Il film La Pecora Nera di Ascanio Celestini, vincitore del “Premio Fondazione Mimmo Rotella” (dedicato alle opere più vicine alle arti figurative) allo scorso Festival del Cinema di Venezia, rappresenta l’ultimo atto di un percorso iniziato otto anni fa. Nel 2002 infatti Celestini, autore-attore teatrale romano ormai affermato e pluripremiato, insieme al Teatro Stabile dell’Umbria ha pensato di portare in scena un pezzo della nostra storia troppo spesso rimosso, come viene rimosso e accantonato tutto ciò che riguarda la malattia mentale.

Si tratta, infatti, della storia dei manicomi italiani: da quando erano ancora “le carceri dei matti” a quando, nel 1978, la legge Basaglia ne inaugurò la lenta dismissione. È questo mondo che Celestini racconta dal 2005 nello spettacolo La Pecora Nera, proponendolo con successo in Italia e all’estero. Alle spalle, un lungo lavoro antropologico: tre anni di ricerche e interviste su tutto il territorio nazionale, per raccontare la Storia attraverso le storie di chi il manicomio l’ha vissuto – medici, ma soprattutto infermieri e pazienti.

La Pecora Nera, il film

Molti forse vedranno un eccessivo autocompiacimento da parte dell’autore nel voler proporre, dopo lo spettacolo e il romanzo, anche il film. E saranno scettici circa la possibilità che nel passaggio al cinema Celestini, ottimo affabulatore, sia riuscito ad uscire dalla logica teatrale, basata sulla parola, in cui l’attore col solo ritmo e intensità del suo discorso deve catturare l’attenzione del pubblico. Diciamolo subito: c’è del teatro in La Pecora Nera. C’è una sceneggiatura molto fedele al testo dello spettacolo, scritta dallo stesso Celestini assieme a Ugo Chiti e Wilma Labate. E c’è indubbiamente molta parola, a partire dalla voce fuori campo dello stesso Celestini, nei panni del protagonista, che tiene le redini di tutta la storia, e sembra a tratti entrare in competizione con gli stessi personaggi. La parola resta per lui importantissima e non ci ha voluto rinunciare, anche a costo di apparire ridondante.

Qui però inizia la specificità del film: innanzitutto perché i personaggi evocati dalla voce narrante ora prendono corpo, interpretati da Giorgio Tirabassi (nel ruolo del coprotagonista), Luisa De Santis (la suora), Maya Sansa (Marinella adulta) e dallo stesso attore–regista – presente anche Peppe Servillo in un cameo. Prende corpo la storia di Nicola, entrato in manicomio da ragazzino, negli anni ’60, e lì rimasto per trent’anni. Difficile capire se sia pazzo anche lui, o sia stato solo sfortunato. È attraverso il cinema, proprio grazie all’immagine, che Ascanio Celestini porta lo spettatore a vedere con gli occhi di questo personaggio, a vivere la stessa esperienza da lui vissuta.

Poi ci sono gli ambienti, quelli che in teatro erano solo evocati, ma che ognuno poteva immaginare a suo modo. Qui sono inequivocabilmente presenti in tutto il loro squallore, o meglio quello del padiglione 18 dell’ex manicomio di Roma, in cui sono state girate molte scene: stanze, corridoi, muri. Proprio un muro è protagonista, insieme a un paziente, di una delle sequenze più eloquenti del film, pur senza parole. Poi ancora, eminentemente cinematografico è il risalto dato ad alcuni oggetti-chiave, fondamentali per sciogliere le ambiguità del racconto (penso ad esempio alla dicotomia tra le scarpe e gli zoccoli). Spunti interessanti, dunque, nell’utilizzo del mezzo cinematografico, apprezzabili in un’opera prima come questa.

