In the Mood for Love è il film culto del 2000 diretto da Wong Kar-Wai e con protagonisti Tony Leung, Maggie Cheung, Rebecca Pan, Lai Chen, Gong Li.

La trama di In the Mood for Love: Un uomo e una donna a Hong Kong, all’inizio degli anni sessanta: storia dei brevi incontri ritrosi tra il signor Chow e la signora Chan, vicini di casa che scoprono casualmente che i rispettivi coniugi sono amanti e inscenano, come in una prova, le rispettive rivelazioni. Si incontrano, si chiedono cosa staranno facendo gli altri due, si parlano come se parlassero a loro, si guardano allontanarsi, e inevitabilmente, senza dirselo mai, finiscono per amarsi.

In the Mood for Love, l’analisi

“Fu un momento imbarazzante. Lei se ne stava timida a testa bassa per dargli l’occasione di avvicinarsi, ma lui non poteva, non ne aveva il coraggio. Allora lei si voltò e andò via.”

Nel repertorio di film sentimentali, In the Mood for Love è indubbiamente tra i più sofisticati ed evocativi.

I due protagonisti vivono un rapporto inizialmente discreto, fondato sul riserbo e un comune dolore, la condivisione implicita di un tradimento: si accorgono della relazione fra i rispettivi coniugi attraverso piccoli indizi, una borsa, una cravatta identici. Alla ricerca dell’equilibrio di una verità da tacere agli altri, il signor Chow e la signora Chan maturano progressivamente una complicità e un’empatia che diventa amore inespresso, intrappolato nel non detto eppure intimo e profondo. Le loro anime si muovono all’unisono, ma i due si sfiorano appena, imprigionati nelle convenzioni che scandiscono le loro vite.

Fra brevi incontri, cene, passeggiate notturne in strade deserte e attese sotto la pioggia, lo scorrere del tempo è sottolineato dagli eleganti abiti di lei e da una colonna sonora che si fa espressione dei pensieri dei due (non) amanti: lo struggente tema ricorrente Yumeji’s theme dilata gli istanti fra sinuosi ralenti, le note di Quizàs, quizàs, quizàs danno voce allo struggimento dei due protagonisti.

Wong Kar-Wai orchestra poeticamente questo malinconico viaggio di un amore sospeso e intangibile attraverso una regia pronta a focalizzarsi su ogni dettaglio, riprendendo i due da originali angolazioni e, con un suggestivo stratagemma, lasciando sempre sullo sfondo gli adulteri coniugi: questi ultimi sono solo una voce fuori campo o talvolta ripresi di spalle, inconsistenti agli occhi degli spettatori.

Tra spazi angusti in cui vive una sensualità reticente, la calda fotografia di Christopher Doyle, spesso soffusa, sottolinea sguardi e gesti di estremo pudore, immortalando i due perfetti protagonisti: la leggiadra e raffinata Maggie Cheung e uno struggente Tony Leung, premiato come migliore attore al Festival di Cannes per la sua palpitante e allo stesso tempo delicata interpretazione.

Il sentimentalismo soft di In the Mood for Love lo rende una pellicola indimenticabile e una riflessione sulle scelte che condannano all’abbandono, lasciandoci prigionieri di una malinconica memoria: “Quando ripensa a quegli anni lontani, è come se li guardasse attraverso un vetro impolverato: il passato è qualcosa che può vedere, ma non può toccare; e tutto ciò che vede è sfocato, indistinto”.

Alimentato da occasioni non colte, il ricordo è così sublimato nel silenzio e nell’imponenza di un edificio cambogiano che consegna l’amore irrealizzato all’immortalità.

Se mi lasci ti cancello è un film del 2004 diretto da Michel Gondry e con protagonisti Jim Carrey, Kate Winslet, Kirsten Dunst, Elijah Wood, Tom Wilkinson e Mark Ruffalo.

La Trama di Se mi lasci ti cancello

La relazione tra Joel e Clementine, innamorati quanto profondamente diversi, è ormai giunta al capolinea. La ragazza decide così di rivolgersi alla clinica Lacuna Inc. per farsi cancellare Joel dalla memoria. Frustrato e deluso, Joel decide di fare altrettanto. Ma durante l’operazione, il cuore entra in conflitto con la mente e l’uomo si pente della sua scelta, cercando disperatamente di aggrapparsi ai ricordi per salvare il suo rapporto con Clementine.

