Dopo qualche ora di sonno eccoci qui a commentare i premi che questa notte sono stati dispensati ai commensali illustri per la 70esima edizione dei Golden Globe 2013.

Un nome risuona con vigore: Ben Affleck. Questo ragazzone di Boston che ha cominciato la sua carriera con un Oscar (condiviso con l’amico e collega Matt Damon) e che poi è stato un po’ dimenticato per una serie di scelte sbagliate come attore; dopo diversi anni, Ben ha rovato il coraggio e la maturità per seguire la sua vera vocazione, la regia. Ed ora sta cominciando a raccogliere i frutti del suo lavoro, in mezzo a candidati concorrenti di tuto rispetto, tra cui (mio Dio!) Steven Spielberg, vrso il quale Affleck non dimentica di guardare mentre accetta il suo premio. Da parte sua orgoglio e grande rispetto che i grandi registi candidati con lui. Ma il trionfo di Ben è perfetto solo quando al suo Argo viene assegnato anche il premio per il miglior film drammatico. Con lui ad accettare il premio un gongolante George Clooney che dimostra di avere talento anche come produttore, oltre che come regista e attore.

E proprio di attori andiamo a parlare adesso, con le sei categorie che li vedono coinvolti. Cominciamo subito dalle signore, e che signore! Tre donne splendide e magnifiche attrici si sono divise i premi: Anne Hathaway ha vinto per la migliore non protagonista ed è probabile che farà doppiettà con l’Oscar; le altre due premiate, Jennifer Lawrence per la migliore performance comica e Jessica Chastain per la migliore performance drammatica, sono invece le principali contendenti per l’Academy Award, e sarà decisamente una bella lotta! Pronostici un po’ sballati invece per gli attori che hanno visto trionfare come miglior non protagonista Christoph Waltz, al posto di quel Tommy Lee Jones tanto osannato (a ragione!) dalla critica. Anche per quanto rigurada il migliore attore, i vicnitori nelle due categorie principali Daniel Day Lewis e Hugh Jackman, rispettivamente miglior attore drammatico e miglior attore in musical o commedia, sono i due maggiori contendenti all’Oscar per il miglior protagonista. Un po’ d’amaro in bocca resta a Bradley Cooper, che vedendo la partner trionfare per Il Lato Positivo, pensava forse di bissare il successo dei Critics Choice Awards. Non preoccuparti Bradley, stai crescendo come attore, arriverà anche il tuo momento!

Come tutti si aspettavano, Les Misérables ha vinto il premio per il migliro musical o commedia, e come contestare un tale trionfo? Escluso che il successo del film si ripeta agli Oscar, se non per il premio alla Hathaway, ma è bello pensare che in questo caso ha vinto tutto ciò che poteva e doveva.

Grande sorpresa invece la vittoria per Quentin Tarantino alla migliore sceneggiatura, una sorpresa che ha colto per primo il diretto interessato: “E’ una grande sorpresa e io amo essere sorpreso!”. Che anche gli Academy Awards riservino finalmente un premio per quello che è considerato all’unanimità un genio pop?

Desta invece non poco disapputo la vittoria di Ribelle – The Brave per il miglior film d’animazione, dal momento che pur senza negarne il valore, c’erano diversi film che potevano fare la differenza, come il delizioso Frankenweenie di Tim Burton, o il colorato Ralph Spaccatutto. Infondo siamo tutti contenti per Merida &Co, ma cosa accadrà agli Oscar quando contro di lei ci sarà anche il geniale esercito di zombie di Paranorman?

Adele ha portato a casa il premio per la migliore canzone Skyfall, e qui niente da dire, mentre Vita di Pi di Ang Lee ha vinto un contentino con il premio alla miglior colonna sonora, dopotutto un film così amato doveva pur portare a casa qualcosa!

Michael Haneke ha vinto per il miglior film straniero, Amour, e siamo quasi sicuri che porterà a casa anche l’Oscar, dal momento che la sua nomination anche alla migliore regia è il chiaro segno di quanto il film sia stato amato negli USA.

Per quanto riguarga la tv Girls e Homeland hanno trionfato per le categorie comedy e drama, mentre Game Change ha portato a casa i premi legati al miglior film tv o mini serie. Menzione d’onore alla grande Maggie Smith che per Downton Abbey vince il premio per la miglior attrice non protagonista in una serie, mini serie o film tv.

