Ne I tre moschettieri nella Francia di Luigi XIII regna incontrastato il Cardinale Richelieu, i moschettieri sono poco più che avventori da taverna dalla ‘spada facile’ e il re, efebico modaiolo, è poco molto simile ad una imitazione di se stesso. I puristi di Dumas hanno storto il naso alle prime immagini del film, per non parlare delle accuse di vilipendio al grande classico subito dopo l’uscita del film, ma tutto ciò che di assurdo si poteva immaginare non è nulla di fronte alla realtà del film. Anderson tira su un giocattolo infernale, logisticamente assurdo e paradossalmente divertentissimo che porterà al cinema moltissime persone.

I tre moschettieri 3D, il film

Ai valorosi moschettieri (Matthew MacFadyen, Ray Stevenson e Luke Evans) è riservata una rappresentazione abbastanza convenzionale, così come al Cardinale (Christoph Waltz) e al perfido Rochefort, i personaggi che invece hanno subito un lavoro di ‘innovazione’ sono senza dubbio il Duca di Buckingham, notoriamente raffinato e innamorato della regina, e qui doppiogiochista e viscido (la peggiore interpretazione di Orlando Bloom), e ovviamente la bellissima Milady de Winter (Milla Jovovich), che conserva il suo classico fascino romanzesco, ma che aggiunge un po’ di gadget e qualche acrobazia ai veleni e agli stiletti nascosti sotto gli abiti. Il volto del giovane D’Artagnan è quello di Logan Lerman, già Pearcy Jackson, che per sfrontatezza rappresenta un ottimo protagonista, a parte il fatto che è troppo carino per essere un Guascone vero!

I tre moschettieri si snoda tra gag divertenti, comportamenti irriverenti e parentesi davvero assurde, su tutte la scena dei galeoni volanti, degni del più sfrenato fan di Pirati dei Caraibi, e una sceneggiatura altalenante, che accosta momenti di imbarazzo a sequenze efficaci e divertenti. Tutto il racconto ricalca a grandi linee il racconto originale, prendendosi licenze e munendo quasi tutti i personaggi di una caratteristica originale, come il fashion – victimism del re, o la passione di Milady per gli uomini di potere e le armi di ogni genere. Quello che però davvero convince del film è la regia, Paul Anderson, con l’aiuto di un buon 3D, ci conduce con grande energia nel mondo dei moschettieri, svelandone punti di vista e angolazioni mai viste prima.

Con una solida prospettiva riesce a seguire ogni scambio di spada o fioretto con ordine, non tralasciando mai la componente comica e la caratteristica sbruffoneria che contraddistingue i personaggi tanto amati di Dumas. Una colonna sonora che ricorda molto altre famose tracce sentite più o meno di recente al cinema (quella di Sherlock Holmes su tutte) da il giusto ritmo all’azione.

Nader e sua moglie Simin hanno ottenuto il permesso di espatrio per loro e la loro figlia undicenne ma Nader non vuole partire. L’uomo sente il dovere di rimanere accanto a suo padre, nonostante la sua malattia, l’Alzheimer, gli impedisca di riconoscerlo. La moglie allora decide di andare via di casa, tornando dai genitori e Nader è costretto ad assumere una donna per badare al padre. La donna, che è incinta, lavora all’insaputa del marito. Un giorno litiga con Nader, perchè si è assentata dal lavoro senza permesso lasciando l’anziano legato al letto. A seguito di una discussione la donna cade dalle scale e perde il bambino.

Con una straordinaria semplicità Asghar Farhadi conferma le sue doti di narratore dopo About Elly, e con Una separazione descrive con discrezione e ritmo lento e cadenzato l’introdursi della confusione nelle vite più normali. La differenza di classe, la fede cieca nella religione, la convinzione dei legami e allo stesso tempo dei limiti che un posto ci impone, costriuscono un quadro perfetto, bilanciato da una macchina discreta ma investigativa e da un dialogo serrato, soprattutto nella seconda parte, che coinvolge lo spettatore tenendolo ancorato alla narrazione.

