Alla sua terza prova di regia, Mia Hansen Løve si conferma a soli 31 anni, una delle più promettenti e interessanti registe del cinema francese, e non solo. Come i precedenti Tutto è perdonato (2007) e il Padre dei miei figli (2009), anche Un amore di gioventù nasce dalla stessa sensibilità ed evidenza: “il bisogno di superare un vuoto affettivo”, esistenziale, e di farlo con l’aiuto dell’Arte. Ma la passione e il tormento provati dalla giovane Camille (cui Lola Créton cede il fascino acerbo e fotogenico di un’esordiente) per la fine del suo primo amore, non sono soltanto il frutto di una riflessione autobiografica, ma, come tiene a precisare l’autrice stessa, materiale cinematografico,  che come tale deve essere trattato.

E la Hansen, non c’è che dire, lo fa con grazia e tenerezza. Attraverso uno sguardo semplice, minimale, che segue scrupolosamente i moti d’animo della protagonista, senza mai essere invadente. Quasi come un leale confidente, che a volte indugia sul disagio di chi soffre ma solo perché spera venga presto superato.

Ma tra il punto di rottura e la “rinascita” c’è un tempo interminabile nel mezzo; e qui il meccanismo narrativo un po’ si inceppa nel tentativo di restituirne la pienezza. Risulta quantomeno strano l’improvviso ritorno di fiamma, dopo anni di crescita e cambiamento . Un cambiamento che per Camille si nutre della passione per l’Architettura, e della relazione con il suo insegnante. I luoghi di certo hanno un’anima e lei riesce a comprenderne il linguaggio. Questo l’aiuta a dare una forma sensata, ragionata, a una realtà che fugge; proprio allo stesso modo in cui un buon architetto si sforza di trovare il barlume nell’oscurità della materia. Non è forse un caso che la luce sia un’altra componente integrante del film. Attraversa il paesaggio e si diffonde, fino ad accarezzare il volto di Camille e a raccogliere l’emozione di un’istante: l’istante che l’amore rende eterno.

In Adorabili Amiche Gabrielle (Caroline Cellier), Nelly (Jane Birkin) e Chantal (Catherine Jacob) sono tre donne che hanno ormai superato la cinquantina e che guardano con nostalgia al passato e con amarezza al presente. L’invito al matrimonio di Philippe, play boy che in gioventù (e non solo) aveva catturato l’amore delle protagoniste, le spinge però a mettersi in viaggio verso il luogo della cerimonia e proprio questo mini viaggio sarà la chiave che consentirà loro di riprendere in mano le sorti delle loro vite.

Adorabili Amiche, un road movie alla francese che si ispira, ma restandone molto molto lontano, a Thelma e Louise, prende in carico alcune problematiche comuni delle donne di mezza età, ma ha il pregio e il difetto di bloccarsi sostanzialmente su una: il sesso. Infatti, anche se si può dare atto al regista di avere portato sullo schermo un argomento poco trattato, cioè la vita (o non-vita) sessuale di donne di una certa età, non si può certo apprezzare il modo in cui questo tema viene presentato. Gabrielle, Nelly e Chantal, infatti, si approcciano al sesso in modo quasi caricaturale (chi troppo e chi niente) e il film sembra un inanellarsi di stereotipi e di luoghi comuni.

Ad alcune battute ben riuscite -perché, bisogna dirlo, a tratti è molto divertente- si alternano discorsi triti e ritriti resi ancora più pesanti da un pessimo doppiaggio. Benoît Pétré, regista alla sua prima prova nel lungometraggio, confeziona una commediola, a tratti noiosa, che sembra non arrivare mai al punto e che nel finale tocca l’apice quando mostra il cambiamento radicale nella vita di Chantal: la partecipazione ad un reality show!

Inoltre, la scelta un po’ piatta di affidare ogni idea, sentimento o intenzione quasi unicamente ai dialoghi, fa di Adorabili Amiche un prodotto pericolosamente somigliante ad una soap-opera. Unici elementi positivi, oltre alla recitazione delle tre protagoniste, sono alcune trovate che rendono bene le buone intenzioni del regista, come i titoli di testa nascosti nella scenografia, il pianosequenza dei primi minuti e le mini citazioni di altri film del genere (Thelma e Louise, ma anche La cosa più dolce) rese in chiave ironica e adattate al tono leggero della commedia.

Anche la colonna sonora firmata da Keren Ann non è niente male, ma forse perché, spesso, quando c’è la musica non ci sono dialoghi… Peccato che alle buone intenzioni non sempre corrispondano buoni risultati. Buono per la televisione ma è il tipico filmetto leggero che, probabilmente, non vale la pena di vedere al cinema.