Un ultimo commento è da dedicare alle presentatrici della serata Tina Fey e Amy Poehler, caustiche e divertenti hanno “sparato a zero” sulla folla di star, raccogliendo tanti applausi.

Dei premi quest che tutto sommato mettono d’accordo tutti, anche se ci si aspettava qualcosa di più per Steven Spielberg che con Lincoln ha fatto davvero un lavoro straordinario. Ad ogni modo la stampa estera ha detto la sua, per cui ora non ci resta che aspettare e vedere come proseguirà questa season awards appena entrata nel vivo.

Il film Pulp fiction fu girato nel 1994 dal regista americano Quentin Tarantino, utilizzando l’espediente delle storie intrecciate. Nel prologo, i due giovani Zucchino e Coniglietta stanno seduti presso un coffee-bar di Los Angeles, tranquillamente, finché decidono d’alzarsi in piedi per rapinarlo, con le loro pistole. Ma Tarantino interrompe la scena. Vedremo i due gangsters Jules e Vincent, che uccideranno tre giovanotti, colpevoli d’aver rubato una valigetta al loro capo, Marcellus Wallace.

In seguito, parte il primo episodio del film. Il gangster Marcellus Wallace corrompe un suo pugile, Butch, perché lui perda volontariamente un importante incontro. Questi combatte ormai a fine carriera. Vincent è nei paraggi, e scambia perfino qualche battuta col pugile Butch. Il gangster però esce, andando a comprare un po’ di eroina, dal suo amico Lance, perché ne ha bisogno per “far divertire” Mia Wallace, l’avvenente moglie del capo. Vincent deve accompagnarla ad una gara di ballo. Mia Wallace assumerà l’eroina, ma disgraziatamente andrà in overdose. Vincent porta la donna da Lance, facendole un’iniezione d’adrenalina, che le salverà la vita. Nel secondo episodio, il pugile Butch contravviene all’ordine di Marcellus Wallace, vincendo il suo ultimo incontro. Raggiunta la fidanzata Fabienne, per scappare dai gangsters, apprende che lei frettolosamente non s’è ricordata di mettere in valigia un orologio d’oro, un ricordo familiare, passato dal bisnonno al padre di Butch, vero portafortuna contro le guerre. Pericolosamente, il pugile decide di tornare a casa, per recuperarlo. Là Butch ucciderà Vincent, venuto a cercarlo. In seguito, il pugile incontra casualmente Marcellus Wallace.

I due lottano a pugni, finendo però imprigionati dai sadici stupratori Maynard e Zed. Liberatosi, Butch ucciderà i carcerieri, salvando così Wallace, il quale in segno di riconoscenza lo lascerà scappare. Nel terzo episodio, si torna alla scena in cui Jules e Vincent devono uccidere i giovanotti (che hanno rubato una valigetta del loro capo). In realtà, uno di questi è risparmiato, ma caricatolo in macchina, Vincent accidentalmente gli spara, uccidendolo. Temendo che la polizia possa fermarli, per il sangue sui finestrini, i due gangsters raggiungono la casa di Jimmie, un amico di Jules. Là compare il cinico Mr. Wolf, spedito da Marcellus Wallace come risolutore di problemi. L’autovettura viene accuratamente pulita. Jules e Vincent cambiano i loro abiti, intrisi di sangue. I due gangsters raggiungeranno un coffee-bar. E’ lo stesso in cui Zucchino e Coniglietta tenteranno una rapina improvvisata. Mentre i clienti devono consegnare i loro portafogli, Jules riesce a trattenere la preziosa valigetta di Marcellus Wallace. Egli disarma Zucchino, e lo invita ad abbandonare la vita criminale. I due rapinatori usciranno mestamente dal coffee-bar, coi soldi nei portafogli (ivi compresi quelli di Jules).

