In Jack and Jill, Jack è un pubblicitario di successo, abita a Los Angeles, è sposato con una bella e paziente donna, (Katie Holmes) ha due figli simpatici, di cui uno adottato di origini indiane, un simpatico giardiniere messicano e vive a quattro ore di aereo dall’elemento della famiglia con cui ha il rapporto peggiore: sua sorella gemella Jill.

Jill ha sempre vissuto con i genitori e ora che la mamma è morta decide che può dedicare più tempo a suo fratello con cui pensa di avere un rapporto molto più empatico di quello che in realtà lui voglia. Ad una partita di basket Jill incontra Al Pacino, che Jack sta cercando di convincere ad essere testimonial per una nota catena di fast food, il quale, sull’orlo della crisi di nervi, vede in Jill la musa e la Dulcinea che gli permetterà di interpretare Don Chisciotte. Tra varie vicissitudini, gli equilibri familiari si sposteranno e Jack e Jill troveranno un modo per vivere insieme.

Vedendo Jack and Jill, il pensiero corre immediatamente al tipo di pubblico a cui è destinato. Giovani teenager che un paio di mesi fa, quando Jack e Jill è uscito in patria, sono andati in sala. La sequenza è dominata dalle flatulenze. Tre minuti di dialogo inframmezzato da rumori dei bassifondi. A questo punto i ragazzini saranno impazziti, la scureggia, così come la caduta, fanno sempre ridere. Infatti per il target a cui si indirizza questo film, appunto una fascia che va dai 10 al massimo ai 18 anni, è tutto perfettamente calibrato. Tempi comici, battute e appunto rumori. Il tutto per sollazzare gli istinti più basici dello humour umano, paragonabile all’effetto nostrano dei nostri Soliti idioti.

Adam Sandler però negli Stati Uniti è un’istituzione: ha presentato anche il Saturday night live, è lui stesso a produrre e sceneggiare questo film, ha un po’ lo stesso potere che negli anni ’90 ebbe Chevy Chase, detentore di una quasi infinita saga di commedie natalizie che si susseguivano sotto il nome di National Lampoon’s . A livello comico in Jack and Jill assistiamo ad una prova eccellente di un comico che conosce bene i tempi e che riesce a rendere bene due personaggi buffi e goffi in maniere diverse, due gemelli, di sesso opposto, cresciuti in modo diverso. Il tocco in più è dato dalla presenza di Al Pacino e di altre guest star che più o meno interpretano loro stesse; c’è ad esempio John McEnroe che ad una festa dà di matto con un ateo, Johnny Depp che assiste ad una partita di basket insieme a Pacino e indossa, autoironicamente, una maglietta con Justin Bieber, mentre Pacino interpreta se stesso sull’orlo di una crisi di nervi.

La sorpresa di De Niro che interpreta una commedia screwball, come è stata la serie di Ti presento i miei, ovviamente non c’è più, e quindi la soluzione che trovano gli sceneggiatori è quella, a dire il vero abbastanza interessante, ma sviluppata superficialmente, di fare in modo che Pacino veda in Jill una donna nobile, una musa, che lo aiuti a interpretare al meglio il suo personaggio di Don Chisciotte. E’ vero come afferma il direttore della fotografia che quando c’è Pacino la scena cambia. La sua interpretazione aggiunge  una certa serietà all’assurdità che domina lo schermo per novanta minuti.

Jack and Jill esce da noi quasi fuori tempo massimo, è una commedia natalizia, che esce a Febbraio, ma grazie al maltempo di questi giorni, forse è ancora contemporanea. Sarà nelle nostre sale da Venerdì 17 Febbraio.

Tratto dall’omonimo romanzo di Giovanni Mastrangelo, Henry è un film diretto da Alessandro Piva ambientato a Roma, città eterna anche dal punto di vista cinematografico per essere stata popolata dai più svariati personaggi visti in molte opere.

In questo caso si viene immersi fin da subito in uno scenario della città piuttosto inedito (almeno a livello cinematografico, salvo rari casi), dove l’elemento noir spadroneggia incontrastato. Una nota di merito va a Piva innanzitutto per aver allestito un cast che, seppur non composto da grandissimi nomi, incarna alla perfezione gli scopi  del regista: all’inizio facciamo la conoscenza del tossicodipendente Rocco (Pietro di Silva) e Spillo (Max Mazzotta), il pusher, che raffigurano superlativamente il degrado e nichilismo presenti nel film. In realtà è proprio la relazione tra i due a costituire la miccia che da il via alla trama di Henry: dopo la morte di Spillo, Rocco coinvolge nella vicenda  la vicina Nina (Carolina Crescentini) assieme al fidanzato Gianni (Michele Riondino), anche lui tossicodipendente. Sulla morte del pusher inizia a indagare il poliziotto Silvestri (Claudio Giannelli) insieme a suo partner, ma ben presto tale indagine avrà implicazioni ben più gravi di quanto previsto: una banda di africani, capeggiata da Henry, vuole inserirsi sul mercato della droga, ma dovranno fare i conti con il monopolio mafioso che non starà lì a guardare.

