollak) e i ricettatori McManus (Stephen Baldwin) e Fenster (Benicio Del Toro). Tutti sono legati da un episodio misterioso che li porterà a compiere una serie di colpi sempre più pericolosi.

Ma dietro ogni azione si nasconde l’ombra di Keyser Söze, un boss leggendario, temuto anche dal crimine organizzato. Nessuno lo ha mai visto, eppure la sua presenza domina ogni scena, sospesa tra mito e paranoia.

Perché il film di Bryan Singer è diventato un cult

La forza di I soliti sospetti risiede nella sua architettura narrativa: una trappola perfetta costruita dalla sceneggiatura di Christopher McQuarrie, premiata con l’Oscar nel 1996 insieme a quello assegnato a Kevin Spacey come miglior attore non protagonista. Il film procede su due binari – il racconto di Verbal e la ricerca della verità da parte dell’agente Kujan – che si sovrappongono e si contaminano fino a fondersi.

Il montaggio di John Ottman, anche autore della colonna sonora, guida lo spettatore attraverso i salti temporali e i punti di vista contraddittori, creando una tensione costante. Ogni inquadratura sembra suggerire qualcosa e, al tempo stesso, depistare.

Rivisto oggi, il film mantiene intatta la sua efficacia perché non vive solo del colpo di scena finale, ma della costruzione minuziosa della menzogna. Ogni dettaglio – una tazza, un sguardo, una pausa – acquista senso solo nel momento conclusivo, rivelando la precisione chirurgica con cui Singer orchestra il gioco.

Il mito di Keyser Söze

Keyser Söze non è soltanto un personaggio, ma un’idea: la personificazione del male invisibile, un’entità che si alimenta della paura e della leggenda. Nel film, la sua identità diventa oggetto di narrazione collettiva, trasformando il racconto in una riflessione su come il potere nasce dalle storie che gli uomini si raccontano.

Singer e McQuarrie costruiscono Söze come una figura mitologica contemporanea, allo stesso tempo onnipresente e inesistente, il cui fascino continua a esercitare un’influenza enorme sull’immaginario del cinema crime.

A quasi trent’anni dall’uscita, I soliti sospetti rimane un film fondamentale nella storia del thriller moderno. La regia calibrata, la scrittura impeccabile e le interpretazioni di un cast straordinario lo hanno trasformato in un riferimento per tutti i racconti basati sull’inganno e sulla percezione.

Oltre il suo twist finale, è un film che riflette sulla natura del racconto stesso: su quanto sia facile credere a una storia ben raccontata e su come la verità, al cinema come nella vita, possa nascondersi dietro il potere delle parole.

Scarface è il film culto del 1993 di Brian De Palma con protagonisti nel cast Al Pacino, Steve Bauer, Michelle Pfeiffer, Mary Elizabeth Mastrantonio e Robert Loggia.

Il film Scarface è il remake dell’omonimo lungometraggio del 1932 diretto da Howard Hawks. Nell’originale Scarface, che si svolge ai tempi del proibizionismo a Chicago, l’oggetto dei traffici illeciti era l’alcool, mentre nell’opera di Brian De Palma, l’ambientazione è nella Miami degli anni ottanta dove si svolgeva un considerevole traffico di cocaina: un adeguamento ai tempi e ai differenti interessi della malavita.

Nel 1980 Fidel Castro consente a 125000 cubani di lasciare Cuba per approdare negli Stati Uniti e riabbracciare i loro parenti anche se in verità lo scopo principale è di svuotare parte delle carceri cubane e quindi di mettere in libertà gran parte di malviventi. Ha luogo l’Esodo di Mariel, il più imponente esodo cubano del Novecento. Tra i profughi ci sono Antonio Montana e Manolo Ribera, che come gran parte degli altri immigrati cubani vengono portati alla Freedom Town, un ghetto di popolazione cubana.

 Scarface, il film cult e remake diretto da Brian De Palma

I due riescono ad andarsene in fretta grazie all’omicidio di Emilio Rebenga, un potente politico che ha perso la fiducia di Castro e che, tra l’altro, si era precedentemente messo contro un potente capo criminale di Miami, Frank Lopez, al vertice di un Cartello della droga saldamente affermato. Ottenuta la carta verde di residenza, i due amici cominciano a lavorare come camerieri e lavapiatti in una sorta di fast food, ma Tony dimostra insofferenza per la nuova vita.

Non appena Lopez si rifà vivo tramite il suo tirapiedi Omar Suarez, Tony e Manny lasciano il lavoro al fast food per mettersi in attività con lui, e diventare così dei gangster. Incarico dopo incarico Tony Montana mette in evidenza la sua capacità di saper trattare e la sua audacia, facendosi largo con prepotenza in quel losco mondo.

