I morti non muoiono è un film di zombie con una sottile prospettiva filosofica del tutto affascinante da esaminare. Diretta dall’iconico regista indie Jim Jarmusch, questa commedia tocca temi sociali attuali esplorando il dramma di una piccola città durante un’apocalisse zombie, mentre gli agenti di polizia Cliff Robertson (Bill Murray) e Ronnie Peterson (Adam Driver) indagano sull’omicidio di due persone in una tavola calda di Centerville. Il fatto è stato commesso da due zombie (Iggy Pop, Sara Driver) – personaggi non morti meno interessati alla carne e più al caffè, a dimostrazione che non si tratta del tipico film di zombie.

Si preannuncia infatti da subito l’imminente apocalisse. Di atto in atto, il Ronnie Peterson di Driver afferma con enfasi che “finirà tutto male”. Il Robertson di Murray cerca invece di capire perché la fine stia arrivando. Alla fine, i due vengono consumati da concetti che non riescono a comprendere appieno, mentre un emarginato della società (Tom Waits nel ruolo di Hermit Bob) sopravvive all’intera prova, osservando da lontano i due agenti combattere fino alla morte. Il finale vede anche Zelda Winston (Tilda Swinton), salvata da un UFO, il che aumenta la complessità del finale, di cui forniamo però qui una spiegazione.

Cosa ha causato l’insurrezione degli zombie in I morti non muoiono

A Centerville, gli zombie emergono a causa del “fracking polare” e del conseguente spostamento dell’asse terrestre. Mentre molti dei migliori film post-apocalittici si concentrano sull’esposizione, Jarmusch non esplora i dettagli, forse per far capire che gli esseri umani sono ignari degli eventi collettivi che hanno portato allo sfruttamento del territorio e allo spostamento dell’asse. A un certo punto, il personaggio di Driver ribadisce questo concetto ricordando ai conoscenti (e al pubblico) che ci sono due cause, e solo due, per la situazione in cui si trovano.

In superficie, la rivolta degli zombie può essere spiegata, ma la vera causa è la fondamentale mancanza di conoscenza dei personaggi sul mondo in cui vivono. L’idea della conoscenza diventa un fattore ricorrente in tutto il film. Il proprietario di una stazione di servizio, Bobby Wiggins, non emana fascino sociale, ma la sua “impressionante” comprensione del cinema viene riconosciuta dalla Zoe di Selena Gomez, poco prima che il suo gruppo di hipster lo lasci al suo mondo e si avvii verso la morte inevitabile. Ma nonostante l’educazione cinematografica di Bobby – e la sua comprensione di mondi artificiosi – alla fine anche lui viene ucciso dagli zombie.

 Chi sopravvive in I morti non muoiono e come

Alla fine, solo due abitanti di Centerville sopravvivono alla rivolta degli zombie: Zelda e Hermit Bob. Il personaggio di Waits sopravvive perché è l’unica cosa che sa fare. Nel nuovo mondo, non avrà bisogno di un titolo ufficiale o di molti soldi. Invece, si limiterà all’essenziale, un concetto che gli è più che familiare. Il suo commento finale può essere interpretato in diversi modi. L’eremita Bob parla di “anime perdute” e di persone infatuate da “cose nuove” in questo “mondo fottuto”. È quasi come ascoltare una figura paterna che dice “Te l’avevo detto!”.

La Zelda della Swinton, invece, è il personaggio jolly di Jarmusch in I morti non muoiono. Se ne sta per conto suo, si concentra sul lavoro e persegue hobby artistici. È strana, certo, ma è anche la più efficiente nell’uccidere gli zombie. In un altro film, Zelda potrebbe essere un personaggio cattivo; qualcuno che ha familiarità con i morti e si ribella ai vivi. Ma nel film di Jarmusch, questo personaggio altamente competente capisce che gli esseri umani non sono il nemico; sono solo mal consigliati e mal educati. Di conseguenza, l’apocalisse zombie sembra un passo logico successivo, una punizione per essere stati stupidi e ingenui.

