Dopo l’avventura in Africa nera dell’Agente speciale 117 di Jean Dujardin, Nicolas Bedos torna in Francia, dove aveva ambientato con successo i suoi primi Un amore sopra le righe e il pregevole La belle époque. Con il quale il suo nuovo Masquerade – Ladri d’amore (nei cinema italiani dal 21 dicembre distribuito da Lucky Red) ha in comune forse una certa passione per le costruzioni articolate. Fin troppo.

Un giallo in Costa Azzurra

In questo caso, quella di una truffa, come rivela già la trama ufficiale in barba ai fobici dello spoiler, realizzata dall’ex ballerino Adrien e la bellissima Margot. Il primo, consenziente accompagnatore della Martha di Isabelle Adjani, conosce la seconda a una festa in casa della vecchia gloria del cinema che lo mantiene e lo tratta come cosa propria – non sempre con le dovute attenzioni e sensibilità – e ne resta affascinato. Ma anche la ragazza vive facendo la escort per i facoltosi frequentatori della più esclusiva Costa Azzurra, quando un colpo di fulmine spinge i due a sognare una vita migliore, diversa, per raggiungere la quale rischiano di dover imparare amare lezioni.

La truffa ai danni del ricco imprenditore che incontriamo subito nel suo momento peggiore, secondo una dinamica sempre più diffusa che affida al resto del film la spiegazione del prologo, e l’onere di renderlo credibile, ma ovviamente non vanifica l’effetto sorpresa né esaurisce la narrazione che segue. Nella quale, come promesso e anticipato, nulla è come sembra.

Un ricco cast, molto impegnato

Una premessa impegnativa, al di là delle apparenze, affidata al notevole cast completato da Pierre Niney, François Cluzet, Marine Vacth, Emmanuelle Devos e la nostra Laura Morante (da gustare in originale, nel suo continuo alternare le due lingue nella sua interpretazione della ex cliente di Adrien, espropriata dall’ex marito del ristorante di famiglia e ancora in cerca di rivalsa). Che non può fare più di quanto consentito da una sceneggiatura che se pure guarda molto ai drammi crime di certo cinema statunitense, soprattutto di qualche decennio fa, finisce per restare avviluppata nell’intreccio.

Esageratamente ampio, come i tempi che – inevitabilmente – si concede, e che concede al continuo utilizzo di flashback, stacchi e parentesi chiarificatrici. Che, tra l’aula di tribunale nella quale si svolge il film e le sequenze che ci portano nei momenti chiave (e in ogni altro tipo di momento immaginabile) della vicenda e nel loro dietro le quinte, rendono particolarmente faticoso conservare attenzione, disponibilità ad annodare i diversi fili, sospensione dell’incredulità e pazienza fino alla fine.

Masquerade – Ladri d’amore: uomini e donne

Un continuo trascinare lo spettatore avanti e indietro lungo una trama non particolarmente originale, nella quale le poche verità si perdono tra le troppe ipotesi e le tante bugie, almeno fino allo spiegone finale. Una confusione compensata da improvvisi e poco credibili strappi e qualche simpatica trovata di regia, ma non migliorata dalla messa in scena piuttosto banale di una superficiale lotta di classe e di caratteri non particolarmente sfaccettati, soprattutto nella loro appartenenza di genere.

Con uomini tendenzialmente passivi, monolitici nel loro essere trascinati da passioni o interessi, al limite tormentati da un senso di colpa che sfocia con eccessiva facilità in un vittimismo rassegnato e nell’accettazione di punizioni anche immeritate. E donne, giustificate a prescindere, nel bene o nel male, simboli di una condizione femminile che oggi ottiene soddisfazione, ma che ancora sembra aver bisogno di contare sulla propria funzione materna e protettiva per assicurarsi il consenso.

“Un uomo e una donna sono le persone meno adatte a sposarsi tra di loro”: inizia così, con la frase pronunciata da Massimo Troisi nel finale di Pensavo fosse amore e invece era un calesse, Maschi contro Femmine, il quarto film di Fausto Brizzi. E lo si è capito, ormai, che il regista va forte nei titoli d’apertura: sulle note di una canzone composta ad hoc da Francesco Baccini, una cicogna animata trasporta, tra le nuvole e le scritte, un bambino. Parte così, con una nascita, la storia.

Maschi contro Femmine – Femmine contro mariti. Mariti contro mogli. Mogli contro amanti. Le storie che s’intrecciano sono quattro, gli attori tantissimi: i protagonisti di una vicenda diventano le comparse di un’altra. Lo schema e i temi sono sempre gli stessi, il finale è intuibile fin dal principio. Ma, se il metro di paragone sono le altre commedie italiane, dai cinepanettoni ai Vanzina & C., la pellicola riesce a fare pure una bella figura.

