Ritorna al cinema il franchise di Resident Evil, tratto dall’omonimo video gioco che ha incassato più di qualsiasi altra trasposizione nella storia recente, e lo fa con questo quinto e spettacolare capitolo, dal titolo Resident Evil: retribution, ancora una volta scritto e diretto da Paul W. S. Anderson, fautore della saga insieme alla moglie, conosciuta sul set del primo capitolo, Milla Jovovich.

Il T-virus mortale della società farmaceutica Umbrella Corporation continua a devastare la Terra, trasformando la popolazione mondiale in legioni di zombie affamati di carne umana. Alice (Milla Jovovich), l’unica e ultima speranza per la razza umana, si risveglia all’interno della struttura segreta della Umbrella e svolgendo indagini approfondite, scopre alcuni segreti del suo misterioso passato. Senza un rifugio sicuro, Alice continua a cercare i responsabili dell’epidemia; un viaggio che culminerà con una sconcertante rivelazione che la costringerà a rimettere in discussione tutte le sue certezze.

Come recita in maniera perentoria e anche un po’ ripetitiva la stessa trama del film, la Umbrella Corporation continua a distruggere la Terra (come se fosse ancora rimasto qualcosa da distruggere) e come ogni volta Alice è pronta a combattere contro tutti e tutto.

Se nel primo capitolo erano solo degli zombie, poi nel secondo è diventato Nemesis, e ancora nel terzo zombie mutati geneticamente, ora è la volta di un vero e  proprio mostro da laboratorio, sullo sfondo una guerra apocalittica in fondo a un oceano ghiacciato. Definire surreale la trama di questo film suonerebbe quasi come un eufemismo, ma considerato che gran parte della saga è sviluppata su una trama molto precaria e a tratti contraddittoria, passeremo subito al punto forte del film, ovvero la spettacolarità di alcune delle sequenze che forma questo quinto capitolo.

Resident Evil: retribution

Questa volta la messa in scena è completamente dedita al 3D che indubbiamente conferisce alla pellicola ulteriore carica spettacolare, invadendo completamente lo schermo e lo spettatore. Il film è comunque un infinito ripetersi di azione e fughe che culminano con un tentativo, fin troppo timido di riallacciare i rapporti con l’intera trama della saga che rimane comunque molto abbozzato, finendo per diventare solo un pretesto per dar vita probabilmente ad un sesto capitolo.

In ogni caso, Resident Evil: retribution è un buon condensatore di intrattenimento e scene spettacolari, che se non soddisfano gli spettatori più pretensioni, certamente faranno la gioia di coloro che cercano lo spettacolo puro ed un effetto stereoscopico invasivo.

Nel corso dell’estate che segna il passaggio dalla scuola media al liceo, la scoperta della sessualità e una realtà sempre più scomoda le porterà verso nuove direzioni, alcune inaspettate. Stefano Mordini, noto regista di documentari, dirige e scrive assieme a Giulia Calenda e Silvia Avallone, Acciaio, trasposizione di uno dei più grandi successi letterari italiani degli ultimi anni.

In Acciaio Anna e Francesca hanno tredici anni e vivono a Piombino, città in cui la realtà dell’acciaieria Lucchini sembra essere l’unica possibilità di vita. Sognano un giorno di poter cambiare le loro esistenze, ma in realtà desiderano soltanto lasciarsi alle spalle una vita fatta di famiglie spezzate. Al lato opposto c’è Alessio, fratello di Anna, operaio amante del suo lavoro, saldo nei suoi principi, innamorato da sempre di Elena, che ritorna in città dopo aver avuto altre esperienze lavorative, nonostante sia passato tanto tempo, i due non si sono mai dimenticati.

