Al Festival Internazionale del film di Roma 2012, arriva un’altra leggenda del cinema asiatico, stiamo parlando del maestro dell’action Johnnie To. Infatti, è l’ultimo lavoro del regista di Honk Kong, Drug War, il secondo film a sorpresa in concorso all’edizione 2012 del Festival Internazionale del film di Roma diretta da Marco Mueller.

La pellicola intitolata Drug War racconta di Ming, cinico trafficante di droga, che si schianta in auto contro un negozio dopo l’esplosione del suo laboratorio dove si fabbrica eroina. Si salva la vita, ma ha la moglie e il cognato bloccati dentro la fabbrica. Lei, funzionario di polizia intelligente e attento, prova a rintracciare gli altri criminali offrendo a Ming l’opportunità di ridurre la pena detentiva. Ming decide di aiutarlo, tradendo tutti i suoi fratelli, ma all’ultimo minuto… Un viaggio all’interno del labirinto di mafia e traffici illegali, il primo film cinese che osa parlare apertamente di droga.

Drug War, il film

Drug War dispiega gran parte degli elementi più iconici del cinema di Johnnie To che negli anni è diventato un grande specialista del poliziesco e del Noir, riuscendo a incasellare con una certa continuità i suoi film fra le migliori performace d’azione degli ultimi decenni, ricevendo il doveroso riconoscimento sia dal pubblico che dalla critica. Nonostante ciò Drug War rappresenterà forse un bivio per l’autore asiatico che qui per la prima volta rinuncia a virtuosismi e all’attenzione maniacale per l’estetica e la regia a favore della narrazione e soprattutto della recitazioni. Infatti, nell’evolversi della storia la pellicola si dimostra un film di recitazione e di avvenimenti più che di sequenze e di regia; cosa che forse avviene per la prima volta nella filmografia del regista, tanto da relegarsi troppo a semplice narratore e perdendo quel qualcosa in più che contraddistingueva i suoi film.

Il risultato è si un ottimo film di genere che fa della recitazione e della storia la sua vocazione principale ma che, anche per questo motivo, a molti potrà sembrare un po’ semplicistico e forse un po’ piatto. In ogni caso, rimane comunque un coraggioso affresco del problema della droga che attanaglia anche la Cina e il continente asiatico. Un racconto sincero e veritiero di questo male ormai incurabile che affligge le esistenze di questo mondo. Nota estremamente positiva è la sequenza finale colma di tensione e di proiettili impazziti, che non sarà certo una delle migliori sequenze nella filmografia del regista, ma che certamente farà felici gli amanti del genere.

A quattro anni di distanza dall’esordio nel lungometraggio Pippo Mezzapesa torna al documentario raccontandoci di nuovo un po’ della vita di Pinuccio Lovero, in Pinuccio Lovero – Yes I Can. Il bitontino con il sogno di diventare “custode al livello cimiteriale” decide di scendere in politica e candidarsi alle elezioni amministrative nella sua città.  Lo sguardo di Mezzapesa riprende senza fronzoli la singolare campagna elettorale di Pinuccio, convinto che la notorietà guadagnata con il documentario di qualche anno prima (presentato anche al Festival di Venezia nel 2008) possa aiutarlo a racimolare i voti necessari a diventare consigliere comunale nelle liste di SEL.

Inizia così una divertente ed ingenua propaganda al suo programma, tutto incentrato sulla rivalutazione e il miglioramento del servizio cimiteriale del comune. Ma non si racconta solo questo: l’occhio del regista insiste anche e soprattutto sulla persona di Pinuccio, sui suoi rapporti personali, le sue aspirazioni, i suoi sogni. Persona semplice e poco istruita, ma perfettamente consapevole di esserlo, caratterizzato da un ascendente particolare sulle persone che porta immediatamente ad una forte empatia, deciso e sicuro nei suoi obbiettivi, spesso al limite dell’ingenuità, si muove tra le aspirazioni politiche, la serietà con cui tiene fede al suo incarico di necroforo e la vita di coppia con la donna che presto porterà all’altare. In un sud fortemente caratterizzato (la maggior parte del film è in dialetto, per il quale sono stati necessari i sottotitoli), inondato da una luce calda e splendente, il ritratto di Pinuccio si fa assolutamente veritiero e fluido nel racconto. L’impressione documentaria è presente ma non estraniante, pur riprendendo dal vero non si nota la punta di freddezza che spesso i documentari, per costituzione o per precise scelte artistiche, restituiscono. Lo sguardo del regista è assolutamente neutrale di fronte ai fatti raccontati, così neutrale da non farci comprendere le sue reali intenzioni narrative.

