La recensione del film d’animazione La Principessa Mononoke del maestro dell’animazione giapponese Hayao Miyazaki.

Sinossi: Il giovane Ashitaka, principe Emishi, per difendere il proprio popolo da un demone-cinghiale di nome Nago comparso sul suo territorio, lo affronta e lo uccide, uscendo tuttavia ferito dal combattimento. La ferita del demone abbatte sul principe una maledizione che lo condanna a morte certa, e così Ashitaka decide di abbandonare il villaggio per la salvaguardia dei suoi cittadini e per scoprire le origini del demone. Durante il viaggio, Ashitaka incontra San, una ragazza cresciuta con i lupi e chiamata La Principessa Mononoke. Il principe scoprirà molto presto che l’intera foresta in cui San vive con i lupi, con le scimmie e con il bellissimo Dio della Foresta è in lotta da tempo con la Città del Ferro e con la sua padrona Eboshi, colpevoli di perpetrare lo sfruttamento di alberi e di materie prime, indebolendo in questo modo la foresta stessa.

Ashitaka scoprirà anche che il demone Nago, da lui ucciso, era un Dio tramutato in demone dalla ferita di un proiettile, sparato proprio da Eboshi. La Città del Ferro, alleatasi con gli emissari imperiali, si prepara ad abbattere per sempre il popolo della foresta, tentando di ucciderne il Dio. Ashitaka si troverà coinvolto nella guerra, sperando di riuscire a mediare le varie posizioni e schierandosi infine al fianco di San, di cui si è innamorato. Un altro capolavoro di Miyazaki, rovinato – in parte – dal doppiaggio italiano.

Analisi: Ogni opera di Miyazaki andrebbe vista con la dovuta preparazione: bisogna prepararsi prima di immergersi in un mondo che ha poco a che fare con le nostre idee di ‘cartone animato’ e di ‘favola’, ma che non può fare a meno di coinvolgerci e trascinarci con sé. ‘Mononoke-hime’ debutta in Giappone il 12 luglio 1997 ed è  immediatamente un successo di pubblico, al punto da essere trasmesso e ri-trasmesso nelle sale cinematografiche e da essere tuttora il secondo film più visto di sempre in terra nipponica (dopo ‘Titanic’). Nel 1998 venne scelto come film rappresentante del Giappone per la candidatura all’Oscar per il miglior film straniero, senza arrivare tuttavia alla fase finale. Nonostante il grande consenso ottenuto dal film in Giappone, in Italia La Principessa Mononoke arriva solo il 19 maggio 2000, grazie alla distribuzione della Buena Vista Pictures (come è possibile immaginare, il film fu comunque distribuito in pochissime sale). Non c’è dubbio che gli amanti del genere e di Miyazaki si siano precipitati a vederlo; il più grande rimpianto sta nel non riuscire a fare arrivare questi capolavori al grande pubblico.

