Ci sono occasione nella vita che faremmo meglio a non cogliere. Con questa frase si apre la sinossi ufficiale di Paura 3D, ultimo film dei Manetti Bros in uscita il prossimo 15 giugno in 220 copie distribuito da Medusa.

In Paura 3D Tre ragazzi si trovano per caso in possesso delle chiavi di un villa fuori  Roma, e sapendo che il proprietario, il Marchese Lanzi, resterà fuori città per tutto il fine settimana, ne approfittano, introducendosi in casa sua. Qualcosa però va storto, uno dei ragazzi, Simone, trova qualcosa che non avrebbe dovuto trovare, e contemporaneamente il Marchese torna a casa per un imprevisto, rimanendo molto contrariato dall’intrusione di estranei nella sua villa. Il film di Antonio e Marco Manetti si costruisce sui canoni più classici del genere horror, mantenendo una buona dose di suspence e la giusta dose di schizzi di sangue, senza per questo rinunciare alla tensione psicologica. Proprio questo è il pregio più grande del film, ovvero il suo soffermarsi su scelte e comportamenti apparentemente incomprensibili ma perfettamente inseriti nel pretesto narrativo.

Protagonisti di questo film sono tre giovani sventurati e un po’ stupidotti, che presentano personalità molto diverse anche se sono accomunati dalla condivisa insoddisfazione quotidiana. Ale è Domenico Diele, già visto in ACAB, estroverso trascinatore, intraprendente anche nei momenti di difficoltà. Claudio Di Biagio (Freaks) è Marco, apparentemente più bamboccione rispetto agli altri e che si lascia trascinare dal più deciso Ale, a lui sono affidate alcune battute divertenti del film. Simone invece, interpretato da Lorenzo Pedrotti (Krokodyle), è il ragazzo più introverso, appena mollato dalla ragazza e forse quello emotivamente più fragile. È l’anello di congiunzione tra la normalità e la mostruosità della storia, e Pedrotti riesce a rappresentare bene il momento di passaggio trasformando il suo personaggio da ragazzino abbandonato a salvatore risoluto.

Nei panni del cattivo abbiamo un inedito Peppe Servillo, che con misura e contegno da vita ad un mostro particolarmente inquietante per lo stridore che si genera tra il suo aspetto e le sue azioni. Francesca Cuttica (L’Arrivo di Wang), è invece la vittima totale, Sabrina, ruolo particolarmente impegnativo non solo per la performance fisica  (la Cuttica resta infatti totalmente nuda per gran parte delle sue scene), ma soprattutto per l’esperienza psicologica che l’attrice ha dovuto affrontare e ricreare per il suo personaggio.

Il 3D proposto dai Manetti, presenta qualche difetto di fruizione, ma è di discreta fattura anche se non rappresenta un mezzo drammaturgico, piuttosto un’aggiunta tecnica alla produzione. Il film pecca però nella messa in scena e nel finale, quando ci si aspetta un’accelerazione drammatica che invece non avviene, lasciando spazio invece ad una sequenza che dilatandosi eccessivamente, perde il giusto ritmo. Il film riesce a coinvolgere lo spettatore soprattutto perché è perfettamente fedele ai cliché di genere, strappando addirittura un timido applauso in uno dei momento clou.

Paura 3D è un buon prodotto di genere che premia la volontà anticonformista e l’esigenza di indipendenza dei suoi due registi.

Raccontare la carriera, la vita e gli affetti del più grande artista nella storia del reggae. Questa l’impresa del regista britannico Kevin Macdonald in Marley, lungo documentario in cui si ripercorrono le tappe che portarono il cantante giamaicano dai timidi esordi al successo internazionale.

Marley, il film

Realizzato con la piena collaborazione della famiglia Marley, che per la prima volta ha autorizzato l’uso dei suoi archivi privati, il film mescola sapientemente sequenze di repertorio ad un’ottima carrellata d’interviste, testimonianze e ricordi di coloro che lo conobbero meglio durante la sua breve vita. Frammenti di un’esistenza scandita da un amore profondo per la musica e dalla devozione verso il Rastafarianesimo, la religione cui Marley si convertì nel ’66.

Tra le voci principali, spicca quella del mentore e amico Neville “Bunny” Livingston, colui che lo iniziò alla musica nel paesino di Nine Mile, dove Robert nacque nel ‘45 da madre nera e padre bianco di origine inglese. Una relazione per l’epoca scandalosa, e che ebbe ripercussioni non indifferenti sull’infanzia di Bob, per il quale l’essere di razza mista comportò una continua emarginazione. Ecco allora che la musica si erge progressivamente a strumento di ricerca dell’idea di fratellanza, di pace – unico mezzo per arrivare ad una nuova spiritualità.

