Arriva finalmente al cinema Les Misérables , il film musical diretto da Tom Hooper, con Hugh Jackman e Russell Crowe. Passano le ore eppure le note continuano ad echeggiare nella testa, l’adrenalinica voglia di rivoluzione ancora circola in corpo, la profonda emozione e commozione per un’umanità miserabile ancora ci accompagna. La potenza evocativa del musical si basa soprattutto sulla grande forza emotiva della musica, ma quando a questa forza ci si aggiunge una storia immortale, una regia solida e visibile e un cast stratosferico il risultato non può che essere Les Misérables, film destinato a rimanere nella memoria di chiunque avrà la fortuna di vederlo.

La vicenda, nota ai più, ripercorre fedelmente le storie dei personaggi creati da Victor Hugo nel suo capolavoro, I Miserabili, da cui è appunto stato tratto il musical di Broadway di cui il film di Tom Hooper è la prima versione cinematografica. Jean Valjean è un galeotto, che ha scontato 19 anni di bagno penale per aver rubato del pane per non morire di fame, e che per tutta la vita scapperà da Javert, il temibile rappresentante della legge. Fantine è una bella e giovane donna che si è innamorata di un uomo che dopo averle dato una bambina l’ha abbandonata per sempre.

Queste due anime sventurate si incontreranno e faranno l’uno la salvezza dell’altra: Valjean accudirà la morente Fantine dandole pace e crescerà come una figlia Cosette, la dolce bambina rimasta senza madre. A nove anni di distanza Parigi è in rivolta, Marius è un giovane barone che si schiera dalla parte del popolo e che si innamora, ricambiato, di Cosette, diventata una giovane donna. Non mancano gli altri personaggi fondamentale della storia, ovvero al famiglia Thénardier al completo: padre, madre e la figlia Eponine.

Tom Hooper si è avventurato in un grandioso esperimento, facendo cantare per la prima volta dal vivo gli interpreti, senza il doppiaggio in post produzione, con il conseguente effetto del famoso recitar cantando operistico che mai si era visto al cinema.

Les Misérables è una delicata storia d’amore e un racconto di un’anima persa

Ogni performance è unica, emozionante e imperfetta, proprio per l’effettiva realtà dell’emozione che in quel momento esprime e prova l’attore. E proprio l’attore è il cuore del film, un cast di bravissimi interpreti che hanno trovato in questo film una collocazione perfetta, capitanati da un Jean Valjean d’eccezione. Hugh Jackman è Valjean in ogni singola fibra del suo essere, per la potenza fisica, per l’estrema delicatezza d’animo, per la voce spezzata dalla sofferenza; “Chi sono?” si chiede il suo Jean nel film, noi rispondiamo che è senza dubbio uno straordinario protagonista.

Nemesi di Valjean è l’implacabile Javert (Russell Crowe), la legge, l’ordine, l’instancabile mastino che per tutta la vita inseguirà Jean, ossessionato da lui. “Guarda giù, non guardarlo negli occhi” i prigionieri sanno che guardare Javert è pericoloso, Valjean lo scoprirà a sue spese. Eddie Redmayne è invece Marius, ardente rivoluzionario e delicato amante, puro e deciso a seguire i due unici scopi della sua vita: la causa rivoluzionaria e la bella Cosette, interpretata con la sua cristallina voce da Amanda Seyfried.

In mezzo a questo delicato amore si pone la sfortunata Eponine (Elizabeth Banks) che “da sola” ama Marius e fa di tutto per salvarlo. Coppia di farabutti, ballerini e imbroglioni, sono Helena Bonham Carter e Sacha Baron Coen, nei panni dei Thénardier, aguzzini di Cosette e peggior specie di rappresentanti del popolo. Corona questo splendido cast la triste Fantine, una Anne Hathaway delicata, martoriata, dolente, eppure innocente e luminosa.

E intorno a questi grandissimi interpreti si muove sinuoso ed elegante Hooper, osando, correndo, fermandosi e danzando tra le moltissime comparse, le scenografie mozzafiato, in mezzo alle note immortali che attanagliano il cuore e fomentano lo spirito. Les Misérables è un epico affresco di un’epoca, una delicata storia d’amore, un racconto di un’anima persa, una dolente passione non corrisposta, la lotta continua per la sopravvivenza in cui i miserabili del popolo, si sollevano dal fango e rivendicano, con tutta la loro forza, il loro diritto alla felicità, cantando a squarcia gola il loro rifiuto di essere “di nuovo schiavi”.

Les Filles du Soleil è il secondo lungometraggio della regista francese Eva Husson, che ha esordito nel 2015 con Bang Gang. Il film, selezionato in concorso a Cannes 2018, sembra realizzato esattamente per i “tempi che corrono”, per l’era del Time’s Up e della rivincita femminile sulla scena mondiale.