La Principessa Mononoke: recensione del film

La storia de La Principessa Mononoke è ambientata nel periodo Muromachi (1392-1573), un’era considerata rinomatamente di transizione verso i primi bagliori dell’epoca moderna. Umani e dei al tempo coesistevano, insieme ai demoni, ma il periodo era caotico e confuso, privo di punti di riferimento. Miyazaki sceglie l’epoca Muromachi proprio con l’intento di creare un’atmosfera simile a quella che si respirava nel 1997, il tramonto del ventunesimo secolo, un’altra fase di transizione, anche se in altri luoghi e in altri tempi. Eppure le tematiche affrontate – quelle care al regista giapponese – sono più che mai attuali: la distruzione della natura ad opera di popoli ambiziosi, egoisti e senza scrupoli; le guerre, difficilmente utili, che popolano l’intero pianeta; l’amicizia e l’amore. La morale, in fondo, è facile da capire: l’uomo e la natura dovrebbero serenamente coesistere e bisognerebbe imparare a costruire, più che precipitarsi a distruggere. Ma c’è di più: se il mondo va a rotoli, non è detto che non esista una ragione per viverci ugualmente. Ashitaka era un condannato a morte, spinto solo dall’amore per il suo popolo e da una vana speranza di guarigione, eppure rinasce grazie a San. La voglia di proteggerla e di liberarla, nello stesso tempo, dalla condanna di una vita infelice (né donna né lupo, come spiega bene Moro) lo rendono un uomo se possibile più coraggioso, più valoroso e più assennato. Come direbbe il principe Emishi, “vedere cosa accade con occhi non velati dall’odio” ti dà una visione del tutto diversa delle azioni che si compiono. Eboshi, l’arrogante padrona della Città di Ferro, non riesce a liberarsi dalla sua avidità, nemmeno alla fine, come il doppiaggio italiano ci fa erroneamente dedurre. E su questo bisogna inevitabilmente puntare il dito contro la distribuzione italiana, che spesso pensando di far bene commette solo un terribile danno che colpisce tanto il regista quanto lo spettatore. Quando Eboshi dichiara “Oggi ho capito che la foresta è sacra e nessuno ha il diritto di profanarla”, in realtà nella versione giapponese esclamava un ben meno ‘pentito’ “Io ci rinuncio, non posso vincere contro gli stupidi”. Il finale lascia la porta aperta all’immaginazione o, se si vuole essere più precisi, ad un futuro inesplorato. Miyazaki sottolinea che la natura umana non è perfetta, che spesso l’amore incontra difficoltà insormontabili e spesso non ci si pente del male commesso, anche se ha portato solo distruzione. In fin dei conti, però, si va avanti lo stesso, senza un lieto-fine eclatante, ma con piccoli spiragli di luce. A dimostrazione che il mondo si sposta a passi infinitesimali e all’uomo basta poco per vivere il tempo che ha a disposizione il più felicemente possibile.

Siamo in Giappone, nel cosiddetto periodo “Muromachi” (1392-1573). Il giovane e coraggioso Ashitaka si scontra con un cinghiale posseduto da un Dio malefico e si impregna della sua maledizione, che dovrebbe portarlo alla morte in breve tempo. Partirà allora verso l’Ovest per tentare di neutralizzare il suo effetto. Si imbatterà in una guerra tra un piccolo villaggio “tecnologico” e un bosco incontaminato, dove vive il Dio-Bestia, creatura che regna su ogni cosa esistente.

Uscito originariamente nel 2000 in Italia, La Principessa Mononoke torna in una versione ridoppiata (8-15 maggio) grazie a Lucky Red. Come del resto tutte le pellicole di Hayao Miyazaki, non è un semplice cartone animato, ma dietro alla perfezione del comparto visivo, qui realizzato sia in computer grafica che a mano, si palesa una storia che mette sul piatto moltissimi temi e altrettante riflessioni: l’eterno scontro tra uomini e Dei, il progresso tecnologico contrapposto alla natura incontaminata, il ruolo degli uomini e delle donne, l’ignoranza (con significato di non-conoscenza) e più in generale il senso della bellezza del mondo, della vita. Temi che potrebbero essere raccontati in decine di modi diversi, ma Miyazaki sceglie la via che gli è familiare, dove lascia trasparire la passione per la natura, per la vita a contatto con gli animali, in una raffigurazione incantevole dello spazio aperto.

Non è affatto un film consolatorio, che cerca a tutti i costi un lieto fine. Lo stesso Miyazaki dirà che “non ci può essere un lieto fine tra gli Dei della foresta e gli uomini”. Ma prova comunque a cercare una soluzione e prima di arrivarci mostra storie di vendetta, violenza, ma anche umanità e pietà. Insomma, un’ampia rosa di sentimenti umani. L’intreccio narrativo non è per niente semplice, così come i suoi personaggi, che vanno oltre il concetto di buono e cattivo, perché ognuno ha delle ragioni ben precise su quello che fa e dal canto suo, si trova dalla parte giusta. La figura del protagonista si discosta da questa ambiguità e simboleggia invece una purezza d’animo e di giustizia, che è presente sin da subito e, nonostante il viaggio affrontato, non subisce scossoni, ma anzi consolida la sua forte umanità. Parallelamente, la principessa Mononoke, che vive in simbiosi con il mondo animale e degli Dei, compie un percorso molto più profondo, che non la porta a cambiare opinione sul mondo umano, ma ad entrarvi in contatto in un modo che non aveva mai assaporato.