Ma i pregi de La Pecora Nera, al di là delle diatribe sulla perizia tecnica, risiedono altrove: ottima l’interpretazione degli attori. La capacità recitativa di Ascanio Celestini regge bene l’impatto con la fotografia cinematografica diretta da Daniele Ciprì, che scruta le espressioni e le movenze nei minimi dettagli. Giorgio Tirabassi riesce a rendere perfettamente la  bizzarria tipica della malattia mentale. Il tutto infatti è raccontato con parole ed immagini in maniera emotivamente coinvolgente, ma anche con leggerezza, destreggiandosi sapientemente tra comicità e dramma. Celestini ci guida nel mondo della malattia mentale, facendoci lasciare fuori dal cancello del “manicomio elettrico” pregiudizi e stereotipi sulla follia. Facendoci anche riflettere su come il nostro mondo moderno, figlio di quei “favolosi anni ’60”, non sia poi tanto diverso da quello del manicomio.

L’operazione, insomma, riesce, anche grazie al genuino coinvolgimento che parte da Celestini stesso, ed è fatto proprio da tutti gli attori. Lo dimostrano le loro interpretazioni. Lo dimostra il fatto che il regista abbia voluto accanto a sé nel cast anche il vero Nicola, che in realtà si chiama Alberto, e Adriano, un infermiere che ha lavorato per anni al Santa Maria della Pietà a Roma. Sono loro ad aver vissuto e raccontato a Celestini molto di ciò che vediamo nel film. L’attore affida proprio ad Alberto la chiusura dell’opera. Questo sì, un colpo di teatro che strappa l’applauso al pubblico in sala.

La recensione del film d’animazione di I racconti di Terramare di Goro Miyazaki, con le voci di Marco Vivio (Arren), Vittorio di Prima (Sparviere), Roberta Paladini (Tenar), Alessandra Cassioli (Aracne), Gemma Donati (Therru) 

Nel mondo di Terramare continuano ad accadere disgrazie, e l’equilibrio con il vicino reame dei draghi è stato compromesso: Arren, l’erede al trono, che soffre di uno sdoppiamento di personalità, uccide suo padre il re e si autoesilia. In cerca di redenzione il ragazzo fugge, incontrando i maghi Sparviere e Tenar e la giovane Therru e decidendo di affrontare Aracne, un mago oscuro in cerca del segreto per ottenere la vita eterna e a capo dei mercanti di schiavi che imperversano nel regno. Arren affronterà con i suoi nuovi amici questa minaccia, lottando contro la sua metà oscura, fin quando non riuscirà a sconfiggere Aracne, con l’aiuto di Therru, diventata un drago nelle fasi finali della battaglia, e a riportare l’equilibrio nel mondo.

I racconti di Terramare: recensione del film di Goro Miyazaki

Analisi

I racconti di Terramare – Il fantasy è il genere di gran moda degli ultimi anni e non stupisce che Goro Miyazaki, figlio di Hayao, abbia scelto una storia di questo tipo per il suo debutto, tenendo conto che nel Paese del Sol levante il genere, declinato all’occidentale (Record of Lodoss War) o all’orientale (Rg Veda) è stato ampliamente frequentato da diversi autori, non ultimo Miyazaki senior, in film come Nausicaa nella valle del vento, Il castello errante di Howl e La città incantata.

Scegliendo di adattare una parte del complicato ciclo di Earthsea di Ursula K. Le Guin (che non ha gradito che sia stato il figlio e non il padre a portare in animazione il suo universo di fantasia) si mette forse con le sue stesse mani un po’ nei pasticci, e i risultati possono non sembrare eccelsi, soprattutto per i puristi dell’autrice, che serve a Goro solo come punto di partenza, visto che la vicenda narrata è molto diversa.

Goro Miyazaki ha senz’altro talento, ma deve forse ancora lavorarci su e provare a staccarsi dalla lezione stilistica, ottima per altro, di suo padre, che segue diligentemente senza aggiungeci granché: I racconti di Terramare è comunque uno spettacolo fantasy ben realizzato e avvincente, con il tema di fondo dell’espiazione e della ricerca di sé. I personaggi sono però un po’ troppo schematici, emergono Sparviere e Aracne, rispettivamente tra i buoni e i cattivi, per il loro essere outsider e un po’ meno stereotipati degli altri, oltre all’enigmatica Therru, che però non ha la grinta delle ragazze d’acciaio dei film di Hayao, Nausicaa e Sheeta in testa.

