Il regista di fama Tim Burton torna al cinema con un film in animazione stop-motion (passo a uno) Frankenweenie, adattamento in stop motion di un cortometraggio omonimo realizzato dallo stesso Burton nel 1984, chiaramente ispirato al romanzo Frankenstein di Mary Shelley.

In Frankenweenie il piccolo Victor Frankenstein assiste alla tragica morte del suo amato cagnolino Sparky, investito da un automobile per recuperare una palla finita in strada. Dopo momenti di tristezza profonda, Victor ha un idea folgorante, scaturita durante le lezioni di scienze di un arcigno professore dai metodi strampalati. Emulando gli esperimenti di Galvani sulle rane, Victor appronta un laboratorio in soffitta e restituisce la vita a Sparky sfruttando l’elettricità dei fulmini. Ma qualcuno lo spia, è invidioso, e darà il via ad un gioco strambo e molto pericoloso per la tranquilla cittadina di New Holland.

Frankenweenie riporta Tim Burton nell’animazione stop-motion

Terza incursione di Tim Burton nell’universo dell’animazione stop-motion dopo Nightmare before Christmas e La Sposa Cadavere, bisogna dire che quando questo avviene ci troviamo veramente di fronte all’anima più profonda e spontanea dell’autore. A differenza degli ultimi suoi film con attori, qui tutto funziona alla perfezione, il racconto cattura e avvince, si provano sentimenti sinceri per i vari personaggi, anche per quelli meno importanti, e soprattutto si sogna. Frankenweenie è il rifacimento ampliato di uno dei suoi primi lavori. Si trattava di un mediometraggio in bianco e nero prodotto dalla Disney, con Shelly Duvall come protagonista e già pregno di tutta la poetica e lo stile di Tim Burton. Nella nuova versione la storia rimane la medesima, ma viene arricchita e popolata di un riuscito microcosmo di personaggi, ognuno perfettamente caratterizzato.

Oltre a Victor, Sparky e ai genitori, c’è un odioso vicino con la nipote Elsa e la sua cagnolina Persefone (con la stessa acconciatura di Elsa Lancaster in La moglie di Frankenstein), Edgar, un ragazzino disadattato, maligno e pasticcione, il signor Rzykruski, l’insegnate di scienze, dalle fattezze incredibilmente simili a quelle di Vincent Price, il Signor Baffino, il gatto di Stranella. E poi ci sono una serie di mostri che omaggiano tutto il cinema di fantascienza degli anni 50-60, ma anche quello più recente di Joe Dante; come non riconoscere nelle scimmiette d’acqua un affettuoso omaggio ai Gremlins?

L’animazione, ad opera di Trey Thomas, è strepitosa, anche se non perfetta come nel precedente film La Sposa Cadavere. Alcuni materiali, come lana, pelo, erba, non obbediscono agli animatori e si ribellano. Ma sono proprio queste piccole imperfezioni, sottolineate da uno splendido bianco e nero, a conferire all’opera il pregio dell’artigianalità, elevandola così a qualcosa di unico e personale, dando scacco matto all’animazione di sintesi 3D, ormai, in una fase di stallo. I disegni semplici ed elementari di Tim Burton acquistano tridimensionalità, e si arricchiscono di delicate texture che caratterizzano la loro pelle, piccoli graffi o segni di spatola che ricordano il tratteggio delle opere di Edward Gorey. I materiali dei costumi sono strepitosi e sembra di poter toccare i maglioni di lana grossa fatti a mano e i cenci da laboratorio intrisi di ripugnanti sostanze. E’ un film da vedere assolutamente, andando prima però a riscoprire il Burton delle origini e i suoi primi lavori, in particolare il cortometraggio Vincent.

Gabriele Muccino torna al cinema dopo Sette Anime, e lo fa con Quello che so sull’amore: una commedia sui sentimenti, sulla maturità e sulla necessità di crescere. Il regista italiano trapiantato a Hollywood racconta la storia di un ex calciatore professionista che cerca di recuperare il rapporto con il figlio, mentre la sua ex moglie sta per risposarsi. Impantanato in un’esistenza infantile, il protagonista di Quello che so sull’amore si trova una via di salvezza nella relazione con suo figlio, diventando l’allenatore della sua squadra di calcio e suscitando grande scompiglio nelle mamme single dei ragazzini. Alla fine però, il nostro cercherà di emergere dal baratro del fallimento innescando una serie di reazioni impreviste e cominciando, per la prima volta, a prendersi delle responsabilità verso le persone che ama.

Il film di Muccino è una storia semplice e lineare, che dall’inizio annuncia il suo lieto fine, con uno svolgimento un po’ insolito per il regista, che in Italia ci aveva abituato a storie tragiche e donne isteriche. Quello che so sull’amore non racconta nulla di tutto ciò, mostra solamente, in tono purtroppo piatto, una piccola parte della vita di una persona, nel momento in cui decide di diventare un uomo diverso. Ad interpretare il protagonista è Gerard Butler, affiancato da un gruppo di bellissime capeggiato da Jessica Biel, a cui fanno seguito Catherine Zeta-Jones e Uma Thurman.

