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Cannes 2015: “Se fossi gay che differenza farebbe?” Cate Blanchett presenta Carol con Rooney Mara e Todd Haynes

Festival di Cannes
Interviste

17 Mag 2015

Dopo la proiezione ufficiale di Mia Madre di Nanni Moretti, che con i suoi dieci minuti di applausi si pone come maggiore favorito alla Palma d’Oro, un altro contendente piuttosto agguerrito è stato presentato sulla Croisette. Parliamo di Carol di Todd Haynes, un film dall’estetica assoluta che racconta l’omosessualità femminile negli anni ’50. Protagoniste due attrici straordinarie come Rooney Mara e Cate Blanchett, che proprio pochi giorni fa era stata pizzicata (e, secondo la stessa attrice, ‘fraintesa’) da Variety che era riuscita a farle dire di aver amato molte donne nella sua vita. Oggi a Cannes l’attrice australiana ha spiegato esattamente com’è andata: “Mi è stato chiesto se avessi mai amato delle donne e io ho risposto tranquillamente ’Si’, poi hanno continuato chiedendomi se avessi avuto rapporti omosessuali e altrettanto tranquillamente ho risposto ’No’ ma quest’ultima parte non è stata pubblicata. Il vero punto della questione però è un altro: nel 2015 dovremmo fregarcene di queste cose, fossi stata omosessuale non ci sarebbe stato niente di male, niente di morboso. Poiché in molti Paesi del mondo questo argomento è ancora tabù, è comunque giusto affrontare il discorso, credo sia uno degli obiettivi del film. Ne abbiamo discusso tanto durante la lavorazione del film ma parliamo di aspetti privati della personalità, non si dovrebbe essere costretti a dichiararsi pubblicamente.”

L’attrice che detiene ben due premi Oscar ha dominato una conferenza molto bilanciata e interessante, mostrando come sempre grande intelligenza e ironia. Ironia fondamentale per dribblare anche le domande più pruriginose sulle scene di nudo presenti nel film: “Mi chiedete se è stato imbarazzante girare scene di quel genere? Diciamo che aver partorito tre figli mi ha aiutato ad affrontare la nudità di fronte agli altri, visto che in quelle circostanze sei circondata da molta gente (ride, come tutta la sala del resto). Nel film, il girare queste scene con una donna anziché con un uomo non ha cambiato molto il discorso. Forse è stato addirittura buffo perché stimo profondamente Rooney. Il vero problema è che attorno a noi c’era tanta tensione, era una scena chiave del film e Todd ci aveva spiegato ogni dettagli della scena. Non potevamo sbagliare.”

Qual è invece la posizione del regista Todd Haynes riguardo all’omosessualità? “La paranoia più comune sull’essere gay è il suo aspetto fuorilegge, contro natura, criminale. Nel film invece ciò che potrebbe essere definito criminale è romantico, prima di raccontare una lesbo love story mostro semplicemente l’amore.” Il film ha un’importantissima componente visiva, lo dimostra anche la presenza del direttore della fotografia Edward Lachman in conferenza stampa: “Abbiamo fatto un grandissimo lavoro sulle inquadrature – ha detto Haynes – volevamo immergere lo spettatore nei primissimi anni ’50 durante i quali si trascinano ancora i segni degli anni ’40. La popolazione stressata, le città poco curate e sporche, l’incertezza politica e la voglia della popolazione di fotografare per documentare il tutto. È un lavoro che ci portiamo dietro da Mildred Pierce.” Lachman ha aggiunto: “Vorrei sottolineare la scelta di girare in Super 16mm, non solo per motivi di budget ma anche per il livello di grana che appare sullo schermo. Una caratteristica che genera emozione, impossibile da creare con il digitale. È un processo fondamentale anche per la resa dei colori.” A parlare di omosessualità, riprendendo il tema del film, anche Rooney Mara in perfetta sintonia con il suo personaggio Therese, ovvero estremamente timida e silenziosa al contrario di una Cate Blanchett/Carol dirompente e sicura di se: “Nel mio Paese, l’America, dove la storia è ambientata, abbiamo fatto grandi passi per quanto riguarda la tolleranza. Capisco però che è importante tenere alto l’interesse per questo argomento perché in alcuni luoghi del mondo ancora non se ne può parlare.” È anche in questo aspetto che traspare la grandezza di Carol, la sua tremenda attualità, e il motivo per cui – almeno per ora – si potrebbe auspicare una Palma di peso.

