In 7 Days in Havana: Sette giorni, sette episodi, uno per ogni giorno della settimana. Sette famosi ed affermati registi, che conoscono e amano Cuba, ci raccontano e ci presentano, ognuno a suo modo, un’ Avana inedita, nascosta e lontana dalle banalità turistiche tipiche del luogo. Una città unica e poliedrica dove i confini e i limiti tra sacro e profano, dramma e passione, sono labili e confusi; una città dove povertà e ricchezza convivono senza distinzioni nette e si mescolano in un clima dove musica e arte, religiosità e depravazione, si percepiscono nell’aria che si respira.

7 days in Havana è un film che parla di speranze disilluse o mai frustrate, è un film che racconta le difficoltà e le battaglie di chi invece della fuga sceglie di rimanere e lottare, giorno dopo giorno, moltiplicando le proprie attività nonostante una laurea in medicina. E’ un film che mostra l’Avana religiosa e unita da grande socialità popolare così come il suo volto superstizioso ed esoterico.

7 days in Havana è un film tratto da una serie di racconti firmati dal famoso scrittore cubano Leonardo Padura che per l’occasione ha curato anche la sceneggiatura di alcuni episodi. Padura è uno dei principali esponenti della cultura cubana nel mondo, figlio della generazione che ha fatto la rivoluzione e che durante la rivoluzione è cresciuto.

Nei sette episodi che coincidono con i sette giorni della settimana, i personaggi così come le storie si intersecano e i protagonisti di un episodio li ritroviamo come personaggi secondari in uno successivo. 7 days in Havana è un film a tratti intenso e sicuramente eterogeneo, ogni regista ha voluto raccontare la sua Avana secondo il proprio punto di vista e sopratutto secondo il proprio stile. Quasi documentaristico il modo scelto da Pablo Trapero per il suo “Jam session” in cui racconta la visita di Emir Kosturica, in perenne stato di ebbrezza alcolica, a Cuba per ritirare un premio per il suo film “Maradona”.

Uno stile sempre oscillante tra l’ironico e il poetico per il bravissimo regista palestinese  Elia Suleiman, “Diary of beginner”, che presenta l’episodio forse migliore pur rinunciando a veri dialoghi ma affidandosi a splendide istantanee dal grande impatto visivo ed emotivo. Cantet e Noe’ puntano su un’Avana mistica e fortemente immersa in una religiosità estrema e disperata che spesso tende a cedere a reminiscenze pagane e tribali, figlie di antiche e radicate superstizioni. Quindi gli episodi probabilmente più toccanti, “La tentacion di Cecilia” di Medem e “Dulce Amargo” di Tabìo, in cui alla vitalità e alla passionalità che serpeggia per le caotiche vie della città si contrappone il desiderio della fuga, vista come unica soluzione e scelta possibile per sfuggire alla miseria di ogni giorno.

Benicio del Toro apre il film con il primo episodio, “El Yuma”, cui sceneggiatura è stata curata dallo stesso Padura, ma onestamente è il corto che ha suscitato meno interesse, quello che è oggettivamente piaciuto meno. Il bravissimo attore, all’esordio dietro la macchina da presa, racconta senza convincere molto una storia alquanto pigra e banale in cui si inquadra un’ Avana notturna e spregiudicata dove gli eccessi e le stravaganze si accompagnano ad una quotidiana caduta dei costumi.

7 days in Havana è un film che racconta e descrive una città incredibilmente viva e vitale, nonostante i palazzi fatiscenti e dagli intonaci scrostati e le auto sovietiche che si alternano alle splendide vetture americane anni ’50. Un’Avana che vive nonostante l’embargo, nonostante le mille difficoltà quotidiane, i balck-out continui e le acrobazie di ingegneri e dottori che si inventano pasticceri o meccanici per comprare le scarpe ai propri figli. Un film che ci permettere di conoscere meglio una città e sopratutto chi la abita, non con gli occhi del solito turista occidentale ma con gli occhi di chi osserva questi ultimi non senza un pizzico di fastidio.

La musica, il ballo, l’intensità degli affetti, la voglia di scappare e la paura di farlo, la fede e la superstizione, un insieme di immagini, suoni e sensazioni che meritano di essere vissuti in queste due ore che scorrono piacevolissime. 7 days in Havana è stato prodotto dalla Fullhouse e dalla Morena Films in collaborazione con l’Havana Club che dal 2007 promuove finanziariamente iniziative per diffondere la cultura cubana nel mondo. Distribuito in Italia dalla BIM distribuzione, uscirà nelle sale il prossimo 8 giugno.

