Non Buttiamoci Giù, tratto dall’omonimo romanzo di Nick Hornby, è una commedia che racconta la tragedia umana in diverse sfaccettature, prova ad addentrarsi nelle maglie della malattia e del disagio, ma non riesce ad avere il coraggio di indagare a fondo nell’animo dei personaggi.

In Non Buttiamoci Giù durante la notte di Capodanno quattro sconosciuti si trovano per caso sul tetto del grattacielo più alto di Londra. Cosa sono andati a fare? Il loro intento è quello di togliersi la vita, ma non hanno fatto i conti con il fatto che l’edificio in questione è il posto preferito degli aspiranti suicidi, e che la notte di Capodanno è il momento in cui più gente decide di suicidarsi. Ognuno disturbato dall’arrivo dell’altro, decideranno di non buttarsi, stringendo anzi un patto: nessuno dei quattro si suiciderà fino a San Valentino. E’ questo l’inizio di un’amicizia strana, improbabile, fatta di alti e bassi e di tanti momenti in cui condividere e in cui litigare, un’amicizia che malgrado le riserve iniziali, li cambierà tutti.

Non Buttiamoci Giù è una commedia per la fine lieta che ci offre, ma è una tragedia per il dolore e le difficoltà che racconta. Il tono del film si mantiene coerente con i fatti esposti, ma senza osare troppo, senza scavare in profondità, il che potrebbe essere addirittura un pregio, data la straordinaria profondità interpretativa del protagonisti. Anche se Pierce Brosnan, nei panni di Martin Sharp, si cimenta in un ruolo più ‘semplice’, i suoi colleghi non fanno assolutamente sentire la sua mancanza di empatia: Toni Collette si conferma un’artista rara, capace di dar vita alla timida Maureen; Aaron Paul mantiene i toni drammatici che gli sono congeniali (come Breaking Bad ha dimostrato) per interpretare il suo J.J, confermandosi a sua volta come un giovane attore da tenere d’occhio; Imogen Poots (Jess) è una scoperta bellissima, un fiore delicato e vivace che illumina lo schermo con i suoi grandi occhi blu.

La regia del progetto, che si fa lustro principalmente dei protagonisti e della storia nota di Hornby, è affidata al francese Pascal Chaumeil, che dopo le recenti commedie Il Truffacuori e Un Piano Perfetto, si mette alla prova con toni più drammatici, mettendosi al servizio della storia e regalando, di tanto in tanto, qualche guizzo di personalità dietro la macchina, che fa muovere nello spazio abbracciando personaggi e situazioni e siglando alcuni momenti davvero felici della pellicola.

Non Buttiamoci Giù è una commedia amara, che riesce con equilibrio a raccontare una situazione difficile, strappando pochissime risate, molti sorrisi e toccando corde delicate della natura umana, senza scuoterle troppo, ma permettendo allo spettatore di godere di un buon film senza un eccessivo coinvolgimento.

 

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Ritorna nelle sale italiane con Non avere paura del buio Guillermo Del Toro, qui in veste di sceneggiatore  e produttore.

Non avere paura del buio racconta la storia di Sally Hurst, una bambina introversa e solitaria appena giunta nel Rhode Island per vivere con suo padre Alex e la sua nuova compagna Kim in una villa del 19° secolo in ristrutturazione. Mentre esplora la grande residenza, Sally scopre una cantina rimasta nascosta fin dalla misteriosa scomparsa del costruttore della casa, avvenuta un secolo prima. Libera così, involontariamente, malvagie creature che vogliono trascinarla nelle oscure profondità dell’antica dimora. Sally deve convincere Alex e Kim che non si tratta di una fantasia, ma di una terribile realtà che incombe su tutti loro.

Per chi è abituato a grossi intrecci e grandi attimi di tensione nel cinema di Del Toro, forse troverà in quest’ultima opera poco o nulla dei fasti che hanno portato alla ribalta il regista messicano. Già, perché quest’opera nelle sue intenzioni non mira a sorprendere e far sobbalzare (se non una volta) lo spettatore. Al contrario, cuore pulsante della narrazione è la casa, vero centro dell’opera. E’ da essa che vengono fuori le inquietudini che segnano indelebilmente tutti i protagonisti del film. E’ intorno ad essa che le relazioni di Sally, Kim e Alex cadono in un profondo stato di malessere e che probabilmente non ritorneranno ad essere più come prima, ma che in qualche modo faranno riavvicinare padre e figlia, ricostruendo un rapporto fragile. E’ la casa che concretizza le immagini favolistiche scritte da Del Toro e dirette dall’esordiente Troy Nixey, agile nel muoversi con eleganza. E’ soprattutto grazie a una scenografia protagonista che il film regala allo spettatore atmosfere misteriose, oscure, affascinanti. Da questo punto di vista è forse un pregio la capacità della pellicola di rievocare le atmosfere e i strabilianti set dei film della famosa Hammer che tanto ha dato alla storia del cinema di genere.