Cannes 2015: “Riley è in realtà mia figlia” Pete Docter presenta il suo Inside Out

Festival di Cannes
Interviste

Aurelio Vindigni Ricca

18 Mag 2015

Arrivati al sesto giorno di Festival, a Cannes si respira un’aria del tutto diversa rispetto alla scorsa settimana. Sulla Croisette è infatti il turno della Pixar e del genio di Pete Docter, già regista di Up e Monsters & Co. Il nuovo attesissimo film dello studio, Inside Out (qui la nostra recensione), è stato infatti presentato alla stampa generando un fenomeno inaspettato. Il lavoro è assolutamente sorprendente, educativo e poetico, ha emozionato tutti indistintamente, apparendo subito come il miglior prodotto visto sinora al Festival. John Lasseter e lo stesso Docter sono raggianti in conferenza stampa, una conferenza estremamente interessante durante la quale gli autori ci hanno raccontato com’è nato il progetto e come è stato costruito. Ma procediamo per gradi.

Guardando il film, quando uscirà nelle sale italiane a settembre, vi innamorerete pressoché subito della piccola Riley, che impareremo a conoscere grazie ai cinque personaggi all’interno della sua testa: Rabbia, Gioia, Disgusto, Paura e Tristezza. Ma com’è nata l’idea di analizzare dall’interno le emozioni di un bambino? “Riley è in realtà mia figlia – ha confessato Docter – ho avuto l’idea proprio guardandola, ho notato che in un periodo particolare della sua vita aveva perso le energie, mi sono detto ‘Chissà cosa le passa per la mente’. In passato abbiamo realizzato film su mostri, su macchine parlanti, ma un film sulle nostre esperienze di vita è un’idea grandiosa, mi è sembrato interessante.” “Anch’io ho capito subito si trattasse di qualcosa di speciale – ha aggiunto Lasseter – nonostante fosse difficilissimo da realizzare. Abbiamo svolto un lavoro di ricerca incredibili, coinvolgendo anche psicologi esperti che ci aiutassero a ricostruire alla perfezione il funzionamento della nostra mente, del nostro reparto emozionale, dei ricordi. Abbiamo fatto una cosa simile anche per Toy Story, lo abbiamo rifatto in modo approfondito per Inside Out. La vera sfida è stata semplificare tutto per gli adulti, che i bambini sicuramente avrebbero capito in ogni caso. Bisognava ricreare il funzionamento della mente umana, il meccanismo della memoria a breve termine che si rigenera durante la notte, vi assicuriamo che si tratta una ricostruzione molto fedele.”

Ma come viene costruito un film Pixar? Lasseter ha spiegato che prima si mettono insieme tutti gli storyboards del film per vedere una versione dello scheletro, poi ogni 12 settimana si monta e rivede tutto il materiale per capire dove si può migliorare il tutto. Per arrivare alla versione della sala cinematografica possono esserci 9 o 10 cuts preliminari. Una grande mole di lavoro che però porta a risultati maestosi, per più di un giornalista il miglior film visto sinora a Cannes. La domanda sorge infatti spontanea: perché film d’animazione di questo calibro non vengono considerati dal Concorso ufficiale ma presentati Fuori Concorso? “In realtà siamo felicissimi anche solo per essere nella selezione ufficiale, quando ho iniziato la mia carriera nel settore dell’animazione – ha continuato Lasseter – si viaggiava su un settore morto. Si pensava che l’animazione fosse destinata esclusivamente ai bambini, così molti studi chiudevano i battenti. Noi in vent’anni di attività siamo tornati spesso qui a Cannes, il Festival più importante del mondo, e siamo felici così. Inoltre quest’anno c’è anche mio figlio che presenta un cortometraggio, sono particolamente felice.” Ebbene si, la Pixar festeggia 20 anni di attività, gli anni che ormai ha un film iconico come Toy Story capace di cambiare un’intera epoca. “La nostra forza è aver cambiato radicalmente il settore dell’animazione. Abbiamo iniziato a indirizzare i nostri film agli adulti, più che ai bambini, è l’unico aspetto che non è cambiato dalla nostra fondazione. Ci sono stati cambiamenti anche nella tecnologia, ma il nostro focus è sempre sulle storie. La tecnologia serve a poco, se non se ne fa un buon uso. Toy Story, se non avesse emozionato il pubblico, sarebbe morto insieme alla sua tecnologia innovativa e nessuno avrebbe prodotto altri film disegnandoli al computer.”