La spiegazione del commento metaforico del film

Dall’inizio alla fine, I morti non muoiono presenta una qualità metacinematografica. I personaggi riconoscono apertamente di essere in un film e la canzone country di Sturgill Simpson “The Dead Don’t Die” (titolo originale del film) diventa un motivo musicale ricorrente. L’Hermit Bob di Waits sembra un lontano parente del cercatore d’oro che interpreta nel film Netflix dei fratelli Coen del 2018, La ballata di Buster Scruggs, e non è un caso che entrambi i personaggi emergano come sopravvissuti dei rispettivi mondi.

In I morti non muoiono, l’Eremita Bob può sembrare un emarginato irrilevante, ma è preparato e dà priorità alla vita pratica rispetto alle piccole lamentele. Allo stesso modo, l’enigmatica Zelda Winston di Tilda Swinton, veterana del cinema horror, è un’impresaria di pompe funebri che comprende le verità fondamentali sulla vita e sulla morte, ed è anche una sopravvissuta. A differenza di Hermit Bob e di tutti gli altri, però, Zelda vede il quadro più ampio e sfugge all’inferno sulla Terra con l’aiuto di esseri extraterrestri.

Jarmusch ha poi scelto Selena Gomez (celebre pop star) come figura hipster che alla fine viene uccisa dagli zombie e decapitata dall’agente Ronnie Peterson. “Uccidi la testa”, dicono spesso i personaggi de I morti non muoiono. Tagliando la testa della Gomez e mostrandola al pubblico, Jarmusch sembra implicare che la cultura della celebrità non significherà nulla quando il mondo finirà – o forse la lezione è che l’adorazione delle celebrità contribuisce a un senso distorto della realtà.

La Zelda Winston di Tilda Swinton è un alieno?

Tornando a Zelda, abbiamo detto che sembra essere una sorta di infiltrata aliena, come dimostrano una sequenza di hacking e il suo salire a bordo di un UFO. Una visione multipla potrebbe rivelare motivazioni alternative, ma è chiaro che ha organizzato una fuga e non sembra affatto turbata dagli zombie. In alternativa, forse Zelda non è un’aliena. Forse è solo un personaggio altamente intelligente destinato a sopravvivere mentre i personaggi stupidi muoiono. Proprio come l’agente Peterson sa di essere in un film e che le cose finiranno male, Zelda potrebbe rendersi conto che sopravviverà perché ha letto il copione e sa di essere il personaggio intelligente.

È qui che risiede la bellezza di I morti non muoiono, poiché l’approccio narrativo unico di Jarmusch consente diverse interpretazioni. Funziona sia in senso letterale che figurato: Zelda potrebbe essere un essere extraterrestre o un’umana altamente intelligente. O forse è solo Tilda Swinton che recita in un film di zombie consapevole e ammiccante. Dopotutto, il nome Zelda Winston assomiglia molto a quello di Tilda Swinton, contribuendo ad un ulteriore gioco metacinematografico.

Il significato del finale di I morti non muoiono

Il finale de I morti non muoiono suggerisce dunque che il consumismo di massa ispira comportamenti tossici. La maggior parte dei personaggi sono egocentrici e ingenui, motivo per cui non sopravvivono. Gli zombie di Jarmush sono inoltre caratterizzati dai vizi avuti in vita, che siano questi relativi a sostanze stupefacenti o a strumenti tecnologici come gli smartphone. Più che incutere timore, dunque, i suoi zombie diventano specchio di ciò che l’essere umano è già, perso nelle tante distrazioni che vengono oggi propinate. Inoltre, ogni personaggio va ad incarnare un preciso aspetto dell’America, da chi si dimostra conservatore e razzista a chi risolverebbe tutto con la violenza.

Da chi è vigliacco e rifugge ogni decisione fino alle comunità hipster e nerd, colpevoli di essere gi ignavi di questo secolo. Ognuno viene dal regista messo alla berlina e solo chi si dimostra capace di vivere al di fuori degli schemi della società può aspirare a mantenere intatta la propria testa, il proprio pensiero, e a sopravvivere. Coloro che vengono uccisi, invece, è perché si concentrano principalmente sugli interessi personali, rimanendo ingenui di fronte a verità sotto gli occhi di tutti. Quando l’agente Peterson vede inizialmente le vittime della tavola calda, la sua reazione è eloquente: “Che schifo!”. Reagisce alla scena del crimine come se fosse il set di un film, il che ha senso visto che sembra capire di vivere all’interno di un film.