Il difetto maggiore di Non avere paura del buio sta nella parte centrale della narrazione, incapace di mantenere il ritmo coinvolgente d’inizio film e in un finale che è volutamente irresoluto, lasciando accomodare la vicenda in una conclusione che lascia l’amaro in bocca, soprattutto perché la sensazione è quella di aver lasciato inespresse alcune potenzialità fantastiche della storia, che sono invece il marchio di fabbrica di Del Toro.  Da segnalare il ritorno discreto di Katie Holmes, che regala una positiva interpretazione assieme al suo co-protagonista Guy Pearce. Ma a sorprendere nel cast è senza dubbio la bambina protagonista Sally, interpretata con grande capacità da Bailee Madison, che regala quelle sfumature al personaggio che lo rendono interessante e curioso.

 

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Non aprite quella porta 3D è un horror-movie diretto da John Luessenhop che uscirà nelle sale italiane a partire dal prossimo 28 febbraio. La trama riprende da dove il grande classico di Tobe Hooper del 1974 ci aveva lasciati: la terribile vendetta della piccola comunità di Newt che, avute conferme sui raccapriccianti delitti avvenuti nella tenuta dei Sawyer, decide di incendiare la casa con tutti i loro abitanti all’interno.

Dalla strage di quella notte sopravvisse solo la piccola Heather, cresciuta lontano dagli echi di quei fatti sconvolgenti; ma il passato è sempre pronto a tornare, soprattutto se è un passato carico di avvenimenti terribili e agghiaccianti, e anche la giovane Heather non potrà sottrarsi ai suoi inossidabili legami di sangue.

La trama di Non aprite quella porta 3D

La giovane e bellissima Heather (Alexandra Daddario) riceve una misteriosa lettera in cui si parla di una non meglio precisata eredità, un’eredità di cui lei stessa è l’unica depositaria. A indicarla come unica erede dei propri beni è una nonna che la ragazza non sospettava nemmeno di avere.

Ansiosa di saperne di più su un passato a questo punto tutto da riscrivere, Heather decide di recarsi a Newt, piccola località del Texas, dove l’attende la misteriosa eredità. Accompagnata dal fidanzato Ryan (Trey Songz) e da una coppia di amici, Nikki (Tania Raymonde) e Kenny (Keram Sanchez), la bella Heather scoprirà con gran stupore di essere unica intestataria di un’immensa villa colonica circondata da un meraviglioso giardino. Tutto all’apparenza sembra fantastico ma in realtà la villa nasconde un terribile mistero che dagli scantinati della casa non tarderà a rivelarsi e per i giovani amici sarà solo l’inizio di un avventura da incubo.

Non aprite quella porta 3D riprende tutte le caratteristiche tipiche del genere horror: sangue a fiumi, mutilazioni e sequenze da stomaci forti, il tutto condito con la solita dose di tensione accompagnata da musiche adatte al contesto. Quindi il film di Luessenhop si porta dietro pregi e difetti del genere, facendosi apprezzare da quegli spettatori amanti dello splatter ma lasciando a desiderare in quanto a logica narrativa.

La sceneggiatura di Non aprite quella porta 3D infatti ha più buchi di un campo da golf, presentando situazioni al limite dell’assurdo e del non-sense compresa l’improbabile “conversione” della protagonista che si lascerà attrarre dagli antichi legami di sangue anche al cospetto degli efferati delitti di cui sarà testimone. Ma come ben sappiamo il genere horror non sempre esige particolari riscontri con la razionalità anzi spesso la rifugge e forse anche questo li rende così amati al loro affezionatissimo pubblico e al contempo così “poco” inquietanti, innocui.

Tra i giovani protagonisti spicca l’interpretazione della bella Alexandra Daddario, attrice dagli occhi di ghiaccio e una discreta espressività; ben immedesimati nella parte anche gli altri giovani protagonisti che ben rappresentano i soliti ragazzi americani un po’ sciocchi e superficiali che raffigurano le vittime ideali in questo genere di film. Tra loro anche il rapper Trey Songz, per la prima volta sul grande schermo.