Una frase che racchiude l’essenza del film Se mi lasci ti cancello

“Com’è felice il destino dell’incolpevole vestale!
Dimentica del mondo, dal mondo dimenticata.
Infinita letizia della mente candida!
Accettata ogni preghiera e rinunciato a ogni desiderio.”

Questi meravigliosi versi di Alexander Pope accompagnano un film raffinato e surreale, ovvero il contrario di quanto il banale titolo italiano fa intendere: benché ci siano momenti di brio, non si tratta della solita commedia romantica, al contrario. Eternal Sunshine of the Spotless Mind è una pellicola emotiva e razionale al tempo stesso, fra le più originali che il nuovo millennio ci ha offerto finora.

Si tratta anche della prova della maturità di Jim Carrey nel registro drammatico, icona di commedie briose ed esilaranti, che qui regala un’interpretazione toccante, bilanciata dalla strepitosa e vulcanica Kate Winslet, candidata all’Oscar per la sua performance.

Se mi lasci ti cancello – poesia e romanticismo

Michel Gondry dirige una storia molto poetica, caratterizzata da una sceneggiatura e un montaggio magistrali. Se mi lasci ti cancello diventa una singolare esperienza per lo spettatore proprio grazie al montaggio ellittico, tra flashback, frangenti del presente e ricordi che si intrecciano con sapienza e logica uniforme. Nessuna giustificazione per chi lo reputa confusionario: prestando attenzione a ogni dettaglio sin dalla scena d’apertura, la narrazione procede conquistando in ogni scena, facendo entrare lo spettatore nella psicologia e nel cuore emotivo del film.

La brillante sceneggiatura di Charlie Kaufman (Essere John Malkovic), meritatamente premiata con l’Oscar, esplora lo sgretolamento del rapporto di coppia in modo insolito e accattivante. Due individui dal carattere discordante che finiscono per innamorarsi e poi lasciarsi proprio a causa delle profonde differenze: lui, introverso e silenzioso, lei, loquace ed esplosiva. Nonostante la passione, infatti, le liti non mancano, provocate proprio dall’incompatibilità delle rispettive indoli (“Parlare in continuazione non significa comunicare”, dice Joel a Clementine).

Ma il tutto non si risolve nella stereotipata parabola degli opposti che si attraggono, bensì mettendo in gioco dinamiche quali il destino, la solitudine, la lotta tra mente e cuore, ragione ed emozione, in un contesto dalle profonde suggestioni oniriche di forte impatto visivo, perfetta espressione del cinema di Gondry: un letto sulla spiaggia coperta di neve, un riluttante uomo-bambino sotto un tavolo enorme, fino a volti che scompaiono e immagini via via sfocate.

Se mi lasci ti cancello accompagnato da una splendida colonna sonora, ritrae perfettamente l’emotività dei ricordi e la sfida della pagina bianca: per quanto ricominciare da zero sia una scelta coraggiosa, la memoria è un rifugio altrettanto irrinunciabile e Joel rifiuta l’“infinita letizia della mente candida” perché non riesce e non vuole separarsi dal ricordo di Clementine.

Il processo cui si sottopone diventa dunque una gabbia dalla quale cerca disperatamente di fuggire: la sua è un’evasione toccante che apre una seconda possibilità. Commettere gli stessi errori del passato è un’eventualità non trascurabile, ma cogliere nuovamente la felicità del presente è una prova alla quale è difficile rinunciare.

Una Lunga domenica di Passione, è il film del 2004 diretto da Jean-Pierre Jenuet e con protagonisti nel cast Audrey Tautou, Gaspard Ulliel, Dominique Pinon, Clovis Cornillac, Jérôme Kircher, Chantal Neuwirth, Albert Dupontel, Denis Lavant, Jean-Pierre Becker, Dominique Bettenfeld, Jean-Pierre Darroussin, Marion Cotillard, André Dussollier, Ticky Holgado, Jodie Foster, Julie Depardieu.

Una Lunga domenica di Passione, la Trama: Cinque soldati, accusati di automutilazione, stanno per essere giustiziati. La loro pena di morte sarà uscire allo scoperto dalle trincee e resistere sotto il fuoco nemico giorno e notte. Da qui tutto ha inizio. La loro morte o la loro sopravvivenza è avvolta nel mistero. Uno di questi è Manech, un giovane di poco più di vent’anni che a casa ha lasciato la ragazza Mathilde. Sarà proprio lei, con il suo istinto, a non arrendersi di fronte alla notizia della morte del ragazzo e, con ostinazione, indagherà sugli accaduti che hanno caratterizzato la vita precedente dei cinque soldati.