Con I morti non muoiono, Jarmusch sottolinea dunque che avere opinioni forti non conta molto se si rimane ingenui e passivi quando la posta in gioco è alta. I personaggi si sentono fortemente legati a particolari nozioni e ideali, ma il film suggerisce che l’umanità non ha una comprensione più ampia del mondo, il che mette tutti a rischio. Questo potrebbe anche essere una metafora del cambiamento climatico o delle questioni sociali in generale: I morti non muoiono accusa la società dei consumi e l’avidità di essere i principali fattori di rischio per la longevità umana.

L’esorcista (The Exorcist, 1973) di William Friedkin è un argomento complesso da spiegare in modo esaustivo. La saga è nota per il suo profondo simbolismo e l’uso di esseri soprannaturali lascia spesso spazio ad allegorie relative alla condizione umana attraverso la capacità di provare paura. L’esorcista segue Regan MacNeil (Linda Blair), una ragazzina che incontra un potente demone malvagio che prende il controllo del suo corpo. La madre di Regan, Chris (Ellen Burstyn), temendo per la figlia e disperata dopo una serie di consulti medici senza esito, si rivolge alla Chiesa per chiedere aiuto.

I padri Merrin e Karras arrivano a casa dei MacNeil per tentare di salvare la vita di Regan dal demone che abita il suo corpo. Scoprono che si tratta di un essere potente chiamato Pazuzu e si mettono all’opera per eseguire il pericoloso ma fondamentale esorcismo che è l’unica possibilità di sopravvivenza per Regan dopo il suo incontro con il male. Sebbene l’esorcismo costi la vita a entrambi i sacerdoti, Pazuzu viene bandito. La traumatica esperienza riavvicina Regan e Chris e rinnova la loro fede nella Chiesa in vista dei sequel di L’esorcista.

La spiegazione dell’ispirazione reale de L’esorcista

L’esorcismo originale fu quello di Roland Doe

Sebbene possa non sembrare il candidato più probabile per l’etichetta “basato su fatti reali”, L’esorcista era in realtà basato su una storia vera. Il film di Friedkin è stato adattato dall’omonimo romanzo di William Peter Blatty. Tuttavia, il libro di Blatty è stato ispirato dalla lettura da parte dell’autore del rapporto su Roland Doe, successivamente identificato come l’ingegnere della NASA Ronald Hunkeler. La vera storia de L’esorcista era quella di Roland Doe, un ragazzino di Cottage City, nel Maryland, che negli anni ’40 avrebbe subito un’ossessione demoniaca e un esorcismo molto simili a quelli del film.

La storia di Roland Doe coinvolge una tavola Ouija che gli era stata regalata da una zia morta poco dopo e numerosi eventi inspiegabili, tra cui strani rumori, oggetti volanti e rumori all’interno delle pareti. Roland divenne in seguito insolitamente aggressivo nei confronti di un prete in visita e presentava graffi innaturali sul corpo prima che venisse finalmente eseguito un esorcismo.

L’esorcismo di Roland ebbe presumibilmente successo e il ragazzo continuò a vivere una vita significativa.

Proprio come nel film, l’esorcismo di Roland avrebbe avuto successo e il ragazzo avrebbe continuato a vivere una vita significativa. Il fatto che abbia un fondamento nella realtà non fa che rafforzare l’affermazione che L’esorcista è il film horror più spaventoso mai realizzato. Nonostante la sua drammatizzazione, la storia del film sarebbe basata su una storia vera.

Il vero significato del medaglione di padre Karras

Il medaglione protegge padre Karras dai demoni

L’importanza del medaglione di padre Karras non è esplicitamente esplorata in L’esorcista, ma è suggerita attraverso sottintesi e indizi visivi. Il medaglione di Karras funge da protezione contro la possessione, poiché Pazuzu non è in grado di fargli del male prima di strapparglielo. Una volta che il medaglione non è più al collo di Karras, ma nelle mani di Regan, Pazuzu lascia il corpo di Regan ed entra in Karras, permettendo al prete di saltare dalla finestra, uccidendo sia se stesso che Pazuzu.

