Anna e suo figlio di 8 anni, Anders, stanno scappando dal padre violento del bambino. Si trasferiscono in un gigantesco edificio ad un indirizzo segreto, ma Anna è terrorizzata dalla possibilità che il padre possa trovarli, e compra un babycall per essere certa che suo figlio sia la sicuro mentre dorme. Ma strani rumori provenienti dall’edificio echeggiano nell’apparecchio. Anna crede di sentire l’omicidio di un bambino.

E’ questo l’incipt di Babycall, presentato come Horror d’autore del regista norvegese Pal Sletaune, in concorso al Festival del film di Roma. La pellicola sin dalle prime battute si dimostra come un potenziale film intimista sullo sfondo di un genere come può essere il mistero e l’horror, come già altre pellicole scandinave avevano in precedenza fatto, ad esempio il bellissimo Lasciami entrare del regista Tomas Alfredson. Tuttavia questa prima impressione finisce presto e il film termina con rivelare i suo limiti.

Se da un lato c’è una discreta e sensibile regia che in un certo senso funziona sufficientemente bene, dall’altro il punto più debole sembra essere proprio la sceneggiatura e lo sviluppo drammaturgico che prosegue singhiozzando senza riuscire a trasmettere una coerenza di fondo ed una linearità in bilico con gli avvenimenti narrati. Il problema è che la storia non riesce a svoltare nel verso giusto, rivelandosi un insieme di cliché ben noti a chi è avvezzo al genere, perdendo man mano anche l’alone di mistero e di suspence che invece erano state ben bilanciate nella primissima parte del film, rimanendo, si, fedele alla sua natura più specificamente autoriale ed intimista ma mostrando nel finale anche alcune lacune che sentenziano l’assoluta precarietà dell’opera dal punto di vista narrativo.

A nulla può l’intensa ed interessante interpretazione dell’astro nascente della cinematografia Europea, Noomi Rapace, che viene travolta anch’essa dall’inconsistente natura della storia. Nonostante ciò, l’attrice ruba completamente la scena al resto del cast dominandola incontrastata, per sensibilità e interpretazione dimostrando ancora una volta il suo talento. A farle eco c’è anche l’autore delle musiche, Fernando Velazquez (The Orphanage) che sostiene con una partitura sensibile che accompagna la messa in scene in modo funzionale e del tutto solido.

 

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E’ stato presentato alla Festa del cinema di Roma, Butter la nuova commedia diretta da Jim Field Smith e con protagonisti Hugh Jackman e Olivia Wilde.

In Butter Laura Pickler (Jennifer Garner) ha costruito la sua vita intorno al talento del marito Bob (Ty Burrell) nello scolpire statue di burro, ma quando a Bob viene chiesto di ritirarsi dal ‘mercato’, Laura va su tutte le furie, spaventata al pensiero di perdere il baricentro della sua vita.

Dopo una litigata, Bob esce a trovare conforto con una squillo, Brooke (Olivia Wilde), mentre la moglie trova conforto tra le braccia di Boyd (Hugh Jackman), suo ragazzo al liceo. Intanto la piccola Destiny (Yara Shahidi), dopo numerosi tentativi falliti, trova una famiglia (Alicia Silverston e Rod Corddry) che sembra volerla adottare unitamente alla scoperta di un talento insospettabile: la scultura del burro. La strade di Laura e di Destiny si incroceranno in maniera inaspettata.

Butter, il film

Butter è una commedia leggera, smielata nel finale e molto molto americana. La protagonista Jennifer Garner interpreta una donna sgradevole e arrivista anche se perfettamente calata nello scenario borghese della periferia americana, accanto a lei un uomo, Burrell, senza personalità che non riesce a prendere le sue decisioni in maniera autonoma, succube della follia della moglie. I due gioielli del film sono senza dubbio la piccola protagonista Yara Shahidi e la divertentissima Olivia Wilde. Se da un lato la prima è straordinariamente dolce ma allo stesso tempo razionale e ironica, la seconda si mostra in una veste tutta nuova, sexy e comica allo stesso tempo. Grande rilevanza ha l’aspetto dei costumi che in questo film definiscono i caratteri ancora prima che questi possano agire, e quindi ecco i completi succinti ed eccentrici di Brooke, gli abiti eleganti e austeri di Laura, il cappello da texano grossolano di Boyd.