La Principessa Mononoke è Miyazaki in tutto il suo splendore. Sorretto da una storia complessa che può essere letta a più livelli, il film è la bellezza delle immagini e l’amore che il regista giapponese nutre per la Natura, nel senso più generico del termine. Lo spettatore ne viene travolto e incantato. Bellissimo.

La recensione del film d’animazione La principessa e il ranocchio diretto da Ron Clements e John Musker prodotto da Walt Disney Pixar.

Nella New Orleans degli anni 20’ la giovane Tiana lavora duramente per realizzare il sogno di suo padre :aprire un ristorante tutto suo. Non sembra esserci tempo per il matrimonio quando alla festa in maschera della sua ricca amica Charlotte i proprietari del locale si dichiarano non più disposti a vendere; finché , sul balcone con gli occhi al cielo in attesa di un miracolo , Tiana non viene spaventata da uno strano ranocchio : dice di essere il principe Naveen e di avere bisogno del bacio di una principessa …

Regia: Ron Clements, John Musker

Anno: 2009

Con le voci di: Anika Noni Rose/Domitilla D’Amico/Karima Ammar: principessa Tiana; Keith David/Luca Ward: Dottor Facilier; Jim Cummings/Luca Laurenti: Ray; Bruno Campos/Francesco Pezzulli: principe Naveen.

Trama del film La principessa e il ranocchio: Nella New Orleans degli anni 20’ la giovane Tiana lavora duramente per realizzare il sogno di suo padre: aprire un ristorante tutto suo. Non sembra esserci tempo per il matrimonio quando alla festa in maschera della sua ricca amica Charlotte i proprietari del locale si dichiarano non più disposti a vendere; finché, sul balcone con gli occhi al cielo in attesa di un miracolo, Tiana non viene spaventata da uno strano ranocchio: dice di essere il principe Naveen e di avere bisogno del bacio di una principessa …

Analisi: Col dominio incontrastato della CGI  e l’estenuante ricerca di perfezione e profondità tridimensionale è davvero ammirevole il tentativo della Walt Disney Pictures di ritrovare sé stessa (dopo anni di oscurantismo e smarrimento ) a mezzo delle vecchie tecniche d’animazione che hanno accompagnato la nostra infanzia e che ancora ci fanno sognare  ,attraverso una storia di estrema classicità (forse anche troppa): La principessa e il ranocchio è in tutto e per tutto un film Disney secondo il canone tradizionale (curiosamente voluto con insistenza proprio da John “MR Pixar “ Lasseter), che non solo si basa sul più noto e immortale fra i topoi fiabeschi (il principe ranocchio che per tornare normale ha bisogno di un bacio della sua amata ) ma si caratterizza per un gusto volutamente patinato e retrò al punto tale che probabilmente se il film fosse uscito dieci anni fa ben poco sarebbe cambiato. 

Anche se abilmente nascoste, comunque delle novità ci sono e parecchio interessanti, soprattutto nell’ambientazione: dopo tanti regni immaginari e luoghi perduti nel tempo e nello spazio  i riflettori sono tutti per lei, una luminosa New Orleans, la città dove tutti quanti voglion fare il jazz, terra del banjou e di  riti vodoo da brivido; impossibile non riconoscere negli sfavillanti colori del carnevale e nelle inquietanti atmosfere del cimitero Lafayette una dichiarazione d’amore smisurata, insieme a una lacrima di nostalgia, per una città crocevia di culture uscita distrutta dal terribile uragano Katrina e improvvisamente rinata, lì davanti a noi al massimo del suo fascino magnetico.