Il ruolo di Giuseppe nella vita di Gesù rispecchia quello di Karras nella vita di Regan

È interessante notare che il medaglione indossato da padre Karras in L’esorcista raffigura l’immagine di San Giuseppe, padre adottivo di Gesù. Giuseppe è il santo patrono della morte santa, il che è particolarmente appropriato considerando il destino finale di Karras, che muore mentre uccide un demone per salvare una bambina. Il ruolo di Giuseppe nella vita di Gesù rispecchia anche quello di Karras nella vita di Regan: il prete funge da sostituto simbolico del padre assente della ragazza, e il suo medaglione suggerisce che il suo sacrificio dovrebbe essere considerato parte di quel ruolo.

L’esorcista vede la scienza soccombere alla fede

I medici non sono riusciti a salvare Regan

Uno dei temi chiave de L’esorcista è il trionfo della fede. Il primo istinto di Chris MacNeil quando Regan viene posseduta è quello di contattare medici e altri professionisti sanitari, ma questi non riescono a trovare una soluzione per curarla. La storia de L’esorcista vede il male assediare Regan MacNeil, e solo la fede la salva.

Questo tema si estende anche a padre Karras. Egli mostra di aver avuto una crisi di fede, ed è solo riaffermando la sua religione che riesce a salvare Regan nel finale de L’esorcista. Il sottotesto non è puramente religioso, però: è più un’analisi dell’idea che non tutti gli aspetti dell’esperienza umana possono essere spiegati dalla scienza.

L’esorcista parla della disgregazione della famiglia tradizionale

Il film sostiene che un bambino ha bisogno di una famiglia completa

Forse il tema più significativo e profondo de L’esorcista è il simbolismo della famiglia. Regan inizia il film come parte di una famiglia distrutta, con un rapporto particolarmente teso con la madre. L’esorcista spiega che, senza una figura paterna nella sua vita, le forze del male assillano Regan, e solo abbracciando il calore paterno di Merrin e Karras il potere di Pazuzu sulla ragazza viene spezzato. C’è un simbolismo evidente nella vita familiare di Regan.

Ciò implica che i bambini hanno bisogno di una famiglia unita per superare indenni l’infanzia. L’esorcista esplora alternative alla genitorialità tradizionale: alcuni bambini cadono preda di influenze dannose, mentre altri trovano un senso di appartenenza in istituzioni o organizzazioni, come la Chiesa. La presenza di due sacerdoti, padre Merrin e padre Karras, rende il simbolismo evidente: l’orrore de L’esorcista deriva dalla nozione obsoleta che il crollo della tradizione possa avere un effetto negativo sui bambini.

Il vero significato del finale de L’esorcista

Il finale de L’esorcista spiega molto del messaggio generale del film. L’assenza del padre di Regan crea un vuoto nella sua vita, che, nonostante le migliori intenzioni della madre, viene riempito da un demone. Gli sforzi di un genitore single non sono sufficienti a liberare Regan da Pazuzu: per salvarla dalla dannazione eterna è necessario il potere delle figure paterne della Chiesa. Il finale de L’esorcista vede Regan e Chris riconciliarsi con la loro fede contro il crollo moderno della tradizione e trovare una fonte di conforto nella loro fede.

Il finale de L’esorcista suggerisce che i bambini bisognosi di guida possono trovarla in molti luoghi, ma la fede e il sacrificio delle figure genitoriali sono fondamentali per proteggere i bambini dalla corruzione delle forze del male e dal crollo dei valori tradizionali. La trama del film L’esorcista può riguardare principalmente un demone che possiede una ragazzina, ma il suo messaggio è in realtà molto più profondo di quanto suggeriscano le iconiche scene horror del film.

Come il finale de L’esorcista si confronta con i film successivi della serie

I sequel hanno ripreso l’idea originale e l’hanno resa più contorta

L’esorcista è un’opera fondamentale del cinema horror e ha creato un precedente che non solo ha influenzato l’intero genere horror, ma anche i successivi film della stessa serie hanno cercato di emulare. I film successivi di L’esorcista hanno cercato di costruire su queste basi, ma hanno faticato a raggiungere lo stesso livello di risonanza emotiva e profondità tematica. L’esorcista II – L’eretico ha approfondito la mitologia del demone e il suo legame con Regan, ma la sua narrazione astratta e la deviazione dal tono dell’originale lo hanno reso meno apprezzato.

