Presentato alla Festa del Cinema di Roma 2015, Experimenter è tratto dalla reale storia dello psicologo statunitense noto soprattutto per la sua teoria dei sei gradi di separazione. Il film di Michael Almereyda trasforma in scelta stilistica il pragmatismo tipico dello studioso nell’approccio ai suoi esperimenti, preciso, didascalico e brillante. Tre aggettivi che messi insieme sembrano stridere, ma che in questo film riescono a contaminarsi bene, ma non in maniera eccelsa.

In Experimenter Stanley Milgram (Peter Sarsgaard), brillante psicologo, nel 1961 inizia una serie di esperimenti sull’attitudine delle persone all’obbedienza. L’esperimento pratico consisteva nell’ordinare ai soggetti volontari di trasmettere una scossa elettrica ad altri volontari. Nonostante le urla di dolore delle vittime, la maggioranza dei soggetti continuò a obbedire agli ordini, sconvolgendo un’intera comunità di psichiatri che non credeva possibile una reazione simile. L’etica degli esperimenti di Milgram fu aspramente criticata, ma lui tenne fede ai suoi obiettivi, tentando di portare in tutto il mondo il suo libro Obedience to Autority.

A dare impulso al suo lavoro fu, principalmente, la violenza perpetrata durante il secondo conflitto mondiale nei confronti degli ebrei. Milgram stesso era di origini ebree e il suo lavoro aveva obiettivi precisi: capire come funzionano esattamente i meccanismi di obbedienza all’autorità e quanto impatto ha la dinamica di gruppo nella decisione di un singolo individuo. Furono queste le maggiori preoccupazioni che lo tennero impegnato lungo il corso dei suoi studi. Il fine ultimo era la consapevolezza, perché sapere è essere coscienti e la coscienza è lo strumento che permette a un individuo di opporsi alla banalità del male.

È appunto Stanley a guidarci nei suoi esperimenti, richiamando la nostra attenzione con frequenti sguardi e “a parte” direttamente in macchina da presa. Quella che ci viene raccontata è una storia interessante e addirittura illuminante, se se ne apprende per la prima volta e dunque costituisce di per sé un’attrazione notevole, che il tono brillante aiuta a tenere alta. Tuttavia non si riesce a fare a meno di sentire la mancanza di una più capillare profondità. L’atteggiamento di estraniazione, necessaria allo psicologo per portare a buon fine i suoi esperimenti, si traduce nella scelta di far uscire il personaggio dal film stesso. Un concetto che il regista ci trasmette non solo con l’interpellazione da personaggio a spettatore, ma con sequenze in cui la scenografia si fa bidimensionale, rendendo la figura fisica del personaggio letteralmente scontornata dal resto, super partes.

Experimenter è un film interessante e godibile ma che sembra soffrire di una scrittura dei personaggi fin troppo essenziale.

Dal genio di Paul Weitz, che ha regalato al cinema prodotti come About a Boy o il culto generazionale American Pie, arriva Grandma, una commedia bitter-sweet, che pone con toni irriverenti e sfrontati importanti questioni etiche, raccontando un’odissea privata divertente ma anche profondamente dolorosa.

La 18enne Sage (Julia Garner) rimane incinta e decide di abortire. Per farlo ha ovviamente bisogno di soldi che non vuole chiedere alla madre (Marcia Gay Harden). Decide così di andare dalla nonna (Lily Tomlin), una poetessa di una certa fama ma adesso ridotta a uno stato di misantropico abbrutimento a causa della morte della sua compagna di una vita. Nonostante l’iniziale shock, la donna decide di aiutare la nipote a trovare i soldi necessari all’operazione. Comincia così un viaggio, l’Odissea di cui sopra, nei meandri dei ricordi, tra le tappe dolorose della vita di nonna Elle, attraverso le persone che la donna incontra.

Attraverso la briosa interpretazione della Tomlin, Weitz dà vita a un road movie avventuroso nel senso più intimo della parola. Ogni piega del passato della donna viene a galla con estrema naturalezza senza mai diventare uno “spiegone”. La sua storia si intreccia così con quella della giovane nipote, inconsapevole testimone di un percorso che finirà probabilmente per essere di redenzione e di rinascita per una donna che sembra aver sofferto molto ma che ha fatto anche tanto soffrire il prossimo. Non una vittima quindi, ma un essere umano con il suo carattere preciso, le sue esigenze e i suoi modi di fare.

Aborto, omosessualità, responsabilità, amore, famiglia sono argomenti presenti con prepotenza e chiarezza in un film che però non prende mai posizione, non giudica e si limita, con grande efficacia, a raccontare una storia di formazione per nonna e nipote.

Scopriamo un passato doloroso, difficile, ma sempre vissuto con grande consapevolezza e autonomia. Lontano da ogni forma di retorica, il finale ci fa sorridere e tutti, insieme alla misantropa Elle, ci avviamo verso casa, a piedi, con il cuore ancora un po’ pesante ma con il sorriso sulle labbra, perché, in fondo, non sappiamo cosa arriverà domani, ma può essere comunque una bella avventura scoprirlo.

L’albero è un tutt’uno con la terra in cui affonda le radici e la sua vita le appartiene. Crescendo, tende ad allontanarsi da essa, ma le sue radici continuano a trarre forza da lei, in un legame indissolubile.

