Niente Paura è un film documentario che a piccoli tratti non manca di farci sorridere, ma che è, e rimane fondamentalmente, un invito a specchiarci e a domandarci quanto di noi possiamo riconoscere nei suoi fotogrammi. Ultima fatica del regista Piergiorgio Gay, allievo di Ermanno Olmi, è stato presentato nella categoria fuori concorso alla 67.

Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. Un film di una dolcezza molto potente. Nel quale gli sguardi e i gesti di chi lo racconta sono l’espressività più solida. Perché Niente Paura, è effettivamente un “documentario atipico”, per abbracciare la definizione che Lionello Cerri propone, nel quale si punta a raccontare la nostra identità nazionale, da un lato attraverso la musica, quella di Luciano Ligabue, e dall’altro attraverso l’Italia che vive e respira, quella che va da Carlo Verdone, Fabio Volo, Paolo Rossi, Giovanni Soldini e Margherita Hack, alle presenze concrete di studenti, sportivi e sognatori della nostra realtà comune.

Le tematiche, le idee, le riflessioni si ritrovano a galleggiare In un tono confidenziale, colloquiale e spontaneo, tanto che val la pena sottolineare la capacità di questa pellicola di riuscire, prima di qualunque altra cosa, ad annullare lo spazio tra spettatore e commediante. Tutto aderisce, la musica è quella che siamo abituati ad ascoltare mentre svolgiamo gran parte delle nostre usuali e quotidiane attività; la gioia è quella che tutti abbiamo provato nell’estate mondiale del 2006; la nostalgia è quella che a tratti ci coglie quando ci scopriamo incapaci di sentirci, come in quei momenti, parte comune  e indiscussa della stessa fertile terra.

Niente Paura, il film

La facilità con cui in un attimo ci si riesce a sentire italiani…è la stessa facilità con la quale spesso ci vorremmo dimenticare di esserlo. E questo documentario è anche questo, non cancella vergogne o responsabilità civili, né aliena meraviglie della nostra terra con una sterile e scontata autocritica. Niente affatto. I suoi fotogrammi semplicemente ci parlano, così, come accade durante le migliori associazioni non veicolate di idee, quelle che occupano i nostri consueti discorsi.

Ed è vero, ci si ritrova, su quella poltrona, a sorridere ed annuire, con una piacevole tenerezza sul viso, prendere atto di ciò che in ogni caso ci rende unici, italiani, senza dover poi combattere con la rabbia e la frustrazione, due malumori che diventano dominanti quando qualcuno ci sbatte in faccia, attraverso lo schermo, qualcosa che non ci piace ma che non si può ignorare. Ci si alza invece rincuorati, nonostante non ci abbiano certo raccontato una favola.

E questo messaggio, d’altra parte, non fa che condire lo spirito con il quale sembra essere stato forgiato il film: non certo quello della commiserazione, quanto piuttosto quello della consapevolezza. Perché ci suggerisce di crederci ancora, cercarci ancora, in quel che vogliamo e preferiamo, anche se spesso quel che vediamo, sembra essere tutto ciò che non potrebbe essere di più lontano da noi. Notevole l’unico intervento di Enzo Biagi nel tessuto narrativo.

Fabio Romano (Enrico Brignano) è un venditore di polizze assicurative che rischia di perdere il lavoro quando il suo nuovo presidente, Saraceni (Giorgio Panariello), deve scegliere chi licenziare tra lui e il collega De Pascalis (Maurizio Casagrande). Il presidente è al momento in vacanza a Sharm El Sheik e i due assicuratori decidono di raggiungerlo, con l’obiettivo di parlargli, trascinando con sé mogli, figli e mamme con una certa passione per il gioco d’azzardo. Tra le varie peripezie che possono accadere a dei figli adolescenti in vacanza e a dei genitori un po’ distratti, Fabio dovrà decidere quali sono i valori a cui tiene veramente.

Evadere dallo stereotipo di cine-qualcosa, è questa la missione di Sharm El Sheik di Giordani, che tenta di richiamare la commedia all’italiana degli anni ’60 e ’70, dove il protagonista riusciva a cavarsela nonostante il destino avverso. La citazione del cinema di Dino Risi ed in particolare dei personaggi interpretati da Alberto Sordi non è solo ammiccata, ma annunciata, introdotta e riprodotta tale e quale; il film è Una vita difficile. Certa è la forza comica dei tre attori principali, con Panariello antagonista del duo Casagrande – Brignano, nel ruolo di un cattivo ritagliato sui “furbetti” che infestano spesso le cronache italiane. I tre sono supportati da due attrici (Cecilia Dazzi e Elena Russo) , che, nelle vesti di mogli degli assicuratori, riescono a riempire i vuoti presenti in altre parti della storia.