La sceneggiatura indulge un po’ troppo in battute già sentite e nel finale è forse scontato, banale, ma è nei piccoli dettagli che sono sparsi in tutta la storia impreziosiscono il film, oltre a delle scelte del casting davvero mirate. Nonostante la sua adorabile dolcezza, Jennifer Garner riesce a rendere sgradevole la sua Laura e Olivia Wilde fa centro con la sua stripper, molto sexy, ma divertentissima e comica. Eccezionale nel piccolissimo ruolo a lui riservato, Hugh Jackman si presenta u po’ ingrassato, ma anche lui a suo agio nella parte del tonto, molto comico. La Garner compare anche in veste di produttrice.

 

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In Magic Valley la cittadina di Buhl sembra fuori dal tempo. In quel posto sperduto ed isolato i giorni si susseguono tutti uguali, immersi nell’immobilità e le persone conducono la loro tranquilla vita di provincia come se nulla fosse. Ma tutti loro non sanno che quella che sta per trascorrere è una giornata particolare, che riserverà sorprese, per lo più brutte, ad alcuni di loro. Un allevatore di pesce trova i suoi animali morti, soffocati dalla mancanza di ossigeno perchè qualcuno ha deviato il ruscello che immette acqua nelle sue vasche, un ragazzo torna a casa stanco e tormentato, non si capisce subito cosa abbia, due bambini che giocano ai super eroi trovano il cadavere di una ragazza e decidono di seppellirlo.

Magic Valley, che da subito assume dei toni estetici alla Van Sant, si rivela nella struttura un mosaico di vita di provincia, in cui diverse storie si intrecciano senza però riuscire a dare di sè una definita linea comune. Se altri film ben noti nella storia del cinema con una struttura simile, vedi America Oggi oppure Magnolia, riescono nella loro frammentazione a coinvolgere lo spettatore ad ognuno dei personaggi di cui seguiamo le vicende, in questo caso non si riesce ad empatizzare con nessuno dei personaggi laddove anche la regia si limita a documentare con freddezza quello che succede. La musica poco empatica contribuisce a questa sensazione di straniamento, nonostante poi in molte occasioni il regista Jaffe Zinn metta da parte i campi larghi e segua i suoi personaggi con la macchina a mano.

Quello in cui però Magic Valley riesce a dare un’impronta molto personale è l’analisi spietata e scientifica di vizi e virtù di una società addormentata, o almeno assopita, dalla propria routine, immersa nella provincialità di una vita fatta di visite del veterinario, di giochi pericolosi e di vendette meschine tra vicini di proprietà. Il male del film diventa un gioco, una provocazione, una scusa per sfuggira da una realtà stagnante e allo stesso tempo i giochi sono inconsapevolmente perversi.

 

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Il mio domani, primo film italiano in concorso a Festival del Film di Roma 2011, si presenta come un lungo viaggio interiore che lo spettatore vive attraverso gli occhi di Monica (Claudia Gerini), donna manager che improvvisamente decide di allontanarsi dalla vita costruita attorno alla sua routine, mettendo in discussione lavoro e affetti famigliari. Questo ultimo lavoro di Marina Spada (Poesia che mi guardi, Metafisica delle scimmie) affronta tematiche importanti che però durante tutto la svolgimento del film vengono solamente sfiorate e mai toccate con profondità: questo è il più grande limite di questo lungometraggio.