Una Lunga domenica di Passione, l’analisi

Jean-Pierre Jenuet mette la firma a un altro capolavoro dopo Il favoloso mondo di Amélie e si conferma essere un regista di grande talento. Dopo aver sfiorato undici Oscar, il regista non si perde d’animo e ci stupisce con un film tratto dall’omonimo romanzo di Sébastien Japrisot.

Lo stile di Jenuet s’intuisce sin dall’inizio, dove la voce narrante, che ci ricorda quella di Amélie, permette di addentrarci nelle vite dei cinque soldati. Immediatamente cinque sconosciuti saranno gli abitanti di un piccolo mondo che, col proseguire dell’indagine di Mathilde, diventeranno familiari nonostante l’intreccio di nomi e storie.

Mathilde è ostinata, fa scommesse con se stessa (“Se arrivo alla curva prima della macchina, Manech ritornerà vivo”), il suo istinto non riesce a convincersi che l’amato è morto e, a partire dal ritrovamento delle lettere e dei ricordi dei condannati, anche il pubblico si farà coinvolgere sempre più nella ricerca. Il film inizialmente ha un ritmo incalzante ma, man mano che l’indagine va avanti, si fa strada la stessa angoscia che prende Mathilde tra speranze e false piste.

Al racconto della storia d’amore si affianca l’onnipresente dramma della prima guerra mondiale, ritratta in modo così realistico da farci sporcare con il fango delle trincee, affondare nelle buche delle granate, rasentare la follia dei soldati. Ad aiutarci c’è una mirabile fotografia dai toni freddi e bui del campo di battaglia a quelli caldi e accoglienti nella Parigi degli anni Venti.

Come ne Il famoso mondo di Amèlie, alla sceneggiatura il regista è affiancato da Guillaume Laurant e insieme ricostruiscono al meglio le atmosfere letterarie, come se il libro fosse stato cucito attorno ai personaggi.

Audrey Tatoun, che interpreta Mathilde, torna in un ruolo simile a quello che aveva interpretato nel precedente film: investigare sulle vite degli altri, questa volta per ricomporre l’intricato puzzle e ritrovare l’amato Manech (Gaspard Ulliel). Allo stesso modo, l’intrigante Tina Lombardi (Marion Cotillard) compagna di uno dei condannati, con i mezzi della seduzione intraprenderà la stessa ricerca di Mathilde. Due donne apparentemente uguali, accomunate dalla voglia di perseguire la verità, con l’unica differenza che a muovere la seconda è la vendetta.

Colpi di scena, nuovi personaggi, momenti d’ilarità alternati a quelli drammatici, fanno di Una Lunga domenica di Passione una combinazione di generi che spazia dal drammatico al romantico senza che uno dei due prevalga sull’altro. Un’altra pellicola di Jean-Pierre Jenuet che non ci delude.

Il Favoloso Mondo di Amélie è il film di successo del 2001 diretto da e con protagonisti nel cast Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz e Johnny Depp.

• Anno: 2001
• Regia: Jean-Pierre Jeunet
• Cast: Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz, Rufus, Lorella Cravotta, Serge Merlin, Jamel Debbouze, Clotilde Mollet, Claire Maurier, Isabelle Nanty, Dominique Pinon, Artus de Penguern, Yolande Moreau, Urbain Cancelier, Maurice Bénichou, Valerie Zarrouk, Michel Robin, Flora Guiet, Amaury Babault, André Dussolier.

Trama: Amélie ha avuto un’infanzia particolare. Traumatizzata dalla morte della madre e la freddezza del padre cresce solitaria. Una volta adulta è completamente indipendente e ha trovato un lavoro al Café des 2 Mulins. Vive in un mondo immaginario, tutto suo, ma arriverà Nino che le farà rendere conto di voler abbandonare la finzione per vivere nella realtà.