Anno: 1969

Regia: Kimio Yabuki

Con le voci di: Carlo Romano e Fabrizio Vidale (il gatto Pero nel 1968 e nel 2004), Paolo Torrisi e Alessio Puccio (Pierre nel 1968 e nel 2004), Francesca Fossi e Veronica Puccio (la principessa Rosa nel 1968 e nel 2004), Riccardo Garrone e Roberto Pedicini (Lucifero nel 1968 e nel 2004), Roberto Bertea e Sergio Tedesco (il Re nel 1968 e nel 2004).

Ironia, azione e dramma sono i tre elementi che il regista islandese Baltasar Kormàkur unisce, mescola e ri-impasta in Contraband. Eh sì, pur trattandosi di un film a basso budget, solo 25 milioni di dollari, sotto alcuni aspetti sembra che il cineasta abbia unito più elementi senza far combaciare alla perfezione gli ingranaggi.

Contraband regala agli spettatori una bella avventura, a volte mozzafiato, sul tentativo di Chris Farraday (Mark Wahlberg) di riscattare Andy (Caleb Landry Jones), fratello piccolo della sua sposa, che immischiato in affari loschi, non porta a termine come previsto il suo compito e si trova in debito con lo spietato boss Timm Briggs (Giovanni Ribisi). L’alta morale e il senso di protezione di Farraday lo porteranno ad occuparsi del cognato e a riaprire un capitolo che doveva rimanere totalmente chiuso: il contrabbando. Così, grazie ai contatti del padre, personaggio rispettato nel mondo mafioso ma bloccato in carcere a vita, riesce a imbarcarsi in una nave cargo per raggiungere Panama e ottenere la somma di denaro necessaria per rimettere le pedine nella posizione di stasi.

Gli imprevisti non mancano, ma da buon film che ha ottenuto 70 milioni di dollari al botteghino negli States, il buon e intraprendente Farraday riesce a cavarsela e da salvatore della situazione scioglie ogni enigma e riporta le cose alla fase di allegria e leggerezza con cui inizia il film. Il cast di Contraband è di grande spessore, e Mark Wahlberg, attore protagonista e produttore del film, vede al suo fianco un’interpretazione compiuta e affascinante di Ben Foster nel ruolo del suo migliore amico Sebastian Abney e un arrogante a cattivissimo Giovanni Ribisi nei panni di Tim Briggs.

Nonostante dei protagonisti di alta fama internazionale, i personaggi di Contraband sembrano non essere sviluppati all perfezione e si incastrano con difficoltà nella trama del film piuttosto scontata. Tim Briggs al comando della sua gang, appare come un uomo sprezzante e senza scrupoli che però si trasforma in un docile agnellino al cospetto di Sebastian Abney. Quest’ultimo dal canto suo, malgrado la posizione rivestita di imprenditore alla luce del sole e vero boss di traffici illeciti nella sua realtà, appare come un dandy che si circonda di bellezze effimere, alcolista nei suoi periodi di difficoltà, amico fedele e imprescindibile per Farraday ma al contempo alto traditore, viscido negli atteggiamenti e non così sottile nei ragionamenti come potrebbe sembrare.

Contraband girato tra New Orleans e Panama City diventa accattivante nelle scene di combattimento.

Abbiamo rivisto La mia vita è uno zoo, il film diretto da Cameron Crowe tratto dal romanzo autobiografico di Benjamin Mee, e possiamo dire che rappresenta uno dei lavori più sinceri e sottovalutati del regista premio Oscar. Un’opera che parla di perdita, di ricostruzione e di quel piccolo miracolo quotidiano che chiamiamo “ricominciare”. Con un cast d’eccezione – Matt Damon, Scarlet Johansson, Elle Fenning e Thomas Haden Church – La mia vita è uno zoo fonde dramma familiare, commedia e racconto di formazione con la delicatezza e la sensibilità tipiche di Crowe.

Un padre, due figli e un sogno impossibile

Benjamin Mee (Matt Damon) è un padre rimasto vedovo dopo la morte prematura della moglie Katherine. Disorientato e incapace di trovare un senso alla vita, decide di lasciare la città e trasferirsi in campagna insieme ai suoi due figli, il ribelle adolescente Dylan e la piccola Rosie, per ricominciare altrove. Il luogo scelto per il nuovo inizio è un vecchio zoo in disuso, circondato dalla natura ma ormai in rovina. Nonostante l’apparente follia dell’impresa, Benjamin decide di acquistarlo, convinto che la rinascita di quel posto possa coincidere con la rinascita della propria famiglia.

Accanto a lui c’è Kelly (Scarlett Johansson), la determinata responsabile dello zoo, che crede ancora nella possibilità di restituire vita agli animali e speranza alle persone. Tra loro nasce un legame profondo, fatto di rispetto reciproco e di una dolcezza mai forzata, che diventa il cuore emotivo del film.