In Kurdistan, in una zona di guerra non meglio identificata, Bahar, comandante del battaglione “Les Filles du Soleil”, si sta preparando a sferrare un attacco che dovrebbe liberare la sua città natale dalle mani degli estremisti, qui, la donna spera di ritrovare suo figlio che è tenuto in ostaggio. Una giornalista francese, Mathilde, arriva a coprire l’offensiva e testimonia la storia di questi eccezionali guerrieri. Dal momento che le loro vite sono state stravolte, hanno combattuto tutte per la stessa causa: Donne, Vita, Libertà.

Le combattenti curde, diventate il simbolo della resistenza e l’aspetto più “gradevole” di un conflitto sanguinoso, sono le protagoniste di un film che, pur con le migliori intenzioni, banalizza il carattere la grinta e la forza di queste stesse donne, il loro contributo pratico e morale alla guerra, ma anche alla percezione del valore della donna e alla libertà, a cui queste donne aspirano.

La scelta della Husson è quella di concentrare la maggior parte del racconto sui flashback. In passato le donne guerriere erano state schiave sessuali, abusate e maltrattate. Concentrando l’attenzione sulla parte della loro vita in cui le protagoniste sono state vittime, rispetto al presente in cui sono artefici della loro storia, sembra che la regista abbia fatto regredire la ribellione allo status quo di Bahar e compagnia. Il suo occhio continua a vederle come vittime e questo affossa il vitalismo che in realtà queste eroine esprimono.

Questa scelta si accompagna a una serie di ingenuità in fase di scrittura, come il parallelo tra la reporter e la comandante, tra una donna che combatte e rischia la vita come unica soluzione per andare avanti, e un’altra che volontariamente sceglie la guerra e il suo racconto.

Lo sceneggiatore e regista Pietro Parolin debutta al cinema, in queste settimane, con la sua opera prima, intitolata Leoni: Inserendosi nel solco tradizionale della risata all’italiana e suggestionato da capolavori come Signore e Signori di Pietro Germi, il regista mette in scena- utilizzando il codice stilistico della commedia- uno spaccato lucido e disincantato della realtà italiana, vittima della crisi, delle fortune alterne e dell’illusorio canto delle sirene del successo e della ricchezza.

Leoni vede come protagonista – e mattatore – Neri Marcorè nei panni di Gualtiero Cecchin, un ricco rampollo di una delle più antiche famiglie del veneto. Sbruffone, indolente, egoista e cialtrone, Gualtiero vive delle rendite paterne dispensate dall’anziana e inflessibile matriarca Mara (Piera Degli Esposti); non ha mai lavorato in vita sua né è riuscito a costruire qualcosa a livello personale: ha, infatti, alle spalle un matrimonio fallito e un figlio- Martino (Pierpaolo Spollon)- decisamente più maturo del genitore.

Leoni, il film

Ma le ricchezze non durano in eterno, e all’improvviso la crisi colpisce anche la vita agiata dei Molon – Cecchin: così Gualtiero, costretto a reinventarsi per sopravvivere, fiuta un affare d’oro realizzando crocefissi in plastica riciclata da vendere al vescovo. Ma il PVC utilizzato si rivela esplosivo, e l’ombra della catastrofe è dietro l’angolo, soprattutto perché sono in molti a voler vedere i Molon – Cecchin sull’orlo del lastrico…

L’intento è quello di voler ritrarre uno spaccato dell’Italia attuale attraverso il racconto di una storia particolare: la vicenda personale di un piccolo ex privilegiato che si ritrova ad assaporare l’amara polvere della realtà, ma senza mai perdersi d’animo. E questa sembra essere una dote tutta italiana, insieme alla creatività e a quella “arte di arrangiarsi” che tanto ci hanno reso celebri anche agli occhi del mondo; Gualtiero è un inguaribile cialtrone che nasconde il buon cuore e l’ingenua onestà dietro il cinismo disilluso e il disincanto spaccone: il sorriso di Marcorè ben esprime questa contraddizione, atta ad immortalare una generazione intermedia travolta dalla crisi ed incapace di sostenere sulle proprie spalle il peso del passato, schiacciata tra i vecchi leoni che hanno costruito la propria ricchezza e il proprio benessere mentre adesso ne osservano- con rimpianto- le ceneri e i giovani, nati con lo spettro della crisi e pronti a rimboccarsi le maniche e ripartire da zero dalla radici e dalla semplicità.

Usare il linguaggio della commedia per raccontare delle contraddizioni così accese e degli argomenti – talvolta troppo delicati- poteva essere un’arma a doppio taglio per Parolin, che rischiava di perdere di vista i propri obbiettivi: a sorpresa ne esce invece vincitore realizzando un film fresco, dal gusto fortemente italiano ma dotato di leggerezza, soprattutto grazie ai dialoghi brillanti e mai banali. La colonna sonora con inclinazioni jazz sottolinea il brioso alternarsi delle gag e delle situazioni scoppiettanti – talvolta anche un po’ improbabili – che si susseguono sullo schermo; il veneto non è solo uno sfondo bidimensionale, ma un altro interprete vivo e presente in una storia che trova la sua credibilità proprio in quei luoghi, in quel dialetto e nei volti che li abitano.