Presidente della Giuria Opera Prima a Venezia 73, Kim Rossi Stuart presenta alla Mostra anche il suo secondo film da regista, Tommaso, nella sezione Fuori Concorso.

Dopo una lunga relazione Tommaso riesce a farsi lasciare da Chiara, la sua compagna. Ora ad attenderlo pensa ci siano una sconfinata libertà e innumerevoli avventure. È un attore giovane, bello, gentile e romantico, ma oscilla perennemente tra slanci e resistenze e presto si rende conto di essere libero solo di ripetere sempre lo stesso copione: insomma è una “bomba innescata” sulla strada delle donne che incontra. Le sue relazioni finiscono dolorosamente sempre nello stesso modo, tra inconfessabili pensieri e paure paralizzanti. Questa sua coazione a ripetere un giorno finalmente s’interrompe e intorno a lui si genera un vuoto assoluto. Tommaso ora è solo e non ha più scampo: deve affrontare quel momento del suo passato in cui tutto si è fermato.

Tommaso è il tentativo di realizzare un autoritratto sincero di un momento della vita in cui si fanno i conti con il passato e con il futuro. E se nelle intenzioni e nella struttura psicologica e narrativa del film questo traspare con solida funzionalità, di fronte alla continua esagerazione nei toni degli attori risiede il punto debole, la falla che fa crollare tutto il racconto. Kim Rossi Stuart regista prova a mettere in scena, anche con interesse, un mondo interiore tormentato, un trauma, un’affettività condizionata ma facendolo esagera i toni, creando l’effetto di involontario grottesco che stona con alcuni momenti drammatici del film o anche con le disturbanti sequenze oniriche, che non risparmiano immagini anche un po’ forti.

L’impressione generale è che la scelta dei toni adottati non abbia funzionato, con un’altalena emotiva che travolge e consegna allo spettatore una sensazione di spaesamento che non deriva dalle scene oniriche che entrano in gioco con irruenza nella narrazione lineare, ma dall’eccesso nella recitazione di tutto il cast (e quindi immaginiamo nella direzione degli attori).

 

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Sono passati due anni dal successo di Anime Nere, film che Francesco Munzi presentò in concorso proprio alla 71esima edizione della Mostra del Cinema e che lo scorso anno gli ha fatto guadagnare ben nove David di Donatello (incluso Miglior Film e Miglior Regia).

Adesso, il regista e sceneggiatore romano torna protagonista del fuori concorso di Venezia 73 con il documentario Assalto al Cielo, pellicola che racconta uno dei momenti più complessi della storia italiana, ossia il periodo delle lotte politiche extraparlamentari tra la fine degli anni ’60 e la fine degli anni ’70.

Montato esclusivamente con immagini di repertorio, il film d’archivio di Francesco Munzi si rivela un’opera magistralmente orchestrata nella sua volontà di volersi palesemente astenere da qualsiasi tipo di giudizio sulle azioni che hanno caratterizzato quel periodo della nostra storia fatto di sogni e speranze, ma anche di violenza e sangue.

Diviso in tre momenti, il lavoro di Munzi si contraddistingue per una scelta oculata e ben precisa di omettere volontariamente il materiale più istituzionale e “manipolato” per dare ampio spazio alla voce degli uomini e dei ragazzi che di quelle lotta e di quelle rivoluzioni furono assoluti protagonisti, offrendo quindi allo spettatore la possibilità di rivivere un pezzo di storia italiana attraverso uno sguardo interno, riconoscibile, capace di rievocare tutta una serie di sentimenti contrastanti.

Particolarmente interessante risulta la scelta da parte del regista di servirsi di due intermezzi attraverso i quali invitare il pubblico a sfruttare i momenti di pausa per discutere sulle immagini che ha appena visto. Inoltre, la brevità del documentario (appena 78 minuti) contribuisce a rendere l’intero lavoro compatto e scorrevole.

