Il tema dei viaggi nel tempo non è certamente una novità nel mondo cinematografico: eppure, riesce ancora ad affascinare il pubblico. Good luck, have fun, don’t die è un ottimo esempio di questo filone. Diretto dal noto regista americano Gore Verbinski (Rango, Pirati dei Caraibi- la maledizione del forziere fantasma), il film si basa proprio su un viaggio nel tempo necessario a evitare un futuro apocalittico. Nel cast ritroviamo diverse figure molto note nel panorama cinematografico internazionale: il ruolo del misterioso viaggiatore nel tempo viene affidato a Sam Rockwell (Tre manifesti a Ebbing, Missouri, Il miglio verde). Haley Lu Richardson (Split, Portia nella serie The White Lotus) e Juno Temple (Keeley Jones nella serie Ted Lasso) interpretano rispettivamente Ingrid e Susan. Altri ruoli importanti sono affidati a Michael Peña (The martian, American Hustle) e a Zazie Beetz (Joker, Troppo cattivi).

Good luck, have fun, don’t die: realtà o I.A.?

Il film si apre con delle riprese su delle mani nel diner, punto di partenza del viaggio dei protagonisti: si tratta principalmente di mani che tengono cellulari o altri dispositivi tecnologici. A rompere questo silenzioso equilibrio sarà proprio il misterioso uomo proveniente dal futuro, il quale irromperà nel bar, per la 117esima volta.

L’uomo viene dal futuro per svolgere una missione: salvare l’umanità dalla vittoria dell’I.A. sull’uomo e dall’apocalisse che ne deriva. Per farlo avrà bisogno della squadra perfetta, e può trovarne i componenti solamente all’interno di questo diner. E così una coppia di insegnanti in crisi, una principessa delle feste dei bambini, una madre in lutto, una signora in cerca di una sola fetta di torta, un autista di uber e un capo dei boy-scout partono per salvare l’umanità.

Parallelamente, vengono raccontate le storie di alcuni personaggi: Mark e Janet fuggono dai propri studenti adolescenti. Susan si ritrova a dover elaborare la perdita del proprio figlio in una sparatoria a scuola, mentre Ingrid, curiosamente allergica alla tecnologia e al Wi-Fi, si trova a dover vivere in una realtà in cui tutto è basato sulla connessione e dove perderà anche le persone a lei più care a favore dell’I.A..

La missione è semplice: trovare un bambino di nove anni che sta portando l’intelligenza artificiale su un altro livello e fermarlo. Riuscirà questa stramba squadra a completare la missione?

Good luck, have fun, don’t die: denuncia sociale

Il tema di partenza di Good luck, have fun, don’t die è proprio una critica all’eccessivo sviluppo dell’intelligenza artificiale e della tecnologia, da cui molti finiscono per divenirne dipendenti. Questo, infatti, è il fil rouge che accomuna le tre storie dei vari personaggi. Mark si ritrova a doversi confrontare a scuola con degli adolescenti alienati nei propri telefoni, fino al punto di diventare quasi degli zombie quando questi smettono di funzionare per colpa del professore.

Nelle vicende di Susan, invece, notiamo una completa apaticità nei confronti dei legami familiari. Quando questa perde il proprio figlio in una sparatoria di massa, le altre madri in “lutto” per le loro perdite reagiscono in maniera totalmente superficiale, invitando Susan a clonare il proprio Darren. Così uno degli affetti principali diventa perfettamente intercambiabile e la sua morte diviene, paradossalmente, solo una normale faccenda da gestire. Tutto ciò avviene in un clima di totale indifferenza, il quale ricorda molto l’atmosfera che si crea in serie distopiche come Black Mirror.

Infine, la storia che forse trasmette la maggiore tristezza è quella di Ingrid: costretta a vivere isolata dai propri coetanei, trova finalmente l’amore in Tim, giovane negazionista di internet. Ma, quando anche Tim finirà per cedere alla tentazione della tecnologia, Ingrid si troverà nuovamente sola.

Azione e comicità

Elemento molto interessante di Good luck, have fun, don’t die è proprio l’intreccio di tematiche rilevanti, come l’impatto della tecnologia sull’umanità, e di una comicità che alleggerisce tutta l’atmosfera del film. Il personaggio che maggiormente contribuisce a dare questa verve più comica è proprio il misterioso uomo venuto dal futuro.

Una delle cene più esilaranti è proprio la preparazione a una delle battaglie finali, dove, mentre tutti i membri del gruppo si premurano di trovare armi, costruire barricate e trovare protezioni personali, l’uomo dal futuro si prepara un delizioso pasto accompagnato da un generoso calice di vino rosso.