Per il resto bellissimi gli scenari, belle le ambientazioni, a metà strada tra le Mille e una notte e l’Irlanda, coinvolgente la colonna sonora e la trama in ogni caso sa avvincere. Certo, con Miyazaki padre ci si è abituati bene, Miyazaki figlio svolge un buon compito ma i paragoni sono inevitabili, anche se comunque siamo sempre ad un ottimo livello come trama e animazione, con forse un po’ troppo uso e abuso del computer in un paio di sequenze nel castello di Aracne che risultano davvero poco incisive.

Ma il volo dei draghi, all’inizio e alla fine, ha comunque il respiro dei film di Miyazaki padre: I racconti di Terramare è stato accolto comunque bene in Giappone, c’è da sperare che Goro Miyazaki si rimetta al lavoro, magari provando a fare qualcosa di un po’ diverso ma di altrettanto valido rispetto ai lavori di suo padre.

Antichrist diretto da Lars Von Trier, un nome che basta e avanza per offrire due possibilità di valutazione: un voto minimo o un voto massimo. Quando si fa il nome del regista danese risulta difficile trovare una via di mezzo, in ogni suo lavoro si possono trovare innovazioni, stili e idee geniali, questa volta però c’è di tutto tranne che innovazione.

La trama di Antichrist

Una  coppia si ritrova ad affrontare la morte accidentale del proprio bambino. Lui, uno psicoterapeuta, cercherà di aiutare il più possibile lei, distrutta dal dolore.Una sinossi così semplice da poter stare abbondantemente comoda in sole due righe, non sembra esserci altro da dire per descrivere questo film che cerca di offrire una visione distaccata dalla realtà ma legata esclusivamente alla mente e a quello che accade al suo interno.

Definito dai più come un delirio di un depresso

Le aspettative per questo suo Antichrist, che è stato accompagnato da qualche polemica, erano alte, definito dai più come un delirio di un depresso, da  subito però pare molto lento, noioso e pesante. Risulta difficile superare ogni minuto della sua durata, ma proprio quando sembra che il sonno abbia avuto la meglio sull’attenzione dello spettatore qualcosa accade. La seconda parte è un po’ più dinamica (poco) ma offre qualche situazione coinvolgente e sommandosi alla prima noiosa parte nel complesso il film risulta essere sufficientemente interessante.

Senza ombra di dubbio la regia di Antichrist è impeccabile e le cupe atmosfere insieme alle ansiose ambientazioni rappresentate riescono a solleticare lo spettatore, in maniera irritate, infastidendolo e dandogli un senso di angoscia legato a un minimo di curiosità nel sapere dove si andrà a parare. Girato in metà Europa il film ha regalato a Charlotte Gainsbourg il premio di miglior attrice al Festival di Cannes e ha dato nuovamente la possibilità a Von Trier di confermarsi un personaggio dall’inquietante mentalità.

Il cast, composto solamente da due attori, vede Charlotte Gainsbourg, attrice francese figlia d’arte dei cantanti Serge e Jane Birkin, con alle spalle diversi film tra i quali si ricordano i più recenti 21 grammi, dove interpretava la compagna di un malato Sean Penn e L’arte del sogno, visionaria pellicola di Michel Gondry; e Willem Dafoe, onnipresente attore hollywoodiano visto ultimamente nella trilogia di Spider-Man e in vari lavori di artisti come Wim Wenders, Werner Herzog e Wes Anderson, solo per citarne alcuni.

In conclusione un film a doppio taglio, proprio come il suo regista, una fetta di spettatori griderà al capolavoro e magari noterà come molti concetti e idee siano analoghe a Repulsion di Roman Polanski, film di oltre quarant’anni fa, mentre l’altra si pentirà di averne iniziato la visione.

