Approderà nelle nostre sale il 13 gennaio, La chiave di Sara (Elle s’appelait Sarah), film diretto da Gilles Paquet-Brenner ed interpretato da Kristin Scott Thomas. La pellicola ripercorre la storia di Julia Jarmond, giornalista americana che vive in Francia da 20 anni e sta facendo un’inchiesta sui dolorosi fatti del Velodromo D’inverno, il luogo in cui vennero concentrati migliaia di ebrei parigini prima di essere deportati nei campi di concentramento.

Lavorando alla ricostruzione degli avvenimenti Sara si imbatte in una donna che aveva 10 anni nel luglio del 1942, e ciò che per Julia era solo materiale per un articolo, diventa una questione personale, qualcosa che potrebbe essere legato ad un mistero della sua famiglia. A 60 anni di distanza è possibile che due destini si incrocino portando alla luce un segreto che sconvolgerà per sempre la vita di Julia e dei suoi cari?

A volte una verità che appartiene al passato comporta un prezzo da pagare nel presente… è una delle frasi che recita nel film il personaggio interpretato con grande bravura ed eleganza da Kristin Scott Thomas, che con una performance attoriale perfetta conduce per mano lo spettatore nelle ombre di uno dei momenti più oscuri della storia contemporanea francese.

La chiave di Sara, un film che guarda al passato senza remore

Il pregio più grande di La chiave di Sara è forse la capacità di guardarsi indietro senza remore, in maniera lucida e schietta, con l’intento di riscrivere la storia così com’è avvenuta, senza la presunzione di giudicare ma con il semplice  obiettivo di raccontare la verità, violenta e tragica che sia. Ne viene fuori un sorprendete ritratto di una Francia in mano ai tedeschi e in completa devozione a Hitler, mentre tutto il resto della popolazione semplicemente cerca di sopravvivere, molto spesso chiudendo un occhio e forse due.

Dietro La chiave di Sara c’è una regia che racconta attraverso un continuo alternarsi tra flashback e flashforward le vicende delle due protagoniste in maniera quasi sempre efficace. Forse la seconda parte del film viene eccessivamente oberata da una carica emotiva che in qualche modo condiziona la lucidità del racconto ma è altrettanto vero che è quasi inevitabile dover fare i conti con un presente che non è altro che il prodotto del nostro passato. Quindi si può perdonare una seconda parte un po’ scontata e non altrettanto sorprendete come la prima.

Tutto sommato però questo non limita la pellicola che riesce nell’intento di raccontare una storia ancora oggi avvolta in un velo di assordante silenzio. Guardarsi indietro con coraggio è sinonimo di crescita e maturità che la cinematografia francese sembra possedere, come quella americana, al contrario della nostra che è ben lungi dall’essere lucida, schietta e matura.

Ritorna nelle sale italiane con Non avere paura del buio Guillermo Del Toro, qui in veste di sceneggiatore  e produttore.

Non avere paura del buio racconta la storia di Sally Hurst, una bambina introversa e solitaria appena giunta nel Rhode Island per vivere con suo padre Alex e la sua nuova compagna Kim in una villa del 19° secolo in ristrutturazione. Mentre esplora la grande residenza, Sally scopre una cantina rimasta nascosta fin dalla misteriosa scomparsa del costruttore della casa, avvenuta un secolo prima. Libera così, involontariamente, malvagie creature che vogliono trascinarla nelle oscure profondità dell’antica dimora. Sally deve convincere Alex e Kim che non si tratta di una fantasia, ma di una terribile realtà che incombe su tutti loro.

Per chi è abituato a grossi intrecci e grandi attimi di tensione nel cinema di Del Toro, forse troverà in quest’ultima opera poco o nulla dei fasti che hanno portato alla ribalta il regista messicano. Già, perché quest’opera nelle sue intenzioni non mira a sorprendere e far sobbalzare (se non una volta) lo spettatore. Al contrario, cuore pulsante della narrazione è la casa, vero centro dell’opera. E’ da essa che vengono fuori le inquietudini che segnano indelebilmente tutti i protagonisti del film. E’ intorno ad essa che le relazioni di Sally, Kim e Alex cadono in un profondo stato di malessere e che probabilmente non ritorneranno ad essere più come prima, ma che in qualche modo faranno riavvicinare padre e figlia, ricostruendo un rapporto fragile. E’ la casa che concretizza le immagini favolistiche scritte da Del Toro e dirette dall’esordiente Troy Nixey, agile nel muoversi con eleganza. E’ soprattutto grazie a una scenografia protagonista che il film regala allo spettatore atmosfere misteriose, oscure, affascinanti. Da questo punto di vista è forse un pregio la capacità della pellicola di rievocare le atmosfere e i strabilianti set dei film della famosa Hammer che tanto ha dato alla storia del cinema di genere.

Il difetto maggiore di Non avere paura del buio sta nella parte centrale della narrazione, incapace di mantenere il ritmo coinvolgente d’inizio film e in un finale che è volutamente irresoluto, lasciando accomodare la vicenda in una conclusione che lascia l’amaro in bocca, soprattutto perché la sensazione è quella di aver lasciato inespresse alcune potenzialità fantastiche della storia, che sono invece il marchio di fabbrica di Del Toro.  Da segnalare il ritorno discreto di Katie Holmes, che regala una positiva interpretazione assieme al suo co-protagonista Guy Pearce. Ma a sorprendere nel cast è senza dubbio la bambina protagonista Sally, interpretata con grande capacità da Bailee Madison, che regala quelle sfumature al personaggio che lo rendono interessante e curioso.

