La voglia di remake ad Hollywood non si placa, e quando i film da rifare e le storie da continuare sono finite, si comincia a ripescare nei vecchi generi cinematografici. E così ritornano al cinema le divinità dell’antica Grecia che tanto fascino hanno sempre avuto sul pubblico di tutto il mondo. Ovviamente mi riferisco a tutta quella serie di film che sono ispirati ai miti classici, prima di tutti il colossal/remake Scontro fra Titani, oppure il prossimo War of Gods. Ma in ordine di uscita, il prossimo film al cinema che riprende e trasforma le antiche saghe greche è Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo: Il Ladro di Fulmini.  Il film è tratto da un libro (primo di una serie di cinque storie) che racconta la storia di Percy, un adolescente che scopre di essere figlio del Dio del Mare, Poseidone (Kevin McKidd, il dottor Hunt di Grey’s Anatomy).

Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo diretto da Chris Columbus, racconta le avventure e le difficoltà che il giovane Percy dovrà affrontare per sventare una imminente guerra fra divinità che porterà alla distruzione della Terra. Accanto a lui la bella Annabeht, anche lei semidea figlia di Atena, e Grover, un satiro maldestro ma coraggioso. Le avventure di Percy nascono da un equivoco: Zeus, interpretato da Sean Bean, crede che lui sia il ladro della sua folgore, arma divina suprema e potentissima, simbolo della sua regalità tra gli dei. Il ragazzo verrà allora a conoscenza della sua vera origine semi divina, capirà di trovarsi in serio pericolo e farà di tutto per salvare la madre, rapita da Ade dio degli inferi(interpretato da Steve Coogan), e evitare uno scontro tra divinità.

Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo, primo di una possibile serie di cinque, è tratto dall’omonimo libro di Rick Riordan, docente di Mitologia greca in California e Texas; dettaglio importante se si pensa che la mitologia raccontata nella pellicola è davvero la mitologia classica, a parte qualche dettaglio che però è funzionale alla storia.

La pellicola, con un cast davvero ottimo e un ritmo incalzante, si presenta come una perfetta macchina per far soldi, rivolto com’è ad un pubblico giovane e educato ai film di genere fantasy (vedi la saga di Harry Potter che questo film, non troppo velatamente, mira a sostituire). Ma Percy Jackson non è solo un tripudio di effetti speciali, è anche un bellissimo racconto di un’iniziazione alla vita di un ragazzo, che come molti della sua età si sente fuori posto, solo che non tutti i ragazzi scoprono di avere poteri straordinari e un padre, per così dire, fuori dal normale.

Percy Jackson e gli Dei dell’Olimpo è ambientato nei nostri giorni e si dipana lungo tutta la superficie degli States, dai casinò di Las Vegas con nomi sibillini (vidi il Lotus: non vorrete più andar via), alle profondità degli Inferi collocate (a caso?) sotto l’iconica scritta che troneggia sulle colline di Hollywood, fino alla cima del Monte Olimpo la cui via d’ingresso è situata sulla sommità dell’Empire State Building (per via ascensore), inoltre è intessuto di una serie di riferimenti al mondo mitologico antico che ne impreziosiscono la trama e la rendono profonda, quasi ancorata a quella che è la vera mitologia. Questo non è un pregio da poco considerando che, l’ultima operazione di resurrezione mitologica che era stata fatta ad Hollywood (mi riferisco al Troy di Petersen) era stata un vero disastro, sia dal punto di vista della trasposizione dei “fatti” narrati, sia dal punto di vista delle dinamiche narrative che non avevano alcun nesso con l’origine del mito, scombussolando così gli ordini del racconto.

Non è questo il caso di Percy Jackson, infatti lo spettatore più accorto può cogliere tutta una serie di rimandi alla tradizione mitologica: vedi ad esempio il nome del casinò dove “temporeggiano” gli eroi, oppure l’identità del ladro di fulmini che verrà svelata nel finale, o ancora gli occhi della figlia di Atena, non a caso grandi e azzurri, proprio com’è caratteristica della dea della sapienza, per definizione dagli occhi glauchi (dal greco glaucos = azzurro). Interessante, seppure forse non alla portata del pubblico più giovane, l’ammonimento all’ingresso degli Inferi “Guai a voi anime prave”, un riferimento colto che non c’entra propriamente con la mitologia greca ma che a ragione si trova in quel punto e che può cogliere il pubblico adulto, forse quello europeo più di quello americano.