Cannes 2015: “Raccontare il futuro è un’occasione di libertà” Paolo Sorrentino presenta Youth – La Giovinezza

Festival di Cannes
Interviste

Aurelio Vindigni Ricca

20 Mag 2015

Cannes 2015: “Raccontare il futuro è un’occasione di libertà” Paolo Sorrentino presenta Youth – La Giovinezza

Al Festival di Cannes 2015 è arrivato il giorno tanto atteso di Paolo Sorrentino e il suo Youth – La Giovinezza, che proviamo a raccontarvi nella nostra recensione. Come previsto, il film ha creato due fazioni ben distinte di amanti e detrattori, un classico dei lavori sorrentiniani che – difficili nell’ossatura e negli intenti – difficilmente riescono a mettere d’accordo tutti. Sembra però che il malcontento sia quasi tutto ed esclusivamente italiano, come se vi fosse un partito preso a priori. Il regista italiano, che conosce ormai bene la critica nostrana, ha sempre un rapporto freddo e distaccato con la stampa, freddezza che traspare anche durante la conferenza del Festival: risposte brevi, nervosismo sparso e una gran voglia che tutto finisca il prima possibile. Del resto il tempo e il suo passare è un’ossessione per Sorrentino, tanto che ha dedicato un intero film alla giovinezza (perduta): “Il trascorrere del tempo, il nostro passato, sono temi che mi affascinano. Non mi dispiace invecchiare, finalmente posso fare i film che volevo fare da giovane. Raccontare il futuro è una grande occasione di libertà, un sentimento naturale della giovinezza. Youth infatti è estremamente ottimista, è stato realizzato per esorcizzare alcune paure relative alla vecchiaia che tutti abbiamo.”

Accanto al regista ascoltano interessati gli splenditi protagonisti del film: Rachel Weisz, Paul Dano, Harvey Keitel e il mattatore Michael Caine che intavola un vero e proprio show: “Cosa si prova a recitare ruoli che simboleggiano la vecchiaia? Alla mia età posso fare solo due ruoli ormai: il vecchio o il morto, quindi va bene così (tutti ridono e non sarà la prima volta). Una volta ho letto uno script e l’ho rimandato indietro al produttore lamentandomi di avere una parte troppo piccola. Lui mi ha rispedito tutto indietro dicendomi di non leggere la parte dell’amante ma quella del padre. Da quel momento ho capito che la mia carriera era cambiata. Cosa significa recitare? Immaginate di trovarvi in una brutta situazione, tutti vi guardano aspettando il momento giusto per farvi fuori, è lì che devi dare il meglio di te per restare vivo e tenere in vita tutti gli altri accanto a te: ecco, recitare è questo per me.”

Sir Caine interpreta un direttore d’orchestra ormai in pensione che rielabora la sua vita, ha dunque dovuto imparare a muoversi sul set come un vero conduttore: “Ho lavorato con due direttori d’orchestra, abbiamo lavorato quattro settimane e mi hanno aiutato tantissimo, erano eccezionali nel farmi scoprire il loro lavoro.” La musica del resto è fondamentale nel cinema di Sorrentino, un collante potente e fondamentale: “Penso che la musica – ha detto proprio il regista – e il cinema siano le due arti che non scompariranno mai, anzi si rinnoveranno in continuazione. Ho scelto la figura del direttore d’orchestra perché è un mestiere che mi affascina, non so mai se quei movimenti delle mani significhino davvero qualcosa o sono soltanto simbolici. Proprio la ‘non conoscenza’ mi ha attratto. Se ho mai pensato di fare videoclip musicali? Mi piacerebbe tanto ma mi sono sempre defilato, mi fanno un po’ paura.”

Il film si chiude con una dedica importante a Francesco Rosi, scomparso purtroppo di recente: “Ho dedicato Youth a Francesco Rosi per due motivi sostanziali: il primo è semplice, perché è stato ed è un punto di riferimento per me e per molti miei colleghi. Italiani e non solo. Il secondo è più intimo: non molto tempo fa sono stato a cena a casa sua, mi ha raccontato un aneddoto riguardo ad un suo amico e una ragazza con la quale sono stati innamorati entrambi. Un’idea da cui è partita l’intera scrittura di questo film, dunque sono riconoscente nei suoi confronti su più livelli.”

Cannes 2015, Red Carpet: Rachel Weisz, Lea Seydoux, Colin Farell

Festival di Cannes

Dragon Trainer 2, il film

La trama di Maps to the Stars: