L’arte di arrangiarsi (The Art of Getting), ultimo film diretto da Gavin Wiesen, uscirà nelle sale italiane il 5 agosto con il titolo tradotto L’arte di arraggiarsi. La storia racconta di George (Freddie Highmore), un giovane adolescente che per la sua apatia, solitudine e mancanza apparente di emozioni e di buona volontà rischia di non superare il suo ultimo anno di liceo, compromettendo il suo futuro. Viene descritto fin dalle prime scene, uno studente dotato di un talento particolare nel disegno, ma che a causa della sua indifferenza verso le regole e dell’intenzione di non trovare stimoli nella vita, è praticamente un fallito a livello sociale e accademico. E’ sicuramente un artista, ma senza idee.

Un giorno, però incontra Sally (Emma Roberts), una sua compagna di corsi, è bella e intrigante; i due trovano un punto di contatto e diventano amici. Lei provoca una trasformazione in lui: lo introduce a una vita più avvincente e meno solitaria. Come ogni storia di adolescenti e non, l’amicizia si trasforma in qualcos’altro…causando inevitabili squilibri e cambiamenti. Il plot principale è incentrato proprio su questa pseudo amicizia, che fin da subito comprendiamo possa portare ad altro, soprattutto dalle attenzione che il giovane George riserva a Sally. Fanno da sfondo altri problemi da affrontare, come i difficili rapporti con le rispettive famiglie, i problemi a scuola e l’alto rischio di bocciatura del protagonista.

Dopo aver visto L’arte di arrangiarsi, si evince che probabilmente il regista ha voluto raccontare una storia generazionale: di George ormai ne è pieno il mondo. Lui rappresenta quei giovani che si sentono quasi obbligati a non credere più a niente, trovando una scusa per non impegnarsi, per non appassionarsi, perché le passioni conducono a indispensabili sacrifici, che pochi ormai sono disposti a fare. Nonostante questo importante tema sociale, L’arte di arrangiarsi risulta troppo semplice, nell’accezione negativa del termine. È una storia comune, già sentita e vista soprattutto nel cinema americano. Non esprime molto. Ci sono dei momenti in cui la sceneggiatura può colpire lo spettatore e farlo sorridere e anche la musica si fonde bene con le scene. Il suo problema risiede nella trama, banale e già sentita.

Joe Wright, uno dei registi inglesi più ‘britannici’ in circolazione, ha stregato pubblico e critica, a suo tempo, con due pellicole (quasi) perfette. Espiazione e Orgoglio e Pregiudizio l’hanno lanciato nell’Olimpo dei grandi cineasti, con un immediato riconoscimento anche da Hollywood che l’ha premiato con 10 nomination agli Oscar e adesso porta sul grande schermo la sua nuova storia, Hanna.

Attraversato l’oceano, Wright ha realizzato Il Solista, che per molti versi è un film decisamente minore a quelli che ci aveva offerto precedentemente Joe. Con Hanna, il regista si assume quindi il compito di riprendersi quegli spettatori (e quei critici) che lo avevano abbandonato nella sua terza regia.

Hanna è un’adolescente dalla pelle candida, gli occhi di ghiaccio e i capelli biondissimi e arruffati, vive in nei boschi del nord Europa, con un padre che giorno dopo giorno la addestra a diventare un soldato perfetto, in grado di combattere, sopravvivere e soprattutto uccidere. Vissuta per 16 anni in questo deserto di ghiaccio, Hanna si troverà catapultata nel mondo vero e con enorme meraviglia, vi troverà tutte le cose di cui aveva solo letto: l’elettricità, la musica, le altre persone. Ma soprattutto la ragazza verrà a conoscenza delle sue origini e dovrà fare i conti con una donna dai capelli color del fuoco e dall’animo di ghiaccio: la donna che deve uccidere.

Wright cambia marcia, ci fa dimenticare corsetti e sottovesti e ci catapulta in un universo freddo e spietato, offrendoci un lussuoso saggio di regia che stona con una sceneggiatura nel finale un po’ fiacca. Se tutta la prima parte del film incalza lo spettatore e lo incolla alla poltrona, a metà film l’esigenza di scoprire e sapere, insieme ad Hanna, maggiori dettagli e giustificazioni diventa una snervante attesa di conoscenza che alla fine lascia insoddisfatti. Il finale scialbo è forse quello che di peggiore c’è in un film per altri versi decisamente notevole.