Piccolo e colorito ruolo anche per Dennis Quaid che sembra calato a pennello nel personaggio del viscido riccone. Il film arriva in Italia dopo un sonoro insuccesso al botteghino in America che ha fatto discutere molto intorno alla validità del film. In realtà, lungi dall’essere un film di Muccino, quello in questione è una classica commedia americana a sfondo romantico, in cui dopo tante scelte sbagliate i protagonisti si ritrovano e si perdonano. Unica nota diversa è che il film manca di brio e di spinta, rivelandosi un ozioso trascinarsi in avanti di scene, legate da una trama, ma senza nessun sobbalzo emozionale. Un po’ in ombra anche la colonna sonora del sempre bravo Andrea Guerra, che continua la fortunata collaborazione con Muccino, ma che qui si distingue un po’ meno rispetto al suo solito.

Sappiamo però bene che Gabriele riesce a realizzare ottimi film, e anche in questo caso, la sua regia accompagna di discrezione gli eventi, riservandosi qualche guizzo estetico, senza però strafare. Quello che so sull’amore è un film godibile, senza pretese, che siamo sicuri possa riscuotere un buon successo qui in Italia, soprattutto considerando il forte seguito che il regista continua ad avere in patria.

Con Cloud Atlas – L’Atlante delle Nuvole, lo scrittore David Mitchell ha realizzato una vera e proprio Odissea moderna, che parte dal ‘600 per arrivare in un fantomatico tempo post-apocalittico in cui l’uomo è regredito allo stato di pastore, come conseguenza dell’avidità di pochi. Adesso questo grandissimo ed affascinante romanzo è diventato un film, adattato per lo schermo e diretto a sei mani da Lana Wachowski, Tom Tykwer e Andy Wachowski.

Cloud Atlas, la trama

Lo straordinario apparato narrativo di Mitchell diventa, nelle mani dei registi, un alternarsi rapido e serrato di tempi storici, momenti drammatici e esilaranti, storie, passioni, amori, dolori e viaggi. E’ molto difficile sintetizzare la trama del film (e del libro), per cui basterà dire che la storia segue la parabola discendente della storia umana attraverso sei storie ambientate in periodi storici diversi e tra di loro connesse in maniera più o meno diretta, riprendendo con grande omogeneità di stili e temi, il tema fondamentale del film: la connessione tra ogni essere vivente attraverso le conseguenze delle nostre azioni. Proprio in questo nodo sta la fondamentale differenza del film dal romanzo, poiché nel secondo quello che sembra essere il tema portante è semplicemente l’uomo e la sua brama di attraversare la storia, legandosi poi inevitabilmente a quelli che gli sono intorno.

La grande pecca del film è però quella di lasciar andare con troppa facilità la peculiarità del romanzo di partenza, ovvero il diverso stile con cui viene raccontata ogni singola storia. In Cloud Atlas, l’unica cosa a cambiare è l’ambientazione e i personaggi, ma mai lo stile della regia, che rimane omogeneo e unificante.

Cloud Atlas l’uomo al centro della narrazione

Cloud Atlas si fregia di un cast artistico di prima grandezza, che vede i tanti attori impegnati in vesti diverse a seconda dell’epoca che viene raccontata, e così Tom Hanks può essere un pastore valligero o uno scienziato che lavora in una centrale nucleare, e Halle Barry passa con disinvoltura dalla giornalista al medico secessionista che aiuta dei ribelli a scappare in un lontano futuro. Si uniscono al cast anche Jim Broadbent, il fedele Hugo Weaving che per i Wachowski è sempre pronto ad indossare le sue varie e superbe maschere da cattivo, Jim Sturgess, Doona Bae, Ben Whishaw, James D’Arcy e in piccoli ruoli anche Susan Sarandon e Hugh Grant.

La scelta di trasformare gli attori e di adattarli alle varie storie si sposa alla perfezione con l’idea di base del film, che vuole connesso tutto l’universo tramite le azioni umane, e così quella coppia che in una storia non ha potuto godere della felicità, si ritroverà in un’altra epoca, in un altro mondo a ricongiungere quei fili destinati a legarsi. Sono diverse le scene in cui si sente in maniera preponderante la mano registica dei Wachowski, ma è altrettanto vero che tutto il film non mostra tutta la spettacolarità promessa dal trailer e soprattutto dai nomi coinvolti. Il vero punto di forza del film è che nonostante i viaggi e le avventure che vengono raccontate, il nucleo di tutto è semplicemente l’uomo, con le sue imperfezioni e le sue paure, con la sua immortalità che si rivela nella conseguenza delle proprie azioni e con la sua straordinaria e imperitura capacità di amare.

L’intimità di Cloud Atlas travalica ogni aspettativa, raggiunge le viscere e corona un grande film.

Arriva anche nelle sale cinematografiche italiane A Royal Weekend, il film che racconta in chiave leggera la nascita dell’alleanza tra Stati Uniti e Gran Bretagna prima del catastrofico secondo conflitto mondiale.