Al termine lo spettatore è assalito da un senso di vuoto, proprio quel vuoto che la Monica tenta di spiegare ai suo colleghi nella parte iniziale della pellicola, ma che contrariamente alle sue parole non potrà mai essere riempito in questi 88 minuti. L’interpretazione di Claudia Gerini risulta essere appropriata al suo personaggio, ma ben lontana dallo spessore che richiederebbe una Monica, il cui viaggio introspettivo andrebbe intrapreso anche dall’attrice romana per dare più valore ai suoi caratteri. Il mio domani si sforza di raggiungere quindi un livello altro di consapevolezza di sè di una donna che ha perso la sua stabilità e che nei piccoli particolari va ricercando quell’equilibrio ormai svanito. Peccato che puntualmente fallisca in questa impresa.

Nonostante l’esito finale, non felicissimo, del film, Il Mio Domani si caratterizza comunque per un’ottima collaborazione artistica, Spada/Gerini, che nella complicità e nell’amicizia ha trovata anche un ritmo artistico comune che si spera possa portare un domani a risultati migliori, importantissimi per il cinema italiano.

 

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Walking Africa è un progetto che vuole promuovere il lavoro quotidiano di ogni donna africana come oggetto di attenzione per la giuria del Nobel per fare in modo che venga loro assegnato un collettivo premio Nobel per la pace.

 

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Like Crazy è il film del 2011 diretto da Drake Doremus, ed interpretato da Anton Yelchin, Felicity Jones e Jennifer Lawrence.

In Like Crazy Anna (Felicity Jones) e Jacob (Anton Yelchin) si incontrano all’Università di Los Angeles. Si innamorano, ma troppo presto, finiti gli studi, Anna deve ritornare a casa, Londra, perché il suo visto di studio è scaduto. La ragazza non se la sente di lasciare il suo amato e così, violando il permesso studio, resta in America. Ritornata a Londra e di nuovo in partenza per Los Angeles, all’aeroporto americano viene messa in stato di fermo per la sua violazione di qualche settimana prima, e le viene impedito di rientrare negli States. Comincia così per i due giovani un rapporto a distanza, straziante e frustrante, che avrà diversi stravolgimenti e numerose evoluzione, fino ad un finale che lascia interdetto lo spettatore.

Like Crazy, il film

Like Crazy ovvero ‘da pazzi’, è questa la definizione che il titolo da dei due ragazzi, della forza del loro amore prima e delle condizioni della loro relazione poi. Nessuno dei due riesce a lasciar andare l’altro e così finiscono per impedirsi a vicenda una vita normale.

Il regista Drake Doremus racconta la storia con grande competenza, riservando a tutta la parte iniziale del racconto dei toni delicati e caldi che davvero riescono a dare la dimensione della passione della tenerezza e del trasporto di questi due giovani, davvero persi l’uno nell’altra. A mano a mano che il tempo passa e la loro relazione si complica, anche il ritmo cambia, si dilata e anche la fotografia si raffredda. La musica e il racconto procedono senza via d’uscita e i protagonisti sembrano sempre più invischiati in una situazione spinosa e così lo spettatore si chiede come la vicenda si possa risolvere positivamente, o comunque avere un compimento.

I due giovani protagonisti, Anton Yelchin e Felicity Jones, riescono con grande efficacia e naturalezza a mettere insieme una vasta gamma di emozioni senza risultare mai forzati. Ottima l’alchimia anche con lo sfondo. Le stanze, gli arredi, tutto sembra raccontare questa vicenda. Tutto tende a convogliare l’attenzione e i piccoli gesti diventano importanti, fondamentali quasi. Like Crazy è stato acclamato al Sundance Film Festival con il premio per il Miglior Film, gran premio della giuria e Miglior attrice, premio speciale della giuria.

 

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In Une Vie Meilleure Yann e Nadia si incontrano e si innamorano. Entrambi poveri ma molto appassionati decidono di comprare un vecchio locale sul lago per farne un ristorante, investendo nel progetto ogni goccia del loro sangue e del loro soldi. Lui cuoco e lei cameriera, sono convinti di riuscire in qualche modo a portare a termine la loro impresa, ma ben presto le spese diventano insostenibili e anche i debiti si ingigantiscono, rischiando di diventare permanenti e oberare sui nostri per tutta la loro vita. Yann ha la possibilità di vendere, ma vuole portare avanti il progetto e questo scatena le proteste di Nadia. La donna va via, in Canada, verso un lavoro migliore, lasciando al compagno il figlio di 9 anni con la promessa di spedirgli presto un biglietto aereo per raggiungerla oltreoceano. Ma le cose si complicano per entrambi, i tempi di allungano e Nadia sparisce senza dare più sue notizie.