Ma il proverbio “Chi troppo vuole nulla stringe” vale anche per lui…

Per la stesura del film, lo sceneggiatore Oliver Stone consultò la polizia di Miami e la DEA (Drug Enforcement Administration) per consigli riguardanti le organizzazioni malavitose presenti nella città in modo tale da includere nel film anche crimini reali. Una delle scene del film, in cui un affiliato di Tony Montana viene brutalmente ucciso con una motosega, è presa proprio da un fatto realmente avvenuto.

Come attore c’è Al Pacino che grazie al film acquistò nuovamente fama e successo.

Per le riprese fu scelta come principale location la Florida, ma venne sostituita dopo che la produzione ricevette varie proteste da parte della comunità cubana per vari aspetti presenti nel film. In particolare gli immigrati cubani contestavano il fatto di venire rappresentati come degli spacciatori di droga e richiesero alla produzione l’introduzione nella sceneggiatura del film di aspetti anticastristi. Dopo varie negoziazioni, però, i produttori rifiutarono le richieste affermando che il film si sarebbe basato solo sulle organizzazioni malavitose dedite allo spaccio della droga piuttosto che alla politica di Fidel Castro.

Per evitare incidenti durante le riprese, i set del film furono spostati a Los Angeles tranne per alcune riprese in esterna che dovevano necessariamente essere fatte a Miami.

A causa della forte violenza presente in questo lungometraggio varie scene vennero censurate mentre la critica lo accolse con pareri diversi. Nonostante ciò il film ricevette una buona accoglienza al botteghino e nel corso degli anni ha avuto un così grande successo, da farlo diventare un “cult” del genere gangster.

La parola fuck viene ripetuta 182 volte. 226 contando anche le parole contenenti fuck (fucking, fucked, fucker, motherfucker). Nella versione italiana del film il suo corrispettivo, vaffanculo, viene ripetuto 25 volte, di cui solo 3 non vengono detti da Tony Montana.

Quando il doppiogiochista Omar viene impiccato sull’elicottero, quello che penzola dal veicolo con il cappio al collo è uno stuntman vero e proprio.

Nel film Natural Born Killers, in una scena con la tv accesa, si possono chiaramente vedere le scene del film Scarface in cui i colombiani uccidono con la motosega Angel, l’amico di Tony.

Durante la scena dello scontro finale tra Montana e i sicari di Sosa, Pacino si ustionò gravemente una mano con il fucile d’assalto che imbracciava. Interrogati al riguardo, i tecnici che non avevano spiegato all’attore come maneggiare correttamente l’arma si giustificarono dicendo che, nella loro idea, trattandosi di Al Pacino, pensarono tutti che sapesse già usare le armi, senza ulteriori delucidazioni.

La pellicola ha incassato 41.000.000 di dollari negli Stati Uniti, di cui 23.000.000 dal noleggio. E’ stato anche oggetto di due rifacimenti per videogames: il primo, Scarface: The World Is Yours, sviluppato dalla Radical Entertainment e distribuito dalla Vivendi Universal Games ed uscito per le piattaforme Wii, PS2, Xbox e per il PC, narra la storia di Tony Montana nel caso in cui alla fine del film non fosse morto.

Il secondo videogioco, Scarface: Money. Power. Respect., uscito solo per PSP, è molto simile al primo anche se più incentrato sul controllo della droga e dell’impero rispetto alle lotte tra gang rivali come in Scarface: The World Is Yours.

Al suo primo lungometraggio Massimo Coppola – già autore radio – televisivo per Rai ed Mtv, filosofo, nonché uno dei più lucidi intellettuali d’oggi (e forse uno dei pochi rimasti) – continua l’esplorazione dell’universo giovanile iniziata con la serie di documentari Avere Ventanni. Suo talento, ora come allora,  visivamente parlando, è senz’altro quello di scovare paesaggi, in Italia e in questo caso anche in Romania, che non si vedono mai solitamente, cogliere con il particolare taglio di un’inquadratura scorci suggestivi nella loro disperata alienazione, desolatamente emblematici, che fanno scoprire lati nascosti e ignorati delle nostre città, sposandosi ottimamente allo stato di confusione e disillusione dei giovani oggi. Dal punto di vista del contenuto, lo sguardo sulle vicende esistenziali dell’individuo innesca riflessioni di ordine generale, che riguardano la dimensione collettiva. Questo è il mondo duro e per nulla consolatorio di Hai paura del buio.