La principessa e il ranocchio, personaggi di una favola Disney

Moderna è anche l’indole della bella Tiana , principessa di cuore e non di titolo che invece di pensare al matrimonio come le tante sue colleghe lavora notte e giorno per potersi permettere il ristorante dei suoi sogni  e che , perfettamente in sintonia con l’era Obama, è per la prima volta (ed era ora )una giovane afroamericana; simpaticamente scanzonato e spendaccione  invece il tanto agognato principe Naveen , assai poco avvezzo al risparmio e alle responsabilità che proprio per cercare facile ricchezza finirà nella trappola del villain.

Ben più stellari sono però i personaggi di contorno:  la lucciola sdentata Ray ,visibilmente modellata sul grande Louis Armstrong e innamorata della  stella Evangeline, la simpaticissima amica Charlotte La Bouff, ossessionata dalla ricerca del suo principe azzurro e disposta a qualsiasi sacrificio (chissà se riuscirà a sposare il fratellino seienne del principe una volta diventato adulto…), il Dottor Facilier , che nel “facilitare” la vita delle sue vittime accumula un debito che può essere saldato soltanto a prezzo della propria anima e il suo alter ego positivo Mama Odi , arzilla vecchietta ultracentenaria simile a una santona nell’aspetto e alla fata turchina nelle movenze.

Impeccabili i disegni e l’uso dei colori , le pennellate arcobaleno degli incantesimi vodoo e gli azzurri della palude e del cielo stellato che si sposano perfettamente con l’atmosfera carnevalesca e multietnica della mitica città a mezza luna, da gustarsi  finalmente senza odiosi occhialini inutili ma pronti  egualmente ad entrare nell’immaginario dei bambini di oggi che ormai quasi rischiano di disconoscere il mondo in 2D.

E’ un peccato allora che nonostante le interessanti premesse e la suggestiva opportunità di dialogare con un passato che definire glorioso nel genere è dire poco, nel tentativo di mixare al meglio la dimensione umana del cartoon con quella “animale” (da sempre grande cavallo di battaglia della Disney )  la pellicola di Ron Clements e John Musker ( registi dei bellissimi “Aladdin “e la “Sirenetta”) si smarrisce a metà strada : dal momento in cui i protagonisti vendono trasformati in ranocchi il film inizia inesorabilmente ad annoiare, non riuscendo più a emozionare neppure al momento del necessario happy ending , salvando dal generale senso di stanchezza solo pochissimi momenti (la ballata delle lucciole sul banjou e la poetica riunione di Ray alla sua Evangeline).

Nella favola La principessa e il ranocchio le citazioni dal passato Disneyano e non non si fanno certo mancare: Facilier  ricorda l’Ade di Hercules, il ranocchio Naveen sembra il fratello gemello di Jean Bob ne “l’incantesimo del lago” e il servo Lawrence è praticamente fotocopiato dal Nathaniel di “come ‘incanto”,  eppure la giusta dimensione evocativa  non viene aiutata dalla colonna sonora di Randy Newman: pur in sintonia con le atmosfere jazz degli anni ’20 , i motivi musicali si scoprono totalmente non orecchiabili (è incredibile come tutti i pezzi della colonna sonora scivolino via senza lasciare traccia quando in passato bastava un solo ascolto perché restassero impresse).

Nessuno mette in dubbio che sia un prodotto molto carino e deliziosamente fuori tempo e che bisognerebbe cercare di investire di più nel candore e nella semplicità del disegno a mano, ma per costruire una buona difesa contro l’avanzata del digitale bisognerebbe cercare di osare di più senza aver paura di scontentare gli “storici” né di essere mal giudicati da chi è cresciuto ( a volte davvero male ) a pane e pixel. Per dirla come la saggia mamma Odi: avremo anche avuto quello che volevamo, ma abbiamo davvero avuto ciò di cui avevamo bisogno?

La primavera della mia vita – “La vita è un susseguirsi di Gesù, tasse, rapporti deludenti. E poi muori.”

