Accolto a braccia aperte dal pubblico romano e dalla giuria del Festival Internazionale del film di Roma 2010, Hævnen – In un mondo migliore di Susanne Bier, conquista un po’ tutti mettendo d’accordo critica e pubblico … più o meno.

In un mondo migliore racconta due storie parallele: un uomo che fa il medico in un accampamento in Africa, è alle prese tutti i giorni con sofferenze atroci e con alle spalle un matrimonio che sta franando; suo figlio Elias fatica a trovare un posto nella sua vita, e nel microcosmo della scuola, vessato in continuazione dai ragazzi più grandi. Al filone principale di queste due vite che si toccano, si aggiunge anche la storia di Christian, ragazzino orfano di madre che riesce ad esternare il suo dolore e la sofferenza per un padre assente solo attraverso il vandalismo. Christian e Elias diventeranno piano piano amici, ma a che prezzo?

La storia della Bier si muove in due mondi affascinanti, quello desertico dell’Africa e quello algido e marino della Danimarca seguendo i percorsi dei suoi personaggi senza però affondare nelle loro vite, raccontando i fatti come si svolgono, nelle loro inevitabili tangenze e contingenze, ma senza affrontare mai di petto uno o più temi che mette al fuoco. La difficile metabolizzazione del dolore, la paura, la violenza, le conseguenze di atti incoscienti, il tradimento, la crescita e la vita adulta. Tutto viene sbattuto in faccia allo spettatore che pur ammaliato dalle belle immagini paesaggistiche non riesce, o per lo meno così è sembrato a chi scrive, a trovare una vera e propria necessità in una messa in gioco così massiccia di argomenti che finisco per essere tutti più o meno trascurati. Forse si resta accecati dall’eccessivo sbilanciamento della pellicola, che mette in scena una realtà contraddittoria, dove accanto alle atrocità più efferate sono mostrati anche i lieto fine che nella vita reale non sussisterebbero né potrebbero mai esistere tra essere umani.

In un mondo migliore però acquista valore soprattutto nella figura di uno dei due giovani protagonisti, William Jøhnk Juels Nielsen che interpreta il ribelle Christian, alle prese con un ruolo difficile ma che riesce a rendere con estrema precisione ed espressività sul grande schermo. Resta purtroppo più di una lacuna nella sceneggiatura, che come già accennato, rincorre troppi temi, senza metterne a fuoco davvero nessuno: il film appare dunque come un bel discorso, articolato e complesso, ma incompiuto.

 

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A presentare Il Responsabile delle Risorse Umane del regista israeliano Eran Riklis (che ha diretto nel 2008 il film “Il giardino dei limoni” ), ci sono già il celebre e omonimo romanzo di Abraham B. Yehoshua (dal quale è partito l’adattamento cinematografico di Riklis), nonché il Premio del Pubblico del Festival di Locarno 2010 e il primo premio cinematografico israeliano, l’Ophir, che la pellicola si è già aggiudicati.

Eppure Il Responsabile delle Risorse Umane di Eran Riklis non si risparmia dallo stupire. In un commento a caldo si potrebbe dire che è una pellicola nella quale tutto è dove non dovrebbe essere, condizione edificata con sagacia dalle scelte di regia, che si sono allo stesso tempo curate di non lasciar spazio a disomogeneità, pesantezza e incongruenza del tessuto narrativo. Il Responsabile delle Risorse Umane si apre con un velo di apparente ordine e metodicità che lentamente va a diradarsi,  trasportando lo spettatore, ma soprattutto gli interpreti,  a chiedersi quanto di quel che è da poco apparso sia sul serio consistente e privo di preconcetti. Ammalianti sono sia la sensibilità che la discrezione attentissima con la quale tutto questo inizia a realizzarsi e distinguersi.

Il Responsabile delle Risorse Umane, il film

Il regista scava infatti con minuzia prima di condurre a quel che ha da dire e di lasciar la parola ai suoi protagonisti…come se attendesse egli per primo che siano pronti, protagonisti quanto spettatori, ai propri momenti giusti, che in ogni caso non si impongono con rapide epifanie,  grandi tragedie, o prese di coscienza spasmodiche, ma piuttosto con graduali,  verosimili e maturi piccoli passi.  La pazienza e la gradualità sono quel che rendono finalmente protagonisti ognuno dei personaggi , che conquistano dunque il loro ordine reale e calibrato all’interno della storia.

