La recensione del film Il Cigno Nero diretto da Darren Aronofsky con protagonista Natalie Portman, Mila Kunis e Vincent Cassel.

Una giovane ballerina è pronta a sbocciare, il ruolo della vita, del debutto da solista, sta per arrivare e vuole fare di tutto per fare bene, per essere perfetta. Con questa premessa entriamo nel mondo de Il Cigno Nero, thriller psicologico che vede una straordinaria Natalie Portman al centro di una vicenda oscura che non manca di sorprendere. La bella Nina (Portman) si trova alle prese con un doppio ruolo, sarà lei la protagonista de Il Lago dei Cigni, e interpreterà sia il cigno bianco che quello nero.

Il Cigno Nero recensione del film di Darren Aronofsky

E proprio qui Nina incontrerà le sue prime difficoltà, come farà la dolce e delicata creatura, perfezionista del balletto e maestra di disciplina a lasciarsi andare alle emozioni sensuali che dovrà esprimere per rendere vivo il cigno nero? Darren Aronofsky ci racconta una storia molto avvincente che però sullo schermo presenta non poche lacune. A partire dalla costruzione del personaggio principale, che viene mostrato già all’inizio del film come disturbato, il suo sgretolamento psicologico non comincia con la difficoltà relativa al ruolo che deve interpretare, ma è già cominciato, seguendo dei piccoli segnali, come le ferite sul suo corpo, che poi ci verranno rivelati essere delle sue ‘cattive abitudini’.

Per cui siamo di fronte probabilmente ad una psicologia già provata dall’eccessiva ricerca della perfezione fisica e armonico delle sue forme in movimento. A testimoniare questa teoria c’è anche la semi-anoressia della ragazza che rifiuta il cibo e spesso lo vomita. Nonostante una buona costruzione della suspance Aronofsky finisce intrappolato nel suo stesso film, regalandoci un ritratto incompleto, senza spiegare il disagio della protagonista, ma lasciandolo indovinare allo spettatore (è probabile che il personaggio della madre, ballerina mancata e iper-protettiva possa aver minato lo sviluppo della ragazza, ma è solo una congettura).

Il gioco di specchi e riflessi, metafora fin troppo palese e abusata, risulta dopo un po’ fastidioso, dal momento che se è vero che in un’accademia di danza è plausibile che ci siano tutti quegli specchi, specie nelle aule, è quantomeno strana e straniante la presenza dei numerosi specchi nella vita di Nina. Il film si basa quindi sulla doppia identità, sul lato oscuro che nel caso dell’immaginario di Nina, viene rappresentato e incarnato da Lily (Mila Kunis), altra ballerina irriverente e passionale che non ha paura di perdere il controllo e che diventa la vera e propria ossessione della protagonista.

Le due attrici, la Portman e la Kunis, offrono davvero delle interpretazioni interessanti: la Kunis si rivela un’ottima giovane attrice, che comincia adesso a farsi conoscere dal mondo (lo scorso ano è stata al cinema con Codice Genesi), la Portman invece, già da tempo stimata oltre che per la sua bellezza anche per la sua bravura di interprete, sfodera qui una tensione drammatica davvero notevole, oltre ad aver la possibilità di fare sfoggio delle sue doti di danzatrice (non è certo una etoile ma infondo è un’attrice mica una ballerina!). il suo cigno nero nasce dal suo stesso corpo e il suo viso, così sofferente per tutta la durata del film, assume fattezze mostruosamente belle nel finale, confermando la grande interpretazione che le è valsa la candidatura agli Oscar di quest’anno.Nel cast anche Vincent Cassel che si conferma attore di classe, perfetto nel ruolo ambiguo del regista dello spettacolo, e Wynona Rider che interpreta Beth, ballerina ormai giunta a fine carriera e che per Nina diventa un’altro specchio dentro al quale distorce la sua realtà.

Nell’insieme Il Cigno Nero non può considerarsi certo un brutto film, resta tuttavia l’amaro in bocca per quello che sembra lo spreco di una storia con grosse potenzialità, e purtroppo se di un colpevole si vuole parlare è giusto e doveroso puntare il dito contro il regista, che non riesce bene a tenere le fila del racconto, costruendo sul filo della tensione un thriller psicologico che si risolleva solo nel finale ma che resta sbilanciato e poco coeso.

La recensione del film Il Truffacuori di Pascal Chaumeil (L’arnacoeur), presentata allo scorso Tribeca Film Festival con il titolo Heartbreaker. Il Truffacuori – “La vostra unica figlia è follemente innamorata di un ostinato imbecille? Vostra sorella si è appena fidanzata con un rozzo bruto? La vostra miglior amica esce con uno stronzo? C’è un uomo che può ancora salvare la situazione. Il suo nome: Alex Lippi. La sua professione: sabotatore di coppie. Il suo metodo: la seduzione!”