Francesco Munzi mette insieme parole e immagini, ma soprattutto memorie e suggestioni, per dare nuovamente voce ad uno dei capitoli più dolorosi del dopoguerra italiano. Assalto al Cielo prova ad andare oltre la mera forma antologica per permettere sia alle vecchie che alle nuove generazioni di riflettere in maniera del tutto personale su un momento storico che crediamo erroneamente lontano, ma le cui conseguenze incidono ancora oggi sul nostro Paese.

 

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Ad un anno di distanza dal suo La Loi du marché – presentato in concorso alla scorsa edizione del Festival di Cannes – Stéphane Brizé cerca di incantare il pubblico veneziano con Une Vie, il suo nuovo dramma in costume.

Tratto dall’omonimo romanzo del 1883 di Guy de Maupassant, il film narra la storia di Jeanne (Judith Chemla), unica figlia del barone Simone-Jacques Le Perthuis (Jean-Pierre Darroussin) e di sua moglie Adelaide (Yolande Moreau), una ragazza semplice ed ingenua che, dopo aver studiato in collegio per anni, fa ritorno a casa e si prepara a prendere marito. Il suo pretendente, il visconte Julien de Lamare (Swann Arlaud), sembra un uomo gentile e sensibile e Jeanne acconsente alle nozze. Soltanto più tardi scoprirà davvero cosa si cela dietro la mite facciata del suo amato Julien.

La vita sofferta di una giovane donna aristocratica, raccontata da Brizè, si trasforma presto in un insopportabile melodramma, fin troppo melenso, tanto lento da sembrare quasi immobile, che mette a dura prova la pazienza anche degli spettatori più sensibili. I lunghi primi piani della protagonista, la soffocante presenza della natura in ogni scena, i violenti ed incomprensibili stacchi di montaggio – ad una scena luminosa e rumorosa ne segue sempre una più scura e silenziosa –, l’eccessiva retorica della sceneggiatura, sono tutti elementi che contribuiscono a dilatare i tempi narrativi e a dare l’impressione che il tempo trascorra molto più lentamente. Assistiamo per due ore, inermi, al pietoso spettacolo della vita di Jeanne, che sembra non poter mai trovare pace, senza purtroppo riuscire a provare empatia per lei e le sue disavventure. Nonostante la presenza di un marito fedifrago, di una madre bugiarda e di un figlio ingrato, Jeanne è convita di poter costruire, fagocitando i peccati delle persone che fanno parte della sua vita, la sua utopia, un mondo dove la menzogna e il peccato non trovano posto e dove è soltanto l’amore a governare indisturbato.

Il regista, più concentrato sui dettagli della sua splendida location che suoi suoi personaggi, trascura la narrazione trasformando con Une Vie il film  in una sorta di quadro in movimento; tutto è piatto, quasi bidimensionale, senza accelerate o frenate brusche e i colpi di scena, a causa di questo andamento così orizzontale, passano inosservati senza produrre nessun effetto nello spettatore che intanto continua a sbadigliare. Il meraviglioso romanzo di de Maupassant fa quindi una pessima fine nella mani di Stéphane Brizé che qui a Venezia non riesce a far innamorare il suo pubblico. Eppure una domanda sorge spontanea: ma se l’adattamento cinematografico di Une Vie fosse stato affidato ad un altro regista, come Stephen Frears, abituato a gestire storie di questo tipo, il risultato sarebbe stato lo stesso?

 

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La prima inquadratura di Rocco è decisamente emblematica. Il documentario dedicato alla vita del più grande pornoattore italiano di tutti i tempi si apre infatti con un’immagine del suo membro; quel membro che – per ammissione dello stesso protagonista – ha contribuito a renderlo una celebrità indiscussa e, al tempo stesso, ha marchiato per sempre la sua vita.