Possiamo citare la filosofia estetica di Roland Barthes. Per lui, il mondo del gangster si manifesta tramite il caratteristico sangue freddodello sparo. Solitamente un incensurato riflette intorno al problema della morte, laddove questa ad esempio riguardi i suoi familiari, o (più astrattamente) se lui professa una fede religiosa. Ma il gangsterno. Egli ritiene che la morte sia unicamente lo schiocco del suo proiettile. Ove debba uccidere, il criminale moderno si limita a compiere un servizio professionale, senza gli idealismi. Egli non cerca neppure l’enfasi del duello personale, ancora presente nell’epopea del western (spesso in via idealistica). Il killer contemporaneo vuole soltanto sparare, nel modo più efficace e rapido. Nei film western, ad esempio, accade che la ripresa del duello finale s’allunghi nel tempo, acquisendo una valenza narrativa. Così, il regista indugia ad inquadrare l’espressione dei contendenti. Nel gangster-movie, invece, di frequente avviene che la vittima cada a terra proprio nel momento in cui il killer gli ha pronunciato la sua condanna del “Muori!”. L’uccisione letteralmente è il colpo da fuoco.

Nel film di Tarantino, il termine pulp (dal titolo) significa lurido. Il proiettile del gangster serve a risolvere un problema il più rapidamente possibile. Esteticamente, è qualcosa da percepire con grande cinismo. Sempre lo sporco (il lurido) s’accompagna alla trascuratezza. Lo lasciamo con troppa rapidità. Nel film di Tarantino, i criminali maneggiano le armi come se esse servissero a sporcare le loro vittime. La risoluzione del problema (ad esempio: il furto della valigetta, il tradimento del pugile, la rapina al coffee-bar, l’overdose di Mia, l’occultamento del cadavere in macchina ecc…) alla fine non lo ripulisce mai. Tutto il cinismo iniziale del killer sarà contraddetto. Sparare pare fin troppo facile, e l’uccisione avviene immediatamente. Invero, si percepirà che il “problema” non sia stato interamente risolto. Il cinismo del killer solo si sporcherebbe.

Il film Pulp Fiction conosce il sadismo, ad esempio nella cantina del cattivo poliziotto Zed. Visivamente, lo splatter ci pare più trattenuto. Massimamente, esso appartiene alla scena in cui Vincent deve salvare Mia, facendole un’iniezione d’adrenalina. Per il resto, solo dalle parole di Mr. Wolfs’apprenderà che la macchina dei criminali va ripulita (coi sedili sporchi di tessuto cerebrale). Può sembrare che la conclusione sporcata del mero proiettile si percepisca più astrattamente. Nella casa dei giovanotti traditori, uno di loro rischia d’ammazzare Jules e Vincent, sorprendendoli dal bagno. Ma i due si salvano, miracolosamente. Il giovanotto del bagno dunque ha sporcato il suo caricatore, senza prendere la giusta mira. L’episodio cambia profondamente Jules, che annuncia di voler abbandonare la vita criminale. Un risveglio personale che nasce dall’astrazione d’uno splatter (quando la scarica dei molti proiettili incredibilmente manco scalfisce il corpo). Jules è solito recitare un verso falsamente biblico, prima d’uccidere qualcuno. Là, si racconta a grandi linee che gli uomini malvagi minacciano di continuo quelli buoni (o timorati). La vendetta dei secondi sui primi sarebbe giusta. Se gli uomini conoscono pur sempre la malvagità, allora bisognerebbe adoperarla a vantaggio dei buoni. E’ così che Jules interpreta la sua criminale. Egli vuole redimere le vittime, uccidendole, convinto che loro prima abbiano peccato. E’ una visione chiaramente sporcata della misericordiae della provvidenzareligiosa. In fondo ogni criminale ripulisce qualcosa (lo sportello d’una banca, la cassaforte in casa, la valigetta coi diamanti ecc…) solo contro il suo legittimo proprietario.