Acciaio è stato presentato per la prima volta durante la 69° Mostra del Cinema di Venezia nelle Giornate degli Autori e porta sullo schermo la realtà di questa fabbrica senza però scendere nelle relazioni umane associate a questo lavoro, molto più forte è la situazione delle due ragazze che si ritrovano ad  attraversare e crescere in questo mondo operario, soffrendo nel relazionarsi con quest’ultimo e quindi trovarsi a vivere un “adolescenza a metà potenziale”. Acciaio punta sulle due esordienti Matilde Giannini e Anna Bellezza cambiando così lo sguardo e la profondità che aveva la fabbrica nel libro. Il regista ci tiene a mostrare la realtà e le domande delle ragazze, però sottovalutando la realtà in cui vivono i giovani operari toscani e su cui si basano molte realtà limitrofe riducendo, così, il tono che porta con sé il libro.

Acciaio, il film

Inoltre poco accennato è il ritorno sul grande schermo della classe operaia che prende bene le distanze dall’ideologia politica ed inquadra esclusivamente la vita di Alessio (Michele Riondino – Dieci Inverni) un ragazzo (ormai) padre di famiglia cresciuto con dei valori ed appassionato del suo lavoro, da apparire quasi un eroe anomalo, perché sembra accontentarsi della sua vita senza ambizioni, dall’esistenza quasi leggera ma bella anche se continuamente precaria. Altro personaggio sfuggente e poco approfondito è Elena (Vittoria Puccini – Magnifica Presenza) che pur trovandosi in una situazione privilegiata, lontana dalla fabbrica e della sua vita dura ne è coinvolta emotivamente, un personaggio che scappa dalla città e che riflettere troppo velocemente sulle ipotesi di un futuro che non deve essere per forza altrove. Una donna indecisa e sbilanciata rispetto alle giovani adolescenti, che sembra non avere né la forza né il coraggio di decidere della sua vita.

Quindi anche se vediamo la fabbrica sin dai titoli di testa che con la sua attività incessante cerca di riflettersi con delle immagini-metafore nelle storie coinvolte nella pellicola, (il fuoco che plasma la materia prima di solidificare) queste vite in realtà sono troppo fragili per sostenere tutto il processo, anche quello del film. Anche se lo stile e il tono di regia sono delicati e rispettosi senza lasciarsi andare a banalismi, c’è sempre il rischio del fraintendimento o della doppia lettura, segnato forse da delle azioni poco incisive per personaggi così complessi.

Presentato in concorso al Festival di Cannes 2012 e vincitore del Gran Premio della giuria arriva nelle sale il nuovo film di Matteo Garrone (Gomorra), fra i pochi in Italia ad essere autore di un cinema capace di raccontare storie personali ma allo stesso tempo raggiungere ampio respiro e grandi platee. Non è da meno quest’ultimo lavoro, Reality, un racconto fortemente radicato nel territorio e sul filo del rasoio fra realtà e sogno, fra aspirazioni e illusioni, fra contorni fiabeschi e grande virtuosismo registico.

Reality racconta una storia semplice: Luciano è un pescivendolo napoletano che per integrare i suoi scarsi guadagni si arrangia facendo piccole truffe insieme alla moglie Maria. Grazie a una naturale simpatia, Luciano non perde occasione per esibirsi davanti ai clienti della pescheria e ai numerosi parenti. Un giorno, spinto dai familiari, partecipa a un provino per entrare nel Grande Fratello. Da quel momento la sua percezione della realtà non sarà più la stessa.

Reality, il film

Nella sua semplicità, quello che colpisce di Garrone è senza dubbio la capacità di mettere in scena una storia dalle innumerevoli sfumature e dai connotati di grande cinema, e nello stesso tempo capace di affrontare una riflessione sincera, umile ed innocente su un paesaggio contemporaneo e su un contesto sociale forse troppo legato alle apparenze e alle illusioni, allontanatosi troppo in fretta dai valori veri e dalle emozioni reali. Un paesaggio che assuefatto dalla società di consumi perde la testa e smarrisce la strada, perdendosi negli inganni e nei trabocchetti di una macchina divoratrice di sogni e di speranza. Ma la favola descritta dall’autore è anche qualcosa di estremamente leggero, tanto da diventare un viaggio attraverso i meandri di un giovane Pinocchio che ben presto dovrà fare i conti con il grillo parlante e con la realtà della sua esistenza, fatta di una famiglia  e di amici che lo amano e che lo sostengono anche e soprattutto nei momenti difficili, peccando forse d’ignoranza, ma diventando un parafulmini infallibile dalle saette della “macchina del consumo” grazie alla loro innocenza.