Metti per caso un road movie in Sicilia dove tra folklore ed estetica alla Wes Anderson si colloca La primavera della mia vita. Il film con Colapesce Dimartino, reduci dal successo di Sanremo 2023 con la vittoria del premio Sala Stampa Lucio Dalla e il premio della critica Mia Martini con “Splash” – che compone anche la colonna sonora di questo film. Il duo canoro si è occupato anche dell sceneggiatura del film aiutato da Zavvo Nicolosi, regista alla sua opera prima. Un sorprendente road movie con molti inattesi special guest musicali: Madame, Roberto Vecchioni, Brunori Sas, ErlandØye e La Comitiva. Nel cast Stefania Rocca, la loro eccentrica agente, Corrado Fortuna, il meccanico con un’imprevedibile passione per i Doors, Demetra Bellina, la misteriosa Sofia, accompagneranno i due protagonisti in un viaggio surreale e poetico. Il film sarà distribuito in sala dal 20 al 23 febbraio per Vision Distribution.

La primavera della mia vita, la recensione

Quello che fanno Colapesce Dimartino alle parole è un regalo a tutto il pubblico. Prima con le loro canzoni portando sul palco tematiche complesse unendo una vibe dance anni ’70 e adesso con La primavera della mia vita. Il film di Zavvo Nicolosi – che dirige i videoclip del duo ma si trova alla prima volta dietro la macchina da presa di un film – si riconcilia molto con la natura in tutte le sue sfaccettature. In particolare, la natura nel film è centrale per raggiungere la riconciliazione interiore con noi stessi e con le persone a noi care. Colapesce Dimartino interpretano una versione più amplificata di loro stessi, Lorenzo e Antonio, in un road trip per la Sicilia mostrano le meraviglie del territorio grazie a delle inquadrature fisse e movimenti di macchina ridotti a zero.

La primavera della mia vita è la rappresentazione di una rinascita che si articola su tre livelli: la rinascita di Antonio e Lorenzo come singoli ma anche della loro ritrovata amicizia. I due, infatti, anche nel film sono amici che hanno iniziato la loro carriera canora insieme e a causa di visioni artistiche differenti litigano e si separano per tre anni. In questo periodo non hanno mai interagito: Lorenzo ha intrapreso una carriera a Milano, il classico siciliano che va al nord per trovare lavoro, Antonio ha subito un grave incidente ed ha trovato nell’Ordine dei Semeniti il ricongiungimento con se stesso. Il successo, infatti, è stata proprio la causa della rottura tra i due amici così diversi: uno intraprendente e l’altro dall’animo taciturno.

La vita è un paradiso di bugie

Antonio ha una missione da compiere per conto dell’Ordine dei Semeniti per farlo ha bisogno della persona a cui vuole più bene: Lorenzo. Una bugia è il motore scatenante del film perché Lorenzo scoprirà la verità solo alla fine del viaggio. In La primavera della mia vita siamo, infatti, messi di fronte all’ultimo viaggio di Lorenzo e Antonio come amici e come individui. Nel corso del film i due dovranno affrontare una serie di prove per ricongiungersi e trovare la pace: la Grotta dei Giganti, l’Isola Cornuta e le pendici dell’Etna sono le tre tappe risolutorie della narrazione. Lo spettatore, invece, ammira estasiato le bellezze di questa Sicilia arida sotto il sole di un’estate che sembra non finire mai. Non mancano il folklore e i detti popolari, qualche tocco di denuncia a quei luoghi comuni con cui si narra il territorio siciliano da secoli.

In un ristorante dal nome L’Astice fuggente la narrazione dedica la denuncia maggiore rispetto a questo tipo di narrazione. Infatti, durante il pranzo Lorenzo e Antonio assistono a una rapina per poi scoprire che in realtà è una messa in scena della proprietaria del ristorante, una nobildonna tedesca che ha acquistato il locale e fa vivere ai suoi commensali “una esperienza tipica Siciliana” grazie alla compagnia “Speedy Pizzo”. I due personaggi, in questa scena, così come in altre lasciano che sia il silenzio a parlare per loro, subendo passivamente queste scene senza commentare. Colapesce Dimartino sono molto bravi a far parlare i luoghi comuni pur non facendone la parte centrale del film. Poche volte la Sicilia ha subito una narrazione così diversa da quella stereotipata legata alla mafia.