Dopo la fase iniziale con “The Teenagers”, Bob fonderà insieme a Bunny e a Peter Tosh il gruppo “The Wailers”. Le parole di Bunny, occhiali scuri e cappello bombato giamaicano in testa, restituiscono senza fronzoli il decennio che va dal ‘64 al ’73, quando il gruppo si sciolse dopo l’uscita di Tosh e dello stesso Bunny per divergenze artistiche interne.

Ma il talento di Marley continuerà ad esprimersi nell’arco di una fortunata carriera da solista, accanto alla moglie Rita (corista delle “I Three”), inseguendo le maggiori case discografiche (a partire dalla Island Records di Chris Blackwell) e conquistando i palcoscenici inglesi e americani. Per arrivare ad esibirsi nell’amata Africa, chiamato a festeggiare l’indipendenza dello Zimbabwe.

Al discorso di Bunny si affiancano le memorie di Neville Garrick, direttore artistico dei The Wailers che fu vicino a Bob sino alla morte prematura nell’81, le testimonianze dei figli Ziggy e Cedella, le parole mai ascoltate del cugino Peter, che ricorda la sofferenza di Bob di fronte al rifiuto di uno zio bianco. Commovente la sequenza in cui Costance, sorellastra dell’artista, ascolta la canzone “Cornerstone”, scritta da Bob proprio in seguito a quello spiacevole incontro.  E non si può restare indifferenti di fronte alla scena in cui, durante il concerto “Smile Giamaica” del ’73, Bob unisce sul palco le mani del primo ministro Manley e del capo dell’opposizione.

Un personaggio rivoluzionario, che si distinse per la straordinaria capacità di parlare ad un pubblico senza confini, andando oltre barriere linguistiche, religiose e culturali. Quello di McDonald è un ritratto completo che vuole andare oltre la semplice leggenda, quella di Marley divo del reggae, disegnando i contorni dell’uomo che una volta disse: “La mia ricchezza è la vita”.

Dopo una considerevole cavalcata per i Festival di tutto il mondo, arriva anche nelle sale italiane Detachment – Il distacco, ultimo film diretto dall’eclettico regista britannico Tony Kaye, già autore del film cult American History X e del documentario candidato all’oscar Lake of Fire.

Detachment – Il distacco racconta la storia di Henry Barthes, supplente di letteratura al liceo, un uomo solitario che porta dentro di sé un’antica ferita e cerca di tenere gli altri a distanza. Henry entra ed esce dalla vita degli studenti, cercando di lasciare qualche insegnamento come può, nel poco tempo che ha con loro. Quando un nuovo incarico lo porta in una degradata scuola pubblica di periferia, il mondo di Henry viene lentamente alla luce attraverso i suoi incontri con gli studenti – giovani senza speranze per il futuro – e gli altri insegnanti disillusi. Ciò che sconvolge di più la sua vita è, tuttavia, l’incontro con Erica, una prostituta adolescente scappata di casa. Ma anche Meredith – allieva sveglia e molto sensibile, schiacciata dal conflitto con il padre – e gli altri studenti, entrano in modo travolgente nella vita di Herny, rompendo gli argini e azzerando quella distanza tra lui e il mondo.

Diretto con crudo realismo, Detachment – Il distacco è un ritratto non convenzionale e forse unico del sistema di istruzione americano, tema che ultimamente è stato più volte al centro delle attenzioni del cinema americano, tanto da essere lungamente dibattuto sia con opere di fiction che documentaristiche. Questo film non è né l’una nell’altra cosa. E’ un’opera profonda, che cerca di scavare dentro alla natura umana, tentando di trovare un significato al malessere abissale di una scuola che è forse specchio di una società prossima a dover perire come in precedenza è accaduto al sistema scolastico e a valori quali la famiglia. Un nucleo assente che lascia alla deriva i propri frutti come farebbe un coltivatore stanco e depresso con le sue piante.

Detachment – Il distacco, il film

Detachment – Il distacco è pervaso da un senso malinconico che accompagna tutti i personaggi, quasi a non voler dare speranza alle persone che tentano disperatamente di sopravvivere. Neanche l’arte che in genere rappresenta l’ultimo baluardo di speranza, aiuta i protagonisti che sprofondano in una totale assenza e vuoto cosmico. In questo senso è rappresentativa la scena finale della pellicola che richiama apertamente il racconto di Edgar Allen Poe, La caduta della casa degli Usher, guarda caso recitato proprio dal personaggio magistralmente interpretato da Adrien Brody e colmo di drammaticità nella sua performance.