La recensione del film d’animazione Ponyo sulla scogliera per la regia del maestro Hayao Miyazaki.

Una bambina pesce fugge dalla sua casa incubatrice in fondo al mare e approda in una cittadina della costa, dove viene salvata da Sosuke, un bambino che la ribattezza Ponyo, senza sapere che in realtà la bambina è una creatura dell’acqua, figlia di Mammare, signora degli abissi. Fujomoto, il padre della ragazzina, cerca di riportarla nel mare, ma lei non ne vuol sapere e tenta di diventare umana usando la magia, creando uno scompenso tra terra e acqua che porta ad uno tsunami e ad una regressione all’ambiente della cittadina come era nella preistoria, sotto marino e con creature ormai estinte. Ponyo e Sosuke dovranno trovare un modo per rimanere insieme senza stravolgere i loro rispettivi mondi.

Anno: 2008

Regia: Hayao Miyazaki

Con le voci di: Agnese Marteddu (Ponyo), Ruggero Valli (Sosuke), Massimo Corvo (Fujomoto), Sabrina Duranti (Gran Mammare), Laura Romano (Risa), Carlo Scipioni (Koichi), Franca Lumachi (Toki), Ludovica Modugno (Yoshie)

Sinossi:

Una bambina pesce fugge dalla sua casa incubatrice in fondo al mare e approda in una cittadina della costa, dove viene salvata da Sosuke, un bambino che la ribattezza Ponyo, senza sapere che in realtà la bambina è una creatura dell’acqua, figlia di Mammare, signora degli abissi. Fujomoto, il padre della ragazzina, cerca di riportarla nel mare, ma lei non ne vuol sapere e tenta di diventare umana usando la magia, creando uno scompenso tra terra e acqua che porta ad uno tsunami e ad una regressione all’ambiente della cittadina come era nella preistoria, sotto marino e con creature ormai estinte. Ponyo e Sosuke dovranno trovare un modo per rimanere insieme senza stravolgere i loro rispettivi mondi.

Ponyo sulla scogliera: recensione del film

Analisi

Ponyo sulla scogliera – Dopo diversi film con tematiche più adulte, stavolta Miyazaki sembra richiamarsi al mondo delle fiabe e dell’infanzia, e lui stesso ammette in un paio d’interviste che l’idea per Ponyo gli era venuta guardando il film di Disney La Sirenetta. In realtà, Ponyo sulla scogliera non è solo una fiaba per bambini, anche se rimane uno dei film più adatti, per tematiche e assenza di scene e situazioni più adulte, ad un pubblico infantile, più ancora de La città incantata.

Rilettura della Sirenetta, certo, ma in un contesto diverso, in cui l’autore riprende i temi a lui cari, l’ecologia, l’equilibrio tra generazioni, il rispetto dell’altro, la voglia di seguire la propria strada: se l’amicizia tra diversi Sosuke e Ponyo è estremamente delicata, risultano simpatici gli altri rapporti descritti nella storia, non ultimo quello con gli ospiti del pensionato dell’isola, che ritornano alla vita grazie al nuovo rapporto con la natura e gli elementi, scatenati dalla nuova ospite della loro zona.

Nell’animazione, in piena era digitale, Miyazaki compie una scelta coraggiosa: torna a disegnare tutto prevalentemente a mano, ed ad animare, richiamandosi ai disegni dei bambini ma anche alle stampe di mare tradizionali giapponesi, in un misto molto ricco che porta valore aggiunto ad una fiaba che diverte e fa riflettere, molto lontana dagli stereotipi di un’animazione giapponese disimpegnata e violenta che in molti si portano dietro, ancora oggi, dopo anni di film decisamente di qualità presentati al cinema e per il mercato dell’home video.