Alla fine del film, Jules sceglie d’abbandonare la vita criminale, convertito dal miracolo del caricatore inesploso su di lui. E’ significativo che lui reciti a Zucchino il verso “falsamente” biblico mentre lo tiene idealmente per mano. Pure il giovane rapinatore dovrà seguire il suggerimento di lasciare il crimine. E’ il momento in cui Jules tradisce l’autentico risveglio spirituale (attraverso il miracolo della sopravvivenza), razionalizzato dal cinismo sporcante per cui lui altro non faceva che la parte del malvagio. Dunque, nel film Pulp Fiction pare che il momento topico della sparatoria solo a prima vista si risolva freddamente. Forse, Mr. Wolf è davvero un risolutore di problemi (come recita la sua autopresentazione). Però, ricordiamoci che lui non ha bisogno di girare con la pistola. Consideriamo esteticamente lo pseudo-triello messicano al coffee-bar. Là, Coniglietta punta la pistola contro Jules, Jules punta la pistola contro Zucchino, Vincent punta la pistola contro Coniglietta. E’ così che la tensione della sparatoria rischia più apertamente di degenerare, allo sporco di se stessa. Conosciamo bene il triello messicano nel film di Leone Il buono, il brutto, il cattivo. Là, il regista scelse di aumentare la suspense, rallentando l’avvio degli spari, con le lunghe inquadrature sui volti.

Nel suo film Le iene, Tarantino usa il triello messicanoal massimo grado della pericolosità. Là, da un primo sparo subito seguono gli altri due, e così moriranno tutti. Nel film Pulp Fiction, lo pseudo-triellosi risolve apparentemente in modo positivo. Nessuno si fa ammazzare. Resta però il cinismo sporcante della redenzione in Jules, che contagerà anche Zucchino. La suspense(già cara agli spaghetti-western del film Il buono, il brutto, il cattivo) un po’ alla volta si fa annullare. Non la percepiamo tanto fra le pistole, bensì nel contenuto misterioso della valigetta (che Tarantino eviterà di svelarci). Jules, capendo che Zucchino e la fidanzata sono quasi dei dilettanti, in quanto a rapinare, ironizza apertamente contro di loro. Alla fine, la suspense della sparatoria si fa annullare. Simbolicamente, ciò accade tramite lo sporco nel portafoglio di Jules, riconoscibile dalla scritta “Brutto figlio di…”. Il gangster baratterà i suoi soldi col piccolo ladro, in cambio della valigetta (assolutamente da consegnare a Marcellus Wallace). Il portafoglio contribuisce a sporcare la suspense per il triello messicano.

La regia di Tarantino si diverte a giocare contro la possibilità che noi vediamo qualcuno o qualcosa. Lo sparo di Vincent contro il giovanotto superstite sporcherà di sangue tutta l’automobile. Non vediamo la testa spappolata della vittima, ma essa determina l’obnubilamento dei due criminali, i quali dovranno cambiare il loro percorso, temendo d’incontrare la polizia. Spesso, Tarantino ci mostra il volto soltanto dalla nuca. Egli ama nascondere completamente il contenuto di qualcosa (dal bagagliaio, dalla valigetta, dalla porta chiusa ecc). La regia si diverte a sporcare la nostra visione. All’inizio del film, succede che Jules e Vincent abbiano un faccia a faccia su argomenti quasi filosofici. Tarantino li inquadra dentro un corridoio, sia in primo piano sia verso il punto di fuga. Il secondo caso serve esteticamente a mettere una patina percettiva sul primo, per così dire. Il gangster Jules, prima d’uccidere uno dei giovanotti, viene inquadrato distendendo il braccio minaccioso (con la pistola) verso di noi. E’ un modo per sporcare virtualmente lo schermo cinematografico, come passandoci sopra con la bomboletta spray. Quando Mia va drammaticamente in overdose, la sua testa dapprima barcolla e poi cade a terra, di profilo, occupando l’intera inquadratura. Pare che il busto della donna sia stato spazzolato. La testa a terra di Mia diventerà un grosso grumo di polvere (materialmente: di droga), ostruendo lo scorrimento normale dell’immagine filmica.

Joaquin Phoenix – Chissà quante signore e signorine nel 2000 andarono a vedere Il Gladiatore per dedicare le loro personali 50 sfumature a Russell Crowe e si ritrovarono invece a chiedersi chi mai fosse quell’imperatore crudele, insopportabile, incestuoso ma terribilmente affascinante.