Un ultima considerazione la dedichiamo alla decisione di girare il film con la tecnica 3D, una tecnica che anche in questo caso non ci sembra dia un contributo sostanziale al film, non immette nulla di tecnicamente e visivamente rilevante. Persistiamo quindi ad avere sani e incontestati dubbi riguardo l’efficacia di questa particolare tecnica di ripresa che tutto ci sembra fuorché oggettivamente rivoluzionaria.

 

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Arriva in sala l’8 marzo Nome di Donna, il nuovo film di Marco Tullio Giordana con protagonista Cristiana Capotondi.

In Nome di Donna Nina (Cristiana Capotondi) si trasferisce da Milano in un piccolo paese della Brianza per lavorare come assistente in una residenza per anziani facoltosi, con un parroco responsabile del personale che sembra più esperto di aliquote iva che di rosari e un amministratore, Marco Maria Torri, che ha instaurato un sistema di favori alle sue dipendenti con un secondo fine. Quando anche Nina si troverà ad affrontare l’amministratore Torri (Valerio Binasco) si dovrà scontrare con mille avvesità per far rispettare la sua dignità.

Marco Tullio Giordana mancava dagli schermi cinematografici dal 2010, anno di Romanzo di una strage. Dopo alcuni film per la tv, tre anni fa si è imbarcato nella realizzazione di questo film che affronta una tematica taboo per il cinema e la società: la molestia di stampo sessuale sul luogo di lavoro. Il film si sviluppa come un legal drama, che prima di arrivare in tribunale espone il problema in forma quasi di thriller, con alcune scene girate in modo tale da rendere l’idea di come l’abuso di potere perpetuato da Torri fosse diventato, coscientemente o meno, una sorta di rito di passaggio da cui le dipendenti passavano per avere assicurato il posto e anche degli aiuti supplementari.

Nome di donna, il film

In questa “normalità” si inserisce Nina, che ha come priorità il rispetto di se stessa e capisce subito come ci sia qualcosa di storto nel comportamento di colleghe e superiori. La parte più difficile è trovare la forza di sfondare il muro di gomma di omertà e di sfiducia che le si crea intorno. Giordana rende bene chiari quali sono i nemici, quelli più ovvi: il comportamento malato del superiore, la reazione tesa a insabbiare lo scandalo della dirigenza ecclesiale, ma anche quelli inaspettati: i sindacati che vogliono usare Nina per portare l’azienda in tribunale, le colleghe che vogliono che Nina si adegui.

Raggelanti sono due battute; una collega apostrofa Nina dicendole, prima che lei incontri il superiore per la prima volta: “Perchè devi lavorare? Non hai un uomo che lavori per mantenerti?  Allora è l’uomo sbagliato!” e la battuta della formidabile Adriana Asti, che qui interpreta un’anziana attrice ancora in attività che vive nella residenza anziani e  che ricorda l’opinione di Catherine Denevue sulle molestie e sul movimento #metoo: “Molestie? Ai miei tempi si chiamavano complimenti”.

Queste due battute vanno pesate in modo diverso, ma in comune hanno l’opinione che la donna era costretta ad avere di se stessa: una persona passiva, che non poteva partecipare al suo benessere, quindi lavorare, ma che doveva riceverlo da altri, così come doveva accettare, in modo passivo, i “complimenti”, facendo finta di niente su quelli più pesanti.

Per quanto sia essenziale in tutta questa discussione mantenere una lucida distinzione tra molestia, violenza e, per citare nuovamente la Deneuve, la semplice goffagine di qualche uomo incapace di corteggiare in modo galante, il film pone finalmente il riflettore su di una quotidianità comune a molte donne che viene iscritta nella normalità ma che non rientra affatto nella normalità lavorativa, in cui tutti, di qualsiasi sesso, etnia e religione, dovrebbero avere la garanzia di riuscire a lavorare senza subire molestie di alcun tipo.

 

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Dopo l’esordio Songs My Brothers Taught Me e The Rider, bellissimo lavoro presentato a Cannes, Chloé Zhao, regista cinese con una formazione occidentale, tra Londra e New York, torna a raccontare comunità atipiche, dimenticate, ai margini del mondo con Nomadland, un viaggio tra le (non) comunità di nomadi che popolano gli Stati Uniti, spostandosi fra Sud e Nord Dakota, il Nebraska, il Texas.