La peculiarità narrativa di Henry consiste proprio nel creare da un singolo omicidio nel far nascere un drammatico vortice, dove tutti i personaggi, poliziotti compresi, vengono risucchiati con conseguenze drammatiche.

 La parte migliore del film Henry è la caratterizzazione dei personaggi, perfettamente calati nella propria parte. Tra questi comunque il più riuscito resta senz’altro Rocco, un povero diavolo tossicodipendente ma, in realtà, principale responsabile delle disastrose conseguenze in cui i protagonisti incappano.  Anche gli scenari del film, dove i sobborghi popolari fanno da padrone, contribuiscono efficacemente alla costituzione di un soggetto ben studiato e realizzato. Nonostante questo Henry non può essere annoverato tra i capolavori del 2012: manca infatti alla trama quel quid decisivo che avrebbe permesso al film di fare un importante salto di qualità. Forse il regista voleva solo fornire al pubblico un volto di Roma nascosto e conosciuti da pochi, ma l’inserimento del meta cinema, dove gli attori si confessano davanti alla telecamera, fa pensare a come Piva si sia troppo concentrato su un aspetto dell’opera trascurando il resto. Ed è un vero peccato, perché le basi per un film importante c’erano tutte.

Nonostante il passo falso di Indiana Jones e il Regno dei Teschi di Cristallo, Steven Spielberg è tornato in sella. Senza troppi problemi e complimenti ha portato al cinema il famosissimo fumetto di Hergè (insieme a Peter Jackson) nella fastosa messa in scena di Tin Tin uscito lo scorso ottobre, ed ora, aspettando sue opere più impegnative come il Lincoln attualmente in produzione, esce al cinema War Horse, favola sulla guerra e sull’amicizia tra un ragazzo e il suo cavallo. In perfetto stile spielberghiano la musica, le immagini, la sceneggiatura (basata sul romanzo omonimo di Michael Morpugno) e persino i visi degli attori raccontano di Steven, dell’immaginario cinematografico che ha creato nel corso di più 40 anni di carriera nel cinema. Albert è un ragazzo figlio di contadini a cui viene dato l’incarico di addestrare un giovane cavallo, che lui chiamerà Joy.

Dal successo di Albert con Joy dipendono le sorti della fattoria di famiglia e così tra il ragazzo e il cavallo si instaura più di un rapporto tra padrone e animale domestico: i due diventano amici e fratelli. Purtroppo la guerra dividerà i due, che nonostante le asperità del campo di battaglia e della trincea, cercheranno sempre di ricongiungersi. Steven Spielberg ci mostra il suo piacere a girare una storia come questa; apologia dei buoni sentimenti con tanto di happy ending e di scene sul filo del plausibile si susseguono con la consueta maestria che il regista ha dietro la macchina da presa. La splendida fotografia firmata dal fedele collaboratore di Spielberg, Janusz Kaminski (premio Oscar per Schindler’s List e Salvate il Soldato Ryan), travalica in alcune sequenze la storia stessa, diventando vera e propria protagonista del film. John Williams poi ci mette del suo realizzando una colonna sonora orecchiabile, onnipresente e che, come ogni sua realizzazione, dona enfasi e profondità a tutto il film.

War Horse, l’omaggio di Steven Spielberg

War Horse però non è certo esente di difetti, tra tutti la particolare lentezza dell’introduzione, in cui Spielberg si impegna a gestire e spiegare le dinamiche che muovono i personaggi, calcando un po’ la mano su alcuni caratteri (vedi David Thewlis nei panni del cattivo padrone) e rischiando di renderli ridicoli. Intelligente invece la scelta del cast, estremamente vario e ricco di piccole partecipazione che ne arricchiscono diversi momenti: ci sono Peter Mullan, straordinario protagonista di Tyrannusaur; Emily Watson, che non ha bisogno di presentazioni; e poi il già citato David Thewlis, Tom Hiddleston, Benedict Cumberbatch.

Alla sua prima apparizione sul grande schermo Jeremy Irvine, inglese fino al midollo, pescato dal palcoscenico teatrale e regalato al mondo del cinema, ha dalla sua una buona esperienza professionale, una straordinaria somiglianza con l’Ethan Hawke de l’Attimo Fuggente, e tutte le carte in regola per sfondare nel mondo del cinema. Pur non rappresentando di certo il punto più alto della carriera del regista de Lo Squalo e E.T., War Horse rimane fedele al suo autore, pagandone le conseguenze in prevedibilità drammaturgica e ritmo dilatato nella prima parte. Il film resta comunque una apologia dei buoni sentimenti, forse desueti in un mondo sempre più cinico, ma che asseconda le intenzioni di Spielberg nel realizzare un film per famiglie e nel rappresentare ancora una volta la bellezza del cinema come macchina dei sogni.