L’esorcista III, pur tornando a una narrazione più incentrata sull’horror, intrecciava la storia con quella di un serial killer e riportava Karras in modo contorto. I prequel L’esorcista: L’inizio e Dominion: Prequel all’esorcista – essenzialmente due montaggi diversi dello stesso film – cercano di esplorare le origini del demone Pazuzu e il primo incontro di padre Merrin con esso.

Tipico dei sequel di successo, il finale di The Exorcist: Believer del 2023 riporta in scena Regan, interpretata da Linda Blair, ma non basta a salvare il modo contorto in cui il film cerca di preparare il terreno per altri due film. I finali di questi film offrivano prospettive diverse sulla battaglia eterna tra il bene e il male, ma nessuno è riuscito a catturare l’intensità cruda e la profondità emotiva della conclusione dell’originale L’esorcista.

Come è stato accolto il finale de L’esorcista

I fan erano divisi sul fallito esorcismo e sul sacrificio

Per quanto riguarda il finale de L’esorcista, c’era confusione sul fallito esorcismo e sul sacrificio di padre Karras. Un thread su Reddit è iniziato con una persona che chiedeva perché Karras non avesse iniziato con questo invece di perdere tempo con l’esorcismo. Tuttavia, l’utente Redditor MrAnonymous117 ha scritto: “Un demone ha bisogno del permesso per entrare nella vita di una persona e possederla… Ovviamente Karras non avrebbe voluto lasciare entrare subito il demone nel suo corpo: era l’ultima risorsa. L’esorcismo è fallito, ma salvare Regan non”.

C’è stato un altro thread su Reddit che ha analizzato una differenza che ha reso il libro migliore del film sotto un certo aspetto. L’utente Cautious-Promise-663 ha scritto:

“Dopo la morte di padre Merrin, padre Karras perde completamente il controllo, salta addosso a Regan posseduta e la picchia fino a quando il demone passa nel suo corpo. Poi usa i suoi ultimi momenti di autocontrollo per sacrificarsi, portando con sé il demone.

Nel libro, invece, padre Karras non picchia Regan. In realtà convince il demone a possederlo provocandolo e insultando il suo orgoglio. Penso che questo sia più interessante della versione del film perché sottolinea l’intelligenza di padre Karras come psichiatra e la contrappone alla vanità del demone”.

A prescindere dalle critiche o dai paragoni con il libro, il finale de L’esorcista è stato uno dei motivi per cui il film è diventato il primo film horror candidato all’Oscar e uno dei migliori film horror di tutti i tempi. Roger Ebert ha scritto: “L’ultimo capitolo del romanzo non ha mai spiegato in dettaglio gli eventi finali nella camera da letto della ragazza torturata, ma gli effetti speciali del film nelle scene finali lasciano pochi dubbi sul fatto che in quella stanza ci fosse un vero spirito maligno e che esso abbia trasferito i corpi. È giusto? Credo di sì; nella finzione l’artista ha licenza poetica.”

Il recente thriller noir di Steven Soderbergh, No Sudden Move, si conclude con una serie di tradimenti, colpi di scena e vicoli ciechi. Ambientato nella Detroit del 1954, No Sudden Move segue il criminale da quattro soldi Curt Goynes (Don Cheadle), che ottiene un guadagno apparentemente facile lavorando con il sempre imprevedibile Ronald Russo (Benicio del Toro) e l’ombroso Charley (Kieran Culkin). Come nei thriller magistrali di Soderbergh, come Unsane o il recente Black Bag, No Sudden Move mantiene un’aura di suspense costante, punteggiata solo da doppi giochi e vendette.

Soderbergh si affida a un cast d’insieme stellare per far funzionare il film senza intoppi, e questa decisione si ripaga con l’epilogo del film. No Sudden Move si concentra su Goynes, appena uscito di prigione e in cerca di un ultimo lavoro ben pagato prima di lasciare la città. La diffidenza permea l’atmosfera fin dalla prima scena, soprattutto quando sia Goynes che Russo sono scettici nel lavorare con il misterioso intermediario Jones (Brendan Fraser). Il lavoro è piuttosto semplice: i tre uomini ingaggiati devono tenere sotto tiro una famiglia per tre ore, finché non viene recuperato un determinato documento entro quel periodo di tempo.