Se non altro Brizzi mette assieme un cast per cui vale la pena pagare il biglietto, un cast distante da quei personaggi alla Boldi con cui si tende a identificare la commedia italiana. Vince su tutti una Carla Signoris al centro di una crisi di mezza età, che, beccato il marito Pannofino in flagrante, inizia a pensare alla chirurgia estetica e non s’accorge del dolce corteggiamento di Cederna.

Maschi contro Femmine, il film

Paola Cortellesi, infermiera attivista e vegetariana, si trova alle prese con Preziosi, vicino di casa che colleziona i perizomi delle sue prede. Fabio De Luigi tradisce la moglie Lucia Ocone con la Würth, una delle sue pallavoliste. Vaporidis e la Francini, sotto gli occhi del coinquilino Paolo Ruffini, si contendono la sexy e bisessuale Sarah Felberbaum. Appaiono, per piccoli ruoli, Claudio Bisio, Paolo Solfrizzi, Luciana Littizzetto e una fortissima Nancy Brilli, che saranno protagonisti della pellicola che uscirà a febbraio, Femmine contro maschi, un contraltare che metterà in piazza i difetti della donne.

Nel primo atto, dunque, tocca all’infedeltà e all’irresponsabilità degli uomini, al loro rottamare un’auto per una a chilometri zero, meglio se straniera. Uomini che mettono le corna, uomini che si fanno pagare per una prestazione sessuale, che spingono le donne a rifarsi le tette e tutto il resto. Qualche risata, niente di nuovo, ma tanta piacevole leggerezza.

Quando si pensa a Frankenstein (o lo si legge) non ci si rende mai pienamente conto di quanto questo romanzo sia capace di far sgorgare sentimenti, riflessioni, l’anima intera dell’autrice. Soprattutto, non viene quasi mai dato il giusto peso all’autrice, sempre poco soppesata e data per scontata in un mondo, a noi contemporaneo, nel quale l’esistenza di scrittrici donna (usare il rafforzativo non fa male) viene data per scontata. E va a finire che su Mary Wollstonecraft-Godwin (conosciuta come Shelley) non ci si soffermi più di tanto. Il lavoro che fa Mary Shelley è dare vita all’autrice del primo romanzo fantascientifico, tra percorso di crescita e la ricerca di una propria voce autoriale.

Haifaa Al Mansour, prima regista donna dell’Arabia Saudita (paese nel quale è stato riaperto il primo cinema lo scorso aprile, dopo ben 35 anni) ha plasmato a figura di questa giovane donna pro-femminismo, anticonvenzionale, che vive nel ricordo della madre eterodossa e combattiva, morta qualche giorno dopo la nascita della figlia.

Ciò che viene raccontato è il genio di una ragazza che, a dispetto dei suoi diciotto anni, seppe indagare a fondo dell’animo umano, narrando sensazioni vissute in prima persona per poi raccontarle al mondo attraverso la voce non del mostro, ma di una creatura alla quale è stata data la vita per poi essere abbandonata. Raccontare il dolore dettato dall’abbandono, dalle incomprensioni e soprattutto dai pregiudizi.

Presentato al Festival di Toronto e allo scorso Torino Film Festival, in uscita nei nostri cinema il 29 di agosto, Mary Shelley gode di un fascino indiscutibile ma raccontato secondo modalità convenzionali. Se la prima parte del film mostra il percorso di crescita di Mary e le sue relazioni personali, con tutti gli aspetti positivi e negativi del caso, e del suo legame con Percy Shelley (Douglas Booth), quasi sprofondando in un teen drama vero e proprio, è la seconda parte che riesce a rendere veramente l’idea di cosa ci sia dietro la realizzazione di Frankestein, o il moderno Prometeo.

Il genio, l’anticonformismo, la lungimiranza e l’universalità. Ma anche e soprattutto la fermezza nel contrastare il bigottismo, lo smarrimento, i preconcetti. Un film che si perde nel didascalismo e che non si assume nessun coraggio indagatorio oltre i confini della convezione narratologica, senza arrischiare di indagare più a fondo il preciso contesto scientifico come il galvanismo, i pensieri e le contraddizioni interiori di una giovane donna, che sono quelli anche di un giovane, suo malgrado, mostro.

Mary Shelley diventa un ulteriore prova di esame per Elle Fanning che si mette nei panni di una ragazza divenuta donna, cercando di fare propria la grinta e la battaglia contro i demoni che le gravitano attorno e che la possiedono, lottando contro il conservatorismo senza, però, riuscire a dare la giusta empatia.