Non ci si rende conto, insomma, se la volontà di Mezzapesa sia quella di rivalutare Lovero svalutando la politica o viceversa: la carrellata di personaggi, strampalati e quasi irreali, che ci vengono presentati come avversari di Pinuccio non aiuta certo a chiarire il dubbio. Questo personaggio a tratti epico (impressione rafforzata dalle bellissime musiche di Gabriele Panico) e a tratti ridicolo senza la cognizione di esserlo, diverte ed attrae, inorgoglisce e provoca compassione senza però dare modo di capire quale dei due sentimenti ha la meglio. C’è ancora da capire se questo sia un punto di forza o meno della regia di Mezzapesa.

I fratelli Gabriel e Alan Polsky portano al cinema il romanzo The Motel Life di Willy Vaultin, con l’omonimo film interpretato da Emile Hirsch, Stephen Dorff e Dakota Fanning.

Il film, ambientato a Reno nel Nevada, racconta la storia di due fratelli, Frank e Jerry Lee, diventati prematuramente orfani e cresciuti affidandosi l’uno all’altro con la speranza di abbandonare i propri problemi nella città natia e lasciarla per posti nuovi e migliori. Quando però Jerry Lee (Dorff) causa un incidente mortale, lui e Frank (Hirsch) devono scegliere se rimanere e affrontare le conseguenze di ciò che è successo, oppure scappare e affrontare una nuova vita. Il film ci racconta una storia di redenzione e di sofferenza, di sconfitta e di voglia di non affondare, attraverso qualsiasi mezzo, passando anche per il tentativo disperato dell’autodistruzione.

The Motel Life racconta la vita da motel, per definizione triste e instabile, in cui i due fratelli si trovano immersi e dalla quale sembrano non poter uscire se non attraversando prima l’inferno che li separa da una vita non tanto serena ma almeno priva della costante incertezza per il domani. Ad interpretare i due fratelli, come detto, ci sono Emile Hirsch e Stephen Dorff. Il primo ormai non ha più bisogno di presentazioni, avendo dimostrato in più occasioni, e ultimamente nel film di Castellitto, Venuto al Mondo, che le sue capacità di attore stanno crescendo di giorno in giorno, con una naturalezza e una convinzione che fanno sperare di avere a che fare con uno dei migliori attori della sua generazione. Dal canto suo, Dorff offre una performance sbalorditiva, riuscendo a coniugare fragilità e rabbia facendo dimenticare al pubblico che il suo personaggio è menomato fisicamente, fatta eccezione per le scene in cui gli serve un aiuto fisico da parte del fratello.

Vera chicca del film sono le sequenze animate: a più riprese Frank racconta delle storie a Jerry Lee, storie di loro due che affrontano i nazisti e incontrano donne bellissime, storie violente e fantastiche, quasi tutte tragiche, che prendono vita sullo schermo attraverso delle animazioni grezze ma efficaci, perfettamente inserite nel processo narrativo del film, e che ricordano la precarietà dell’esistenza che portano avanti i due fratelli. L’elemento artistico viene affidato proprio a Jerry Lee, che disegna di continuo personaggi veri e inventati, raccontando quasi in terza persona quello che sta capitando a lui. Questa capacità artistica del personaggi ne aumenta il fascino e la contraddizione, innalzandolo ad un livello molto alto di drammatizzazione.

La regia, dal canto suo, racconta con estrema verità e sensibilità una natura violenta e ostile, una umanità varia, cattiva ma anche capace di grande coraggio e bontà, personaggi affascinanti, disperati ma che alla fine, nell’abbandono più totale, trovano la loro via di salvezza. The Motel Life, presentato in Concorso all’ultimo Festival di Roma, è un piccolo film dalla grande anima, con interpreti superbi.

Presentato Fuori Concorso alla settima edizione del Festival Internazionale del Film di Roma, il nuovo film di Marjane Satrapi, regista del sorprendente Persepolis, si colloca sin da subito in un universo “alieno” da quello festivaliero.