Anche le scene di azione certamente non mancano, specialmente durante gli inseguimenti da parte di due misteriosi sicari. Good luck, have fun, don’t die sorprende continuamente lo spettatore, mantenendone l’attenzione, fino a un finale tutt’altro che scontato.

Good Kill, bel colpo, oppure, letteralmente “buona uccisione”. E’ quanto si dice quando un nemico viene abbattuto con un solo colpo preciso. Good Kill è il titolo del nuovo film di Andrew Niccol, che ritrova Ethan Hawke (dopo Gattaca) come protagonista e lo trasforma in un pilota speciale, schierato in prima fila nella drone war nei territorio medio-orientali. Tommy, il personaggio interpretato da Hawke, è un ex pilota militare che si è dovuto adattare alla nuova guerra a distanza, che mette a dura prova il suo desiderio di avventura e di emozioni forti. Nel cast anche January Jones.

In Good Kill l’intrusione della CIA nel programma della guerra con i droni mette a dura prova i suoi nervi, le sue convinzioni e i suoi rapporti con il suo equipaggio, fino a che Tommy non sceglie una strada precisa che cambierà le sue sorti.

Andrew Niccol si affida a Ethan Hawke e lo incarica di veicolare tutte le contraddizioni di un film delicato, il primo sulla ‘nuova’ guerra che consente alle vite americane di rimanere al sicuro in territorio statunitense. L’argomento è sicuramente controverso, sia per le implicazioni politiche del film, intrinseche nei film bellici, sia per la molteplicità di temi che si mettono in campo, considerando che una buona parte del racconto si concentra anche sulla difficile situazione familiare che il protagonista vive, come riflesso alla sua insoddisfazione professionale.

Probabilmente Niccol ha commesso la leggerezza di voler raccontare la storia di un uomo immerso in un contesto problematico che però per la sua stessa natura, non può essere trattato con approssimazione. La necessità di trovare un happy end, la dinamica domestica conflittuale, il continuo reiterarsi di concetti già chiaramente espressi, fanno di Good Kill un film riuscito a metà, che potrebbe anche intrattenere (vedi finale in qualche misura catartico), ma che non concede molto ad uno sguardo che gratta la superficie.

Ti sei mai chiesto perché il tuo cane fissa gli angoli vuoti, abbaia nel nulla o rifiuta di entrare in certe stanze? Ben Leonberg sì, e da queste domande nasce Good Boy, il suo esordio alla regia. Un horror intimo e sorprendentemente emotivo, costruito su un’idea tanto bizzarra quanto efficace: raccontare una casa stregata attraverso gli occhi del cane di famiglia.

Senza effetti speciali costosi né dialoghi elaborati, Leonberg riesce a fare di necessità virtù, trasformando i limiti produttivi in stile. Il suo protagonista, Indy, è il suo vero cane, e l’intero film è girato nella casa del regista. Ciò che altrove sarebbe una scelta di economia, qui diventa un atto di coraggio creativo. Il risultato è un horror minimale, poetico e profondamente umano (anche se il punto di vista è, letteralmente, canino).

Good Boy: l’orrore secondo Indy

La trama di Good Boy è, almeno in apparenza, semplice: Todd e il suo inseparabile cane Indy lasciano la città per trasferirsi nella vecchia casa di famiglia in campagna. Ma il nuovo inizio si trasforma presto in incubo. Indy percepisce presenze invisibili, abbaia agli angoli bui e sembra comunicare con lo spettro di un altro cane morto anni prima. Quando il suo padrone inizia a mostrare segni di un cambiamento oscuro, Indy si ritrova a combattere un male che non comprende ma che riconosce come una minaccia per l’unica persona che ama.

Leonberg costruisce un film che vive di percezioni, di piccoli movimenti e di silenzi carichi di tensione. Non ci sono jump scare gratuiti o effetti digitali vistosi: la paura nasce dal quotidiano, da quella strana familiarità che rende ogni corridoio più lungo e ogni ombra più profonda.

Eppure, la vera forza di Good Boy non sta nella sua componente sovrannaturale, ma nella sua lettura metaforica: Indy non combatte un fantasma, ma la malattia del suo padrone, qualcosa che non può comprendere ma che riconosce come un nemico. Il “mostro” del film, dunque, è il dolore, la perdita, la trasformazione dell’essere amato in qualcosa di sconosciuto.