Tagliare i rami secchi

Prima che arrivi la primavera è necessario fare un lavoro accurato per far crescere i rami dei nostri alberi più robusti. Ciò consente alla pianta di prendere vita e di progredire in una strada diversa rispetto a quella intrapresa. Così l’espressione metaforica di tagliare i rami secchi diventa il centro de La primavera della mia vita. Antonio ha voluto Lorenzo come Testimone di questo viaggio per aiutarlo a tagliare i rami secchi della sua vita e aiutarsi a sua volta a compiere il sacrificio finale che ci porta alla fine del film. Le tre prove, infatti, sono servite per questo scopo.

La prima, alla Grotta dei Giganti, ha messo alla prova l’amicizia di Lorenzo per Antonio. La seconda prova, invece, è servita a mettere in luce le difficoltà di Lorenzo a trovare stabilità nell’amore. La terza a trovare la risoluzione nel rapporto con il padre che lo ha abbandonato da piccolo. Lorenzo, dunque, taglia i suoi rami secchi grazie ad Antonio che a sua volta ha raggiuto la sua missione. Viene svelato il vero motivo di questo lungo viaggio de La primavera della mia vita: Lorenzo dovrà aiutare Antonio a ricongiungersi con la natura e rinascere l’albero. Secondo l’Ordine dei Semeniti questa era l’ultima prova da superare.

Mandorlo in fiore

La primavera della mia vita diventa una duplice metafora di rinascita. Antonio vive la sua primavera rinascendo come un meraviglio mandorlo in fiore, Lorenzo dal canto suo ha una rinascita interiore. Abbandona le questioni legate alla fama e al successo che hanno consumato in primis il rapporto con Antonio. Grazie al sacrificio di Antonio, finalmente Lorenzo ha scoperto se stesso e – una volta abbandonati i drammi del suo passato – riesce a crearsi una famiglia. Il film con le sue ispirazioni a registi di enorme portata come Wes Anderson e Wim Wenders riesce a portare sul grande schermo un piccolo spaccato di realtà che, in primis, hanno vissuto i due protagonisti. Lo fa in modo gentile e diretto, con ironia e con uno sguardo sempre attento a non cadere nel banale della rappresentazione di una terra schiava dello stereotipo che questa volta rinasce come un mandorlo in fiore.

Per il suo debutto alla regia, La prima volta (di mia figlia),  il comico romano Riccardo Rossi ci narra la vicenda di Alberto (Riccardo Rossi), un medico della mutua meticoloso ed ossessivo quel tanto che basta ad evocare lo spirito di alcuni personaggi di verdoniana memoria. In La prima volta (di mia figlia) Alberto va in crisi leggendo casualmente il diario della figlia quindicenne Bianca (Benedetta Gargari) la quale, sembra essersi posta come obiettivo quello di perdere la verginità a breve.

Così l’uomo mette in piedi una task force composta dai padrini di battesimo della piccola, Marina (Fabrizia Sacchi) e Giovanni (Stefano Fresi), ai quali Alberto chiede di convincere la ragazza a rinunciare per il momento a questo suo proposito. Ma Alberto che programma sempre tutto non ha preventivato l’irruzione della casualità nel suo ben congegnato piano, ovvero la presenza nello stesso locale scelto per la riunione dell’odiata collega Irene (Anna Foglietta), una psicologa anticonformista. Riccardo Rossi, che ha costruito la sua professionalità calcando fin dall’inizio il palcoscenico di teatrini off e cabaret, non rinuncia all’impianto teatrale per il suo primo lungometraggio.

La prima volta (di mia figlia) ha la struttura narrativa di una piece teatrale corale il cui fulcro sono i tic, le manie, l’ossessività e le vicende tragicomiche del personaggio di Alberto. Il mezzo cinematografico permette di intervallare le lunghe sequenze costituite da battute tra il protagonista e le sue spalle (ovvero tutti gli altri personaggi), con flashback che riguardano i ricordi della prima volta rispettivamente di Marina e Giovanni, Irene ed infine lo stesso Alberto. Ad innescare i ricordi, le domande dirette della giovane Bianca che mette a nudo le ipocrisie degli adulti tutti impegnati a “darle una lezione” ma che, di fatto, hanno ancora molto da imparare sull’amore e sul sesso. L’unica al tavolo che si accattiverà la simpatia di Bianca sarà Irene perché in grado di connettersi sulla stessa lunghezza d’onda della ragazza senza giudicare le sue scelte.