Ma prima dell’equilibrio, rimane una storia che si divarica tra: un padre che vorrebbe esser presente nella vita di sua figlia, ma che si ritrova a far da genitore a un giovane ribelle orfano di madre, per conquistare la cui fiducia rischia di perdere quella della sua stessa figlia; un giornalista che, in lotta contro il cinismo e la disaffezione che ritiene essere caratteristica specifica del sistema aziendale, si scontra soprattutto con i propri limiti e le proprie amoralità; un capro espiatorio messo alla gogna, che dimostra quasi più umanità di chi lo accusa; un amore che resiste, proprio perché fondato su due cuori che parlano fisicamente due lingue diverse, e infine una donna, che unico artefice dell’incontro di tutti gli altri personaggi, forse è proprio l’unica che nessuno conosce e della quale nessuno conosce nulla….ecco appunto, come si diceva in apertura, un film nel quale ogni cosa viene messa nel posto sbagliato ma che, in ragione di questa scelta e nonostante il film duri quasi due ore, riesce a catturare completamente l’attenzione.

Dietro a tutto questo, velato, il conflitto eterno dei popoli palestinese e israeliano, costretti a sfiorarsi e a guardarsi; non mancano d’altra parte brevi , saltuarie ma puntuali note sul terrorismo che, artefice dell’avvio narrativo, ritorna ogni qual volta i personaggi si confrontano con la quotidianità. Pochi e comunque leggeri i momenti di grigia malinconia; forte e determinata l’immagine dei personaggi e degli interpreti. Di spirito e mai scontati i momenti di umorismo ed ironia. Insomma un film splendidamente dosato. Dosato nei tempi, nei toni, nei messaggi e nelle aspettative. Bellissimo.

 

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Kill me please. Già dal titolo si intuisce che qualcosa non funziona, non va tutto per il verso giusto, si pensa addirittura a qualcosa che fa eco alla famosa canzone, Killing me Softly, un film magari su una storia d’amore morbosa o simili. Le luci si spengono e si accende lo schermo. Bianco e nero, niente musica, pochi rumori e molti momenti di silenzio, tutti i presupposti per un film … noioso.

E piano piano scopriamo di cosa si tratta: una bella villa, isolata in mezzo ad un bosco innevato, ospita una clinica. Ma di cosa si tratta? Anche questo ci viene rivelato poco a poco: è una clinica dove si assistono i suicidi, dove le persone che vogliono togliersi la vita vengono assistiti dal dottor Krueger, che prova a dissuaderli in maniera piuttosto blanda. Ci sono i malati terminali, i depressi, quelli che semplicemente sono stanchi di vivere. Quello che si presentava come un film noioso e immobile si rivela essere un incredibile affresco esilarante e grottesco dell’umanità che percorre la sua vita senza una vera e propria coscienza di sé.

C’è la cantante d’opera che dopo la diagnosi di un tumore al polmone, vuole morire, non prima di aver cantato la Marsigliese ad un piccolo pubblico; c’è lo psicopatico che vuole morire perché l’ha sempre sognato, sin da bambino, ma non riesce a farlo da solo; c’è l’attore caduto in depressione che finge di essere un malato terminale e l’uomo indeciso che ha perso la moglie … in una mano di poker! Diverse realtà si incrociano e si scontrano in questo groviglio di esilarante disperazione, fino a scoppiare in un finale senza senso che acuisce l’ilarità dello spettatore, completamente immerso in questo mondo alla rovescia, dove i pazienti vogliono morire e dove il medico alla fine rivelerà la sua profonda inadeguatezza a ricoprire un ruolo così importante. Kill Me Please mantiene un certo grado di mistero poiché alla fine non ci è rivelato né il luogo geografico, né chi è il mandante della strage finale, né tantomeno quale sarà il destino di questa clinica sui generis.

La sua forza tuttavia resta nella profonda contraddizione che si presenta agli occhi dello spettatore così assurda da essere irresistibile. Divertente oltre ogni aspettativa, Kill me please è un film che cresce piano piano nel cuore dello spettatore, regalando 95 minuti di grasse risate attraverso l’assurdità dei personaggi, delle loro dinamiche interpersonali e del loro rapporto con la vita e la morte, sfociando in un finale di gustosa confusione narrativa che corona un’esperienza surreale. Premiato a Roma come miglior film, Kill Me Please  è diretto da Olias Barco che ne ha curato anche la sceneggiatura insieme a Virgile Bramly, interprete di uno dei personaggi più riusciti di tutto il film.

 

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Dopo il suo ultimo film al cinema Ponyo sulla scogliera, come sempre delicato e commovente, il maestro del cinema d’animazione giapponese Hayao Miyazaki torna al cinema con Porco Rosso (Kurenai no Buta) film datato 1992 che, finalmente doppiato in italiano, esce nelle sale del nostro Paese il 12 novembre.