Tuttavia, No Sudden Move parla di una rapina andata male, una rete di macchinazioni interconnesse manovrate dai vertici della malavita. Mentre le cose vanno male, si scoprono nuovi personaggi come il boss mafioso Frank Capelli (Ray Liotta) e Aldrick Watkins (Bill Duke), oltre a quello del costruttore di automobili Mike Lowen, interpretato da Matt Damon in un cameo a sorpresa. Ecco cosa significa il finale di No Sudden Move se confrontato con la portata complessiva della narrazione noir.

Perché i documenti rubati sono così ambiti e cosa nascondono?

Poiché l’intera premessa del lavoro dei tre uomini si basa sul recupero del misterioso documento, questo emerge come un McGuffin fondamentale nel corso del film. Quando Goynes, Russo e Charley si introducono nella casa di Matt Wertz (David Harbour), dipendente della GM, lo convincono a rubare i documenti in questione al suo datore di lavoro facendo leva sulla sicurezza della sua famiglia e sulla sua relazione extraconiugale. Man mano che la trama procede, Goynes e Russo si rendono rapidamente conto che le cose non sono come sembrano e che l’agognato pezzo di carta sblocca molto più di un lavoro una tantum destinato a fallire. Con l’apparizione di Mike Lowen, molto più tardi, in No Sudden Move, si scopre che il documento fa parte di un grande insabbiamento da parte dell’industria automobilistica di Detroit.

Il documento contiene infatti i progetti di una marmitta catalitica, che consentirebbe alle auto di emettere meno inquinamento nell’atmosfera. Mentre le ramificazioni socio-politiche di questa rivelazione sono enormi, la natura contorta con cui il documento viaggia attraverso i vari strati di criminali di bassa lega, intermediari, boss mafiosi e giganti aziendali indica un gioco più grande. Il film si basa su una vera e propria cospirazione che riguarda l’industria automobilistica nella Detroit della metà degli anni Cinquanta e che coinvolge le Big Four, ovvero GM, Chrysler, Ford e American Motors, che nel film non si fermano davanti a nulla pur di impedire che il documento venga alla luce.

No Sudden Move è un’allegoria sulla mobilità sociale e l’atto di prevaricazione

Soderbergh presenta Detroit come un microcosmo di ciò che stava accadendo nel Paese nel suo complesso. I temi chiave di No Sudden Move sono le tensioni razziali esacerbate dalla costruzione dell’autostrada I-375 che ha distrutto un quartiere nero di Detroit. Questo aspetto viene citato di sfuggita in diversi punti del film, con un Goynes turbato ma determinato che si trova al centro degli eventi che accadono intorno a lui. Come criminale con un’enorme taglia sulla testa e senza la possibilità di rifugiarsi nel suo passato, Goynes è costretto a prendere misure estreme per scalare gli strati sociali del ventre criminale di Detroit.

Tuttavia, i potenti della società e della politica non apprezzano che le pedine del loro gioco salgano per accaparrarsi il loro potere, un tema che viene fortemente enfatizzato negli ultimi 25 minuti del film. Ciò si collega direttamente al concetto di prevaricazione, che in Nessuna mossa improvvisa si riflette nella tranquilla ambizione di Goynes, che desidera superare persone come Mike Lowen, e di Russo, che gioca bene le sue carte per ostacolare boss mafiosi come Capelli. La sete di salire verso l’alto e di raccogliere i frutti degli uomini potenti evoca il tema dell’Overreacher rinascimentale, che ha una folle sete di conoscenza vietata a quelli come lui e che quindi brucia velocemente quando vola troppo vicino al sole.

Goynes paga a caro prezzo le sue ambizioni, messo alle strette da varie bande, soprattutto quella di Watkins, a cui aveva rubato anni prima un importante registro. E poi ci sono magnati aziendali come Lowen, che non si fermano davanti a nulla pur di ostacolare chi osa mettere in discussione lo status quo stabilito, non facendosi scrupolo di lasciare una grande scia di cadaveri pur di raccogliere profitti. Purtroppo, alla fine, i disonesti e i potenti hanno la meglio.

Cosa succede a Russo e Goynes alla fine?