Così comincia Il Truffacuori, la commedia di Pascal Chaumeil (L’arnacoeur), presentata allo scorso Tribeca Film Festival con il titolo Heartbreaker. Alex (Romain Duris), la sorella Melanie (Julie Ferrier) e il marito Marc (Francois Damiens), insieme costituiscono una troupe imbattibile. Il loro mestiere? Mandare all’aria relazioni sentimentali di donne infelici. Ogni mezzo è opportuno pur di raggiungere l’obiettivo della missione: nascondigli, intercettazioni, false identità, paesaggi romantici come dune sabbiose sorvolate da uccelli rarissimi (appena liberati da una voliera), frasi appassionate, sorrisi smaglianti e pianti al momento giusto.

Una vera squadra di 007 dell’amore, o meglio, della separazione. Nessuna complicazione sentimentale. Questa è la regola principale. Alex è perfetto nel suo ruolo da adorabile scavezzacollo, riesce a conquistare tutte le donne cui mira, per poi tirarsi indietro al momento giusto. Poi però arriva Juliette (Vanessa Paradis), una giovane e affascinante ereditiera, colta ed emancipata. Tra dieci giorni sposerà un giovane e ricco inglese, Jonathan (Andrew Lincoln). Il padre di Juliette (Jacques Frantz) teme che sua figlia possa annoiarsi a morte in questo matrimonio e quindi chiede ad Alex di occuparsi di lei. Inizialmente al trio dei Truffacuori, appare una missione improbabile, sia per il poco tempo a disposizione, ma soprattutto perché Juliette sembra veramente innamorata del suo futuro sposo.

Decidono comunque di inseguire questa missione e partono verso il Principato di Monaco, dove Juliette sta organizzando il matrimonio. Inizia così, una Mission Impossible di seduzione in cui Alex scoprirà a sue spese che il piano perfetto non esiste e che non sempre è semplice ritirarsi al momento giusto. Il truffacuori, primo lungometraggio del regista televisivo Pascal Chaumeil, è una commedia fresca, con una sceneggiatura semplice che fa scorrere il film con ritmo e leggerezza. Ad ogni modo, ciò che rende gradevole il film è l’interpretazione del carismatico ed espressivo Romain Duris, (il nostro Luca Argentero francese), il quale riempie lo schermo e ci fa sorridere con le sue espressioni smaliziate. Indimenticabile la scena in cui i due protagonisti ballano sulle note di Dirty Dancing. In definitiva è un film piacevole se si è disposti a fantasticare senza fare troppe domande sulla trama, perché come ogni commedia romantica, lo spettatore conosce fin dall’inizio quale sarà il destino dei personaggi.

Ma forse è per questo che ha avuto in Francia così successo (prima in classifica nel box office con oltre 20 milioni di euro e 3 milioni di spettatori), e probabilmente lo avrà in altri Paesi, perché a volte gli spettatori hanno voglia di sognare e soprattutto di vedere le cose a loro modo, senza alcuna sorpresa. Il film uscirà in Italia l’11 febbraio 2011.

In Into Paradiso Alfonso (Gianfelice Imparato) è un ricercatore scientifico napoletano recentemente licenziato che, superata la cinquantina, deve reinventarsi una vita e trovare un nuovo lavoro. Un suo amico gli consiglia di chiedere aiuto ad un vecchio conoscente, ora noto politico, Vincenzo (Peppe Servillo) e farsi raccomandare. Gayan (Saman Anthony) è un ex campione di cricket dello Sri Lanka, che pensa di trovare una vita migliore in Italia, rispetto ad un futuro come modesto cronista sportivo in patria. Ad alimentare questa illusione è stato il cugino, che ha raccontato diverse bugie sul suo stile di vita nel nostro paese.

Gayan si ritrova così a dover vivere in un lavatoio sul tetto di un palazzo del quartiere Cavone a Napoli, in cui realmente vivono molti cingalesi, e a dover fare da badante ad un’anziana signora altoborghese appassionata di telenovele sudamericane. Vincenzo, candidato alle prossime elezioni, viene convocato e costretto da un capo locale della camorra a far consegnare un “pezzo” ad alcuni suoi scagnozzi, il politico non vede persona migliore del disperato Alfonso per svolgere questa missione, che viene illuso di stare portando un regalo ad un fantomatico rettore di università. La consegna va male oltre ogni aspettativa e la storia si complica. Alfonso trova rifiugio nel palazzo dei cingalesi e nel casotto di Gayan, Vincenzo va alla sua ricerca, con la missione di metterlo fuori gioco, obbligato dalle minacce del camorrista.