Ci sono occasione nella vita che faremmo meglio a non cogliere. Con questa frase si apre la sinossi ufficiale di Paura 3D, ultimo film dei Manetti Bros in uscita il prossimo 15 giugno in 220 copie distribuito da Medusa.

In Paura 3D Tre ragazzi si trovano per caso in possesso delle chiavi di un villa fuori  Roma, e sapendo che il proprietario, il Marchese Lanzi, resterà fuori città per tutto il fine settimana, ne approfittano, introducendosi in casa sua. Qualcosa però va storto, uno dei ragazzi, Simone, trova qualcosa che non avrebbe dovuto trovare, e contemporaneamente il Marchese torna a casa per un imprevisto, rimanendo molto contrariato dall’intrusione di estranei nella sua villa. Il film di Antonio e Marco Manetti si costruisce sui canoni più classici del genere horror, mantenendo una buona dose di suspence e la giusta dose di schizzi di sangue, senza per questo rinunciare alla tensione psicologica. Proprio questo è il pregio più grande del film, ovvero il suo soffermarsi su scelte e comportamenti apparentemente incomprensibili ma perfettamente inseriti nel pretesto narrativo.

Protagonisti di questo film sono tre giovani sventurati e un po’ stupidotti, che presentano personalità molto diverse anche se sono accomunati dalla condivisa insoddisfazione quotidiana. Ale è Domenico Diele, già visto in ACAB, estroverso trascinatore, intraprendente anche nei momenti di difficoltà. Claudio Di Biagio (Freaks) è Marco, apparentemente più bamboccione rispetto agli altri e che si lascia trascinare dal più deciso Ale, a lui sono affidate alcune battute divertenti del film. Simone invece, interpretato da Lorenzo Pedrotti (Krokodyle), è il ragazzo più introverso, appena mollato dalla ragazza e forse quello emotivamente più fragile. È l’anello di congiunzione tra la normalità e la mostruosità della storia, e Pedrotti riesce a rappresentare bene il momento di passaggio trasformando il suo personaggio da ragazzino abbandonato a salvatore risoluto.

Nei panni del cattivo abbiamo un inedito Peppe Servillo, che con misura e contegno da vita ad un mostro particolarmente inquietante per lo stridore che si genera tra il suo aspetto e le sue azioni. Francesca Cuttica (L’Arrivo di Wang), è invece la vittima totale, Sabrina, ruolo particolarmente impegnativo non solo per la performance fisica  (la Cuttica resta infatti totalmente nuda per gran parte delle sue scene), ma soprattutto per l’esperienza psicologica che l’attrice ha dovuto affrontare e ricreare per il suo personaggio.

Il 3D proposto dai Manetti, presenta qualche difetto di fruizione, ma è di discreta fattura anche se non rappresenta un mezzo drammaturgico, piuttosto un’aggiunta tecnica alla produzione. Il film pecca però nella messa in scena e nel finale, quando ci si aspetta un’accelerazione drammatica che invece non avviene, lasciando spazio invece ad una sequenza che dilatandosi eccessivamente, perde il giusto ritmo. Il film riesce a coinvolgere lo spettatore soprattutto perché è perfettamente fedele ai cliché di genere, strappando addirittura un timido applauso in uno dei momento clou.

Paura 3D è un buon prodotto di genere che premia la volontà anticonformista e l’esigenza di indipendenza dei suoi due registi.

Raccontare la carriera, la vita e gli affetti del più grande artista nella storia del reggae. Questa l’impresa del regista britannico Kevin Macdonald in Marley, lungo documentario in cui si ripercorrono le tappe che portarono il cantante giamaicano dai timidi esordi al successo internazionale.

Marley, il film

Realizzato con la piena collaborazione della famiglia Marley, che per la prima volta ha autorizzato l’uso dei suoi archivi privati, il film mescola sapientemente sequenze di repertorio ad un’ottima carrellata d’interviste, testimonianze e ricordi di coloro che lo conobbero meglio durante la sua breve vita. Frammenti di un’esistenza scandita da un amore profondo per la musica e dalla devozione verso il Rastafarianesimo, la religione cui Marley si convertì nel ’66.

Tra le voci principali, spicca quella del mentore e amico Neville “Bunny” Livingston, colui che lo iniziò alla musica nel paesino di Nine Mile, dove Robert nacque nel ‘45 da madre nera e padre bianco di origine inglese. Una relazione per l’epoca scandalosa, e che ebbe ripercussioni non indifferenti sull’infanzia di Bob, per il quale l’essere di razza mista comportò una continua emarginazione. Ecco allora che la musica si erge progressivamente a strumento di ricerca dell’idea di fratellanza, di pace – unico mezzo per arrivare ad una nuova spiritualità.