Porco Rosso racconta la storia, ambientata negli anni ’30, di Porco Rosso, un aviatore, trasformato per magia in maiale, che combatte i pirati dell’aria sul mar Adriatico. Come ogni opera di Miyazaki che si rispetti anche Porco Rosso è attraversato da quella vena narrativa malinconica e dolce che ci ha fatto amare tutti i suoi capolavori. Anche in questo caso è presente l’elemento magico della trasformazione, che coincide per certi versi con il viaggio iniziatico della piccola protagonista Fio, geniale ingegnere di alianti.

Porco Rosso

Costellato di numerosi personaggi, alcuni romantici, altri caricaturali, il film si lascia guardare, permettendo allo spettatore di immergersi in un ambiente magico, che per lo spettatore italiano sarà difficile identificare con il ‘nostro’ mar Adriatico, ma che considerando il punto di vista giapponese si colloca perfettamente nell’ottica di un luogo esotico nel quale si svolgono storie avventurose e remote. Punto di equilibrio del film è sicuramente un finale aperto che aggiunge fascino ad un’opera senza dubbio di valore, nata per gioco e sfociata in un bellissimo cartone animato per grandi e piccoli, come sempre succede quando ci troviamo davanti a Miyazaki.

Porco Rosso doppiato in italiano è stato presentato in anteprima italiana durante il Festival Internazionale del Film di Roma, all’interno di una retrospettiva dedicata al famoso studio Ghibli, casa di produzione che da anni permette a questi capolavori dell’animazione di vedere la luce, o meglio, il buio della sala.

 

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The Social Network è l’acclamato film del 2010 diretto da David Fincher, incentrato sui fondatori di Facebook e sul fenomeno popolare che ha creato. Tutto il mondo ormai lo usa senza neanche ricordare che non molto tempo fa non esisteva nemmeno. Si tratta di Facebook, il social network che ha invaso ogni angolo del pianeta, lo strumento telematico più democratico che sia mai esistito e grazie al quale tutti, intelligenti o stupidi, ricchi o poveri, possono esser protagonisti della propria vita, diventando superstar per la breve durata di un click del mouse sul proprio ‘profilo’. Ma com’è nato Facebook?

The Social Network, la storia del “genio”

Tutti, o quasi conosciamo il nome dell’inventore, Mark Zuckerberg, diventato in brevissimo tempo il miliardario più giovane del Mondo, ma quali sono state le dinamiche alla base della creazione di una rete di contatti così popolare? David Fincher con The Social Network ci racconta questa storia, l’ascesa di Zuckerberg e i conseguenti problemi che hanno portato al consolidamento del suo posto sulla vetta del mondo.

Personaggio chiuso e con un’intelligenza fuori dal comune, Zuckerberg è interpretato sullo schermo da Jesse Eisenberg, giovane e capace attore che ne mette in mostra i tic e le fobie, dipingendo una figura di giovane irrisolto, quasi sociopatico. Il film, già record di incassi negli States, arriva sui nostri schermi portandosi dietro un ingombrante peso di aspettative altissime, che purtroppo non vengono soddisfatte appieno, Fincher ci racconta con fedeltà una storia forse troppo recente per possedere quel fascino di ricostruzione storica che il film pure rappresenta in maniera efficace.

The Social Network si distingue quindi per la sua sceneggiatura brillante e per l’inevitabile simpatia che questo personaggio riscontra nel pubblico, ma come già gli era successo con Il Curioso Caso di Benjamin Button, il regista pecca di un’eccessiva lunghezza del film che ne diluisce la potenza narrativa appesantendo inevitabilmente una storia che poteva essere ugualmente efficace con 30 o 40 minuti di meno.

Tuttavia resta ad Eisenberg il merito di un’interpretazione convincente che permetterà al giovane attore di ottenere ruoli promettenti per il suo prossimo futuro. Non si parla qui di interpretazione da Oscar, come pure è stato detto, ma sicuramente si sentirà parlare presto di questo giovanotto dalla faccia pulita e dall’espressione innocente. Il finale del film, forse troppo documentaristico, lascia l’amaro in bocca allo spettatore più esigente, forse per troppa voglia di spettacolarizzazione, o forse semplicemente perché la realtà che Fincher ci mostra è molto meno romantica e cinematografica di qualsiasi altra storia di finzione.

Nel cast di The Social Network , oltre ad Eisenberg, anche Justin Timberlake nel ruolo di Sean Parker, inventore di Napster e Andrew Garfield, che interpreta Eduardo Saverin, cofondatore di Facebook.

 

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Presentato in concorso alla Festa del Cinema di Roma I ragazzi stanno bene (The Kids Are All Right), il film diretto da Lisa Cholodenko, autrice della sceneggiatura assieme a Stuart Blumberg.