Into Paradiso, il film

Il resto della  storia quindi si sviluppa attorno al terrazzo dal quale Alfonso non può scendere, la sedia a cui viene legato Vincenzo per evitare di commettere sciocchezze e il paese in cui Gayan è costretto a restare contro la sua volontà. Il film di Paola Randi, che esce il 10 febbraio in sole 30 copie, è frutto di un’impressione: durante una passeggiata per Napoli, la regista ha visto un gruppo di ragazzi cingalesi giocare a cricket con accanto un gruppetto di ragazzini italiani che giocavano a calcio. Da qui l’idea di raccontare una storia di convivenza ma anche di costrizione, come precisa durante la conferenza stampa Peppe Servillo, voce degli Avion Travel prestata al cinema, che ha un ruolo anche nella colonna sonora, visto che le musiche sono realizzate da un altro componente del gruppo napoletano: Fausto Mesolella.

Più che di coabitazione, Into Paradiso narra infatti lo estraniamento e la reazione al cambiamento dei personaggi principali. Alfonso si deve rimettere in gioco ad un’età in cui normalmente si dovrebbero avere delle certezze,  di colpo perde il lavoro e, a causa di Vincenzo, si trova in una situazione che non gli appartiene, rinchiuso in un luogo che è in Napoli, ma in cui i napoletani sono gli estranei che lo vogliono morto, mentre i normalmente “stranieri”, i cingalesi, sono coloro che lo aiutano. Vincenzo, d’altronde si trova costretto in una complicazione che non aveva pianificato. E’ l’unico effettivamente in prigionia, visto come viene legato alla sedia e reso inoffensivo dai tranquillanti che Alfonso gli somminstra.

Gayan è invece emigrato in un paese che non ha niente in più da offrirgli rispetto a quello di origine, che anzi gli prometteva un lavoro adatto alle sue competenze. Il suo problema è pratico: deve trovare i soldi per comprare il biglietto di ritorno in Sri Lanka. Intorno a tutto ciò c’è Napoli, che non è però protagonista ingombrante di Into Paradiso, come spesso accade. Il tutto si racchiude nei pochi metri quadri del casotto e nella stanza della signora bene dove lavora Gayan. I camorristi, il motore della storia, sono tratteggiati in maniera quasi comica, ognuno perfettamente aderente allo stereotipo del mariuolo un po’ guascone. A differenza di ciò che avviene in molte altre storie di questo tipo in cui i due personaggi costretti a convivere alla fine perdono di vista il proprio obiettivo iniziale in nome della nuova amicizia, i due personaggi principali sono molto razionali nel perseguire la loro missione di tirarsi fuori dai guai.

La logica di Into Paradiso è permeata però da momenti realmente onirici: la regista ammette infatti una certa fascinazione per gli effetti girati nel momento di ripresa o realizzati non in postproduzione. Fatto che dà vita a due sequenze molto interessanti che non sono un “corpo estraneo” ma sono perfettamente inserite nella dinamica della storia. Nella prima, Alfonso ricostruisce il delitto a cui ha assistito e che lo ha portato in quella situazione: crea un plastico sul quale viene proiettata, su diversi angoli, la scena a cui ha assistito e con la quale lui interagisce. La seconda è un sogno girato a passo uno nel quale Alfonso immagina di sedurre l’affascinante cugina di Gayan. Queste ed altre sono alcune soluzioni che rendono il film molto divertente, di certo con alcuni punti da smussare, ma sicuramente una buona prima prova da regista per Paola Randi.

‘Le avventure di un Monarca riluttante’, questo potrebbe essere un sottotitolo adatto per Il Discorso del Re, bellissimo film di Tom Hooper, in questi giorni nelle sale. La storia è semplice, ben scritta e magistralmente interpretata: quando Re Eduardo VIII abdica per poter sposare una donna divorziata, tocca al timido Bertie, secondogenito di Giorgio V, salire al trono, con il nome di Giorgio VI.

Il Discorso del Re, la trama

Bertie però non è solo timido, ma è balbuziente, un vero e proprio handicap per un re che dovrebbe guidare il suo popolo in una guerra mondiale, la Seconda, attraverso l’utilizzo della nuova tecnologia radiofonica. Il film si apre su un discorso fallimentare che Bertie, all’inizio Duca di York, non riesce a pronunciare in pubblico a causa della sua invadente balbuzie.