Da quell’immagine legata nell’immaginario collettivo (sia maschile che femminile) alla potenza e alla virilità assoluta, si apre una finestra su un mondo – quello del porno – che risucchia come un vortice chiunque ne venga travolto, un mondo sporco agli occhi dei più, regolato da meccanismi tanto complessi quanto spaventosi.

Il documentario Rocco esplora la vita di Rocco Siffredi a pochi giorni dalla realizzazione del suo ultimo film a luci rosse, con il quale la star ha ufficialmente detto addio al mondo dei film hard in qualità di attore. Un addio sofferto ma ponderato – assolutamente necessario per ristabilire l’ordine nel caos di una vita vissuta all’ombra di una sessualità tanto liberatoria quanto disumanizzante -, che viene raccontato non solo attraverso i momenti che Rocco condivide con le persone che ogni giorno lavorano con lui o che condividono la sua quotidianità, ma soprattutto attraverso i ricordi dolorosi e le parole sincere di un uomo che continua ancora oggi ad essere schiavo dei propri desideri e dei propri impulsi.

Perché il più grande merito di Rocco, diretto dai registi francesi Thierry Demiziere e Alban Teurlai, è quello di rispondere ad un’esigenza voyeuristica che travalica l’elemento pornografico per indagare (come molto spesso accade nei doc dedicati a personalità tanto idealizzate ed esaltate come quella di Siffredi) l’uomo dietro il mito, l’essere umano dietro il personaggio pubblico, la persona ancora tormentata da quei demoni del sesso che costantemente intaccato una vita di assoluta perfezione e che, altrettanto costantemente, provano a virare un’esistenza verso la totale autodistruzione.

Una testimonianza intima e priva di ovvietà su una figura tormentata e carica di contraddizioni, simbolo della dominazione per eccellenza, schiavo di tutto ciò che ha contribuito a renderlo un’icona indiscutibile del nostro tempo.

 

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Giunti al giro di boa, arriva l’autentica sorpresa di questo Venezia 73. Stiamo parlando de El Ciudadano Ilustre (The Distinguished Citizen), film della coppia di registi argentina Mariano Cohn e Gastón Duprat, accolto molto positivamente dalla critica.

La pellicola ha al centro la figura fittizia di Daniel Mantovani, uno scrittore argentino che abita in Europa da oltre trent’anni e che ha raggiunto la definitiva consacrazione dopo aver ricevuto il premio Nobel per la letteratura. Un giorno gli viene recapitata una lettera spedita dal comune di Salas (città in cui è nato e dove sono ambientati tutti i suoi romanzi) con la quale viene invitato a ricevere il più alto riconoscimento del suo paese: la medaglia al Cittadino Onorario. Sorprendentemente (essendo una personalità alquanto schiva), Daniel decide di accettare l’invito e di recarsi per qualche giorno al paese. Le conseguenze della sua permanenza saranno tanto imprevedibili quanto devastanti.

Girato in maniera asciutta, realistica e profondamente ispirata, e interpretato da un Oscar Martínez davvero memorabile, la vera forza de El Ciudadano Ilustre sta tutta nella sceneggiatura. Attraverso la storia di Mantovani si raccontano tutta una serie di dibattitti ancora aperti nella cultura e nella società dell’Argentina, e si mettono in parallelo due modi opposti di vedere il mondo, rappresentati uno dallo sguardo paesano del Salas, l’altro dalla personalità cosmopolita di Daniel.

Tutte queste tematiche vengono affrontate con disarmante intelligenza e spirito beffardo, senza mai tralasciare quella vena malinconica e amara che la geniale opera di Cohn e Dupart si porta dietro, avvalorando così la celebre massima che recita “Nessuno è profeta in patria!”.

Attraverso un’ideale suddivisione in capitoli assistiamo al viaggio di un’artista che vede il fascino esercitato sui suoi concittadini tramutarsi in disprezzo, e che prende gradualmente consapevolezza di quante insormontabili differenze esistano tra la sua figura e quel paese che da sempre rappresenta la sua fonte primaria di ispirazione.