Ancora una volta  Tony Kaye dimostra di saper fotografare con drammatica lucidità le piaghe che affliggono rovinosamente l’America che invece di costruire il proprio futuro su basi solide come l’istruzione e la famiglia, pensa solo ad aspetti economici e politica internazionale, trascurando l’unico frutto per cui valga la pena lottare: i giovani.

Arriva al cinema Rock of Ages, il film diretto da Adam Shankman, adattamento cinematografico dell’omonimo musical rock di Broadway e prodotto da Tobey Maguire, Jennifer Gibgot, Matt Weaver, Scott Prisand, Carl Levin, Garrett Grant, Patrick McIntire.

1987. Los Angeles. Sunset Strip di Hollywood. The Bourbon Room è il tempio del rock ‘n’ roll. Sherrie arriva dall’Oklahoma per diventare una cantante, incontra Drew, cameriere al Bourbon con ambizioni musicali. Scoppia l’amore. Questo è il filo rosso che percorre tutta la trama di Rock of Ages, trasposizione cinematografica dell’omonimo musical di Broadway, diretto da Adam Shankman, già regista dietro Hairspray. Il film, come il musical, si rivela molto semplicemente un inno al rock, quello duro, che infiammava i cuori, e a giudicare dalle reazioni fuori dalla sala, li infiamma ancora. Def Leppard, Journey, Poison, lunghissima è la lista dei grandi gruppi rock omaggiati nel film, attraverso la riproposizione di alcune delle loro canzoni più famose, ricantate per l’occasione dagli interpreti. Julianne Hough e Diego Boneta sono i due giovani protagonisti: se lei incarna lo stereotipo della cantante teen, con un timbro di voce a tratti fastidioso (anche se non del tutto sgradevole), lui è il classico belloccio con discrete doti da performer. Purtroppo sono loro l’anello debole del film: scenette melense e siparietti sdolcinati quasi intollerabili scandiscono ogni loro incontro sulla scena, per fortuna che arriva la musica a salvare lo spettatore! Un’altra sgradevole sensazione riguardo al film è il continuo dejavu che fa scivolare la mente verso Burlesque (vuoi anche per il fatto che la Hough ha esordito in quel film) e Le ragazze del Coyote Ugly.

Rock of Ages e Tom Cruise

Per fortuna c’è la musica! E il cast di veterani che regalano i momenti migliori del film. Su tutti, monumentale è Tom Cruise, nel panni succinti della rock star Stacee Jaxx: tatuaggi satanici, pantaloni in pelle, smalto per unghie nero, capelli lunghi e rigorosamente a torso nudo. È lui la star del film e l’artefice delle migliori sequenze, oltre a dimostrare un discreto talento musicale e mettendo così in regola i conti con l’ex moglie Nicole Kidman, Cruise riesce anche a conferire al suo personaggi il fascino della decadenza che assume chi non ha altro per cui vivere e sognare. Il suo Stacee è una leggenda rock, diventa ciò che gli altri vogliono che sia e incanta tutti, uomini e donne, con il suo fascino: Stacee è il sesso, il rock e … il sesso. Cruise sembra particolarmente a suo agio con questa maschera, e dopo il suo travestimento in Tropic Thunder, dove nacque l’amatissimo Les Grossman, forse l’attore che ha subito un brutto calo di popolarità, ha ritrovato la strada per farsi amare dai suoi fan.

Ma non solo Cruise: nel film brillano anche Alec Baldwin, Russel Brand, Paul Giamatti, Catherine Zeta-Jones e Malin Akerman. Rock of Ages è l’omaggio sincero e divertito ad un’epoca, un genere, una generazione, non si può dire sinceramente che sia un bel musical, ma chi ama il rock, vada a vederlo!

Anno: 2003

Regia: Sylvain Chomet

Voci originali: Béatrice Bonifassi, Lina Boudreau, Michèle Caucheteux, Jean-Claude Donda, Mari-Lou Gauthier, Charles Linton, Michel Robin, Monica Viegas

Sinossi: Madame Souza è un’anziana e umile signora che vive insieme al nipotino Champion, purtroppo  rimasto orfano. Crescerlo da sola non è facile, e soprattutto non è facile renderlo felice. L’unica cosa che sembra farlo sorridere è il sogno di diventare un famoso ciclista, e di poter un giorno partecipare al Tour de France. Quando finalmente ci riesce, grazie anche all’aiuto vigile della nonna, e del pancione amico a quattrozampe Bruno, le cose non vanno come sperate.