L’altro intento è quello di trattare temi drammatici in chiave di commedia; in realtà, non tutti i futuri disoccupati penserebbero di bruciare gli ultimi risparmi portando tutta la famiglia in una località balneare esotica per tentare di convincere il capo a non licenziarli, ma tant’è. La superficialità o l’ingenuità con cui vengono ritratti alcuni personaggi è a volte esagerata, così come il modo di affrontare alcuni temi, ad esempio la gravidanza in giovane età , quasi facendo finta che nessuno abbia realizzato un film come Juno, ma piuttosto ancorandosi ancora strettamente a Sapore di mare. Comunque sia, il film è onesto con se stesso e con il suo obiettivo finale: le volgarità sono quasi assenti, ed il cast sarà di sicuro richiamo visto che, oltre ai già citati, è composto dai giovanissimi attori provenienti dai film di Moccia e da Sergio Muñiz (quasi sempre in costume da bagno).

La recensione del film d’animazione La Principessa Mononoke del maestro dell’animazione giapponese Hayao Miyazaki.

Sinossi: Il giovane Ashitaka, principe Emishi, per difendere il proprio popolo da un demone-cinghiale di nome Nago comparso sul suo territorio, lo affronta e lo uccide, uscendo tuttavia ferito dal combattimento. La ferita del demone abbatte sul principe una maledizione che lo condanna a morte certa, e così Ashitaka decide di abbandonare il villaggio per la salvaguardia dei suoi cittadini e per scoprire le origini del demone. Durante il viaggio, Ashitaka incontra San, una ragazza cresciuta con i lupi e chiamata La Principessa Mononoke. Il principe scoprirà molto presto che l’intera foresta in cui San vive con i lupi, con le scimmie e con il bellissimo Dio della Foresta è in lotta da tempo con la Città del Ferro e con la sua padrona Eboshi, colpevoli di perpetrare lo sfruttamento di alberi e di materie prime, indebolendo in questo modo la foresta stessa.

Ashitaka scoprirà anche che il demone Nago, da lui ucciso, era un Dio tramutato in demone dalla ferita di un proiettile, sparato proprio da Eboshi. La Città del Ferro, alleatasi con gli emissari imperiali, si prepara ad abbattere per sempre il popolo della foresta, tentando di ucciderne il Dio. Ashitaka si troverà coinvolto nella guerra, sperando di riuscire a mediare le varie posizioni e schierandosi infine al fianco di San, di cui si è innamorato. Un altro capolavoro di Miyazaki, rovinato – in parte – dal doppiaggio italiano.

Analisi: Ogni opera di Miyazaki andrebbe vista con la dovuta preparazione: bisogna prepararsi prima di immergersi in un mondo che ha poco a che fare con le nostre idee di ‘cartone animato’ e di ‘favola’, ma che non può fare a meno di coinvolgerci e trascinarci con sé. ‘Mononoke-hime’ debutta in Giappone il 12 luglio 1997 ed è  immediatamente un successo di pubblico, al punto da essere trasmesso e ri-trasmesso nelle sale cinematografiche e da essere tuttora il secondo film più visto di sempre in terra nipponica (dopo ‘Titanic’). Nel 1998 venne scelto come film rappresentante del Giappone per la candidatura all’Oscar per il miglior film straniero, senza arrivare tuttavia alla fase finale. Nonostante il grande consenso ottenuto dal film in Giappone, in Italia La Principessa Mononoke arriva solo il 19 maggio 2000, grazie alla distribuzione della Buena Vista Pictures (come è possibile immaginare, il film fu comunque distribuito in pochissime sale). Non c’è dubbio che gli amanti del genere e di Miyazaki si siano precipitati a vederlo; il più grande rimpianto sta nel non riuscire a fare arrivare questi capolavori al grande pubblico.

La Principessa Mononoke: recensione del film

La storia de La Principessa Mononoke è ambientata nel periodo Muromachi (1392-1573), un’era considerata rinomatamente di transizione verso i primi bagliori dell’epoca moderna. Umani e dei al tempo coesistevano, insieme ai demoni, ma il periodo era caotico e confuso, privo di punti di riferimento. Miyazaki sceglie l’epoca Muromachi proprio con l’intento di creare un’atmosfera simile a quella che si respirava nel 1997, il tramonto del ventunesimo secolo, un’altra fase di transizione, anche se in altri luoghi e in altri tempi. Eppure le tematiche affrontate – quelle care al regista giapponese – sono più che mai attuali: la distruzione della natura ad opera di popoli ambiziosi, egoisti e senza scrupoli; le guerre, difficilmente utili, che popolano l’intero pianeta; l’amicizia e l’amore. La morale, in fondo, è facile da capire: l’uomo e la natura dovrebbero serenamente coesistere e bisognerebbe imparare a costruire, più che precipitarsi a distruggere. Ma c’è di più: se il mondo va a rotoli, non è detto che non esista una ragione per viverci ugualmente. Ashitaka era un condannato a morte, spinto solo dall’amore per il suo popolo e da una vana speranza di guarigione, eppure rinasce grazie a San. La voglia di proteggerla e di liberarla, nello stesso tempo, dalla condanna di una vita infelice (né donna né lupo, come spiega bene Moro) lo rendono un uomo se possibile più coraggioso, più valoroso e più assennato. Come direbbe il principe Emishi, “vedere cosa accade con occhi non velati dall’odio” ti dà una visione del tutto diversa delle azioni che si compiono. Eboshi, l’arrogante padrona della Città di Ferro, non riesce a liberarsi dalla sua avidità, nemmeno alla fine, come il doppiaggio italiano ci fa erroneamente dedurre. E su questo bisogna inevitabilmente puntare il dito contro la distribuzione italiana, che spesso pensando di far bene commette solo un terribile danno che colpisce tanto il regista quanto lo spettatore. Quando Eboshi dichiara “Oggi ho capito che la foresta è sacra e nessuno ha il diritto di profanarla”, in realtà nella versione giapponese esclamava un ben meno ‘pentito’ “Io ci rinuncio, non posso vincere contro gli stupidi”. Il finale lascia la porta aperta all’immaginazione o, se si vuole essere più precisi, ad un futuro inesplorato. Miyazaki sottolinea che la natura umana non è perfetta, che spesso l’amore incontra difficoltà insormontabili e spesso non ci si pente del male commesso, anche se ha portato solo distruzione. In fin dei conti, però, si va avanti lo stesso, senza un lieto-fine eclatante, ma con piccoli spiragli di luce. A dimostrazione che il mondo si sposta a passi infinitesimali e all’uomo basta poco per vivere il tempo che ha a disposizione il più felicemente possibile.