Un cane, un regista, una casa

Girare un horror dal punto di vista di un cane potrebbe sembrare un esercizio di stile, ma Leonberg riesce a trasformarlo in un racconto universale. Indy non parla, non è antropomorfizzato, non ha pensieri espressi in voce off: tutto passa attraverso il montaggio e il sound design, che diventano il suo linguaggio. Ogni respiro affannato, ogni cigolio, ogni ringhio sommesso costruiscono una tensione tangibile, quasi fisica.

L’approccio realistico è ciò che rende Good Boy davvero efficace. L’assenza di artifici visivi, unita alla spontaneità del protagonista a quattro zampe, crea un effetto straniante ma credibile. È come se stessimo spiando un film che si costruisce da solo, dove la realtà quotidiana si piega lentamente all’incubo.

La casa stessa diventa un personaggio: viva, inquieta, permeata di ricordi e presenze. Le luci soffuse, i corridoi stretti e le stanze piene di silenzio amplificano il senso di isolamento, mentre la fotografia, volutamente naturale, cattura l’essenza del “realismo magico” di Leonberg.

Un film sull’amore, non sulla paura

Dietro le ombre e i fantasmi, Good Boy è prima di tutto un film sull’amore e sulla fedeltà. Indy non capisce cosa stia accadendo, ma capisce che Todd è in pericolo, e che deve proteggerlo a ogni costo. Questa prospettiva rovescia completamente la grammatica dell’horror: l’eroe non è l’uomo che affronta il mostro, ma l’animale che si sacrifica per amore.

È qui che Leonberg tocca corde emotive potentissime. La paura di Indy è la paura di ogni creatura che ama senza comprendere. E quando il film rivela la sua dimensione metaforica – la malattia del padrone, vista dal cane come una possessione – l’orrore si trasforma in compassione.

Nonostante la semplicità dei mezzi, il regista costruisce un racconto che parla di perdita, di impotenza e di quella forma di devozione silenziosa che solo un cane può incarnare. In un panorama horror spesso dominato da sangue e urla, Good Boy sceglie la via dell’empatia.

Tra Poltergeist e poesia domestica

Leonberg cita apertamente i grandi classici del genere – Poltergeist in primis – ma li filtra attraverso una sensibilità personale, più vicina alla malinconia di un film indipendente che all’horror tradizionale. La sua capacità di costruire il soprannaturale in spazi ordinari rende Good Boy un progetto tanto piccolo quanto ambizioso. Ogni dettaglio, dal suono di un passo al battito accelerato di Indy, concorre a creare una tensione costante che non esplode mai del tutto, mantenendo lo spettatore in un equilibrio inquietante tra realtà e allucinazione.

L’eleganza con cui Leonberg bilancia l’elemento spaventoso con quello emotivo colpisce. Non c’è mai ironia, né distacco: il film crede sinceramente nella sua storia, e proprio per questo riesce a far paura.

L’horror più fedele dell’anno

Good Boy è un piccolo miracolo di inventiva. Con risorse minime, Ben Leonberg costruisce un’esperienza sensoriale, intensa e profondamente toccante. È un horror che parla di fantasmi, ma anche di perdita, malattia e amore incondizionato. E soprattutto, è un film che guarda il mondo attraverso occhi diversi – quelli di un cane che non può spiegarsi l’orrore, ma sa riconoscere il male.

Non è un film perfetto: a tratti la narrazione si allunga, e il finale potrebbe apparire criptico per chi cerca una risoluzione tradizionale. Ma nel suo piccolo, Good Boy rappresenta una delle idee più originali viste nel cinema indipendente recente.

È un omaggio ai cani, alla loro lealtà, e a quella forma di amore puro che non ha bisogno di parole.

Tommy (Anson Boon) è un giovane bullo perso tra droghe, alcool e autodistruzione. Dopo una notte di eccessi, si risveglia in una cantina, incatenato al collo. È stato rapito da una famiglia che sostiene di volerlo “rieducare”, correggere le sue devianze e offrirgli una nuova possibilità di vita. Sul televisore accanto a lui scorrono le immagini del suo passato: video di bravate, violenze e risse, alternati a filmati educativi su come comportarsi al meglio. È la prima fase del suo percorso di correzione, un rito di deumanizzazione e ricostruzione.

La casa in cui è prigioniero è abitata da Chris (Stephen Graham, visto recentemente nella serie Netflix Adolescence), il padre carismatico e autoritario; Kathryn (Andrea Riseborough), la madre dal sorriso calmo e lo sguardo glaciale; e il figlio Jonathan (Kit Rakusen). A completare la famiglia c’è Rina (Monika Frajczyk), domestica dell’Europa dell’Est, costretta a firmare un accordo di riservatezza.

