In This Must Be the Place Cheyenne è una ex rock star cinquantenne che vive un’agiata e pigra esistenza nella sua immensa casa, tra partite di pelota con la simpatica moglie, azzardi in borsa, e Mary una ragazzina che gli è legata quasi fosse un padre. Scambia la noia per depressione e continua, imperterrito, a truccarsi il viso e gli occhi come quando aveva 15 anni. La morte del padre porterà un cambiamento radicale nella sua vita e lo costringerà a spostarsi per l’America sulle tracce di chi ha umiliato il genitore tantissimi anni prima.

Paolo Sorrentino è forse il più talentuoso giovane regista italiano. L’aveva mostrato con diverse opere e con il Divo è arrivato all’attenzione di Sean Penn. Ed ecco trovato il pretesto: il due volte premio Oscar, ragazzaccio contro, ha accettato di vestire i panni di Cheyenne per Sorrentino ed è venuto fuori This Must Be the Place, opera complessa nella quale il regista mostra tutta la sua abilità nel raccontare attraverso le immagini.

This Must Be the Place, il film

La fotografia di This Must Be the Place è brillante e le immagini morbide e fluide, accostate come sono seguendo lunghi e piani movimenti di macchina, carrellate e piani sequenza a volte fini a se stessi ma sempre molto suggestivi. La rappresentazione dell’America in questo road movie sui generis è piuttosto tradizionale, le strade sono quelle lunghe dritte e deserte e i colori sono quelli da cartolina, quasi ci trovassimo in un episodio della serie Smallville.

Ma Paolo Sorrentino filtra tutto attraverso lenti deformanti usando sia per gli interni che per li esterni evidenti grandangoli che spesso modificano anche le proporzioni dei visi. Il risultato di tutto ciò è un racconto molto lento, tacito e a tratti profondamente triste, che permette alla spettatore (insieme al protagonista) di raggiungere una sorta di catarsi finale che rimane sospesa, e quindi nemmeno tanto sicura. Protagonista indiscusso e chiacchierato sin dalle prime immagini trapelate delle riprese è Sean Penn, incredibile interprete di un personaggio schivo e silenzioso, ma sincero e schietto, spiritoso e molto tormentato.

Cheyenne si ritrova ad aver a che fare con il passato di suo padre, con il quale non parlava da 30 anni, si ritrova in giro per gli Stati Uniti alla ricerca di una persona, ma forse si tratta di risposte ai suoi interrogativi, alle sue paure. Alla fine Cheyenne si libererà delle maschere e forse ricorderà tutte le donne e gli uomini (e i bambini) che ha incontrato nel suo viaggio, che gli hanno dato involontariamente indizi sulla sua ricerca, e che hanno lasciato un segno in lui. Bellissimo anche se marginale è il ruolo di Jane, interpretata da una splendida Frances McDormand, moglie pratica e tuttofare di un uomo con la testa tra le nuvole. La cifra identificativa del loro matrimonio è l’ironia che sottende ogni dialogo, ogni scambio di sguardi e persino i momenti intimi.

Straordinaria è la colonna sonora, opera di David Byrne che in This Must Be the Place ha una piccola parte e con il quale Cheyenne si sfoga, mettendo a nudo la sua anima e la sua rabbia, è l’unico caso in cui il nostro protagonista alza la voce. A sostenere queste complesse e interessanti psicologie c’è l’ego spropositato di Paolo Sorrentino, bravissimo a far muovere la camera anche se a volte sembra per il semplice gusto dell’autocompiacimento, dilatando ulteriormente una storia che già di per sé ha tempi lunghi.

Nel parcheggio coperto di un centro commerciale una ragazza non riesce più a trovare la sua auto e, mentre la sta cercando in una zona un po’ isolata dell’enorme sotterraneo, perde i sensi.

Ne I tre moschettieri nella Francia di Luigi XIII regna incontrastato il Cardinale Richelieu, i moschettieri sono poco più che avventori da taverna dalla ‘spada facile’ e il re, efebico modaiolo, è poco molto simile ad una imitazione di se stesso. I puristi di Dumas hanno storto il naso alle prime immagini del film, per non parlare delle accuse di vilipendio al grande classico subito dopo l’uscita del film, ma tutto ciò che di assurdo si poteva immaginare non è nulla di fronte alla realtà del film. Anderson tira su un giocattolo infernale, logisticamente assurdo e paradossalmente divertentissimo che porterà al cinema moltissime persone.

I tre moschettieri 3D, il film

Ai valorosi moschettieri (Matthew MacFadyen, Ray Stevenson e Luke Evans) è riservata una rappresentazione abbastanza convenzionale, così come al Cardinale (Christoph Waltz) e al perfido Rochefort, i personaggi che invece hanno subito un lavoro di ‘innovazione’ sono senza dubbio il Duca di Buckingham, notoriamente raffinato e innamorato della regina, e qui doppiogiochista e viscido (la peggiore interpretazione di Orlando Bloom), e ovviamente la bellissima Milady de Winter (Milla Jovovich), che conserva il suo classico fascino romanzesco, ma che aggiunge un po’ di gadget e qualche acrobazia ai veleni e agli stiletti nascosti sotto gli abiti. Il volto del giovane D’Artagnan è quello di Logan Lerman, già Pearcy Jackson, che per sfrontatezza rappresenta un ottimo protagonista, a parte il fatto che è troppo carino per essere un Guascone vero!