Arriva fuori concorso al Festival Internazionale del Film di Roma 2011, L’industriale il nuovo film diretto da Giuliano Montaldo con protagonisti Pierfrancesco Favino, Carolina Crescentini e Francesco Scianna.

Ne L’industriale Nicola è un industriale torinese che sta affrontando, così come tutto il Paese, un momento molto difficile a livello economico. La sua fabbrica specializzata in produzioni di pannelli solari di nuova tecnologia, non riesce ad ottenere nuovi finanziamenti e l’uomo di trova stretto tra la morsa delle banche e i suoi operai che fanno pressione per avere certezze sul loro futuro e sui loro stipendi. Solo la moglie sembra essere l’unico punto fermo di Nicola, che orgoglioso e volitivo, rifiuta ogni tipo di aiuto, anche da lei, per riuscire a sopravvivere insieme alla sua azienda. Ben presto anche la certezza del matrimonio vacilla, e Nicola diventa sospettoso, tormentato, e tira fuori il peggio di sé.

La caratteristi importante di questa sceneggiatura è che il protagonista, altoborghese industriale, è un uomo corretto e buono, ha a cuore i suoi operai, e cerca di combattere e fare ciò che è giusto per salvare tutti. Caratteristica inusuale per il nostro cinema. Altra particolarità del film è la fotografia: sembra un bianco e nero molto freddo, ma a metà film cambia e i colori si saturano, per poi riprendere i toni monocromatici dell’inizio. Questa scelta è interessante, anche se sembra del tutto scollegata con il film se non addirittura proprio un errore da parte dei tecnici addetti.

Pierfrancesco Favino ancora una volta ci offre una buona performance, l’attore riesce a portare a casa il ruolo con buona pace dei suoi detrattori anche se in altre performance era stato molto più convincente. Peccato invece per Carolina Crescentini, che interpreta la moglie Laura, che non riesce a dare il giusto spessore al suo personaggio. L’industriale sembra quindi un film a metà, decisamente interessante da un punto di vista narrativo, addirittura può sembrare innovativo ad un certo punto, ma si risolve in un finale che lascia interdetti.

La sofferenza e il male che esplodono alla fine della storia sono del tutto gratuite e un happy end non avrebbe guastato, se non altro per andare contro il pessimismo diffuso nel nostro cinema. Anche i cliché abbondano dalla suocera cattiva al banchiere viscido. In L’industriale anche Francesco Scianna, a suo agio nei panni dell’ambiguo avvocato, e l’ex Iena Elena di Cioccio nei panni della complice amica di Laura, Marcella.

Arriva il 13 gennaio al cinema Shame, il discusso e osannato film di Steve McQueen che all’ultimo Festival di Venezia è valso la Coppa Volpi al suo protagonista, un Michael Fassbender alle prese con un ruolo complicato e delicato, che mette letteralmente a nudo ogni lato della sua complessa personalità.

Brandon è un affascinante trentenne con dei ritmi di vita molto regolari e che nasconde un segreto: una disperata dipendenza dal sesso che lui in prima persona vive con metodicità, ma che l’irruzione della sorella Sissy gli farà vedere con gli occhi dell’autocommiserazione. Shame è principalmente un viaggio, dallo stretto punto di vista del protagonista, di quanto in basso, nella propria considerazione e in quella degli altri, possa scendere una persona prima di sentire la necessità di una catarsi, prima psicologica e poi fisica. E così seguiamo Brandon per le strade di New York, sempre alla ricerca di sesso, in qualunque forma esso si presenti.

McQueen non solo offre al suo amico e protagonista un ruolo impegnativo, ma lo coinvolge anche in piani sequenza decisamente difficili da reggere, e il nostro Fassbender se la cava alla grande soprattutto quando è in compagnia sullo schermo di Carey Mulligan, che interpreta la disturbata Sissy, anche lei straordinaria in un ruolo a metà tra la dolcezza dell’infanzia e la follia dell’età adulta insoddisfatta e sofferente.

Shame non si sofferma ad indagare le ragioni intime e i rapporti interpersonali che intercorrono trai soggetti, ne mostra solo il lento disfacimento, l’inesorabile discesa verso un baratro che sembra apparentemente inevitabile. Come sempre più spesso accade, nel finale non ci è dato sapere quale sarà la sorte del nostro eroe. Dopo aver toccato il fondo e rischiato irreversibile, Brandon torna alla sua vita regolare e monotona, ma il suo sguardo è davvero cambiato? McQueen sceglie di lasciarci nel dubbio e per una storia che scende così a fondo nella perversione della psiche umana probabilmente dare un finale esplicativo sarebbe stato impossibile, o quantomeno riduttivo.

Del film resta senza dubbio una buona regia, che predilige la sequenza lunga e il racconto integrale, senza ricostruire dialoghi e situazioni attraverso il montaggio, e l’interpretazione di Fassbender e Mulligan, senza dubbio la migliore, forse per entrambi.

Il film arriva accompagnato da un ingiustificato scalpore, legato principalmente al nudo integrale di Fassbender che a Venezia ha gettato in un panico divertito critica e pubblico, ma che in realtà non aggiunge né toglie molto ad un film in cui, oltre alle grazie di Fassbender si notano anche molte donne completamente nude, ma, si sa, il nudo femminile ormai non fa parlare più nessuno.