Una commedia gradevole e ironica quella di Lisa Cholodenko che racconta la storia di una famiglia non convenzionale, in maniera convenzionale. Nic e Jules (Annette Bening e Julianne Moore) sono sposate e mamme di due figli adolescenti Joni, 18 anni e Laser 15 anni (Mia Wasikowska e Josh Hutcherson). Sono una coppia gay che vive una vita ordinaria, con i soliti alti e bassi del matrimonio.

I ragazzi stanno bene (The Kids Are All Right)

Fin quando Joni ormai maggiorenne, sotto la richiesta del fratello, scopre chi è il donatore dello sperma, la loro vita inizia a confondersi. Paul (Mark Ruffalo), il loro bio- papà, è un uomo single, attraente e spensierato. I due ragazzi si affezionano subito a lui e sono affascinati dal suo stile di vita indipendente. Jules, inizierà a lavorare per lui come progettista del suo giardino e inizierà tra loro una relazione certamente ambigua.

La causa di tutto è Paul: è l’uomo che causa disordine in questa famiglia, che per quanto sembri a noi atipica è in realtà comune. Le due mamme se la cavavano perfettamente da sole. O così ci vuol far pensare la regista che ha puntato molto su questo, che è indubbiamente il punto di forza del film: “Che tu sia gay o eterosessuale, o single o parte di una coppia interrazziale o qualsiasi altra cosa, tutte le famiglie affrontano le stesse sfide, gli stessi problemi”.

Siamo senza dubbio d’accordo con l’affermazione del regista: una coppia gay, è tale e quale a una etero, l’amore è universale e questo film lo dimostra appieno. Ma siamo sicuri che la figura maschile sia totalmente sostituibile?

Ad ogni modo, I ragazzi stanno bene (The Kids Are All Right), presentato fuori concorso al Festival di Roma ha avuto il suo successo, ha saputo divertire pubblico e stampa, soprattutto grazie ai dialoghi, scritti molto bene, anche se con una sceneggiatura per certi versi banale, da serie-tv.

 

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Si è tenuta lunedì sera nella sontuosa Sala Santa Cecilia dell’Auditorium Parco della Musica la prima del film Una vita tranquilla di Claudio Cupellini, alla quale ha partecipato anche il presidente della repubblica Napolitano, accolto in sala con una calorosa standing ovation del pubblico. Il secondo film del regista, in concorso al Festival del cinema di Roma, racconta la storia di uomo, Rosario Russo (Toni Servillo) che ha poco più di cinquanta anni.

In Una vita tranquilla Da dodici vive in Germania dove gestisce con la moglie Renate, un albergo ristorante. La sua vita scorre tranquilla, ha anche un bambino (Mathias). Un giorno di febbraio la situazione si capovolge: nel ristorante di Rosario arrivano due ragazzi italiani. Il primo si chiama Edoardo ed è il figlio di Mario Fiore, capo di una delle più potenti famiglie di camorra e l’altro si chiama Diego, anche lui legato al clan di Fiore. L’arrivo dei due ragazzi turberà notevolmente Rosario che fino a quel momento sembrava riuscire a vivere tranquillamente, dimenticando o fingendo di dimenticare, il suo passato da malavitoso e pluriomicida. Ma per un uomo come Rosario, non c’è possibilità di redenzione. Il passato torna e lo fa sotto le sembianze di Diego e di Edoardo, i quali lo trascineranno in un vortice involutivo da cui sarà difficile evadere.

Un noir apprezzabile quello di Cupellini ma con qualche lacuna, soprattutto nel finale poco verosimile, e che forse pagala somiglianza all’indimenticabile Le conseguenze dell’amore di Sorrentino, per la storia, il protagonista e la presenza della malavita. Claudio Cupellini ha comunque fatto una buona prova, con alcune scelte registiche meritevoli e un’ottima sceneggiatura, soprattutto per l’uso dei tre diversi linguaggi, italiano, tedesco e napoletano.

Il più grande merito va senza dubbio al grande Toni Servillo che come sempre ha dato prova della sua straordinaria capacità attoriale. Ma azzarderei dire che Una vita tranquilla, senza Toni non avrebbe la stessa fortuna. È infatti un film che è stato scritto e realizzato pensando a Servillo, senza di lui molte delle atmosfere e delle intensità andrebbero smarrite.

Una vita tranquilla è il terzo film italiano in concorso al Festival del cinema di Roma e, fino ad ora è sicuramente il più convincente. In bocca al lupo al regista, al cast e in particolare a Toni Servillo che merita indubbiamente il premio come migliore attore maschile.

 

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