Una vita migliore è l’aspettativa di ogni essere umano, e Yann, con i suoi progetti, i suoi sogni, la sua tenacia e anche la sua onestà può rappresentare tante persone che cercano di dare una svolta alla propria vita anche osando e facendo ‘il passo più lungo della gamba’.

La drammatica attualità del film è attenuata dal racconto molto freddo che il regista Cédric Kahn ci propone, offrendo sempre un punto di vista distanziato, non indulgendo mai nei dettagli e riuscendo con sobrietà a raccontare la tristezza e la miseria, ma anche l’integrità di un’anima che cerca di non affondare.

Protagonista del film è un bravo Guillaume Canet, già regista e protagonista lo scorso anno di The Last Night, che si cimenta in un ruolo sofferto dell’uomo in difficoltà che cerca anche di improvvisarsi padre e che nella sua miseria riesce, con misure estreme, a raggiungere un luogo ed uno scopo che lo metteranno davanti ad altre difficoltà impreviste.

Il film si chiude però con un sorriso, una speranza, un obbiettivo che, nonostante tutto, potrebbe portare di nuovo la felicità.

 

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In Il Paese delle Spose Infelici Zazà e Veleno sono due ragazzini, amici per la pelle, ma molto diversi per famiglia e condizione. Figlio di medio borghesi Veleno, con un futuro e prospettive, e soprattutto dei genitori che lo seguono, figlio della strada invece Zazà, orfano che vive con un fratello delinquente e con una sola via di fuga dal degrado della periferia tarantina: il calcio. L’arrivo di Annalisa nelle loro vite crea aspettative e tensioni, ma anche attimi di pura estasi in cui i due maldestri amici riesacono ad assaporare un po’ di felicità, riuscendo a sfuggire per poco al loro destino segnato.

Il Paese delle Spose Infelici si rivela un prodotto strana, atipico e difficile da classificare. Sembra il classico film italiano che racconta il malessere giovanile, ma la presenza di questa figura femminile, sorta di Malena alla Tornatore, ma meno patinata, introduce un velo di mistero, quasi un’evasione dalla realtà per rifugiarsi in un sogno di bellezza e dolcezza, cose che per i due ragazzini sembrano impossibili da trovare nella vita vera.

Il Paese delle Spose Infelici, il film

Il racconto procede da lontano, senza creare una vera e propria empatia con lo spettatore, mostrando il calore e l’arsuro, la vittoria e la violenza, la possibilità di riscatto da una vita dura e ingiusta, possibilità che puntualmente sfugge a chi, come Zazà, è cresciuto in un ambiente malato. I giovani protagonisti Luca Schipani e Nicolas Orzella hanno quell’aspetto ruvido, di chi vuole atteggiarsi a uomo, ma con gli occhi colmi di stupore e dolcezza. I loro personaggi sono avidi di immagini e di corpi e la bella Annalisa (Aylin Prandi), l’apparizione volante che piomba nelle loro vite, rappresenta l’incarnazione dei loro desideri, la sposa infelici che loro in qualche modo desiderano curare.

Il titolo stesso del film Il Paese delle Spose Infelici, rimanda però a qualcosa di più del singolo caso di Annalisa, non è solo lei la sposa infelice, ma forse tutte quelle donne la cui vita si svolge in quell’ambiente ricco solo di miseria droga e inquinamento. La sposa infelice diventa quindi una metafora del malessere di una terra che non riesce a guarire, malata dalle fondamenta, incapace di accogliere nel sue grembo speranze e sogni di giovani uomini.

 

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