Quello che rende La Bande Des Jotas un unicum è il mettere lo spettatore davanti ad una situazione così surreale che, una volta usciti dalla sala, non si può far a meno di urlare “al genio”, per la bravura della Satrapi non solo in quanto regista, sceneggiatrice e costumista, ma soprattutto in quanto attrice.

Nei panni della protagonista senza nome, Marjane Satrapi, approfitta con grande abilità di uno scambio casuale (o forse no) di valigie, per mettersi a capo di un trio improbabile e guidarlo senza alcuna difficoltà a commettere una serie di omicidi ‘on the road’, motivati da una presunta ‘leggittima difesa’ riguardo la quale gli altri due personaggi non si danno la pena di indagare, accettando senza alcuna difficoltà di essere i sicari di una donna della quale non conoscono neanche il nome, in cambio di vitto e alloggio.

Quasi fosse un racconto in fase di scrittura, il film trova il suo motivo di esistere nelle parole della “femme”, che disegnano non solo la mappa del viaggio del trio, ma anche la serie di situazioni assurde che si creano quasi dal nulla, come se lo spazio dell’inquadratura fosse una tela bianca, pronta a diventare qualsiasi cosa.

Il fatto che la regista e la protagonista coincidano nella stessa persona non  è  un caso poiché, di fatto, siamo davanti ad un ‘making of’, dove personaggi e persone coincidono alla perfezione : i due improvvisati sicari sono realmente gli attori-marionetta della regista, che disegna per loro gli spazi destinati ad azioni che non hanno in sè alcuna motivazione, se non quella di essere scritte nel copione, tanto che viene da pensare che il film si sarebbe tranquillamente potuto svolgere in un’unica stanza o su un palco scenico.

La Bande Des Jotas in sé non presenta particolari meriti tecnici, “solo” un personaggio fortissimo , dialoghi riusciti perfettamente e quel gusto per il grottesco che non guasta: il necessario per assicurarsi che un film sia memorabile. In sostanza la Satrapi realizza una pellicola estremamente originale, ma, probabilmente, fruibile a pieno solo da una fascia ristretta di pubblico.

Arriva al cinema Il Sospetto, l’acclamato film di Thomas Vinterberg, con Mads Mikkelsen e Thomas Bo Larsen. 

Una piccola comunità nel cuore della Danimarca. Gente pacifica, cordiale, rispettosa dei valori e dei sentimenti. Un luogo dove amicizia, amore, gentilezza e mutuo aiuto sembrano avere un significato vero, profondo. E’ qui che vive Lucas (Mads Mikkelsen), un ex-insegnante reimpiegato come maestro d’asilo, con un divorzio alle spalle e un rapporto difficile col figlio lontano.  L’appoggio e la comprensione dei suoi compaesani, soprattutto del suo migliore amico, Theo (Thomas Bo Larsen) sono ciò che gli permette di tirare avanti e di sorridere alla vita.

All’asilo i bambini lo adorano e la sua dolcezza naturale fa in modo che anche Nadia, una collega, si innamori di lui. Appena la vita di Lucas sembra riacquistare un senso, complice la decisione del figlio di trasferirsi a casa sua, una bambina della scuola, Klara (Annika Wedderkopp), racconta alla direttrice dell’istituto di essere stata molestata da lui.

La menzogna, appena accennata e subito ritirata, si innesta però come un virus nella mente della donna che, senza nemmeno interpellarlo, licenzia Lucas su due piedi e informa tutti i genitori dell’accaduto. E l’insegnante, quasi inconsapevole di ciò che gli sta accadendo, si trova ad affrontare un calvario, fatto di occhiatacce e minacce da parte dei suoi stessi amici, che lentamente si intensifica fino a sfociare nella violenza fisica.

Il Sospetto, il film

Il Sospetto, ultima fatica del regista co-fondatore del movimento Dogma, Thomas Vinterberg, pone al suo centro un’azione apparentemente minuscola, una confessione di pochi secondi di una bambina di quattro anni, e mostra come, al pari di un sassolino gettato in uno specchio d’acqua, questa azione scateni delle reazioni enormi non solo nelle persone che la circondano, ma in tutti gli abitanti della comunità.

Vinterberg, magistralmente, porta al cinema la forza con cui una menzogna può insinuarsi nella mente e trasformare persone perbene in mostri disumani che ignorano la giustizia e accusano ciecamente, senza sapere e senza pensare, distruggendo così la vita di un uomo, Lucas, che giorno per giorno vede la sua esistenza andare a pezzi, sgretolarsi, scomparire.