Il film, vincitore dell’Orso d’Oro a Berlino e dell’Orso d’Argento per la migliroe performance maschile e femminile, mostra con didascalica semplicità ma con estrema franchezza la differenza sociale, la percezione del mondo attraverso la fede e l’impossibilità completa di un occhio occidentale di comprendere le dinamiche intime che muovono i personaggi verso una direzione piuttosto che un’altra.

Un finale che sembra quas disturbare lo spettatore irrompe proprio quandoquest’ultimo avrebbe voluto sapere di più, capire come sarebbe finita e saziare quella fame che Farhadi con tanta sapienza è riuscito a stimolare.

Cowboys & Aliens è il film di genere azione, fantascienza, western del 2011, diretto da Jon Favreau, con Daniel Craig e Olivia Wilde.

Nel film uno straniero senza passato si imbatte nella remota città di Absolution, nel bel mezzo del deserto. Unico accenno alla sua storia è una misteriosa sorta di manetta intorno a un polso. L’uomo scopre in fretta che la gente di Absolution non è propensa a dare il benvenuto agli stranieri e che nessuno fa una mossa per le strade della città, a meno che l’ordine non arrivi da parte del colonnello Dolarhyde. La città vive sotto il suo pugno di ferro, nella paura. Ma Absolution sta per sperimentare un terrore ben peggiore quando viene attaccata dai predoni del cielo.

Cowboys & Aliens è senza dubbio uno dei titoli più attesi di questa prima parte di stagione cinematografica, fatto dovuto anche alla complicatissima vicenda produttiva. Non a casa il film vede coinvolti ben due major oltre alla DreamWords di Steven Spielberg, la Immagine di Ron Haward e Brian Grazer. Finalmente il film fra pochi giorni riempirà gli schermi dei cinema italiani, e tutto sommato riesce ad acciuffare un’ampia sufficienza.

Cowboys & Aliens, il film

La pellicola diretta da Jon Favreau, uno che certo non splende in ambito registico, si affida con intelligenza ad una narrazione che riprende molti degli stilemi classici di un certo cinema western d’altri tempi, che risultano essere sempre efficaci e interessanti. Non a caso i momenti migliori del film sono le dinamiche

legate al puro western dove c’è un Daniel Graig, con sguardo di ghiaccio, che è alle prese con i suoi problemi legati ad un passato che non ricorda. Mentre i momenti meno interessanti sono proprio quelli legati al tema degli alieni. Il motivo è abbastanza semplice, in questo caso nè gli effetti nè gli exstraterrestri riescono a suscitare interesse come al contrario fanno i personaggi a cavallo.

Forse anche la poca originalità del testo ha imposto un po’ di limiti al film. Il tutto è imballato in una sceneggiatura funzionale che regge abbastanza ma non riesce nel miracolo. Al contrario invece, il cast è il lato più interessante con caratteristi come Sam Rockwell, Clancy Brown, Keith Carradine, Paul Dano, impreziosito dalla presenza di un veterano come Harrison Ford, e un’attrice sempre più in ascesa, Olivia Wilde.

Cowboys & Aliens pur essendo una pellicola ben confezionata presenta diversi limiti, su tutti la regia di Favreau, incapace di dare un vero ritmo incalzante al film, che resta di certo sotto le aspettative.

Non pensavo di poter rimanere deluso un giorno da un film dello Studio Ghibli ma il nuovissimo Arrietty – Il mondo segreto sotto il pavimento ha centrato pienamente questo terribile bersaglio. Ero colmo di aspettative dopo Ponyo, storia che mi era piaciuta ma forse troppo indirizzata ad un pubblico infantile per i miei gusti e visto che il trailer di Arrietty – Il mondo segreto sotto il pavimento mi aveva non poco intrigato credevo che la risalita fosse quasi scontata.