Dopo la fase iniziale con “The Teenagers”, Bob fonderà insieme a Bunny e a Peter Tosh il gruppo “The Wailers”. Le parole di Bunny, occhiali scuri e cappello bombato giamaicano in testa, restituiscono senza fronzoli il decennio che va dal ‘64 al ’73, quando il gruppo si sciolse dopo l’uscita di Tosh e dello stesso Bunny per divergenze artistiche interne.

Ma il talento di Marley continuerà ad esprimersi nell’arco di una fortunata carriera da solista, accanto alla moglie Rita (corista delle “I Three”), inseguendo le maggiori case discografiche (a partire dalla Island Records di Chris Blackwell) e conquistando i palcoscenici inglesi e americani. Per arrivare ad esibirsi nell’amata Africa, chiamato a festeggiare l’indipendenza dello Zimbabwe.

Al discorso di Bunny si affiancano le memorie di Neville Garrick, direttore artistico dei The Wailers che fu vicino a Bob sino alla morte prematura nell’81, le testimonianze dei figli Ziggy e Cedella, le parole mai ascoltate del cugino Peter, che ricorda la sofferenza di Bob di fronte al rifiuto di uno zio bianco. Commovente la sequenza in cui Costance, sorellastra dell’artista, ascolta la canzone “Cornerstone”, scritta da Bob proprio in seguito a quello spiacevole incontro.  E non si può restare indifferenti di fronte alla scena in cui, durante il concerto “Smile Giamaica” del ’73, Bob unisce sul palco le mani del primo ministro Manley e del capo dell’opposizione.

Un personaggio rivoluzionario, che si distinse per la straordinaria capacità di parlare ad un pubblico senza confini, andando oltre barriere linguistiche, religiose e culturali. Quello di McDonald è un ritratto completo che vuole andare oltre la semplice leggenda, quella di Marley divo del reggae, disegnando i contorni dell’uomo che una volta disse: “La mia ricchezza è la vita”.

Dopo una considerevole cavalcata per i Festival di tutto il mondo, arriva anche nelle sale italiane Detachment – Il distacco, ultimo film diretto dall’eclettico regista britannico Tony Kaye, già autore del film cult American History X e del documentario candidato all’oscar Lake of Fire.

Detachment – Il distacco racconta la storia di Henry Barthes, supplente di letteratura al liceo, un uomo solitario che porta dentro di sé un’antica ferita e cerca di tenere gli altri a distanza. Henry entra ed esce dalla vita degli studenti, cercando di lasciare qualche insegnamento come può, nel poco tempo che ha con loro. Quando un nuovo incarico lo porta in una degradata scuola pubblica di periferia, il mondo di Henry viene lentamente alla luce attraverso i suoi incontri con gli studenti – giovani senza speranze per il futuro – e gli altri insegnanti disillusi. Ciò che sconvolge di più la sua vita è, tuttavia, l’incontro con Erica, una prostituta adolescente scappata di casa. Ma anche Meredith – allieva sveglia e molto sensibile, schiacciata dal conflitto con il padre – e gli altri studenti, entrano in modo travolgente nella vita di Herny, rompendo gli argini e azzerando quella distanza tra lui e il mondo.

Diretto con crudo realismo, Detachment – Il distacco è un ritratto non convenzionale e forse unico del sistema di istruzione americano, tema che ultimamente è stato più volte al centro delle attenzioni del cinema americano, tanto da essere lungamente dibattuto sia con opere di fiction che documentaristiche. Questo film non è né l’una nell’altra cosa. E’ un’opera profonda, che cerca di scavare dentro alla natura umana, tentando di trovare un significato al malessere abissale di una scuola che è forse specchio di una società prossima a dover perire come in precedenza è accaduto al sistema scolastico e a valori quali la famiglia. Un nucleo assente che lascia alla deriva i propri frutti come farebbe un coltivatore stanco e depresso con le sue piante.

Detachment – Il distacco, il film

Detachment – Il distacco è pervaso da un senso malinconico che accompagna tutti i personaggi, quasi a non voler dare speranza alle persone che tentano disperatamente di sopravvivere. Neanche l’arte che in genere rappresenta l’ultimo baluardo di speranza, aiuta i protagonisti che sprofondano in una totale assenza e vuoto cosmico. In questo senso è rappresentativa la scena finale della pellicola che richiama apertamente il racconto di Edgar Allen Poe, La caduta della casa degli Usher, guarda caso recitato proprio dal personaggio magistralmente interpretato da Adrien Brody e colmo di drammaticità nella sua performance.

Ancora una volta  Tony Kaye dimostra di saper fotografare con drammatica lucidità le piaghe che affliggono rovinosamente l’America che invece di costruire il proprio futuro su basi solide come l’istruzione e la famiglia, pensa solo ad aspetti economici e politica internazionale, trascurando l’unico frutto per cui valga la pena lottare: i giovani.