Oltre all’uso dei flashback, per spezzare la monotonia di una struttura narrativa troppo incentrata sui dialoghi e sull’unità di luogo e d’azione, Riccardo Rossi sembra sforzarsi di fornire allo spettatore punti di vista differenti tramite la creazione di inquadrature costruite a partire da angolazioni insolite. E’ molto interessante, inoltre, anche se non totalmente originale come idea, la sequenza iniziale in cui il personaggio di Alberto viene presentato rompendo l’unità dell’immagine e frantumando la sua figura in tanti particolari significativi che ci parlano della sua personalità. D’altronde ciò rispecchia la natura stessa della comicità di Riccardo Rossi, una comicità mai volgare o scontata che si sofferma sulle piccole idiosincrasie della vita quotidiana.

Con La Prima Notte del Giudizio, torna al cinema la saga ideata da James Monaco, iniziata nel 2013 con La Notte del Giudizio e proseguita, a cadenza quasi annuale, con La Notte del Giudizio – Anarchia (2014) e con La Notte del Giudizio – Election Year (2016).

Le pellicole hanno incontrato il favore del pubblico e sono entrate nel cuore degli amanti del genere per la buona capacità di associare al genere distopico una certa dose di verosomiglianza, rendendo di fatto certe situazioni quasi credibili, e suscitando interessanti spunti di riflessione all’insegna di una spontanea constatazione: “Potrebbe accadere davvero”. L’idea di base è ormai nota: in un futuro non troppo lontano, per combattere la crescente criminalità, si decide di istituire una sola notte l’anno durante la quale ogni tipo di reato – compreso l’omicidio – è concesso. Questo in nome di un millantato amore verso la propria nazione (gli U.S.A.) e i propri cittadini, chiamati a “purificarsi” (purge) attraverso dodici ore di delitti e anarchia.  Nella prima trilogia, ovviamente, veniva smascherata questa patina di patriottico “altruismo”, rivelando i veri intenti ideologici e fanatici dei Nuovi Padri Fondatori, e soprattutto denunciando il reale intento delle Purghe: decimare la popolazione meno abbiente, fardello di una società elitaria americana che in parte riecheggia quella reale.

La Prima Notte del Giudizio, come da titolo, è un prequel che dovrebbe narrare la nascita di questa paradossale situazione.  Ma la spiegazione di come la dottoressa Updale (Marisa Tomei) ha collegato l’idea della Purificazione ai suoi studi di antropologia sociale è piuttosto nebulosa. L’elemento più intricante – quello dei Nuovi Padri Fondatori – è lasciato inesplorato, ed è un peccato se si pensa che nel secondo capitolo della saga ci erano state rivelate cose interessanti a riguardo.

Il passaggio di testimone della direzione al regista di colore Gerard McMurray, fa della Prima Notte del Giudizio un film pseudo-documentaristico, dove le allusioni a quanto sta avvenendo attualmente negli Stati Uniti sono gridate a gran voce. A partire dal cappellino rosso, simbolo ricorrente in molte scene e persino nella locandina che è una palese allusione alla campagna Trum, dove il berretto rosso recitava “Make America Great Again”, mentre in The Purge 4 – variando di poco – afferma “Make The Purge Great Again”.