Joaquin Phoenix, biografia

Fino all’incontro con Ridley Scott, Joaquin Phoenix, nato a San Juan con il nome di Joaquin Rafael Bottom, aveva avuto una sola significativa esperienza nel mondo del cinema, nel 1995, con Da Morire, una delle prime riuscitissime prove di Gus Van Sant. Un ruolo difficile per un ragazzo di appena 21 anni che riuscì a calarsi perfettamente nella parte dell’adolescente idiota e plagiato da una splendida quanto ambiziosa e terrificante oca giuliva interpretata da Nicole Kidman. Ma nelle parti del ragazzo cattivo, dell’introverso, del tormentato, Phoenix sa dare il massimo. L’universo del carismatico, al tempo stesso folle e imprevedibile, gli appartiene forse perché lì, in quel mondo, non ha bisogno di recitare. Certo, molto lo aiutano lo sguardo impenetrabile, le cicatrici, il labbro leporino che solo su di lui riesce ad essere sexy, e il volto spigoloso, irregolare e al tempo stesso ipnotico. Ma soprattutto Phoenix è davvero un bad boy, una mina vagante nell’universo hollywoodiano. Un outsider con un indiscusso talento che gli ha permesso spesse volte di vomitare tutto il suo disprezzo per l’universo in cui vive e di conquistare al tempo stesso una versatilità nella scelta dei ruoli che pochi colleghi possono vantare.

Joaquin Phoenix: film e filmografia

La sua abilità non si circoscrive alla recitazione ma lo ha anche portato, nel 2005, a calcare il set nelle vesti di Johnny Cash, in Walk the line (Quando l’amore brucia l’anima), in cui, insieme ad altri interpreti, prima fra tutti la vincitrice dell’Oscar Reese Witherspoon, ha eseguito personalmente molti successi del mito del cantautorato a stelle e strisce, rivelando grandi doti musicali.

Ha quindi deciso di andare oltre, realizzando un documentario rap-hip hop, diretto da Casey Affleck – suo partner professionale degli esordi – e  chiamato I’m still here. The lost year of Joaquin Phoenix, dove il suo spirito provocatorio ha raggiunto il massimo con sequenze al limite della censura.

Il documentario, che secondo buona parte della critica fu niente più che “una porcata” e un “esperimento di cattivo gusto”, è comunque una delle tante testimonianze della personalità sui generis dell’attore che, ai tempi, si fece notare anche per una bizzarra apparizione al David Letterman Show. Con il volto coperto da una folta barba e occhiali da sole, alle domande del conduttore, Phoenix rispondeva con borbottii incomprensibili, prendendosela perfino con il pubblico, comprensibilmente divertito. Solo in seguito e dopo che Letterman lo ebbe congedato con un “Grazie per non essere stato qui stasera”, si scoprì che quella grottesca apparizione altro non fu che una performance da montare in un secondo momento nel documentario di Affleck.

Testimone della morte del giovane fratello, la promessa del cinema River, Phoenix è frutto della relazione di due hippie ex membri della setta dei Bambini di Dio. È proprio quello dell’appartenenza a una setta il tema centrale del film The Master, presentato nel corso dell’ultima mostra del cinema di Venezia e per cui ha ricevuto la Coppa Volpi per la migliore interpretazione maschile, insieme a Philip Seymour Hoffman, quello stesso gigante biondo che con il suo Capote gli aveva scippato l’Oscar per il miglior attore protagonista nel 2005.

The Master diretto da Paul Thomas Anderson, è uscito il 3 gennaio in Italia e se da un lato sta spaccando a metà la critica nel nostro paese, ha invece meritato il primo posto tra i 10 migliori film del 2012 nella classifica stilata dal Guardian. L’elemento che riesce a mettere d’accordo tutti è proprio l’interpretazione dei due protagonisti. Phoenix, alla sua prima collaborazione con il regista di Magnolia, veste i panni di Freddie Quell, un reduce di guerra alcolista, rissoso ed ex adolescente problematico. Diventerà uno dei membri più attivi di un gruppo – che somiglia molto a quello di Scientology – guidato dal carismatico Lancaster Dodd.

Chissà se il grande successo che sta riscuotendo proprio grazie a Paul Thomas Anderson non possa aprire ad una collaborazione proficua che ci piacerebbe molto osservare. Anche perché finora Phoenix si è concesso due volte solo a M.Night Shyamalan, per The Village e Signs, e a James Gray, che lo ha diretto in Two Lovers e The Yards, confermando la sua reputazione da cattivo che non si fa “mettere in gabbia”.