Le origini di Good Boy: dalla Polonia allo Yorkshire

Il progetto nasce da un’idea del produttore Jerzy Skolimowski, che propose la sceneggiatura a Jan Komasa mentre il regista stava promuovendo Corpus Christi (2019). Il copione, inizialmente scritto in polacco e ambientato a Varsavia, è stato adattato in lingua inglese e trasferito nello Yorkshire per ampliare la portata internazionale del racconto.

Good Boy segna così il primo film in inglese di Komasa, che conserva però il suo stile riconoscibile: realismo morale, tensione psicologica e riflessione sulla responsabilità individuale.

La fiducia come prigionia

La famiglia rappresentata in Good Boy vive secondo un rigido codice “zero sprechi”: niente sperperi, niente eccessi, un ecosistema perfetto e inquietante dove anche l’educazione diventa un atto di controllo. “Trust isn’t black or white; trust is a process and it has to be built” (“La fiducia non è assoluta; la fiducia è un processo, che deve essere costruito pian piano”), afferma Kathryn, sintetizzando in questo modo il cuore del film.

La violenza non è mai gratuita, ma si insinua nella quotidianità, nella falsa dolcezza dei riti familiari. Il compleanno di Tommy, celebrato con affetto in un contesto assurdo, segna l’inizio del “processo di fiducia”: per la prima volta gli viene concesso di uscire all’aria aperta, pur restando incatenato.

Con il passare del tempo, la catena diventa più lunga, gli spazi più ampi. Il padre adottivo/guardia carceraria costruisce un sistema di anelli e lucchetti che permette a Tommy di muoversi per tutta la casa, “libero” ma sempre sorvegliato. Si tratta di un paradosso perfetto: la libertà concessa come strumento di controllo.

Qual è la vera prigione?

Good Boy interroga lo spettatore su un dilemma morale: è peggiore la prigionia imposta o quella che ci costruiamo da soli? Essere liberi può significare smarrirsi, diventare schiavi dei propri vizi e impulsi; essere limitati può voler dire, in un certo senso, essere salvati.

Komasa mette in scena questo dualismo con un equilibrio raro, muovendosi tra il dramma psicologico e la commedia nera. Il contrasto tra il mondo esterno – rumoroso, caotico – e la casa immobile, quasi sospesa nel tempo, diventa la metafora di una società che cerca la redenzione nel controllo.

Il cast di Good Boy e la catena dell’animo umano

Con Good Boy, Jan Komasa firma il suo film più spiazzante e maturo, un’opera che mette in crisi lo spettatore prima ancora del protagonista. L’interpretazione di Anson Boon dà corpo a un personaggio sospeso tra colpa e desiderio di redenzione, mentre Stephen Graham e Andrea Riseborough incarnano con inquietante naturalezza la banalità del male travestita da amore.

Komasa costruisce un racconto che oscilla tra ironia e orrore, ma trova la sua forza nella quiete disturbante dei dettagli: un gesto gentile, un sorriso, una catena che si allunga ma non si spezza mai.

Good Boy non è solo una storia di prigionia, ma una parabola sulla libertà come illusione collettiva — e sulla paura di vivere senza regole, né padroni. Un film interessante, lucido e disturbante, che lascia addosso il rumore del metallo: quello delle nostre stesse catene.

La 18esima edizione della Festa del Cinema di Roma pullula di esordi alla regia. Tra questi troviamo anche Patricia Arquette, attrice di successo nonché premio Oscar per Boyhood di Richard Linklater nel 2015, la quale si è spostata dietro la macchina da presa per dirigere Gonzo Girl, il suo debutto ufficiale presentato nella sezione Grand Public della kermesse. La storia in cui Arquette decide di cimentarsi, e indagare, si ispira a quella di Hunter S. Thompson, giornalista e scrittore americano considerato l’inventore del Gonzo journalism, uno stile di scrittura che mescola giornalismo convenzionale, proprie impressioni e narrativa, dal quale nasce un personale punto di vista su fatti e situazioni.

Gonzo Girl si basa sull’omonimo libro scritto dall’autrice Cheryl Della Pietra, la quale prende a sua volta ispirazione dal suo periodo come assistente di Thompson verso la fine della sua vita. A interpretare il suo alter ego il magnetico – ed eclettico – Willem Dafoe, mentre nei panni di Della Pietra troviamo Camila Morrone, vista di recente nella miniserie Daisy Jones & The Six. La sceneggiatura del film è di Rebecca Thomas e Jessica Caldwell, ed è prodotto dalla stessa Arquette insieme a Frank Hall Green, Tom Heller e Cameron O’Reilly.