Il Favoloso Mondo di Amélie, romanticismo francesce

Analisi: Il mondo di Amélie è un universo a sé stante, ma allo stesso tempo plausibilmente reale. Per quanto i personaggi risultino strambi, i luoghi del film, dal Café des 2 Mulins alle stazioni Parigi, li collocano in una dimensione a noi vicina. Protagonista è Amélie (Audrey Tautou), l’eroina delle persone bizzarre che le difende dalla mediocrità dominante. Sin da piccola ha avuto a che fare con tali persone, primi fra tutti i suoi genitori, che le davano particolari attenzioni: l’unico contatto fisico con il padre dottore era lo stetoscopio durante le visite mediche, mentre la madre maestra era affetta da preoccupanti tic.

Forse sono stati proprio loro la causa che le ha permesso di costruire il favoloso mondo di Amélie. Arriva il tempo di crescere, di abbandonare l’immaginazione e magari riuscire a conquistare Nino (Mathieu Kassovitz), senza nascondersi dietro infantili cacce al tesoro. Con i suoi occhioni Amélie scruta il mondo con ingenuità, gioca con le passioni umane, veste i panni della paladina mascherata, ma con il passare del tempo sarà costretta a uscire allo scoperto e vivere nel mondo reale.

Un film unico e originale

 I personaggi che la circondano non sono mai sempliciotti, anche da loro possono venire lezioni di vita. C’è l’uomo di vetro (Serge Merlin), un vecchio solitario che sta chiuso in casa a dipingere La colazione dei canottieri di Renoir e si chiede come rendere al meglio l’espressione di una ragazza del quadro; potrà scoprirlo solo attraverso gli attimi di vita appositamente registrati da Amélie su videocassette. In realtà i due personaggi sono pressoché speculari, tanto che l’anziano aiuterà la ragazza a farle capire il comune sbaglio. La pellicola è una fiaba per adulti, composta da una sceneggiatura credibile di Guillaume Laurant che starebbe bene anche in un film d’animazione. In due ore lo spettatore viene continuamente stupito dalla storia, senza mai stancarsene.

L’immaginazione visionaria del regista Jean – Pierre Jenuet, si colloca bene all’interno del film rendendolo unico e originale, sebbene ci siano alcune citazioni che lo colleghino ad altre opere e registi, in particolare a François Truffaut. Il carattere immaginifico della pellicola non deve far pensare a un film per bambini, ma può essere visto come la straordinaria capacità di semplificare la natura umana e ciò che la regola, una sorta di riassunto della psicanalisi freudiana. Ognuno di noi ha fissazioni e nevrosi inconsce e, per questo, segrete che ci fanno capire quanto queste possano collocarsi sul sottile confine tra ragione e follia.

Il filone cinematografico ripreso da Jenuet è quello di Forrest Gump o, almeno, la morale è la stessa: il folle è spesso il più semplice e ragionevole, anche tra quelli che paradossalmente sono convinti di essere “sani”.

Al contrario di Forrest Gump, Il favoloso mondo di Amélie ha ottenuto le nomination per miglior film straniero, migliore sceneggiatura originale, migliore fotografia, migliore scenografia, miglior sonoro, ma non ne ha vinto nessuno. In compenso rimane un film da non perdere e di cui difficilmente rimanere delusi.

La recensione del film del 1997 Titanic di James Cameron con protagonisti Kate Winslet, Leonardo Di Caprio, Billy Zane, Gloria Stuart, Kathy Bates, Frances Fisher, Bill Paxton, Bernard Hill, Victor Garber, Jonathan Hyde, David Warner.

Il cast completo di Titanic: Kate Winslet, Leonardo DiCaprio, Billy Zane, Gloria Stuart, Kathy Bates, Frances Fisher, Bill Paxton, Bernard Hill, Victor Garber, Jonathan Hyde, David Warner, Danny Nucci, Jason Barry, Suzy Amis, Lewis Abernathy, Mark L. Chapman, Ewan Stewart, Jonathan Phillips, Kevin De La Noy, Simon Crane, Ioan Gruffudd, Edward Fletcher, Bernard Fox, Michael Ensign, Rosalind Ayres, Scott G. Anderson, Martin East, Dan Pettersson, Bjørn