La macchina da presa, vicinissima ai personaggi, cattura ogni espressione facciale, ogni cambio d’umore, ogni battito di ciglia. Cerca quasi di carpire i pensieri di Lucas, sempre più solo e sempre più disperato, la superficialità e la vitalità di Klara, troppo piccola per capire cos’ha scatenato la sua bugia, l’acredine e l’incredulità di Theo, amico fraterno confuso, incapace di giudicare, perso, e soprattutto l’ottusità delle persone che agiscono senza farsi domande, ignorando la verità.

La luce della Danimarca, calda e fredda allo stesso tempo, la perfezione della sceneggiatura (firmata da Tobias Lindholm), contemporaneamente drammatica e rigorosa, la recitazione misurata, senza sbavature e l’occhio di un regista decisamente geniale, fanno de Il Sospetto uno dei più bei film degli ultimi anni.

In due ore Vinterberg riesce a toccare tutte le emozioni dell’anima umana senza una goccia di sentimentalismo. Una lezione di vita e di cinema. Straziante e superbo.

Un Enfant de Toi, diretto da Jacques Doillon e interpretato da Lou Doillon e Samuel Benchetrit, è un film basato sul dialogo, che sfiora il surrealismo in certe occasioni e sembra rimandare ad un determinato teatro dell’assurdo che fonda la sua struttura narrante sull’assenza di azione e sul dialogo protratto all’infinito, continuamente alla ricerca di qualcosa che non c’è e mai ci sarà.

In Un Enfant de Toi Aya e Louis sono stati sposati per qualche anno e hanno avuto una bambina, Lina. Dopo aver trascorso un periodo senza vedersi, immediatamente successivo alla separazione, ora riprendono a frequentarsi, mentre lui ha una storia con Gaelle, mentre lei vive con Victor, con il quale sembra volere un figlio. I due continuano a vedersi con una certa regolarità e presto la naturale gelosia dei rispettivi compagni, unitamente all’esigenza della piccola Lina di avare chiarezza intorno al rapporto trai genitori, spingerà gli ex coniugi a ridefinire il loro rapporto.

Un Enfant de Toi, il film

E così anche i protagonisti, Aya e Louis, continuano a parlare, a raccontarsi i loro ricordi, ad analizzare la loro situazione, i loro desideri, i loro sentimenti reciproci, senza mai definire il loro rapporto, senza mai alzare la voce o esprimere alcuna emozione che non sia una palese attrazione repressa. Tutta la prima parte del film, della durata complessiva (ed eccessiva) di 140 minuti, è infatti caratterizzata da questi lunghissimi piano sequenza in cui i due protagonisti si parlano dicendo apparentemente nulla, scavandosi dentro in maniera sempre più profonda senza mai arrivare a mettere un punto a nessuna delle questioni affrontate. Le regia che muove la camera in modo da seguire i personaggi tenendoli quasi sempre nella stessa inquadratura, predilige pochi stacchi, lasciando agli attori l’onere di tenere alta l’attenzione e di sfidare lo spettatore a seguire le lunghe elucubrazioni dei protagonisti.

Lou Doillon e Samuel Benchetrit si destreggiano molto bene in questi verbosi piani in cui non succede nulla, riuscendo ad apparire sempre interessati a ciò che dicono e reggendo inquadrature molto lunghe che rischiano di non interessare altrettanto lo spettatore. Un’ultima parte di film più dinamica riesce a portare un po’ d’azione nella storia, portandola ad una naturale conclusione e ad un finale annunciato ma non scontato. Piccola perla del film è la giovanissima Olga Milshtein, che interpreta Lina. Simpatica e impertinente, la bambina riesce a dare un tocco di brio ad un film altrimenti piuttosto piatto.

Colorato, folle, onirico, A Glimpse Inside the Mind of Charles Swan III, il nuovo film di Roman Coppola è una sorpresa e una delizia per gli occhi. La storia si concentra su Charlie, un pubblicitario che ha il cervello occupato per l’80% dalle donne. Niente di straordinario quindi se la fidanzata decide di lasciarlo per le sue presunte o manifeste infedeltà! Il fatto è che Charlie ama moltissimo Ivana, e così ci metterà un po’ a metabolizzare il dolore della separazione. Ad aiutarlo ci sono però la sorella, il suo contabile, il migliore amico e la sua immaginazione, sempre fervida e ricca di dettagli.