Gonzo Girl, la trama

1992, Aspen, Colorado. Alley Russo si trasferisce da New York nel ranch di Walker Reade, scrittore di successo nonché inventore del gonzo journalism, per fargli da assistente. Il suo compito è far sì che la notte lui scriva il suo libro, su cui, come una spada di Damocle, grava una scadenza da rispettare. Ma quando arriva nella villetta, Alley entra in un mondo completamente sballato, fatto di droghe e alcool e in cui presto viene coinvolta – e tirata – per volere dello stesso Walker. Con il suo fare ammaliatore, l’uomo riesce a soggiogarla, a farla cadere in un vortice dal quale è difficile tornare a galla. Ma Alley oramai sembra totalmente dipendente da lui. Fino a quando non capisce di star assistendo allo svanire della gloria del suo eroe letterario, decidendo così di immergersi ancora di più nel suo mondo caotico per cercare di aiutarlo a finire il suo atteso lavoro.

Dentro la vita di una Gonzo Girl

Gonzo Girl è una creatura bizzarra da qualsiasi prospettiva la si guardi. Se l’intenzione di Arquette, di primo acchito, sembrava quella di studiare l’esperienza di una ragazza che, nel nome di un sogno, sceglie di trasformarsi per soddisfare il suo mentore (l’unico che può aiutarla), dopo metà del primo atto capiamo subito in quale direzione virerà davvero il film e l’attenzione della regista: su Walker Reade (alias Thompson) e la sua sregolata vita negli ultimi anni. Willem Dafoe, grazie alla sua poliedricità, riesce ad animare una figura sotto tanti aspetti sibillina, operettistica e indecifrabile, a cui piace dare sempre spettacolo, ma che capiamo non conoscere davvero poiché oscurata tutto il tempo dal suo stesso mito, che usa come maschera. Prendendosi tutto lo spazio nella scena e mettendo al margine quella che dovrebbe essere la vera protagonista della storia, Alley.

Alley, una giovane aspirante scrittrice che per diventare tale, per arrivare in alto, deve stare al gioco che lo stesso Walker le propina. E allora via di cocaina, alcool, acidi, funghi allucinogini. Qualsiasi cosa pur di appagare l’ego smisurato del suo autore preferito, nonché ora datore di lavoro. Come stregata, Alley si lascia inebriare da una figura incandescente, immoderata, che rompe ogni inquadratura in cui è presente, fino a farsi assuefare da questa. Il corpo narrativo di Gonzo Girl, o per meglio dire le sue premesse, sembravano tutte molto buone. Anche le dinamiche esasperate che vanno creandosi all’inizio fra Alley e Walker, al limite dell’assurdo, sono divertenti e piacevoli da seguire. Peccato però che nel suo progredire, la narrazione perde la sua traiettoria e non si riprende più.

Una storia poco solida

Nel mostrarci il legame fra i due, e il mutare di lei che passa da “ragazza per bene e sobria” ad assistente sballata e ubriaca, il film si lascia andare a una certa frettolosità degli eventi che fanno sembrare il tutto non plausibile. Come fa Alley a cambiare da un momento all’altro? Perché? Sono passaggi narrativi bruschi, salti disorientanti, difficili da spiegare poiché non supportati da una sceneggiatura coerente e solida, quantomeno chiara, la quale porta di conseguenza ad allontanarsi da ciò che si ha davanti. Fino a diventare ripetitiva e noiosa. Ad aggravare la fragilità di Gonzo Girl una protagonista poco accennata e un co-protagonista forte ma mal sfruttato. Del vero Walker si conoscerà poco. Di Alley non si conoscerà mai niente. Nè il suo passato, né la sua vita al di fuori quel ranch in cui è finita.

Perché sceglie quella strada? Una domanda a cui non si riesce a trovare risposta. Nonostante il racconto si dimostri tiepido, non possiamo fare a meno, nel complesso, di apprezzare alcune soluzioni visive adottate dalla regista, soprattutto nelle scene in cui Alley è drogata. Dagli spaghetti che danzano, alle inquadrature nebulose, fino a delle sequenze d’animazione molto simpatiche e colorate, elementi che nel loro insieme strappano una risata e permettono al pubblico di vivere la stessa esperienza psichedelica della ragazza. Oltre questo, Gonzo Girl non si fa riconoscere per originalità e interesse. Ma se continuerà a vivere, sarà solo merito della bella interpretazione di Willem Dafoe.