Titanic, la trama: Esplorando i relitti del Titanic, Brock Lovett è convinto di aver trovato la cassaforte che contiene il Cuore dell’Oceano, una preziosa collana di diamanti. Con sua grande delusione la cassaforte contiene soltanto il ritratto di un’affasciante donna nuda che indossa il gioiello. Si farà viva Rose Dawson Calvert, un’anziana signora che sostiene di essere lei la donna ritratta. Giunta sulla nave del cacciatore di tesori, inizierà a narrare le vicende precedenti all’affondamento del Titanic, il 14 aprile 1912. Rose era a bordo del transatlantico con il fidanzato Cal e la madre, ma immediatamente si rende conto di non sopportare l’ambiente bigotto dei ricchi. In una notte disperata, arriverà quasi a gettarsi in mare, ma viene fermata da Jack Dawson, un umile artista squattrinato. Tra i due si instaurerà un legame speciale che andrà oltre le differenze di classe e dovrà affrontare una tragedia imminente: la collisione della nave con un iceberg.

Titanic, l’analisi

Analisi: Il transatlantico RMS Titanic era un’opera mastodontica: pesava più di 46.000 tonnellate, era lungo 269 metri, largo 28 e alto 53. Rappresentava uno dei più grandi e sfarzosi transatlantici mai costruiti al mondo, nonché uno dei prodotti di tecnologia navale più avanzati di quei tempi. Il suo primo e unico viaggio terminò con il drammatico affondameto nelle prime ore del 15 aprile del 1912, dopo essere entrato in collisione con un iceberg.

Un’opera da numeri record non poteva non avere una trasposizione cinematografica da primato. Titanic ha ottenuto undici premi Oscar (Miglior film, Migliore regia, Migliore fotografia, Migliore scenografia, Migliore scenografia, Miglior montaggio, Miglior sonoro, Miglior montaggio sonoro, Migliori effetti speciali, Miglior colonna sonora, Miglior canzone), è il secondo film che ha ottenuto il maggior incasso nella storia del cinema (2.185.372.302 milioni di dollari) dopo Avatar,  ed è stato realizzato con un badget di circa 200 milioni di dollari.

Ma Titanic non è fatto solo di numeri e record, è anche una pellicola che ha segnato una generazione: per anni e anni chi non ricorda l’amore isterico per il giovane Leonardo Di Caprio, il riecheggiare delle note di My Heart Will Go On nella camere di tutte le adolescenti e non, ma anche le polemiche dei contrari per l’eccessiva idolatria del film.

James Cameron articola Titanic in modo da non mostrare unicamente una banale storia d’amore tra una borghese annoiata dal suo mondo ipocrita e un umile ragazzo povero, ma ha intenzione di ritrarre un’intera epoca. Il racconto dell’anziana Rose guida lo spettatore nelle ore precedenti alla tragedia, ricordandogli che, nonostante l’affondamento del transatlantico sia una tragedia lontana da noi nel tempo, a bordo c’erano esistenze che si sono interrotte, inconsapevoli di quello che stava accadendo. “Sono il re del mondo!”, così doveva sentirsi colui che aveva realizzato una simile opera e che, in seguito, non fece altro che confermare la vulnerabilità dell’uomo al cospetto della natura.

Quando l’acqua inizia a penetrare nel ventre della nave, non c’è più nessun privilegio, nessuna distinzione di classe, tutti sono sullo stesso piano. I nobili magnati dell’industria, i borghesi affezionati ai salotti, le donne compresse nei loro preziosi corpetti, hanno ancora il coraggio di pretendere una scialuppa di “prima classe”, mentre i proletari sono costretti a elemosinare un posto.

Colonna sonora di Titanic di James Cameron

La scenografia riproduce fedelmente lo sfarzo e il lusso degli ambienti della nave, tipici di quegli anni, mentre gli effetti speciali, sebbene indispensabili per un film del genere, non lo sovraccaricano, ma rendono la tragedia verosimile, senza striminzirla negli ultimi minuti del film.

Dietro c’è stato il duro lavoro di tutto lo staff tecnico. Era dalla fine degli anni Ottanta che Cameron manifestò interesse per la vicenda del Titanic e solo nel 1995 iniziò la produzione con alcune riprese del relitto. In seguito, per gli imponenti scenari, la 20th Century Fox acquistò uno spazio di 16 milioni di metri quadrati di costa in Messico, per una cisterna con più di 70 milioni di metri cubi d’acqua e ricostruire a grandezza naturale una parte del Titanic.