Mentre Charley viene ucciso molto prima in No Sudden Move da Goynes, lavora a stretto contatto con Russo nonostante i due uomini siano costantemente diffidenti nei confronti dell’altro. Condividendo l’onere di essere dei ricercati che hanno osato ficcare il naso in questioni al di fuori della loro portata, Goynes e Russo si fanno abilmente strada nella cospirazione e riescono quasi a farla franca con un’enorme somma di denaro. Tuttavia, i due criminali fanno una fine molto diversa quando le loro strade si separano, un risultato che può essere attribuito solo alla pura fortuna.

Nonostante sia perseguitato da Capelli e Watkins, Goynes riesce miracolosamente ad arrivare alla fine grazie a un accordo a metà strada con la banda di Watkins, che lo salva dal detective Joe Finner (Jon Hamm) proprio all’ultimo minuto. Avendo perso tutto ciò per cui aveva lavorato, Goynes si accontenta della sua vita e dei 5.000 dollari che gli erano stati promessi per il lavoro e decide di cogliere l’occasione per partire per Kansas City per una vita apparentemente più tranquilla. Dall’altra parte, Russo scappa con Vanessa (Julia Fox), moglie di Capelli, dopo che gli sono rimasti 400.000 dollari dopo aver venduto i documenti al miglior offerente. Tuttavia, mentre i due sono in viaggio, Vanessa gli spara a bruciapelo, lasciandolo nel bel mezzo del nulla, dimenticato dalla vita.

Il vero significato del finale

No Sudden Move si conclude con una serie di tradimenti e colpi di scena, tra cui Vanessa che spara a Russo, per poi essere accolta dagli uomini di Lowen che le sottraggono la valigia piena di denaro. Il detective Finner, che inizialmente sembra interessato a svelare la verità, si rivela una pedina del grande gioco, poiché lavora direttamente per giganti aziendali come Lowen, eseguendo i loro ordini. La concezione superficiale e infranta del Sogno Americano viene attuata a spese di milioni di persone, che si ritrovano discriminate, socialmente svantaggiate e sotto gli artigli della criminalità e della povertà.

Nel frattempo, i piani alti della scala del potere rimangono ancora nascosti: chi è che tira davvero i fili? Indipendentemente dal punto di vista di ciascuno, No Sudden Move sottolinea la natura vuota dell’esistenza in un mondo pieno di crimini, il prezzo che si deve pagare nel processo e la sobria semplicità di una vita pittoresca e limitata. Un finale dunque amaro, con cui Soderbergh – similmente a quanto fatto anche con film come Panama Papers e il già citato Black Bag mira a smascherare volti spiacevoli della società contemporanea.

Ricordato come uno dei più celebri film sentimentali di sempre, Dirty Dancing – Balli proibiti vanta ancora oggi un grandissimo numero di fan, ed è continuamente citato da opere che ad esso si ispirano. Diretto nel 1987 dall’allora esordiente Emile Ardolino, il film contribuì a rendere delle vere e proprie star gli attori Patrick Swayze e Jennifer Grey, i quali però dovettero poi faticare per riuscire ad affermarsi al di là di questo film, indicato ancora oggi come uno dei loro migliori e più grandi successi.

Le numerose peripezie furono poi ripagate al momento dell’uscita in sala del film. Questo riscontrò infatti un grandissimo successo di pubblico in tutto il mondo, facendo sognare intere generazioni, divenendo con il tempo un vero e proprio cult, nonché uno dei migliori film sulla danza. A fronte di un budget di soli 5 milioni di dollari, inoltre, il film arrivò ad incassarne a livello globale oltre 214, affermandosi come uno dei maggiori successi dell’anno. Anche la critica apprezzò il film, lodando la chimica di coppia presente tra i due protagonisti come anche le coreografie realizzate per le iconiche scene di ballo.

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La trama di Dirty Dancing

La storia è quella di Frances Houseman (Jennifer Grey), detta “Baby”, una diciassettenne che si ritrova a trascorrere le proprie vacanze estive in compagnia della ricca famiglia presso un villaggio turistico a Catskils. Annoiata dalla quotidianità e concentrata unicamente sul proprio futuro universitario, la giovane si ritrova poi inaspettatamente a fare la conoscenza di Johnny Castle (Patrick Swayze), affascinante insegnante di ballo del resort presso cui Frances soggiorna. La ragazza si sente da subito attratta dal giovane, e lentamente lascia che lui la introduca al mondo della danza.