In questo modo veniamo immediatamente proiettati nel cuore della vicenda, e nel dramma di quest’uomo che si vede impedito a svolgere i suoi doveri di componente della famiglia reale; il regista Tom Hooper si incolla così al suo protagonista, dall’inizio il suo problema, la sua difficoltà diventa la nostra e la sua ansia è condivisa con il pubblico che incondizionatamente si pone dalla parte di quest’uomo che avendo tutte le caratteristiche dell’uomo comune, è costretto dagli eventi ad assumere un ruolo straordinario. Ben presto si accorgerà di esserne all’altezza, ma non prima di aver mostrato la sua umanità, la sua irascibilità e il suo temperamento orgoglioso.

A capo di questa messa in scena eccellente il grandissimo Colin Firth, che già ha impressionato lo scorso anno nella sua interpretazione del dolore in A Single Man, e che adesso incanta e commuove con la sua performance ne Il Discorso del Re: l’imponenza fisica e la duttilità attoriale di Colin sono state messe a disposizione di un personaggio, il lavoro mimetico, dal gesto, alla postura, alla dizione, tutto è stato curato nel minimo dettaglio e il risultato è straordinario. Firth riesce ad apparire fragile, nonostante la sua imponenza, a sembrare sconfitto nonostante l’immensa statura morale del suo personaggio, lui è Giorgio VI. Accanto a Colin Firth traviamo due attori di ottimo livello: Helena Bonham Carter, che interpreta la consorte Elizabeth, e Geoffrey Rush, nel ruolo del controverso logopedista che viene incaricato di guarire il futuro sovrano, Lionel Logue.

Entrambi gli attori sono perfettamente all’altezza dei ruoli loro assegnati, e se la Carter appare una discreta ma salda spalla per Bertie, Geoffrey Rush da vita ad un personaggio spiritoso, ironico e decisivo per lo svolgimento narrativo della vicenda. A quanto pare l’attore si trova molto bene a corte, più che altro nei ruoli di consigliere o amico reale! Da sottolineare anche la presenza molto breve di Timothy Spall che interpreta Winston Churchill. L’attore ritrova la Carter con la quale ha già lavorato in Sweeney Todd, Alice in Wonderland e nella saga di Harry Potter e anche lui si conferma un ottimo attore capace di un lavoro mimetico davvero notevole.

Ma artefice della bellezza del film è in primis Hooper, che con una regia molto visibile segue i suoi personaggi e li posiziona con precisione all’interno del quadro, privilegiando il decentramento del soggetto e lasciando respirare l’inquadratura, riprendendo grandi pareti spoglie e ponendo il personaggio in un angolo, a voler lasciare spazio intorno, a voler far vedere oltre per far respirare il quadro, e con esso lo spettatore, proprio come il re balbuziente impara a fare a poco a poco da Lionel. L’elegante e preciso balletto che Hooper mette in scena con i suoi attori è coronato e perfezionato dall’accompagnamento musicale di Alexandre Desplat, che con discrezione prima e con decisione poi accompagna nel giusto modo la vicenda, senza imporsi ma rimanendo sempre presente, accompagnando.

La grande forza de Il Discorso del Re però è insita nella storia e nella straordinaria empatia che riesce ad instaurare con il pubblico, nell’altissimo grado di tensione che riesce a trasmettere e nella grande emozione che restituisce. Non è solo tanta bella forma, come solo le produzioni inglesi sanno fare, è anche tanto significato, una storia di grande forza e grande umanità, con una bellissima sceneggiatura, attenta e calibrata e avvalorata dalla storia vera che il film racconta, in una confezione perfetta, coronata da Colin Firth nella sua interpretazione più bella (e forse anche fisicamente impegnativa) di sempre.

In un mondo in piena rivoluzione, quando la comunicazione (e i mezzi di comunicazione) comincia a diventare  davvero importante attraverso i mass media (la radio), cosa che il film sottolinea più volte, un uomo riesce a superare i propri limiti ed a diventare un simbolo  sotto il quale un intero impero si rifugerà durante il secondo conflitto mondiale. Assolutamente un film da vedere, e di rigore, in versione originale!