Il cast è composto interamente di afroamericani e latini. Il sobborgo di Staten Island diventa una terra di nessuno (chiara allusione al fatto che lo sia realmente, in quanto sede della popolazione più povera dello stato di New York), dove le gang si fanno giustizia da sole quotidianamente. Ma una volta iniziato lo Sfogo le cose per questi reietti della società non sembrano cambiare più di tanto.  Il film preme moltissimo sulla attuale politica ostracizzante di Trump, dove le minoranze etniche e i meno abbienti sono bersaglio facile di fanatici e militari. Allusioni al Ku Klux Klan, al Nazismo e alla “selezione della specie” (non a caso i cattivi veri sono tutti biondi e con gli occhi azzurri) fioccano a profusione, trasformando La Prima Notte del Giudizio in uno strano incrocio tra le opere di Spike Lee e il film premio Oscar Moonlight.

Questo però va a detrimento della godibilità della pellicola stessa, che era nata come fanta-thriller dalle venature horror, mentre in questo caso vuole essere più uno spaccato sociale del ghetto nero newyorkese condito in salsa gore (la violenza è altissima, forse più che nei film precedenti). È evidente che il regista McMurray, da sempre impegnato nelle cause politiche a favore del suo popolo, è troppo votato ad una causa – quella anti Trump – che per quanto giusta e legittima, in una saga come The Purge stona ed eccede.

E non basta riprendere determinati simboli della precedente trilogia (le maschere grottesche, la musica assordante e le riprese sghembe) per far sì che La Prima Notte del Giudizio eguagli in qualche modo il successo dei suoi predecessori, diventando invece un film senza una precisa identità, a metà strada tra il dramma sociale e lo splatter, ma dimenticandosi di dare spiegazioni e approfondimenti importanti.

La Prima Luce di Vincenzo Marra, vincitore del Premio Pasinetti Speciale come miglior Film delle Giornate degli Autori, ci avvicina a una problematica molto attuale: nel pieno della crisi economica e sociale che da anni attanaglia il nostro Paese, anche le relazioni si fanno più complicate, attaccate direttamente dall’interno e dall’esterno. In una società in cui è più facile “restare in contatto”, grazie all’evoluzione tecnologica della comunicazione, è paradossalmente più difficile essere fisicamente e spiritualmente vicini, troppe sono ancora le differenze culturali e forte è il senso di appartenenza alla terra natia.

In La prima luce Marco e Martina provengono da due paesi diversi, con le differenze culturali che ne conseguono. In comune hanno un figlio, una casa, una vita. Entriamo nella loro storia, quando l’amore tra di loro è ormai alla fine, sommerso dalle parole non dette e dalla solitudine che le differenze insormontabili ha creato. Stremata, Martina approfitta dell’assenza momentanea di Marco e decide di tornare in Sud America dalla sua famiglia, portando con sé il figlio Mateo. Per Marco inizia l’inferno fatto di avvocati e leggi difficili e a volte assurde che, quasi sempre, tendono a tutelare le madri, rendendo la vita di un padre molto dura.

È impossibile però non sentire dei problemi di scrittura e di sviluppo dei personaggi: Marco e Martina sfuggono continuamente alla nostra comprensione, come se ci fosse un capitolo del film e della loro vita che non abbiamo visto, la cui assenza non è compensata dai riferimenti necessari per darci un’idea soddisfacente della loro personalità e dei loro trascorsi come coppia. Le loro azioni appaiono sconnesse e ingiustificate, i pilastri su cui hanno basato non solo la relazione, ma tutta la loro vita, sono evanescenti, tanto da rendere una storia così realistica, inverosimile.

I protagonisti, Riccardo Scamarcio e Daniela Ramirez fanno del loro meglio, ma non sono sostenuti dalla struttura solida necessaria a rendere credibili i loro personaggi. Lo spettatore si ritrova così trascinato in un’aula di tribunale in Sud America, dove un padre lotta per suo figlio, difendendosi da accuse di cui non si riesce a capire l’origine.

In uscita nelle sale il 24 settembre, La prima luce è un film che parla di una separazione forzata e straziante, che riesce a toccare la sensibilità di chi guarda, ma solo parzialmente poiché appare sconnesso. Si regge sulle spalle dei due protagonisti (deboli perché così concepiti in fase di scrittura), lasciando abbozzati gli altri personaggi che intervengono nella loro storia (compreso il piccolo Mateo) e i cui dettagli sembrano lasciati alla libera interpretazione dello spettatore.