Reality ancora una volta è girato magnificamente, con sorprendenti piani sequenza, che confermano la grande padronanza del linguaggio del regista, sottolineati e raffigurati in uno splendido gioco di luci e ombre che è l’ultima fotografia del grande Marco Onorato. Da menzione speciale in fine è la “favolosa” partitura di Alexander Desplat che sostiene la messa in scena del regista e portano il film in una dimensione fiabesca di grande fattura, com’è del resto anche l’interpretazione di tutto il cast principale. Se bisogna trovare un neo a questa pellicola è forse nel ritmo che presenta i punti di debolezza, generati prevalentemente da una sceneggiatura a tratti ridondante che tuttavia, non impedisce alla spettatore di arrivare nella splendida sequenza finale, un vero fiore all’occhiello del cinema contemporaneo.

Arriva al cinema ParaNorman, il nuovo film in stop-motion diretto da Chris Butler e Sam Fell e distribuito dalla Universal Pictures. Nella piccola e tranquilla cittadina di Blithe Hallow il giovane Norman Babcock non ha una vita semplice e felice. Apparentemente normale ed uguale agli altri ragazzi, il nostro Norman ha una dote non proprio convenzionale: può vedere e parlare con gli spiriti…coloro passati a miglior vita.

Questa particolarità gli crea non pochi problemi dovuti alla diffidenza e allo scetticismo della gente; in casa deve sorbire le quotidiane ramanzine di un padre disperato nel vedere un figlio tanto strambo oltre al dileggio da parte di Courtney, una sorella alquanto altezzosa. Solo la madre cerca di comprenderlo e giustificarlo pur palesando una certa inquietudine verso le stranezze del figlio.

A scuola le cose non vanno di certo meglio in quanto il nostro giovane protagonista è puntualmente oggetto di scherzi e battute che hanno come ispiratore principale Alvin, il classico bullo della scuola tutto muscoli e niente cervello. E’ così a Norman non rimane che l’amicizia di Neil, un ragazzino grassottello e pavido con cui condivide una solitudine forzata.

Intanto a Blithe Hallow è prossimo l’anniversario della morte di una terribile strega che duecento anni prima lanciò una maledizione sul giudice e la giuria che sentenziarono la sua condanna. Lo zio di Norman, uno svitato ed eccentrico eremita, unico a riconoscere le capacità occulte del nipote, lo avvertirà che solo lui è in grado di leggere la formula per evitare il ritorno della strega pronta a invadere la tranquilla cittadina con un piccolo esercito di zombie e dare così compimento alla sua maledizione…sarà in grado il giovane Norman di salvare la comunità?

In uscita nelle sale italiane dal prossimo 11 ottobre, ParaNorman  è l’ultimo prodotto della premiata ditta Focus Feauteres e LAIKA già note per il precedente successo di Coraline e La porta magica. Come per Coraline anche per ParaNorman  assistiamo all’uso della tecnica in stop-motion con la particolarità, non trascurabile, di vedere combinata questa tecnica con la concezione stereoscopica ossia fotografata in tredimensioni.

LAIKA ha una lunga storia nello studio e nella sperimentazione animata in stop-motion, basta ricordare che ha dato un contributo tecnico fondamentale ad un altro lungometraggio, poi premiato con l’Oscar, La sposa cadavere diretto nel 2005 da Tim Burton. ParaNorman si propone quindi un risultato ancora più sorprendente che, associando le due tecniche, ambisce a realizzare un film in cui lo spettatore si senta davvero parte integrante, protagonista in ogni singola sequenza.

Per chi non conoscesse la tecnica stop-motion accenniamo semplicemente al fatto che fotogramma per fotogramma gli animatori manipolano meticolosamente oggetti tangibili, veri, reali (sia personaggi che parti della scenografia) collocandoli su un piano di lavoro. Ogni inquadratura viene fotografata e le migliaia di inquadrature sono poi proiettate in sequenza animandosi in un movimento continuo. Questo per rendere l’idea dell’enorme mole di lavoro affrontato dai tecnici e dalla coppia di registi che hanno reso possibile questo film di animazione: Sam Fell e Chris Butler.