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Il viaggio di Fern

La storia è quella di Fern, una donna che sceglie una vita da nomade dopo che la crisi economica ha causato la chiusura dell’azienda per cui lavorava, nelle campagne del Nevada, una crisi così nera che ha spinto l’intera cittadinanza del paesino costruito intorno all’azienda ad andare via, abbandonando quel posto, quelle case prefabbricata, lasciando dietro di sé solo polvere, arbusti e stoppa. Portando con sé tutti gli oggetti che in qualche modo le ricordano la vita in quel posto e suo marito, scomparso da qualche anno, Fern, a bordo del suo van percorre la strada, da sola o in compagnia, entrando di volta in volta in contatto con nomadi come lei, percorrendo il deserto, scrutando l’orizzonte, inventandosi una vita che non riconosce più e ancorandosi al ricordo del passato che non tornerà ma che continua a vivere proprio il quel ricordo. 

Nomadland è un omaggio a quella popolazione che sceglie di vivere su quattro ruote, è un’ispezione in punta di piedi di un territorio mozzafiato, ma è anche un viaggio interiore, una ricerca esistenziale e il racconto del dolore che spinge ad andare avanti ostinatamente, evitando qualsiasi altra possibilità di legame, di stanziamento, di relazione che non sia con i proprio ricordi. Così Fren stringe tante amicizie, intesse relazioni e rapporti, ma solo per poi lasciarli cadere una volta risalita a bordo del suo van. Persino quando un’amicizia romantica le offre la possibilità di un focolare domestico, lei rifiuta e ci sembra che in quel rifiuto ci sia rammarico, ma anche dispiacere e necessità di tornare indietro ai proprio ricordi.

Un vuoto incolmabile, uno spazio senza confini

Fren deve riempire il vuoto lasciatole dentro dalla perdita del suo posto, in cui per tanto tempo ha vissuto di ricordi, ma sceglie di farlo con tanti piccoli legami provvisori: l’amicizia con i nomadi che domani potrebbe non incontrare più, i lavoretti saltuari a seconda del posto in cui si trova. Solo tornare sui suoi passi e nei luoghi che ha lasciato la metterà in pace con se stessa. Nomadland è un viaggio in quel’America post crisi, senza industrie, senza futuro, tra una generazione che a oltre metà della sua vita si è trovata senza lavoro, senza più certezze, persone con mille e una risorsa ma anche senza prospettive. Il racconto di Chloé Zhao è poetico, si avvale di immagini mozzafiato e di paesaggi spettacolari, ma è anche politico dal momento che fotografa una situazione di precarietà profonda. E ancora, Nomadland è un racconto umano e sociale, che evidenzia come, attraverso l’aiuto reciproco, anche questa precarietà si può arginare, come mostrano le sparute ma vivaci scene conviviali tra Fern e i nomadi che trova lungo la strada.

Chloé Zhao si affida a Frances McDormand che produce anche il film e che interpreta una Fren strepitosa. Ogni sua ruga, ogni sua espressione è dedicata ad una donna che sembra conoscere e capire intimamente, un ruolo che non fa altro che confermare la delicatezza di un’interprete che negli ultimi anni ha dato prova di migliorare film dopo film, performance dopo performance, nonostante partisse già da livelli altissimi. Ma oltre McDormand, i volti che restano davvero impressi nella mente sono quelli di Linda May, Swankie, Bob Wells, nomadi veri, persone autentiche.

Nomadland, chi è ricordato non muore mai

L’occhio di Zhao mostra e racconta con una compassione e una delicatezza rara, costruisce il film passo dopo passo così come i suoi protagonisti un pezzo alla volta ricostruiscono la loro vita, sempre proiettati lungo la strada come fossero carovane di pionieri senza però nulla da scoprire. La ricerca malinconica e disillusa di un nuovo posto in cui stare si rivela presto essere solo una scusa per continuare ad andare avanti, nel ricordo di persone e posti che non torneranno, ma che, proprio perché ricordati, non moriranno mai.

Nomadland, basato sull’omonimo romanzo di Jessica Bruder, ci accompagna lungo queste strade desertiche e queste umanità spezzate ma caparbie sulle note di Ludovico Einaudi che invadono la scena, spesso stringendo anche con le immagini di difficoltà, alle quali però conferiscono dignità e poesia. Zhao realizza un ritratto dell’America post-industriale profondo, delicato, dalla parte dei perdenti che comunque riescono a ingegnarsi e ad andare avanti, senza mai dirsi addio, così come è tradizione tra le comunità di nomadi. “Ci si vede lungo la strada” si dicono, un arrivederci a non si sa quando ma un saluto fiducioso verso un ignoto futuro.

 

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