L’impresa è stata possibile anche grazie alla fama di cui godeva James Cameron che aveva acquisito visibilità grazie alla saga di Terminator. Non si poteva dire lo stesso di Leonardo DiCaprio (Jack Dawson) che con il film ha raggiunto una fama mondiale, ma solo con l’esperienza ha acquisito maturità artistica. Kate Winslet (Rose DeWitt Bukater) aveva già sfiorato l’Oscar per Ragione e Sentimento (1995) di Ang Lee e anche con Titanic lo perde per poco, sorpassata da Mira Sorvino per La dea dell’amore.

La sceneggiatura non è mai banale, romantica al punto giusto per la storia d’amore, e spesso si concentra per rimarcare le differenze tra le varie classi sociali. I due protagonisti tra loro instaurano tra loro una chimica incomparabile, spontanea e umile contro le convezioni sociali impersonate dalla madre di Rose e dal perfido fidanzato.

Colui che ha rivoluzionato il cinema tridimensionale e la grafica computerizzata con Avatar, non poteva evitare di rispolverare Titanic, occupandosi della conversione in 3D. Nel 2012, dopo 100 anni dallo sbarco del transatlantico, e a quattordici anni dall’uscita della pellicola, questa torna nelle sale a coinvolgere sempre più il pubblico. Le riprese della nave che taglia le onde solcando il mare, la famosa scena di Jack e Rose sulla punta estrema della prua, gli schizzi d’acqua e l’affondamento del Titanic assumono per gli spettatori una nuova dimensione sensoriale che li fa entrare nello schermo per amare e soffrire insieme ai protagonisti.

Sebbene il 3D venga spesso disprezzato per non aggiungere niente di speciale ai film, per Titanic ha dimostrato che, se usato con intelligenza, può rinnovarne la visione. In questo caso è la pellicola di spessore a dare senso all’intero progetto che, dopo quasi quindici anni, è ancora in grado di stupire e, chissà, far emozionare vecchie e nuove generazioni.

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Nel 1987 l’artista praghese Jan Švankmajer realizzò il suo primo lungometraggio Alice (Něco z Alenky).

Si trattava di una sua personalissima trasposizione dell’Alice nel Paese delle Meraviglie di Lewis Carroll. Una rilettura visionaria, macabra, fatta di ossa e vecchi giocattoli, ambientata in una fatiscente cantina, formata da una successione di stanze abbandonate.

La storia è fedele a quella che noi tutti conosciamo: Alice, stufa di stare insieme alla sorella, insegue un coniglio e finisce sottoterra, nella sua tana, ingresso di un mondo fantastico popolato di strambe creature. Ma l’interpretazione e la messinscena di Švankmajer è unica ed originale. Il coniglio è un vecchio coniglio impagliato che perde la segatura della sua imbottitura e che si rammenda da solo con una spilla da balia, il bruco è un vecchio calzino con la dentiera, e tutti gli animali sono sinistre creature assemblate con crani, stracci e vecchi oggetti, simili per molti aspetti alle strabilianti opere di Jean Tinguely. Alice invece è una bambina in carne ed ossa, incredibilmente espressiva e dallo sguardo spietato di quella fanciullezza che a breve inizierà la metamorfosi verso l’età adulta.

Alice (Něco z Alenky)

Le battute sono pochissime, ridotte all’essenziale, la musica è completamente assente e la colonna sonora è costituita da rumori e suoni reali, perché, come sostiene l’autore, in questo modo si acquista un maggiore senso di realtà e ci si allontana dall’idea di fiaba. Švankmajer sostiene di aver voluto fare un film sul sogno e di ave utilizzato gli scritti di Carroll come mezzo per porre un nuovo accento sul concetto di sogno che l’attuale civiltà ha gettato negli immondezzai della psiche.

Sono lontane le sdolcinature canterine per famiglie della versione Disney e anche le goticizzazioni fuori luogo e astruse che verranno tanti anni dopo dalle versione di Tim Burton, così come tutte le altre trasposizioni cinematografiche, che cercando di rimanere fedeli all’originale letterario lo tradiscono in partenza. Forse si potrebbe fare un parallelo tra il film di Švankmajer e la versione illustrata da Dusan Kallay del 2004, perché si tratta di due artisti nati e cresciuti entrambi in terra Boema e appartenenti alle ultime propaggini del movimento surrealista. E’ proprio di surrealismo si avverte l’anima in questo film; non bisogna dimenticare che “Alice nel Paese delle Meraviglie” era il libro per eccellenza di molti esponenti di tale avanguardia, che lo consideravano carburante per la mente. Come sosteneva Viginia Woolf, “i due libri di Alice non sono libri per bambini, ma gli unici libri in cui noi diventiamo bambini”. 