Amaia (Iraia Elias) è un’artista che si occupa di videoarte nata e cresciuta in un Baserri, una fattoria tradizionale nel mondo rurale in una zona non meglio precisata dei Paesi Baschi. Il casale è il pianeta attorno al quale ruota la sua vita, quella dei suoi genitori, dei suoi fratelli e della sua Amama Juliana, la nonna. Amama (Amparo Badiola) sembra portare sul suo volto la memoria di secoli vissuti nei boschi che circondano la fattoria, che ha deciso di donare a suo figlio Tomàs, padre di Amaia. Mentre il mondo sembra richiamare l’attenzione dei suoi figli, Tomàs (Kandido Uranga) continua a lavorare nei campi, volontariamente imperturbabile nei confronti di ciò che accade attorno a lui e chiuso nel suo lavoro e nella sua vita, dove non c’è spazio che per la splendida terra in cui è immerso.

Asier Altuna sceglie appunto il linguaggio di quello che sembrerebbe un pezzo di videoarte, che si fa narrazione con il tramite di un personaggio preciso, di cui sceglie di adottare il punto di vista. La storia che ci racconta è quella, sempre difficile, di una separazione che non riesce e non può compiersi, sublimandosi quindi nell’arte.

Chiuso in ferrei valori tradizionali, Tomàs si ostina a non vedere un valido motivo nella volontà dei figli di estrarre le radici dalla loro terra e non crede alle vie di mezzo: non c’è, per lui, un modo per portarsi la propria terra dovunque si vada, se non quello di starci ancorato per sempre, nutrendosi dei suoi frutti e dedicandogli sovrumana devozione. Il dialogo tra la natura e l’uomo si fa materia nella sapiente scelta della miscelazione di suoni e immagini, che rendono il film un’esperienza quasi tridimensionale. In alcuni momenti ci sembra di riuscire a sentire l’odore della terra del bosco, a camminare accanto ad Amaia, a toccare gli spessi arbusti che lo popolano. Quello della natura, quello dell’arte è un mondo dominato da uno strano equilibrio in cui le parole non sono contemplate, e l’istinto la fa da padrone.

Non è possibile trasmettere a parole quello che Amama, film vincitore del Premio Irizar del Cinema Basco e Menzione speciale del Premio Signis all’ultima edizione del Festival di San Sebastian, riesce a dire allo spettatore. Asier Altuna si diverte a catturarci con la bellezza disarmante e algida delle immagini e ci lascia vagare quasi liberamente negli spazi in cui ci ha persuaso a restare.

Un film che parla dell’appartenenza dell’essere umano alla vita, governata da equilibri instabili eppure indistruttibili. Vita e natura, natura e arte si fondono e tutto ciò che accade nel frattempo sembra essere frutto di un unico grande disegno.

Dark Places – I luoghi oscuri è un film diretto e sceneggiato da Gilles Paquet – Brenner (La chiave di Sara e L’occasione di Marie) che adatta per il grande schermo l’omonimo romanzo di grande successo scritto da Gillian Flynn ( autrice anche di Sharp object e L’amore bugiardo entrambi grandi e recenti casi editoriali ). Dark Places è un thriller avvincente ed enigmatico ambientato in un’inquietante provincia americana, quella del Kansas, in cui Libby Day, interpretata da una sempre bravissima Charlize Theron, si muove tra atmosfere cupe e personaggi border-line.

In Dark Places – I luoghi oscuri Libby Day (Charlize Theron) è l’unica testimone e superstite di una strage familiare in cui ha perso madre e due sorelle. La sua testimonianza oculare ha portato all’arresto dell’unico vero sospettato, il fratello Ben (Tye Sheridan e Corey Stoll), giovane difficile ed introverso su cui già pendevano accuse di molestie su minori e satanismo.

Passano quasi trent’anni che Libby vive alla giornata senza mai crearsi una vera vita ma sfruttando le donazioni di chi per anni ha solidarizzato con il suo dramma. Finiti i soldi, Libby si trova costretta ad accettare l’ingaggio del Kill Club, un manipolo di esaltati ed ossessionati dai casi famosi di cronaca nera che conduce indagini per proprio conto. Libby sarà costretta a rimestare il suo orrendo passato e a riaprire antiche ferite ma presto capirà che forse non tutto andò come aveva sempre creduto.

Presente e passato che si intrecciano continuamente, un passato che si svela molto diverso da quello immaginato dalla protagonista che di volta in volta ne scopre una piccola parte attraverso le testimonianze di personaggi dalla vita, a loro modo, rovinata dai fatti di quella tragica notte. Flash back che costellano la sceneggiatura e che trovano con il presente un’armonia funzionale e che permette allo spettatore di ricostruire quanto successo ventotto anni prima.

In Dark Places – I luoghi oscuri la bella Charlize fatica a nascondere la sua avvenenza sotto un berrettino sudicio ed abiti sgualciti, il look sciatto di questo personaggio alla deriva non può certo intaccare la sua bellezza; ma l’attrice australiana sguazza, come al solito, in questi ruoli di donne perdute e in conflitto col mondo che sembrano suscitare in lei un fascino irresistibile.

Dark Places – I luoghi oscuri è retto per buona parte del film da una sceneggiatura intrigante e stimolante, tensione a giuste dosi e un buon grado di mistero ma se il film ha un difetto è quello di eccedere, nel finale, con un intreccio che perde il filo o forse, semplicemente, mette troppa carne sul fuoco. Un film comunque consigliato, ben diretto e confezionato oltre che sorretto da un cast valido che oltre alla bella protagonista vanta la presenza della giovane e talentuosa Chloë Grace Moretz (Le paludi della morte, Carrie e Hugo Cabret) giovane astro nascente di Hollywood   e del giovane e promettente Tye Sheridan già sul taccuino dei migliori registi.