E viene da dire, viste le musiche dei Joy Division (ma non solo) che fanno da degno accompagnamento musicale al film: tutto il mondo è Manchester. Vi sono, qui, una Romania e un’Italia intrinsecamente dark, e in ciò simili all’Inghilterra industriale e post industriale in cui è nata, cresciuta e morta la band di Ian Curtis. A Bucarest c’è la fabbrica in mezzo ai palazzoni orrendi e algidi. Una fabbrica in cui lavorano in tute scure operai che visti dall’alto sembrano formiche. C’è pioggia. A Melfi c’è la fabbrica in mezzo ai campi, con tutte le sue macchine parcheggiate in ordinatissime angoscianti file. Macchine dentro, macchine fuori. Melfi battuta dal vento, pale eoliche. La fabbrica che è entrata a forza nell’Italia rurale e ne è diventata il fulcro, l’unico orizzonte possibile per chi vive in quei luoghi. Fabbrica che è vita, ma può essere anche morte. Questi i contesti in cui si muovono le due protagoniste: Eva/Alexandra Pirici e Anna/Erica Fontana.

In Hai paura del buio Eva, perso il lavoro in fabbrica a Bucarest, parte per Melfi alla ricerca di qualcuno, la cui identità si scoprirà pian piano. Qui incontra Anna, operaia alla Fiat, che la ospita. Anche Anna perderà il lavoro e dovrà trovare un punto dal quale ripartire. I numerosi primi piani scandagliano l’universo interiore delle due ragazze, entrambe intense nelle loro interpretazioni – Erica Fontana all’esordio. Il suo personaggio, Anna, appare chiuso, rancoroso verso un mondo esterno che ingabbia in un ruolo, verso una vita che già a vent’anni sembra non avere altro da offrire che una famiglia di origini modeste e una quotidianità di fatica e rinunce. La nonna (Angela Goodwin), alla quale è molto legata, è gravemente malata; il padre (Manrico Gammarota) è disoccupato e lei condivide con la madre (Antonella Attili) il peso della responsabilità familiare. Ottimi gli attori appena citati nei rispettivi ruoli.

Eva è invece più aperta, determinata, cerca scampoli di felicità in mezzo alla desolazione, mentre persegue il suo obiettivo. La sua storia si scopre poco a poco nel film, sul filo della tensione: la ragazza individua la persona che stava cercando, la segue e la spia, fino a un durissimo faccia a faccia. Lì scopriamo cosa covava dentro di sé la dolce Eva: il dolore tenuto dentro per anni, che rivolge contro il suo “bersaglio”, conto chi glie ne pare la causa. Ad accomunarla ad Anna è un universo di solitudine interiore, d’isolamento, un senso d’impotenza che vuole finalmente scrollarsi di dosso. Due ventenni apparentemente senza sogni, dunque, come tanti ventenni di oggi. Due ragazze che un evento, in questo caso la perdita del lavoro, spinge a fare scelte importanti, a cercare una svolta per la propria vita, non rinunciando più a sé stesse, alle proprie aspirazioni.

Non può sfuggire allo spettatore, strettamente legata alla vicenda delle protagoniste, una riflessione sul valore del denaro nella società occidentale. Denaro vitale, da cui dipendono tutte le scelte esistenziali, ma in nome del quale si finisce per sacrificare l’umanità delle relazioni sociali e familiari. Hai paura del buio affronta anche il tema dell’immigrazione in un’Italia impreparata e poco memore di sé stessa, che oscilla fra accoglienza e diffidenza. Le strade della rumena Eva e dell’italiana Anna si incrociano e loro camminano l’una a fianco all’altra, ma un vero rapporto tra le due inizierà a nascere solo alla fine di Hai paura del buio.

Le ambientazioni sono da documentario: senza nessun tipo di fronzolo, scene di vita quotidiana, non modificate per darne un’immagine più “gentile”, anzi, quanto più realistiche si può. Non c’è niente di consolatorio, che dipinga un quadro più leggero della realtà in cui le protagoniste si muovono, proprio come nei brani che accompagnano la narrazione. La scelta di inquadrature ed effetti visivi è invece dettata da un preciso senso artistico ed espressivo, che spesso riesce a coinvolgere e affascinare lo spettatore.

Coppola, dunque, torna finalmente a fare quello che gli riesce meglio: fotografare l’esistente e darne una lettura acuta e profonda, mai scontata, e al tempo stesso largamente accessibile. Lo fa con l’aiuto di Indigo Film – già produttrice degli esordi cinematografici di Paolo Sorrentino e Andrea Molaioli – MTV e BIM, anche distributrice della pellicola (per ora a Roma in due sole sale). Non può che farci piacere.