Abbiamo già accennato all’incredibile capacità registica di Wright, che rimanendo fedele alla sua cifra stilistica per eccellenza, il piano sequenza, ne altera le movenze eleganti per adattarle a quelle della musica, firmata The Chemical Brothers, e dando un ritmo vincente alla fuga e alla caccia che nel film accompagnano i personaggi.

Fondamentale è la giovane protagonista Saoirse Ronan, che con Wright in Espiazione aveva conquistato la sua prima nomination agli Oscar, e che qui dimostra talento e profondità espressiva. La sua Hanna si trasforma da preda a cacciatore con una duttilità disarmante rendendo ancora più avvincente la storia e confermando l’immenso talento della piccola protagonista di Amabili Resti.

Accanto a lei la divina Cate Blanchett, villain di turno, che con i soli occhi trasmette timore nel ruolo dell’agente speciale Marissa Wiegler. In ombra invece Eric Bana nei panni del padre di Hanna, Erik, troppo preoccupato di preoccuparsi per riuscire a ‘far funzionare’ il suo personaggio.

Il lupo diventa Cappuccetto Rosso e viceversa, in un mondo reale che Wright ha fuso con quello fiabesco ma inquietante del Fratelli Grimm, non dimenticando nemmeno la casetta di marzapane.

Hanna rappresenta sicuramente una rinascita per Wright, che si mette nuovamente in gioco con una storia e un genere straordinariamente distanti dal suo solito, e il regista si rivela all’altezza di questa nuova fatica.

Joe Wright è tornato.

Sicuramente ricorderemo tutti quei film in cui l’insegnamento diviene una vera e propria missione. Bene, Bad Teacher è la prova di come, a volte, questo mestiere sia unicamente una necessità.

In Bad Teacher Elizabeth Halsey (Cameron Diaz), maestra di scuola media dai metodi poco ortodossi, alcolizzata e con una canna sempre pronta per l’occasione, insegnerà solo fino a quando il proprio ricco fidanzato non la sposerà. Ma tutti i suoi piani saltano quando viene lasciata e si trova ad affrontare un altro anno scolastico unicamente con l’obbiettivo di pagarsi l’affitto e riuscire a rifarsi il seno. Alla costante ricerca di un uomo che la mantenga, si troverà in conflitto con la collega Amy (Lucy Punch) per la conquista del professore nuovo arrivato Scott (Justin Timberlake).

Il lungometraggio diretto Jake Kasdan si colloca perfettamente tra le commedie mediocri per le quali lo spettatore non andrà oltre il sorriso sporadico, senza riuscire a ridere di gusto. Il personaggio di Elizabeth, interpretato da una Cameron Diaz che tanto ci aveva fatti ridere in precedenti gioielli della commedia (Tutti pazzi per Mary su tutte), è scritto in maniera efficace solo per la prima parte della storia, diventando poi sciatto nella seconda metà. La caratterizzazione di Mrs. Halsey è esattamente come il suo personaggio: superficiale, tanto che l’unica sua motivazione, pur praticando il nobile mestiere dell’educatrice, è solo quello di guadagnare per pagarsi un paio di tette nuove. Il risultato però è un grande senso di vuoto in sala.

L’unico personaggio degno di nota è quello di Russell Gettis (Jason Segel), impacciato professore di ginnastica ripetutamente rifiutato dalla bella Elizabeth. Spinto dalla voglia di conquistare la bionda cattiva maestra, si dimostrerà disperatamente motivato nel suo intento di catturare l’attenzione di quella professoressa sopra le righe, armato unicamente della sua semplicità. Nonostante le commedie per adulti sembrano prendere sempre più piede, questo risultato di bassa comicità non troverà facili consensi nel pubblico, ma chi vorrà passare una serata senza troppe pretese si ritroverà sicuramente in sala a vedere Bad Teacher, magari riuscendo anche a scovare nel sottotesto un messaggio morale.