Arriva a cinema distribuito da Sony Pictures Releasing Italia Burlesque, il nuovo musical diretto da Steve Antin con Kristen Bell, Cher, Stanley Tucci, Eric Dane, Cam Gigandet, Alan Cumming, Julianne Hough, Peter Gallagher, David Walton, Wendy Benson-Landes, Stephen Lee, Katerina Mikailenko

In Burlesque La giovane cameriera Ali (diminutivo di Alice) decisa e con una voce spettacolare sogna di cambiare vita, e si trasferisce dall’Iowa a Los Angeles, dove per caso e per determinazione entra a far parte del corpo di ballo del Burlesque Lounge, un teatro che offre spettacoli di varietà molto apprezzati dal pubblico pagante. Qui fa amicizia con la proprietaria Tess, con il bel barista Jack e con il costumista, Sean. Tra piccole invidie e grandi amicizia Ali riuscirà a raggiungere il successo ed a trovare l’amore.

Questo è Burlesque, per il quale poche righe bastano a tratteggiare per sommi capi una delle trame più banali degli ultimi tempi che vede protagoniste tante belle donne ma davvero poca sostanza. Ma scendiamo nel dettaglio: la giovane protagonista è interpretata da Christina Aguilera, la nota cantante che con questo film debutta al cinema. Christina non lascia spazio all’immaginazione, se da un lato si vede benissimo che non è un’attrice, prova ne è la mediocre interpretazione, dall’altro si conferma grande performer, catalizzando l’attenzione su di sé con la sua presenza scenica e le sue grandi doti canore (com’è possibile che quel corpicino contenga una voce del genere?).

A far da mentore alla giovane ragazzina campagnola una più che mai pallida Cher che sprezzante del tempo che passa, si presenta sempre in ottima forma fisica, peccato che le sue belle espressioni facciali che le valsero l’Oscar per Stregata dalla Luna siano sparite molti interventi chirurgici orsono! Fortuna che la sua profonda e particolare voce è (più o meno) rimasta la stessa, come ci testimonia il brano You Haven’t Seen the Last of Me, vincitore del Golden Globe e cantato splendidamente in una scena che sembra un tributo all’attrice/cantante, forse necessario per renderla un po’ più partecipe di un film che ruota assolutamente intorno alla bella Christina.

Se il mondo delle paillettes e delle belle donne ha sempre il suo fascino, per Burlesque si fa un’eccezione: la quasi totale assenza di spunti narrativi rende il film molto noioso e sicuramente più di uno spettatore noterà le molte somiglianze con altre trame, dal piccolo e divertente Le ragazze del Coyote Ugly, al più noto e maestoso Moulin Rouge, con il quale ha in comune il numero di Diamonds are a Girl’s Best Friends. Non pensiamo certo di scomodare la memoria della divina Marilyn, ma anche il confronto con la ‘poco meno divina’ Nicole Kidman è perso in partenza! Ma tra il vecchio (Cher) e il nuovo (Aguilera) ecco spuntare nella trama anche il semi-nuovo (o semi-vecchio che dir si voglia) e quindi ecco il personaggio di Nikki, interpretato da Kristen Bell, stella del Burlesque Lounge soppiantata dalla più brava e diligente Ali. L’idea di un personaggio che introducesse un elemento di conflitto nella linearità della vicenda è sicuramente buona, ma sviluppato in maniera pessima questo spunto si affloscia su se stesso, risultando solo un altro dei tanti elementi che nel film non funzionano.

Per quanto riguarda i maschietti del film invece qualche parola va sicuramente spesa per Stanley Tucci, che si trova ad interpretare un ruolo fotocopia di quello del Nigel de Il Diavolo Veste Prada, ma senza Meryl Streep al suo fianco. Come al solito impeccabile! E poi ci sono i belli che si contendono le grazie della protagonista: il giovane e squattrinato Jack (l’ex vampiro Cam Gigandet), cameriere con ambizioni da musicista che si innamora perdutamente di Ali; e Marcus (Eric Dane, Dr. Bollore di Grey’s Anatomy), il cliente abituale, ricchissimo uomo d’affari che vuole comprare il locale e circuire la protagonista. In pratica le versioni mal fatte di Christian e il Duca, co-protagonisti di Moulin Rouge!

Resta poco altro da dire su un film che sebbene molto pubblicizzato resta una brutta delusione. Una regia timida, una sceneggiatura debolissima e degli interpreti che guidati diversamente avrebbero potuto fare sicuramente meglio. Bocciato il regista e sceneggiatore Steve Antin, alla sua prima prova cinematografica, promosso con la sufficienza Christophe Beck compositore della colonna sonora del film, buono il lavoro di scenografia e costumi. Molto bello invece il numero di chiusura, sulla note di Burlesque cantata dalla Aguilera, che lascia una bella impressione ma non riesce a sopperire ai precedenti 115 minuti. Peccato, fallire quando a disposizione si hanno paillettes e belle donne è davvero difficile!