Certo, in molti hanno preferito le storie più complesse del maestro giapponese, film come La città incantata, Il castello errante di Howl o La principessa Mononoke, ma Ponyo sulla scogliera resta una fiaba intelligente, per bambini attenti e per chi ha conservato in sé una parte di infanzia che non è infantilismo, ma capacità di sognare, di saper guardare oltre, di immaginare un mondo fantastico anche partendo dalla realtà di tutti i giorni, da una vita in cui può venir fuori la magia di un momento che cambia tutto e che apre nuovi orizzonti.

Carine anche le canzoni, riadattate e tradotte in italiano senza crearne di nuove, all’interno di una colonna sonora originale che come sempre è molto curata, sinfonica e di gran respiro.

Ponyo sulla scogliera consola chi non si è mai rassegnato alla fine non lieta de La Sirenetta di Andersen, costruendo una storia e un finale comunque meno melensi e più credibili, sia pure nel contesto della fiaba, di quelli de La Sirenetta di Disney. In fondo, quello che è importante è saper trovare un equilibrio, fuori e dentro di sé, con gli altri e con la natura: e il tutto viene detto, come sempre nelle opere di Miyazaki, senza retorica.

Arrivala al cinema distribuito da 20th Century Fox Innocenti bugie, la nuova action comedy con protagonisti Tom Cruise e Cameron Diaz.

Una solitaria casalinga della provincia americana (Cameron Diaz) vede la sua vita sconvolta dopo aver partecipato ad un appuntamento al buio con quella che si rivela una super-spia internazionale (Tom Cruise) che la conduce in un pericoloso viaggio intorno al mondo per proteggere un’invenzione che potrebbe rivelarsi la chiave dei problemi energetici del pianeta.

A rileggerla sembrerebbe proprio un’ottima premessa per un episodio del famigerato Ethan Hunt. No, invece, anche se il protagonista è lo stesso (Tom Cruise) il film non è Mission Impossible anche se però ce lo ricorda moltissimo. Verrebbe da tirar fuori una cattiveria: manca poco che il copione di Innocenti bugie sia anche meglio dell’ultima avventura di Hunt, ma di certo è che senza dubbio c’è molta più ironia di fondo, rispetto al tormentato agente della serie MI.

Innocenti bugie inizia decisamente bene ed altrettanto velocemente prosegue per la sua strada senza mancare di omaggiare/rubare qua e la passando appunto per la serie MI, oppure da nomi più altisonanti come Intrigo internazionale di Hitchcock, o mi verrebbe in mente addirittura Indiana Jones per certi spunti. Contornato da momenti molto divertenti, tanto da far strillare il pubblico in più di una volta.

Innocenti bugie è decisamente un titolo per chi apprezza film leggeri, senza nessun pretesto “altro”, che intrattengono il pubblico per il semplice gusto di farlo e che per certi versi ci riescono, senza tralasciare in nessun momento quella che è la primordiale natura della mezzo cinematografico. E se forse vogliamo spingerci oltre e trovagli un pregio, beh questo mi sembra che sia il primo e forse unico, che viene in mente vedendo la pellicola. Una pecca si trova, se vogliamo, nel momento in cui c’è un maldestro tentativo di voler moralizzare un film che non è ha bisogno, trattandosi di una natura che non gli appartiene, e che inevitabilmente finisce per passare inosservata o addirittura invisibile.

Al contrario invece non passano di certo inosservati le meravigliose location che come un magnifico contorno deliziano la visione per palati decisamente avventurieri. Dall’incantevole isolotto personale in Jamaica, alla gelida Salisburgo austriaca, sino ad arrivare ad un finale affascinante e sensuale targato Spagna, in mezzo ad una corrida con tori decisamente arrabbiati.

A reggere la storia è chiamato in causa un discreto Tom Cruise, che non se la cava poi così male a differenza della partner Cameron Diaz che ha decisamente troppi denti per i miei gusti, e in questo caso se non ti chiami Julia Roberts è difficile sopportarlo per  109 minuti. Il risultato finale è un film che concepito per il grande pubblico si dimostra funzionale alla causa, intriso di testosterone, ironia, assurdità e azione, che decisamente non guastano.