Niente di tutto ciò, anzi si tratta di un tonfo quasi inspiegabile e sicuramente del peggior film di sempre dello studio Ghibli. La storia è stata scritta da Hayao Miyazaki prendendo spunto dal racconto “The Borrowers” di Mary Norton e la regia affidata a Hiromasa Yonebayashi, giovane animatore trentenne alla sua prima esperienza da regista. La trama ci racconta le vicende di piccoli omini chiamati Borrowers, in italiano “Rubacchiotti”, esserini in tutto e per tutto uguali agli umani tranne l’altezza visto che stanno tranquillamente in un palmo di mano. Seguiamo quindi le vicende di una famigliola di rubacchiotti che vive nelle fondamenta di una casa di campagna in Giappone formata da una ragazzina quattordicenne chiamata Arrietty ed i suoi due genitori.

Arrietty – Il mondo segreto sotto il pavimento, il film

La loro particolarità è quella di vivere rubacchiando tutto quello che per un umano sarebbe difficile scoprire: una zolletta di zucchero, un biscotto, e così via ma comunque non facendosi mancare elettricità e gas attaccandosi ai cavi della famiglia umana piccoli elettrodomestici e mobili costruiti da loro stessi. La loro paura maggiore  è quella di farsi  scoprire dagli esseri umani, altrimenti i Rubacchiotti dovrebbe necessariamente cercare un’altra abitazione per paura di essere uccisi.

La loro vita scorre tranquilla tra un furto e un altro quando un giorno nell’abitazione arriva un nuovo essere umano: Sho, un ragazzo dodicenne malato di cuore che presto dovrà operarsi e vuole trascorrere qualche giorno di riposo in campagna prima del difficile evento. Sfortunatamente Arrietty viene vista e nonostante la ritrosia di lei alla fine diventano amici, Sho aiuterà lei e la sua famiglia a scappare da Haru, la cameriera dell’abitazione che cercherà di catturare la famigliola di Rubacchiotti una volta che li scoprirà nascosti sotto la camera del ragazzo. Faccio partire la mia analisi dall’unico punto a favore di Arrietty – Il mondo segreto sotto il pavimento, la musica: la canzone principale interpretata da Cecile Corbel è una splendida ballata folk molto toccante che dona alle scene in cui è presente un certo grado di sentimento; la colonna sonora in generale è ben fatta anche se non spicca come la canzone sopracitata ed è formata da brevi intermezzi sempre di matrice folk ma sempre piacevoli.

Per quanto riguarda ciò che non va inizio dalla storia: mai sceneggiatura così scevra di ritmo si era vista in un’opera dello studio ghibli, la cosa con più brio da vedere sono i Rubacchiotti che interagiscono con oggetti più grandi di loro: biscotti, zollette di zucchero, loro che si lanciano con la fune da comodini, cose così insomma e se per aspettare un po’ di divertimento devo vedere un corvo che si schianta contro una finestra allora la situazione non è delle più rosee. Le somiglianze maggiori sono con Totoro, indubbiamente segue uno sviluppo simile, solo che stavolta la storia la osserviamo attraverso gli occhi dell’essere soprannaturale.

I personaggi sono poco caratterizzati da punto di vista caratteriale, graficamente invece i colori sono bellissimi e vari e gli ambienti curati bene; la migliore è la protagonista Arrietty, si sente sola e vorrebbe conoscere qualche ragazzo della sua specie, per questo sente una certa attrazione e curiosità per l’umano Sho, una volta però che viene a conoscenza di un suo simile della sua età, il selvaggio e taciturno Shiller, quasi automaticamente se ne invaghisce solo perché è della sua stessa specie (anche perché non ha modo di conoscerlo approfonditamente). Questa è una delle lacune che indebolisce la pellicola e la rende sterile e lontanissima dalla profondità di una Principessa Mononoke o La città Incantata. Aldilà della protagonista, gli altri personaggi sono privi di nerbo, il padre di Arrietty ad esempio sembra non provare alcuna emozione, freddissimo anche quando la sua famiglia è in pericolo, ok farlo sembrare un uomo sicuro di sé e forgiato dalle difficoltà del tempo, ma così è esagerato.