I tre moschettieri si snoda tra gag divertenti, comportamenti irriverenti e parentesi davvero assurde, su tutte la scena dei galeoni volanti, degni del più sfrenato fan di Pirati dei Caraibi, e una sceneggiatura altalenante, che accosta momenti di imbarazzo a sequenze efficaci e divertenti. Tutto il racconto ricalca a grandi linee il racconto originale, prendendosi licenze e munendo quasi tutti i personaggi di una caratteristica originale, come il fashion – victimism del re, o la passione di Milady per gli uomini di potere e le armi di ogni genere. Quello che però davvero convince del film è la regia, Paul Anderson, con l’aiuto di un buon 3D, ci conduce con grande energia nel mondo dei moschettieri, svelandone punti di vista e angolazioni mai viste prima.

Con una solida prospettiva riesce a seguire ogni scambio di spada o fioretto con ordine, non tralasciando mai la componente comica e la caratteristica sbruffoneria che contraddistingue i personaggi tanto amati di Dumas. Una colonna sonora che ricorda molto altre famose tracce sentite più o meno di recente al cinema (quella di Sherlock Holmes su tutte) da il giusto ritmo all’azione.

Nader e sua moglie Simin hanno ottenuto il permesso di espatrio per loro e la loro figlia undicenne ma Nader non vuole partire. L’uomo sente il dovere di rimanere accanto a suo padre, nonostante la sua malattia, l’Alzheimer, gli impedisca di riconoscerlo. La moglie allora decide di andare via di casa, tornando dai genitori e Nader è costretto ad assumere una donna per badare al padre. La donna, che è incinta, lavora all’insaputa del marito. Un giorno litiga con Nader, perchè si è assentata dal lavoro senza permesso lasciando l’anziano legato al letto. A seguito di una discussione la donna cade dalle scale e perde il bambino.

Con una straordinaria semplicità Asghar Farhadi conferma le sue doti di narratore dopo About Elly, e con Una separazione descrive con discrezione e ritmo lento e cadenzato l’introdursi della confusione nelle vite più normali. La differenza di classe, la fede cieca nella religione, la convinzione dei legami e allo stesso tempo dei limiti che un posto ci impone, costriuscono un quadro perfetto, bilanciato da una macchina discreta ma investigativa e da un dialogo serrato, soprattutto nella seconda parte, che coinvolge lo spettatore tenendolo ancorato alla narrazione.

Il film, vincitore dell’Orso d’Oro a Berlino e dell’Orso d’Argento per la migliroe performance maschile e femminile, mostra con didascalica semplicità ma con estrema franchezza la differenza sociale, la percezione del mondo attraverso la fede e l’impossibilità completa di un occhio occidentale di comprendere le dinamiche intime che muovono i personaggi verso una direzione piuttosto che un’altra.

Un finale che sembra quas disturbare lo spettatore irrompe proprio quandoquest’ultimo avrebbe voluto sapere di più, capire come sarebbe finita e saziare quella fame che Farhadi con tanta sapienza è riuscito a stimolare.

Cowboys & Aliens è il film di genere azione, fantascienza, western del 2011, diretto da Jon Favreau, con Daniel Craig e Olivia Wilde.

Nel film uno straniero senza passato si imbatte nella remota città di Absolution, nel bel mezzo del deserto. Unico accenno alla sua storia è una misteriosa sorta di manetta intorno a un polso. L’uomo scopre in fretta che la gente di Absolution non è propensa a dare il benvenuto agli stranieri e che nessuno fa una mossa per le strade della città, a meno che l’ordine non arrivi da parte del colonnello Dolarhyde. La città vive sotto il suo pugno di ferro, nella paura. Ma Absolution sta per sperimentare un terrore ben peggiore quando viene attaccata dai predoni del cielo.

Cowboys & Aliens è senza dubbio uno dei titoli più attesi di questa prima parte di stagione cinematografica, fatto dovuto anche alla complicatissima vicenda produttiva. Non a casa il film vede coinvolti ben due major oltre alla DreamWords di Steven Spielberg, la Immagine di Ron Haward e Brian Grazer. Finalmente il film fra pochi giorni riempirà gli schermi dei cinema italiani, e tutto sommato riesce ad acciuffare un’ampia sufficienza.

Cowboys & Aliens, il film

La pellicola diretta da Jon Favreau, uno che certo non splende in ambito registico, si affida con intelligenza ad una narrazione che riprende molti degli stilemi classici di un certo cinema western d’altri tempi, che risultano essere sempre efficaci e interessanti. Non a caso i momenti migliori del film sono le dinamiche

legate al puro western dove c’è un Daniel Graig, con sguardo di ghiaccio, che è alle prese con i suoi problemi legati ad un passato che non ricorda. Mentre i momenti meno interessanti sono proprio quelli legati al tema degli alieni. Il motivo è abbastanza semplice, in questo caso nè gli effetti nè gli exstraterrestri riescono a suscitare interesse come al contrario fanno i personaggi a cavallo.

Forse anche la poca originalità del testo ha imposto un po’ di limiti al film. Il tutto è imballato in una sceneggiatura funzionale che regge abbastanza ma non riesce nel miracolo. Al contrario invece, il cast è il lato più interessante con caratteristi come Sam Rockwell, Clancy Brown, Keith Carradine, Paul Dano, impreziosito dalla presenza di un veterano come Harrison Ford, e un’attrice sempre più in ascesa, Olivia Wilde.

Cowboys & Aliens pur essendo una pellicola ben confezionata presenta diversi limiti, su tutti la regia di Favreau, incapace di dare un vero ritmo incalzante al film, che resta di certo sotto le aspettative.