Švankmajer dice che non gli piacciono i film disegnati, così la tecnica utilizzata nel film è quella dell’animazione stop-motion, mescolata con molte parti in live-action per quanto riguarda il personaggio di Alice. Ma non si tratta di un’animazione perfetta, bensì di un qualcosa di artigianale, scattoso, polveroso, rugginoso, e proprio per la sua istintiva imperfezione plausibile ed incredibilmente reale. Si respira a pieni polmoni lo spettro dell’animazione dei paesi dell’est, quella di Władysław Starewicz e di Jiří Trnka per intenderci, che tanto influenzerà i geni di questa tecnica, i fratelli Quay, che nella loro formazione andranno per un periodo a studiare nella bottega di Jan Švankmajer e al quale dedicheranno poi con riconoscenza un cortometraggio.

Le riprese sono durate circa un anno e ad un occhio attento è possibile intravedere la piccola metamorfosi della bambina che interpretava Alice, che all’inizio aveva sette anni e alla fine otto. E siccome le scene non sono state girate in progressione, Švankmajer si diverte a pensare che con il passaggio di una porta la bambina invecchi improvvisamente di qualche mese, per poi ringiovanire magicamente al passaggio successivo. Tutti gli oggetti presenti nella pellicola sono stati raccolti dallo stesso Švankmajer, appassionato di collezionismo, accumulatore di oggetti e instancabile curatore della sua personale wunderkammer, che si accresce a dismisura pellicola dopo pellicola, grazie anche al lavoro di sua moglie Eva, scenografa di tutti i suoi film, purtroppo scomparsa nel 2005.

Švankmajer è nato a Praga il 4 settembre del 1934, dove tuttora vive e lavora. E’ autore, oltre a molti cortometraggi, di numerosi lungometraggi oltre a Alice, tra i quali “Lezione Faust” del 1994, “I Cospiratori del Piacere” del 1996 e “Otesànek” del 2000. Se siete di passaggio a Praga potete provare a passare alla galleria Gambra, nei pressi del Castello, dove sono esposte alcune sue opere assieme a quelle dei maggiori esponenti del movimento surrealista ceco. La scrittrice Angela Carter ha dedicato un suo racconto al suo mondo e al suo laboratorio di animazioni, paragonandolo al gabinetto di un alchimista.

Alice è finalmente uscito in DVD in versione italiana con RARO VIDEO, con il titolo ALICE. E’ una bella edizione, con un libretto contenente vari testi sul film e molte testimonianze dello stesso Švankmajer. Tra gli extra è presente un suo cortometraggio del 1982 “Possibilità di dialogo” e “Alice in Wonderland” di Percy Stow e Cecil M. Hepworth del 1903.

John Hillcoat, acclamato regista del post apocalittico The Road, torna al cinema con Lawless. Lawless racconta la storia (vera) dei tre fratelli Bondurant, Howard, Forrest e Jack, che, durante la Grande Depressione, si fecero protagonisti di un articolato traffico di moonshine, ovvero di liquore distillato illegalmente, mettendosi contro l’agente speciale Charlie Rakes, vicesceriffo folle e corrotto che proverà a frenare il successo dei tre fratelli.

Con Lawless Hillcoat cerca di realizzare un’epopea sui contrabbandieri lontana dai completi gessati e dai sigari costosi che la tradizione cinematografica ci ha insegnato ad accostare a questo tipo di business. Il regista va all’origine, alla fabbrica, e ci mostra i veri e propri fabbricanti di alcool illegale, affacciandosi di sfuggita nel mondo da gangster movie attraverso il personaggio di Gary Oldman. Proprio lui rappresenta uno dei problemi del film: un attore di questo calibro è utilizzato pochissimo, lasciando il suo personaggio, che sembra fondamentale, nel dimenticatoio.