La solitudine dei numeri primi è il film del 2010 diretto da Saverio Costanzo tratto dall’omonimo romanzo di Paolo Giordano.

Nel film La solitudine dei numeri primi due episodi avvenuti durante l’infanzia marchiano in maniera indelebile le future esistenze dei due protagonisti, Mattia e Alice, fino all’incontro e alla scoperta di un legame sottile e necessario, paragonato a quello che esiste tra due numeri primi gemelli. Numeri primi solitari e isolati ma vicinissimi fra loro, accomunati dalle stesse particolarità, attratti l’un verso l’altra, ma che non riescono mai a unirsi, perché divisi da un unico invalicabile ostacolo: la sofferenza.

In La solitudine dei numeri primi Mattia (Luca Marinelli) è un bambino sensibile e con un’intelligenza superiore, ha una sorella gemella, Michela, inferma mentale, della quale si deve occupare sempre, perché così pretende la madre. Mattia, però è solo un bambino e ha bisogno anche di instaurare delle amicizie, tanto che il giorno della festa di compleanno di un suo compagno di classe, decide di lasciare Michela per poche ore in un parco giochi. Quando tornerà, afflitto dai sensi di colpa, non la troverà più.  Alice (Alba Rohrwacher) è una bambina che pur odiando la scuola di sci è costretta a frequentarne un corso dal padre. Una mattina, Alice si separa dal resto del gruppo e, nel tentativo di tornare a valle, finisce in un dirupo rimanendo gravemente ferita.

La solitudine dei numeri primi

La ragazza rimarrà zoppa per il resto della vita. Questi due drammi saranno talmente radicati nelle vite dei due protagonisti, da portarli a vivere in solitudine, emarginati dai compagni di classe, dagli amici e addirittura dalle stesse famiglie. Il mondo che li circonda è spietato, disumano e cruento, proprio come lo è la scena in cui Alice si fa squarciare con un coltello il tatuaggio che si era fatto per Viola, sua compagna di classe, popolare e meschina.

Il dolore è dunque il vero protagonista della storia, motore immobile dell’esistenza dei due personaggi; un dolore che riaffiora sempre, testimoniato da Costanzo attraverso continui stacchi di montaggio che ci mostrano in maniera confusa il riemergere di ricordi. 1984, 1991, 1998, 2007. Lungo questi anni le vite di Mattia e Alice scorrono parallele senza mai riuscire a congiungersi.  Nel 2007, Alice divorziata e anoressica decide di cercare Mattia, che vive in Germania per la sua carriera matematica, e lo invita a tornare da lei, così si rincontrano dopo sette anni, e si ritroveranno ancora vicini nel dolore, proprio nel finale, silenzioso ma intenso, in quel parco giochi e in quella panchina, dove Mattia aveva lasciato Michela.

Costanzo ha destrutturato la linearità narrativa del romanzo premio Strega 2008 di Paolo Giordano, avvertendoci sin dall’inizio, grazie anche alla musica di Mike Patton e a una grafica di forte impatto, che ci troviamo dinanzi ad un horror. L’orrore della sofferenza che attraversa corpi e anime dei due protagonisti. Un film di un regista che si dimostra già maturo, con una piena padronanza dei mezzi tecnici del cinema.

Evidente l’omaggio allo stile kubrickiano, nel quale i rumori e la musica creano maggior tensione delle parole, nel quale si alternano scene lente con movimenti quasi impercettibili a scene intense con l’ausilio della camera a mano, che tutto rende più emotivo. A brillare di luce propria in questo quadro sono i due giovani protagonisti: una scarnificata Alba Rohrwacher, sensuale e perfetta nei panni della tormentata Alice e Luca Marinelli, giovane esordiente, efficace nei panni del timido, impacciato e autolesionista Mattia.