Il cinema empatico di Cameron Crowe

Con La mia vita è uno zoo, Crowe torna a esplorare uno dei suoi temi più cari: la resilienza di fronte al dolore. Già in Jerry Maguire e Elizabethtown aveva raccontato protagonisti alle prese con crisi personali e professionali, ma qui la riflessione si fa più intima e universale.
La perdita della moglie non è solo il punto di partenza della storia, ma il prisma attraverso cui il regista indaga il rapporto tra dolore e speranza. Benjamin non cerca di dimenticare, ma di trasformare il lutto in un atto d’amore verso la vita stessa.

L’approccio di Crowe è empatico e mai retorico: il dolore non viene spettacolarizzato, bensì interiorizzato, restituito attraverso gesti quotidiani, sguardi, silenzi e piccoli progressi. La sceneggiatura alterna con equilibrio momenti comici e malinconici, riuscendo a fondere leggerezza e profondità in un racconto che scorre con naturalezza.

Un film sul coraggio di rischiare

La vera chiave di lettura del film è il concetto di coraggio. “A volte bastano venti secondi di coraggio folle” dice Benjamin in una delle frasi più celebri del film. È una sintesi perfetta dello spirito croweiano: affrontare la vita anche quando non ci sono certezze, lanciarsi nel vuoto per scoprire che, forse, si può ancora volare.

Il regista costruisce attorno a questa idea un racconto di rinascita che vale tanto per il protagonista quanto per i personaggi secondari. Kelly, ad esempio, è una donna che ha sacrificato tutto per il suo lavoro; Dylan è un adolescente che, dopo la perdita della madre, deve imparare a gestire la rabbia e a riconnettersi con il padre. Tutti cercano un modo per riappropriarsi della propria vita, e lo zoo diventa la metafora perfetta di quel processo: uno spazio ferito ma vivo, che può tornare a brillare se qualcuno ha il coraggio di crederci.

La regia e la scrittura: equilibrio tra emozione e misura

Crowe riesce a evitare le trappole del sentimentalismo, mantenendo il tono sempre misurato e realistico. Il merito è di una scrittura intelligente, che non forza mai la commozione ma la lascia emergere spontaneamente dai personaggi. I dialoghi, asciutti e pieni di ironia, restituiscono la complessità dei rapporti familiari senza mai scadere nel cliché. Allo stesso modo, la regia predilige inquadrature ampie e luminose, che amplificano la sensazione di libertà e rinascita.

La colonna sonora, come in ogni film di Crowe, gioca un ruolo centrale. Le musiche originali di Jónsi (frontman dei Sigur Rós) accompagnano il racconto con una poesia sonora che amplifica i momenti di malinconia e di gioia, rendendo l’esperienza emotiva ancora più completa.

Il cast e le interpretazioni

Matt Damon offre una delle sue interpretazioni più toccanti e contenute. Il suo Benjamin è un uomo comune che affronta un dolore straordinario, e Damon riesce a trasmettere ogni sfumatura di smarrimento e forza interiore. Accanto a lui, Scarlett Johansson interpreta Kelly con autenticità e naturalezza: non una figura salvifica, ma una donna concreta, fragile e determinata. Elle Fanning porta sullo schermo una dolce energia, mentre Thomas Haden Church aggiunge leggerezza e ironia nel ruolo del fratello di Benjamin. Ma è la piccola Maggie Elizabeth Jones, nel ruolo della figlia Rosie, a conquistare il pubblico con la sua spontaneità e dolcezza disarmanti.

Tra realismo e fiaba contemporanea

La mia vita è uno zoo è una fiaba moderna, ma radicata nella realtà. La presenza degli animali e la cura con cui Crowe li filma non sono mai decorativi: rappresentano la connessione dell’uomo con la natura e la possibilità di guarire attraverso la cura dell’altro. Il film, pur non nascondendo le sue venature melodrammatiche, riesce a costruire una narrazione sincera e luminosa che parla di ricostruzione, empatia e fiducia.

C’è una purezza nello sguardo di Crowe che lo distingue da molti altri registi contemporanei. Non è un film per cinici: La mia vita è uno zoo è un inno alla vulnerabilità come forma di forza, alla gentilezza come atto rivoluzionario.

Cameron Crowe firma un film semplice ma profondamente umano, capace di toccare corde universali. La mia vita è uno zoo racconta che la felicità non è l’assenza del dolore, ma la capacità di trovare bellezza anche dopo una perdita. È un film per chi cerca nella vita – e nel cinema – la possibilità di ricominciare.