Il risultato è indubbiamente interessante e ammirevole. La tecnica stop-motion conferisce un realismo agli oggetti così come ai personaggi che va oltre la semplice animazione mentre la tecnica stereoscopica dovrebbe aggiungere quel pizzico di magia di ultima generazione (essendo la stop-motion  una tecnica ben più datata). E qui sorgono i nostri dubbi nel senso che il 3D non conferisce quel qualcosa in più che ci aspetterebbe, non riesce a proiettarti dentro ad ogni sequenza, non lascia una traccia particolarmente tangibile. Riguardo la trama narrativa di ParaNorman  siamo in difficoltà nel catalogare questo film come un film per bambini, essendo a nostro avviso più adatto ad un pubblico che quantomeno parta dai 13-14 anni in su, sino agli adulti.

E’ vero che il mondo dell’horror con i suoi mostri, i fantasmi e gli zombie qui viene esorcizzato con una continua lettura comica e demenziale ma alcune sequenze sono di una tensione eccessiva per un pubblico troppo giovane. Quella di Norman è una storia semplice e non certo originale, la storia di un ragazzo diverso che fatica ad essere accettato in una società convenzionale e chiusa. Quindi la storia si inerpica su sentieri più tortuosi in cui ad un certo punto si crea una sorta di contrapposizione tra il mondo dei morti, gli zombie, e il mondo dei vivi, non meno zombie e non meno inquietanti; questa è la sfumatura che più ci è piaciuto sottolineare.

Il finale prende una tangente eccessivamente complicata e confusa, dove si vuole mescolare un insieme di luoghi comuni e sentimentalismi che ne riducono l’incisività e l’immediatezza. In ogni caso ParaNorman è indubbiamente un interessante modello di animazione proposta con criteri tecnici innovativi ed abbastanza efficaci, un film da vedere che sa far ridere e persino spaventare, un film per grandi e piccini, anche se non troppo piccini.

Un documentario ambizioso scritto e diretto da Mark Cousins, nato da una profonda passione per il cinema e i viaggi, e tratto dal suo omonimo libro. The story of the film – nelle sale dal 25 settembre – è un progetto ammirevole che, nel soffermarsi sulle tappe fondamentali dell’innovazione cinematografica, ne ripercorre l’intero ciclo evolutivo, dalla genesi, nel lontano e magico 1895, fino alla rivoluzione odierna.

Cousins ha girato il mondo, esplorato luoghi inenarrabili – come l’appartamento di Ejzenstein a Mosca o il villaggio indiano in cui fu girato Pather Panchali di Satyajit –  raccolto testimonianze, preziosi spunti e frugato nelle menti di alcuni tra i più grandi maestri del cinema.

Da Hollywood a Mumbai, dalla Londra di Hitchcock a Tokyo, passando per Parigi, Mosca, Dakar, e Teheran, tutti i luoghi esplorati sembrano conservare ancora quell’essenza vintage e sublime del cinematografo di un tempo. Cruciali incroci di idee, di registi e attori leggendari, attraverso i quali Cousins ci racconta come il cinema sente e riflette i cambiamenti storici, esaltandone l’esuberanza e la tristezza.

The story of the film, il film

Poderosa opera filmica, un puzzle di circa mille spezzoni di film, che cerca di tracciare i confini di epoche che, nell’incessante sovrapporsi, si contraddistinguono in quanto a peculiarità tecniche e concettuali. 15 capitoli per 15 ore, non il semplice frutto di un collage di interviste, fotografie e grafici, ma il risultato di una profonda urgenza comunicativa, non un banale compendio della storia del cinema, bensì la volontà di trasmetterne l’anima e la poesia. In quest’ottica vanno interpretate le tante scene girate all’alba e al crepuscolo con una voce fuori a campo a suggerisce un pò l’effetto di lampada magica.