A Royal Weekend racconta le note vicende del giugno 1939, quando il Presidente Franklin Delano Roosevelt e sua moglie Eleanor ospitano il re e la regina di Inghilterra per un weekend nella loro casa di Hyde Park on Hudson. La prima visita di un monarca inglese in America sarà l’occasione per una speciale relazione tra i due Paesi, ma anche per una profonda comprensione dei misteri dell’amore e dell’amicizia.

A Royal Weekend, il film

Quello che appare più ovvio dall’inizio del film e che in fin de conti è l’unica nota positiva di A Royal Weekend è l’aver scelto due interpreti come Bill Murray (nel ruolo del presidente Franklin Delano Roosvelt) e Laura Linney (in quello della cugina Daisy Suckley), abili nel regalare ad una storia mal sviluppata, due notevoli performance attoriali, che confermano l’enorme talento dei due interpreti. Invece, quello che colpisce in negativo del film è la sua lentezza e l’assoluta inesistenza di ritmo, piaga insuperabile per un film che si presenta come una rivisitazione storica in chiave ironica di una dei momenti cruciali della storia del 900.

Questa mancanza è dovuta principalmente all’eccessivo utilizzo della voice over e all’ostinata intenzione di voler rappresentare gli eventi attraverso il punto di vista privilegiato del personaggio della cugina Daisy Suckley, i quali finiscono per diventare delle catene indissolubili per una narrazione che avrebbe meritato più margini di manovra. Ad esempio fra i pochi momenti degni del film c’è il dialogo solitario fra il Presidente e il Re, che per la prima volta permette allo spettatore di osservare la vicenda senza l’ingombrante filtro del personaggio di Daisy.

A Royal Weekend prosegue su quelle intenzioni diventando un manifesto stilizzato e manierista di una messa in scena (seppur degna) fine a se stessa. Infatti, la pecca più grande del film è di non riuscire a conferire all’aneddoto più importante (l’inizio di una salda amicizia fra due potenze), il degno e meritato spazio, offuscato da una giostrina sulla quale le uniche a divertirsi sono le interpreti femminili e il regista. Per finire, altra nota di merito va dedicata ad alcune battute degne del più brillante umor inglese, senza quella fastidiosa aurea di presunzione.

Con La scoperta dell’alba la regista Susanna Nicchiarelli è al suo secondo lungometraggio, tratto dall’omonimo romanzo con cui Walter Veltroni ha fatto il suo esordio nel mondo della narrativa.

In La scoperta dell’alba il Professor Mario Tessandori viene ucciso con sette colpi di rivoltella da due brigatisti, nel cortile dell’università e sotto gli occhi di tutti. Muore tra le braccia di Lucio Astengo, suo amico e collega. Poche settimane dopo, Lucio Astengo scompare nel nulla. Siamo nel 2011. Caterina e Barbara Astengo, che avevano sei e dodici anni quando è scomparso il padre, mettono in vendita la casetta al mare della famiglia, oramai abbandonata da tempo. La casa è piena di ricordi di un’infanzia interrotta dalla sparizione del papà, di una famiglia spezzata e mai più ricomposta. In un angolo, c’è un vecchio telefono ancora attaccato alla presa. È uno di quei telefoni con la rotella, che fa nostalgia solo a guardarlo: Caterina solleva la cornetta e scopre che dà segnale di libero. Il fenomeno è inspiegabile, la linea è staccata, prova a fare dei numeri ma il telefono rimane muto… poi, quasi per gioco, le viene in mente di provare a fare il numero della loro casa di città di trent’anni prima. Questa volta, dall’altra parte sente squillare: le risponde una voce di bambina…

La scoperta dell’alba, il film

Dopo Cosmonauta, la Nicchiarelli adatta e riscrive il romanzo di Veltroni, trasformando il protagonista maschile in una donna priva dei cliché di cui soffriva il personaggio del libro che però trova un grande sbarramento nell’assenza di ritmo e nella capacità di rapire l’attenzione dello spettatore, inversamente proporzionale all’infittirsi del mistero. Sebbene la Nicchiarelli metta insieme un cast di attori che non hanno bisogno di mettersi alla prova, come la sempre ottima Margherita Buy o Sergio Rubini, che riesce a dare quel tono di leggerezza anche nei momenti più drammatici, poco felice risulta la scelta di cambiare la prospettiva della Buy, tendenzialmente ingabbiata nel ruolo della moglie depressa e tradita ribaltando l’asse e trasformandola di fatto in compagna traditrice e depressa. Così come poco vincente risulta l’inserimento di svariate storyline oltre a quello principale di dubbio interesse per il pubblico e per lo svolgimento stesso della narrazione.

Nota di merito va comunque alla regista che si riserva anche la parte di attrice, nel tentativo di portare una serie di elementi atipici per il cinema italiano in una pellicola dal soggetto interessante che purtroppo si scontra con il solito già visto di certo non aiutato da una sceneggiatura a volte banale o implausibile. Un esperimento riuscito a metà che non riesce a far empatizzare il pubblico con i personaggi ma che va comunque lodato per la prova a cui la regista sottopone il genere, nel tentativo maldestro di portare una ventata di novità.