A Glimpse Inside the Mind of Charles Swan III è un film delirante, che ricorre alla rappresentazione dei pensieri per dare visibilità a quello che accade nella testa del protagonista. Ad una prima parte un po’ confusa, in cui sogno e realtà si mescola confondendo un po’ lo spettatore, segue una seconda parte in cui la storia avanza e riesce a coinvolgere dal momento che si cominciano a distinguere meglio le sequenze che avvengono solo nella testa di Charlie, da quelle che raccontano la realtà dei fatti così come accadono.

A Glimpse Inside the Mind of Charles Swan III, il film

Tutto del film concorre a creare, anche nella realtà, un ambiente surreale, pieno di colori estremamente vivi e di immagini iconiche, oltre ad aiutarci a costruire un personaggio esilarante e sopra le righe ma che gode di un grande amore da parte del suo ideatore. A dare corpo e anima a Charlie, c’è Charlie Sheen, praticamente perfetto per un ruolo che sembra essere stato scritto apposta per lui. Sheen riesce a dare quel giusto mix di malinconia e follia ad uno dei personaggi più simpatici visti al cinema negli ultimi tempi.

A completare il cast ci sono Bill Murray, come al solito incredibile veicolo di comicità, Jason Schwartzman, nei panni del migliore amico di Charlie, Patricia Arquette nel ruolo della sorella e la bella Katheryn Winnick che interpreta Ivana, la fidanzata che abbandona il protagonista all’inizio del film.

Roman Coppola si dimostra molto bravo a raccontare una storia semplice, arricchendola di dettagli ed elementi che aiutano lo spettatore ad orientarsi, cercando di dare il giusto spazio ad ogni avvenimento ma soprattutto tentando, con successo, di descrivere il personaggio principale attraverso le sue azioni, mostrandoci effettivamente com’è e come si muove all’interno di una vita che sembra prendere sempre troppo alla leggera.

A Glimpse Inside the Mind of Charles Swan III è una bella commedia, un film originale ed efficace, che riesce a far sorridere ma che non banalizza il dolore, rappresentandolo in maniera straordinariamente realistica.

I fratelli Skolimowski, figli di Jerzy, uno dei più importanti registi polacchi, hanno realizzato dopo  The hollow men, presentato ad un passato festival di Venezia, il loro secondo lungometraggio. I due avevano collaborato con il padre sul set di The essential killing, opera con molte poche battute e una performance interessante di Vincent Gallo, presentato sempre ad un passato festival di Venezia. Ixjana è un film che pesca da molto cinema europeo ed americano. La struttura è quella di un thriller psicologico, con rimandi alle luci usate da Cronenberg in molti suoi film, ci sono infatti fonti di luce decise di blu, rosso e verde che danno alla scena una tonalità surreale, e anche qualcosa che ricollega a Lynch, soprattutto nello straniamento dato dalla storia.

In Ixjana Marek, un giovane scrittore, sta cercando di risolvere il mistero della notte in cui è morto il suo amico Artur. Ricostruisce i passaggi della serata, a partire da una festa in maschera da un editore, fino ad un viaggio nei bassifondi della città. In tutto questo, si aggiunge  una donna che ha a che fare con tutti e due.

Il progresso del racconto infatti non è lineare, ma è un continuo muoversi longitudinalmente sulla linea temporale tornando su azioni avvenute ore, forse giorni prima o scene future. Lo spettatore si perde, così come anche lo scrittore, che non ha più il dominio della sua storia. Marek, autore di un unico best seller che lo ha reso ricco e famoso, dal titolo quasi profetico: “Mio fratello, il mio assassino”,  cerca nella sua memoria, come in Memento, e viene ingannato da questa stessa come accade in altri classici del cinema di tensione, primo fra tutti La donna che visse due volte di Hitchcock.

A dare al film una patina di mistero ancora più decisa è la morte improvvisa, avvenuta in India dopo aver contratto una malattia che lo ha ucciso in due settimane, del più piccolo dei fratelli Skolimovski,  Jozef, che aveva composto le musiche per questa pellicola e si trovava in India per delle ricerche per il prossimo film.