A dare mordente, ad esempio, ai due episodi proiettati – La devastazione della guerra e il nuovo linguaggio filmico del secondo dopoguerra e Il nuovo cinema americano dal ’67 al ’79 – è la capacità del regista di descrivere stili, generi, influenze e contaminazioni, andando alla riscoperta di preziose pellicole, adoperando raffronti di inquadrature tesi ad evidenziare le conquiste tecniche e stilistiche. Si pensi alla rivoluzione della profondità di campo, inaugurata da Ford e legittimata da Welles, o alla de-drammatizzazione voluta dal Neorealismo italiano che, al contrario del contemporaneo cinema hollywoodiano, bandiva eventi forzati ed esagerati per dare spazio a inquadrature povere, traballanti e tragicamente aderenti alla realtà.

Pregevole anche il dibattito sul nuovo cinema americano, su come esso sia stato attraversato, all’alba delle rivoluzioni studentesche, da correnti antagoniste ma ugualmente influenti. Da una parte il cinema manierista di Bogdanovich e Peckinpah,  devoto al cinema classico, di cui propone una versione rivisitata; dall’altra, un cinema d’opposizione sdoganato dagli avventurosi Hopper a Altman fino a Coppola e Scorsese. Ma c’è anche il filone satirico che, nel proclamare la sua estraneità al dibattito, sbeffeggiava la società – in malora – sul modello dei fratelli Marx.

The story of the film è tutto questo, un’ode al cinema e alla sua magia, ma anche il racconto personale di un viaggiatore nel tempo e nello spazio, nonché il tramite prediletto della sua curiosità e delle sue emozioni.

Torniamo indietro nel passato ma neanche di troppo, per plasmare dei racconti narrati dai nostri nonni e che improvvisamente paiono divenire reali. Appartamento ad Atene, di Ruggero Dipaola, prende come spunto la storia vera di Glenway Wescott per innescare le storie che i suoi cari gli hanno raccontato nel tempo e trasmettere il senso del disagio che nasce laddove la parola libertà non trova più il suo posto.

Il protagonista di questo film (Appartamento ad Atene) è un appartamento, la casa di una famiglia benestante, gli Helianos, che per via dei suoi spazi ampi e raffinati è stata scelta dal Capitano Kalter per soggiornarvi e viverci. Le stanze luminose, ben arredate e che esprimono il carattere dei singoli personaggi sono improvvisamente colonizzate da uno straniero, che in un primo momento non usa alcuna cortesia per gli indigeni di quel luogo. La storia si articola in un via vai continuo narrando l’evoluzione di un rapporto e il suo tragico epilogo.

Appartamento ad Atene, il film

All’interno di questo microcosmo si assiste al nervosismo di una madre, intollerante verso la prepotenza di uno straniero e gelosa per i suoi spazi, accuditi con molta dedizione, da contrapporre alla gentilezza e comprensione del capo famiglia per un uomo dall’occhio vitreo e impenetrabile, che pare subire un lieve cambiamento, tale da alterare i limiti instaurati e da ingannare la percezione di chi lo accoglie. Il racconto del regista non si immerge a pieno nel dramma di una guerra, ma utilizza solo degli elementi per mettere in risalto le relazioni umane, per paragonare le conseguenze causate da atteggiamenti diversi ed esprimere quanto il concetto di cultura e morale possa cambiare radicalmente da una formazione ad un’altra.

Così, lo spettatore osserva delle dicotomie che cercano di trovare il giusto ingranaggio per una migliore convivenza: il piccolo Alex, scontroso e irrisorio, si oppone alla personalità inesistente e vanitosa della sorella maggiore Leda, la forza e determinazione di una madre è affiancata alla cortesia e troppa pacatezza del Signor Helianos e infine la cultura e lungimiranza di quest’utlimo sembra inizialmente accostarsi all’animo del Capitano, ma questo finto abbaglio condurrà, inevitabilmente, verso un dramma senza speranza.

In Appartamento ad Atene, il regista affianca delle situazioni molto simili, degli eventi che mutando, determinano il capovolgimento dei ruoli ma al contempo evidenzia quanto diverse siano le reazioni di chi vive eventi simili ma letti e analizzati da prospettive lontane fra loro.