In questo senso, El Ciudadano Ilustre diventa una riflessione mai scontata e lungimirante sul rapporto tra uomo e produzione artistica, e sull’utilizzo della realtà e della finzione come strumenti per dare vita alla propria opera (la scrittura, in questo caso).

Un’esilarante commedia dai risvolti narrativi travolgenti, intrisa di realismo mai grottesco e di misurata malinconia che si candida a mani basse tra i titoli che andranno a formare il palmarès di questa edizione 2016 del Festival.

 

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Roan Johnson, alla sua terza regia con Piuma, racconta con leggerezza e maturità una storia delicata e divertente, tratteggiando con precisione i protagonisti e i comprimari grazie a una sceneggiatura ben congeniata, elementare nello sviluppo, che si concentra sui dialoghi e sulla caratterizzazione di tipi umani che, incasellandosi in stereotipi e macchiette, riescono ad arricchire la questione di base: una gravidanza indesiderata a 18 anni.

Forte di un cast scelto con intelligenza, Johnson mette in scena comicamente il dramma della scelta, o meglio, della presa di coscienza e di responsabilità dell’età stessa, che passa attraverso l’arrivo di una nuova vita.

La trama di Piuma

Ferro e Cate si stanno preparando per l’esame di maturità e per il viaggio post diploma con gli amici. Ma la loro situazione non è quella dei coetanei, perché Cate aspetta un bimbo e entrambi stanno affrontando le decisioni e le prese di coscienza destinate a cambiare loro la vita. Insieme ai due diciottenni, anche le famiglie, mamma, papà e nonno di lui, e padre scapestrato di lei, si trovano di fronte a un fatto che li coglie impreparati, sopraffacendoli e portando a galla le immaturità, le paure e le incertezze che ogni adulto nasconde.

La leggerezza di Roan Johnson protagonista del concorso con Piuma

Con uno sguardo alla commedia indie internazionale (vedi Juno e Little Miss Sunshine), Piuma riesce a intrattenere senza scivolare verso il dramma adolescenziale, rimanendo leggero e fresco, aggirando il patetismo e la retorica, troppo spesso invadenti nel nostro cinema, e offrendo una prospettiva pratica, concreta sull’amore a 18 anni. Dimenticate le dichiarazioni totalizzanti mocciane, Johnson ci presenta due ragazzini spaventati e in difficoltà, ma con i piedi per terra, consapevoli della grandezza della loro condizione ma anche di se stessi.

Come spesso accade, i due protagonisti scivolano in secondo piano di fronte ai comprimari adulti. Che siano madri moderne votate al dialogo, padri conservatori e frustrati, uomini disperati o pittoresche fisioterapiste, gli adulti, in Piuma, sono molto più allo sbando dei giovani, rispecchiando una società caotica e decisamente lontana dalle necessità di stabilità che l’eventualità considerata nella storia richiede.

Con leggerezza e intelligenza, Piuma diverte e commuove, senza ergersi a capolavoro rivoluzionario del cinema contemporaneo, ma occupando un posto dignitoso nel panorama della nostra commedia.

 

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Come era avvenuto un paio di anni addietro per Push Sky Away con il film 20,000 Days on Earth di  Iain Forsyth e Jane Pollard, un altro filmmaker, Andrew Dominik, torna a raccontare la genesi del nuovo progetto di Nick Cave and the Bad seeeds  Skeleton Tree in un lungometraggio intitolato One More Time With Feeling. Ma non si tratta di un normale processo creativo, perché lo sviluppo di tale progetto musicale e la realizzazione del conseguente film si collocano a poca distanza dall’immane tragedia che ha purtroppo toccato Nick Cave, ovvero la morte del figlio Arthur.