Lawless, il film

I tre protagonisti, Tom Hardy, Shia Labeouf e Jason Clarke, sono perfetti per i propri ruoli, anche se, soprattutto il personaggio di Hardy, si aggira pericolosamente sul confine tra l’essere geniale e l’essere ridicolo, sensazione forse accentuata da un doppiaggio che come al solito svilisce le performance originali degli attori. Stesso discorso per LaBeouf che a suo discapito ha anche una capacità interpretativa decisamente inferiore a quella di Hardy. Altro discorso invece per il maggiore dei fratelli Bondurant, interpretato da Clarke, che mette al servizio del suo personaggio, forse un po’ defilato rispetto agli altri due, una faccia che buca lo schermo e una perfetta interpretazione.

Anche Guy Pearce, inquietante villain nel film, corre il rischio di Hardy, interpretando un personaggio ai limiti della caricatura, ma lasciando trapelare tra i tip e la brillantina la grande stoffa d’attore che lo caratterizza. Le signore del film, relegate a comprimari, sono Jessica Chastain, divina in ogni sua manifestazione, e Mia Wasikowska, perfetta nell’interpretazione di una giovane ed ingenua ragazza di campagna. L’ostentazione della violenza nel film è forse fondamentale per immergere lo spettatore in quell’esatto momento storico con quei personaggi così caratterizzati, resta tuttavia il fatto che la regia monotona e la fotografia a tratti amatoriale fanno di Lawless un film deludente. Peccato perché il taglio vagamente ironico con cui erano costruiti i personaggi, specialmente quello di Hardy, avrebbe potuto dare al film un tocco speciale e renderlo migliore.

Arriva al cinema la nuova commedia sentimentale Ci vediamo a Casa, diretta da Maurizio Ponzi e con protagonisti Ambra Angiolini e Edoardo Leo. 

In Ci vediamo a Casa Tre coppie molto diverse tra loro. Tre modi di pensare e di affrontare la vita a due. Tre microcosmi abbastanza riconoscibili della realtà odierna. Un unico, debole, filo rosso ad unire questi tre mondi: la ricerca della casa perfetta dove coronare un sogno d’amore e di convivenza.

Questa, in breve, la trama di Ci vediamo a casa, film che segue tre storie distinte, tutte egualmente poco interessanti, con l’apparente obiettivo di offrire uno spaccato dell’Italia di oggi.

Ci vediamo a Casa: il film

Inizialmente viene mostrata la vita di Vilma (Ambra Angiolini) e Franco (Edoardo Leo), bibliotecaria lei, ex-galeotto lui, che, per convivere, si trovano costretti ad accettare l’ospitalità di un amico pensionato con problemi di solitudine e di salute. Poi si segue con scarsa trepidazione il caso di Andrea (Primo Reggiani) ed Enzo (Nicolas Vaporidis), che vorrebbero andare a vivere insieme scappando rispettivamente dalla caserma e dai tentacoli di una madre soffocante, ma che sono frenati da problemi di ordine sentimentale. Infine si viene trasportati nel mondo del denaro e dell’ipertrofia dell’ego di Gaia (Myriam Catania) e Stefano (Giulio Forges Davanzati), due giovani che hanno una casa a testa e che, dopo una prova di coabitazione, decidono di mantenere i propri sacrosanti spazi vitali.

Il film di Maurizio Ponzi, regista con una lunga carriera alle spalle di cui però si ricordano più i prodotti televisivi come Il Bello delle Donne che le fatiche registiche al fianco di Pasolini negli anni ’60, mostra, con un linguaggio diretto e piuttosto povero, due tipi di mediocrità. Il primo è quello di cui sono pregni i suoi personaggi: esseri umani quasi mostruosi, persone brutte in senso etico che si comportano in modo gretto ed egoista nel quotidiano. Il secondo tipo di mediocrità, non meno evidente, riguarda invece la maniera in cui gli attori vengono mostrati: inquadrature prevedibili, uso del taglio e del montaggio veloce di un’unica inquadratura totalmente ingiustificato per il tipo di film, inserimento di sequenze di flash-back accompagnate da canzoni strappalacrime.

L’impressione generale è di aver assistito a delle avventure piuttosto sconclusionate, storie montate ad arte ma prive di senso in sé e per sé, ambientate in un’Italietta abitata dai peggiori individui e indirizzate, apparentemente, ad una platea considerata alla medesima stregua.

Questa povertà d’idee porta davvero a pensare che alcuni tipi di film andrebbero lasciati alla tv. Ciliegina sulla torta: la canzone del film è firmata Dolce Nera ed è stata presentata al Festival di  Sanremo 2012.