Se la storia offre molto poco dal punto di vista drammatico con un finale telefonatissimo, men che meno offre qualche risata ma solo qualche sorriso abbozzato; non c’è nessuna situazione che offra un momento divertente, nei film passati questo tipo di momenti si sprecavano, come non ricordare la scena capolavoro della fermata del bus con Totoro ad esempio? Purtroppo non c’è la magia di Hayao Miyazaki, si sente tantissimo la mancanza della sua regia, allo studio ghibli dovranno lavorare parecchio per trovare un suo erede se vogliono mantenere una certa qualità nelle pellicole future. Mi dispiace richiamare spesso i vecchi lavori, ma visto che lo studio ghibli ci ha messo la faccia in questa nuova pellicola se ne deve prendere anche il peso del confronto col passato.

Quindi cosa resta alla fine all’ignaro spettatore? Una messaggio di rispetto per le specie vicine all’estinzione e un intelligente uso delle risorse che abbiamo a disposizione e poco altro; una storiella poco profonda che sembra essere stata scritta in fretta da Miyazaki forse impegnato anche in qualche altro progetto più ambizioso; in effetti nel 2011 è previsto l’adattamento di Taketori Monogatari, racconto popolare giapponese del decimo secolo che spero tenga fede al nome altisonante dello studio Ghibli, su Arrietty – Il mondo segreto sotto il pavimento è invece il caso di stendere un velo pietoso perché più ne scrivo e più mi intristisco.

In I Want to Be a Soldier Alex è un ragazzino con le idee molto chiare. La sua camera e i suoi pensieri sono invasi dal desiderio e dalla convinzione di voler diventare da grande un astronauta, e anche il capitano Harry, suo amico immaginario che di professione fa l’astronauta, lo incoraggia in questa direzione. I genitori di Alex non si curano troppo di lui, impegnati come sono nella gestione della casa e di una gravidanza che sembra metterli in difficoltà. Alex dal canto suo continua a pensare ad Alpha Centauri, e al futuro luminoso che lo attende. L’arrivo a casa dei due gemelli sconvolgerà questo fittizio equilibrio. Il bambino si sentirà messo da parte e il padre, per mitigare il disagio del figlio, gli metterà il camera una tv. Alex, bombardato dalle immagini di violenza e di guerra che inondano qualsiasi canale, metterà da parte il suo sogno e comincerà ad accarezzare l’idea di diventare un soldato. Il suo stesso amico, il capitano Harry, si trasformerà in un caporale che lo istiga alla violenza. I genitori, incapaci di gestire questo cambiamento, asseconderanno il figlio, fino al triste epilogo.

I Want to Be a Soldier è stato presentato lo scorso anno al Festival del Film di Roma, vincendo il premio Marco Aurelio per la categoria Alice nella città, sezione che riserva sempre piacevoli sorprese. I Want to Be a Soldier appare da subito molto complesso, perché affronta diversi argomenti scottanti, su tutti la cattiva influenza che la tv e la violenza che essa trasmette hanno sui più giovani. In secondo piano nel film si parla anche dell’inadeguatezza di alcuni genitori ad affrontare da soli i malesseri dei figli, ma anche del ruolo fondamentale di aiuto che ha la scuola.

Nel caso in questione la scuola è molto più presente della famiglia, a livello di interesse per i bambini, ma come I Want to Be a Soldier stesso spiega, forse con toppa crudeltà, la scuola non basta, e la famiglia deve prendersi le sue responsabilità. Proprio questo aspetto è un po’ passato sotto silenzio da Christian Molina, regista che dimostra un buon talento nel raccontare, ma soprattutto nel creare atmosfere, avvalendosi di una fotografia contrastata e di un ottimo insieme di attori. A partire dal piccolo Fergus Riordan che con efficacia mostra i turbamenti e anche la violenza pura, quella ingenua e senza remore di un bambino, fino ai grandi Danny Glover e Robert Englund, I Want to Be a Soldier, anche se con qualche lacuna, si presenta come un affresco nudo e crudo di uno spaccato di vita, mostrando le estreme conseguenze di scelte e azioni che troppo spesso vengono sottovalutate. In una piccola parte figura anche Valeria Marini, che del film è stata uno dei produttori.