Dominik racconta che inizialmente doveva trattarsi della semplice ripresa di una performance live, ma che poi il lavoro  si è a poco a poco trasformato, per volere dello stesso Nick Cave, in una introspezione profonda, in una sorta di elaborazione del lutto in forma cinematografica. Tutto questo è avvenuto naturalmente, quando il regista  ha cominciato a raccogliere materiale e testimonianze  durante la scrittura e la registrazione dell’album, avvolto, come è naturale intuire, in una alone di inevitabile tragicità. Ne è così scaturita una lunga riflessione che vede vagare in un dolente bianco e nero Nick Cave, la moglie Susie, l’altro suo figlio, e soprattutto Warren Ellis, amico sincero e compagno di viaggio di una struggente avventura musicale che dura da  una vita. Tutti sembrano dei sopravvissuti che si aggirano dopo una catastrofe, che attraverso le parole, la musica e le immagini, cercano risposte, o più semplicemente un barlume di forza.

Ne scaturisce un ritratto delicato, unico, di grande impatto visivo ed emotivo, ma soprattutto molto personale, così personale che forse potrebbe addirittura apparire ridondante o superfluo per chi si aspetta dal film un dettagliato servizio di backstage. E’ come se fosse la naturale ma tragica continuazione di  20,000 Days on Earth, ma tra i due film si colloca una maledetta scogliera,  un breve lasso di tempo che si chiude a cerchio attorno a Nick e Susie e che, come lui stesso afferma, li riporterà per tutto la vita sempre indietro, come un elastico.

Anche le canzoni del nuovo album sembrano portare a questo, Cave lascia andare le parole, come sostiene di non aver mai permesso di fare alla sua scrittura, e le lascia correre libere in ipnotici cerchi musicali, in splendide melodie nere nelle quali si aggirano voci femminili, suoni meravigliosi, un limbo di rumori e suggestioni. Su tutto si impone la sua voce che si aggira graffiante e suadente tenuta per mano dai tasti di un pianoforte. Così come si scompone la struttura musicale e la parola, lo stesso avviene per la forma cinematografica; Dominik rifiuta la continuità e il rigore della narrazione, per abbandonarsi a una continua sovversione del concetto spazio-temporale, alla ricerca spasmodica di un punto di rottura e forse di uscita da quell’anello, da quel cerchio, che continuamente e sapientemente sottolinea con eleganti movimenti di macchina. Il film diviene quasi una riflessione wendersiana sul vedere le cose e registrare le immagini, cerca il senso del racconto e scava nelle potenzialità, spesso dimenticate, di un “oggetto” in grado di catturare immagini, suoni e soprattutto emozioni.

Il film è girato in uno splendido 3D, mai gratuito, e in bianco e nero, spezzato a brevi tratti da inserti a colori che ne rafforzano la dirompente valenza espressiva. Crudo, doloroso, toccante. Consigliato solamente a chi ama “King Ink”, o vuole provare ad avvicinarlo in un momento particolare della sua vita e della sua carriera. Astenersi perditempo.

One more time with feeling – trailer del documentario

 

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Come sempre sono persone comuni dalle capacità straordinarie le protagoniste dell’ultimo film del regista iraniano Amir Naderi, quest’anno fuori concorso a Venezia con Monte.

Il film narra la storia di Agostino (Andrea Sartoretti), un contadino costretto a vivere insieme alla sua famiglia in una casa alle pendici di un’enorme montagna che sovrasta, con la sua oscurità, l’intero villaggio. Ma la mancanza di luce solare rende presto sterile la terra di Agostino trasformando il suo orto in un appezzamento senza vita. Isolati dal resto del villaggio che li crede maledetti e spinti dalla fame e dalla disperazione, Agostino insieme a sua moglie Nina (Claudia Potenza) e a suo figlio Giovanni (Zaccaria Zanghellini) si lancia in un’impossibile impresa, abbattere la montagna e riportare il calore del sole nelle loro vite.