La tranquillità delle loro giornate viene interrotta nel momento in cui Penny, assistente ballerina di Johnny, rimane incinta e si ritrova a dover abortire clandestinamente, aiutata da dal padre di Frances, medico di professione. Questi, convinto che sia stato Johnny a mettere nei guai la ragazza, proibisce alla figlia di continuare a vedere il ragazzo. Baby, però, sceglie di disubbidire al genitore, e anzi si offre come sostituta di Penny per un’importante competizione di ballo. Lei e Johnny iniziano così a legarsi sempre di più l’uno all’altro, dovendo però evitare di essere scoperti, cosa che comporterebbe rischi per entrambi.

La storia vera dietro il film

Dirty Dancing – Balli proibiti è stato scritto da Eleanor Bergstein, la quale raccontò di aver basato la storia sulle proprie esperienze da adolescente. La sceneggiatrice, infatti, era solita trascorrere le proprie vacanze estive frequentando competizioni di ballo. Ella stessa, in occasione di queste, si assegnò il soprannome di “Baby”, lo stesso poi utilizzato per la protagonista del film. Desiderosa di dar vita ad un film basato sulla danza, la Bergstein iniziò così a scrivere la storia di Dirty Dancing – Balli proibiti. Ebbe tuttavia difficoltà nel vendere la sua storia, salvo poi imbattersi nella Vestron Pictures, la quale sostenne il progetto.

Un altra storia interessante legata ai film è quella di Jennifer Grey, il cui ingaggio ha avuto diverse somiglianze con il percorso di Baby nel film. L’attrice era inizialmente considerata una scelta improbabile per la parte, finché un momento chiave non l’ha distinta dal gruppo. Grey era reduce dal film in Una pazza giornata di vacanza del 1986 – dove aveva interpretato la sprezzante e cattiva sorella adolescente di Ferris Bueller, Jeanie Bueller – quando fece il provino per il ruolo di Baby. Nel film, avvicinandosi al mondo della danza con una vulnerabilità da bambina, Baby si allontana dalla vita curata che conosce come figlia adorata dello stimato dottor Houseman, si innamora e conclude l’estate non più da bambina, ma da donna.

Il film è dunque incentrato su Baby combattuta tra il suo ruolo di figlia, alla disperata ricerca dell’approvazione e dell’amore del padre, e il suo desiderio di essere una donna a sé stante: una lotta che la Grey racchiuse nel primo minuto del suo provino. Secondo la produttrice del film, Linda Gottlieb, “Jennifer Grey è stata spinta nella stanza dei provini da suo padre e ci siamo innamorati”. La scrittrice di Dirty Dancing Eleanor Bergstein concorda, dicendo: “Quando [la Grey] è entrata, ha detto al padre ”Augurami buona fortuna, papà“, ed letteralmente diventata Baby… da quel momento in poi è stata l’unica persona che volevo”.

Avendo in quel periodo stata scartata dal provino per quello che sarebbe stato un altro grande film di danza degli anni ’80, Flashdance, la Grey era incredibilmente nervosa quando ha fatto l’audizione per la Baby di Dirty Dancing – Balli proibiti. A peggiorare le cose, c’era un’agguerrita concorrenza per il ruolo. I produttori avevano già messo gli occhi su Sarah Jessica Parker per la parte, famosa per i suoi ruoli nei successi di danza Footloose e Girls Just Want to Have Fun.

Dopo aver quindi salutato il padre, la Grey si rivolse a Gottlieb e disse: “So che non dovrei dirlo, ma sarei fantastica in questo ruolo” e procedette a ballare con grande energia sulle note dei Jackson Five. La Grey non sapeva che si era aggiudicata la parte prima ancora di iniziare a ballare. La Baby di Dirty Dancing – Balli proibiti è diventata, e continua ad essere, uno dei ruoli più iconici nella storia del cinema, nato dall’affetto e dalla fiducia della Grey nei confronti del padre e dalla sua determinazione a ottenere il ruolo dei suoi sogni.