Dopo le svariate avventure televisive alla ricerca di leccornie di tutti i tipi e di tutti i gusti, Yoghi e Bubu diventano trimensionali e passano al grande schermo. L’orso Yoghi 3D, il nuovo film d’animazione di Eric Brevigh – già regista di Viaggio al centro della Terra 3D – unisce modellini CGI, computer grafica e divertenti attori comici americani: Tom Cavanagh, Anna Faris e T. J. Miller.

In L’orso Yoghi 3D Yellistone Park vive un momento di crisi finanziaria: il sindaco Brown decide, allora, di tagliare tutti gli alberi secolari e trasformarlo in un terreno edificabile. Mentre il ranger Smith viene assunto per tenere in ordine il giardino comunale, Yoghi e Bubu sono costretti a diventare orsi “normali”. Quando viene scoperta l’esistenza di una rarissima specie di tartaruga, la tartaranaruga (nata dall’incrocio tra una rana e una tartaruga), il parco naturale, per legge, non può più chiudere. Riusciranno i nostri eroi a fermare in tempo il crudele sindaco Brown?

Dalla sceneggiatura di un film incentrato sulle rocambolesche creature di Hanna e Barbera, non ci si poteva aspettare molto. E infatti, gli sceneggiatori Brad Copeland e Joshua Sternin non hanno certamente brillato di originalità. Yoghi e Bubu, anche nel 2011, sono stati ritratti come due orsi parlanti capaci soltanto di rubare i cestini da pic nic dei visitatori e combinare guai. Sebbene, dunque, un pubblico infantile possa godere dell’illusione che gli attori dialoghino e abbraccino davvero gli animali, a uno spettatore leggermente più attento, non sfuggono certamente gli errori di collisione. Se con Alvin Superstar e il recente Hop l’esperimento era riuscito, L’Orso Yoghi 3D non riesce a fondere il live action con la computer grafica.

I personaggi, infatti, spesso non guardano in direzione dei modellini CGI, i protagonisti sono poco integrati nel paesaggio e il movimento dello loro bocche poco (e male) si sposa con il doppiaggio. Il problema principale, però, è probabilmente la mancanza di credibilità di Yoghi: troppo spensierato e gioviale per un mondo in cui l’ingenuità, spesso, viene confusa con la ridicolaggine.

Non è un’illusione: esistono ancora film per bambini che hanno una morale. Abbandonati gli effetti speciali e l’uso abbondante del 3D, questi rari prodotti hanno lo scopo di mandare un messaggio ai pargoletti che guardano il cartone animato. Non importa, dunque, se la qualità dei disegni non è la migliore sulla piazza, né che il colore non è splendente come pochi: l’unica cosa che conta, è far riflettere chiunque sia predisposto alla visione. Brendan e il segreto di Kells, film d’animazione degli irlandesi di Tomm Moore e Nora Twomey è, decisamente, uno di questi. La storia è quella del piccolo Brendan, un orfano cresciuto con uno zio troppo impegnato a fare l’abbate del piccolo paesino di Kells e a difenderlo dall’attacco dei Normanni, per accorgersi della bellezza delle cose semplici, quotidiane, naturali.

Quando arriva in città Padre Aidan, il bambino scopre l’importanza della scrittura come possibilità di raccontare (e, quindi, tramandare) ai posteri la storia e la cultura di un popolo. La fantasia e i sentimenti, però, non vanno mai dimenticati: ecco perché Aisling, la fata della foresta, la bambina dai capelli lunghi come Rapunzel, aiuta Brendan nella sua missione. Il tempo passa, Padre Aidan muore, il piccolo Brendan diventa un giovane uomo, e il sapere del libro inizia a fare il giro del mondo….

Davvero molto bello Brendan e il segreto di Kells, film d’esordio del disegnatore Tomm Moore che, matita alla mano, ha concepito un modo carino, divertente e colorato, per spingere ogni spettatore ad uscire dal guscio per affrontare le proprie paure. Anche quando sembra che tutto sia perduto, infatti, non bisogna mai dimenticare che la bellezza è racchiusa in ogni cosa, per quanto piccola possa essere. Come Mia e il Migù, anche Brendan e il segreto di Kells è un film basato sul valore degli affetti, sul rispetto della natura e sulla gioia di vivere. Una piccola perla in 2D che, con la musica di 2001: Odissea nello spazio, ci invita a (ri)guardare il nostro mondo con occhi nuovi e ad assaporarne ogni piccolo frammento.