Ambientato in una sorta di strano medioevo, il film di Naderi sembra essere a metà strada tra un racconto biblico ed una comune storia di sopravvivenza; ci sono infatti alcuni elementi che pare vogliano collegare le difficoltà a cui sono costretti il protagonista e la sua famiglia alla loro mancanza di fede. Dopo aver cercato infatti invano di prendersi cura dei suoi cari facendo qualsiasi tipo lavoro, Agostino rifiuta di lasciare la sua terra, che appartiene alla sua famiglia da generazioni, e cerca di ristabilire l’equilibrio contando solo sulle proprie forze, impegnandosi a far tornare la luce.

Nonostante la scelta coraggiosa di affrontare una storia così allegorica, al film del regista iraniano non manca di certo qualche difetto. Alla splendida fotografia che è senza alcun dubbio il vero punto di forza di Monte, si associano purtroppo un recitazione assai scadente – gli attori riescono ad essere molto più convincenti utilizzando lo sguardo e la gestualità più che le parole – e una sceneggiatura fin troppo scarna; i dialoghi infatti sono ridotti all’osso e la maggior parte del film è più da vedere che la ascoltare. Il susseguirsi inoltre di alcune scene identiche e quasi sovrapponibili, non giova all’andamento del film che risulta fin troppo lento e per certi versi quasi completamente statico. Ad incantare però è il finale, lungo, sofferto e maestoso che colpisce lo spettatore con violenza con un meraviglioso tramonto arancione.

Che si tratti di volontà divina o di semplice caparbietà, con la vittoria di Agostino e più in generale con Monte, Amir Naderi celebra la forza dell’uomo che, nonostante le avversità, grazie al coraggio può decidere di cambiare il corso della propria vita.

 

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La Spira Mirabilis (o Spirale Meravigliosa) è una spirale logaritmica il cui raggio cresce ruotando e la cui curva si avvolge intorno al polo senza però raggiungerlo mai. Questo simbolo di perfezione e di infinito dà il titolo al nuovo lavoro degli acclamati documentaristi italiani Massimo D’Anolfi e Martina Parenti, che mette al centro il concetto di immortalità raccontando cinque storie legate a cinque elementi (fuoco, terra, aria, acqua, etere) in maniera del tutto anticonvenzionale.

Le cinque storie, ambientate in cinque differenti luoghi del mondo, riguardano: una donna sacra, un capo spirituale e la loro piccola comunità Lakota da secoli resistenti a una società che li vuole annientare (fuoco); le statue del Duomo di Milano sottoposte a continue rigenerazioni (terra); una coppia di musicisti inventori di strumenti/sculture in metallo (aria); uno scienziato cantante giapponese che studia una piccola medusa immortale (acqua); l’attrice francese Marina Vlady che narra L’Immortale di Jorge Luis Borges (etere).

In un’alternanza di immagini che viene volontariamente privata di qualsiasi tipo di spiegazione, D’Anolfi e Parenti danno vita ad un progetto tanto ambizioso quanto complesso che nega l’importanza della parola e dei dialoghi per alimentarsi esclusivamente di quadri e di suoni, in un omaggio – tanto visivamente affascinante quanto strutturalmente snervante – alla ricerca e alla tensione verso l’immortalità.

I due documentaristi creano un’esperienza intima, a metà tra l’osservazione e la contemplazione, che chiama in causa la predisposizione individuale di ogni singolo spettatore ad un certo tipo di narrazione, in cui viene chiesto di mettere in relazione tutto quello che viene mostrato in totale autonomia, per attribuirgli così senso e significato.

Spira Mirabilis, primo film italiano presentato in concorso a Venezia 73, è un’opera di nobili ed affascinanti intenzioni che inevitabilmente incontrerà il favore dello spettatore ben disposto ad addentrarsi in un viaggio oscuro e di non facile interpretazione. Allo stesso modo, apparirà come un discorso impenetrabile (ed interminabile, date le due ore di durata) per tutti coloro ossessionati dalla coesione e dall’uniformità del racconto.

 

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