Chris Columbus, già bravissimo nel regalare grandi classici del cinema per i più giovani, confeziona un’altra opera ben diretta, con ritmo e suspence, ma anche tanto divertimento, merito di una buona sceneggiatura e di bravi attori, in particolare il satiro Grover, interpretato di Brandon T. Jackson a cui è affidata la controparte comica del protagonista, ottimamente interpretato da Logan Lerman. Ottimo l’utilizzo di effetti speciali che accompagnano l’azione e che si misurano alla circostanze, appoggiandosi si una colonna sonora non eccelsa ma sicuramente funzionale all’epicità e all’intimità di alcune della sequenze chiave.

Menzione speciale a due donne: Rosario Dawson, la conturbante e prigioniera Persefone, regina degli inferi; e Uma Thurman, nel ruolo breve seppure determinante della Gorgone Medusa, che nella mitologia classica è decapitata da Perseo, e questa volta si troverà di fronte Percy …. e chissà quale sarà l’esito di questa battaglia.

Revanche – Ti ucciderò, è il film di  GOTZ SPIELMANN, in corsa agli Oscar per il miglior film straniero. Non è la prima volta, il regista austriaco è già stato selezionato con Lo Straniero (1999) e candidato con lo «scandaloso» Antares (2004) tra i componenti dell’Academy.

Il suo ultimo lavoro racconta la vita serena della campagna rurale austriaca, con le sue famiglie modello – villette, matrimonio, figli, ordine, e naturalmente razzismo. C’è pure la Vienna di sesso, commercio del corpo meglio se «clandestino», bordelli, coca e botte in cui vivono i due protagonisti, Alex e Tamara, lui è stato dentro e ora lavora come tuttofare per il padrone del bordello. Lei è ucraina, ha un debito da saldare e si prostituisce.

I due stanno insieme di nascosto, lui progetta di rapinare la banca del paesino del nonno. Lì abitano anche Suzanne e suo marito Robert, poliziotto, non riescono a avere figli, la colpa è forse di lui, lei è devota iporcita, lui macho, sono razzisti, non adotterebbero mai un bambino – «chissà poi che carattere ha ».

I principi di ordine e pistola, la morale dell’«essere costretti a difendersi», la finta distanza nel livello di crudeltà tra città e mondo rurale sono gli elementi che caratterizzano la pellicola. innestati in una costruzione narrativa canonica: un prologo, il dramma, l’epilogo innestati nel «genere vendetta» – la storia dell’uomo che vuole uccidere l’altro perché a sua volta gli ha ucciso l’amata – col paesaggio sociale e culturale ove pian piano la stessa vendetta si confonde.

La prima impressione che si evince da Legion è una semplice e chiara considerazione: il genere apocalittico non pare proprio voler tramontare. Dopo i vari titoli che si sono occupati di scenari della medesima fattispecie, come il recentissimo The Book of Eli (da noi tradotto maldestramente CODICE GENESI), il cinema Hollywoodiano sembra non volersi fermare a sfornare film di questa caricatura.

Ma dietro a tanta perseveranza in genere dovrebbe esserci quantomeno un riscontro sul mercato, o (sarebbe la cosa migliore) un avvicendarsi di opere di una certa levatura artistica. Se nel film precedentemente citato dei Fratelli Hughes almeno si poteva riscontrare il loro indubbio talento e la bravura di certi attori protagonisti, in questo caso ahimè siamo di fronte a, vale la pena di dirlo, un totale disastro per l’appunto apocalittico. Sin dall’inizio appare chiaro il limite registico che introduce una seppur buona interpretazione di Paul Bettany.   Nel deserto del Mojave uno squallido ristorante diventa l’epicentro del giudizio finale per la Terra; Los Angeles, 23 dicembre. Dio si è stancato delle malefatte umane e ha sguinzagliato sulla Terra una legione di angeli per portare l’Apocalisse. L’arcangelo Michael, però, non è d’accordo e vuole salvare l’umanità.  Nonostante il buon presupposto, del tutto ottimistico che l’uomo merita di essere salvato, il film a stento decolla.

Questo fallimento è dovuto a molti aspetti. In primis senza alcun dubbio, la mancata costruzione di una vera e propria climax d’assedio. Infatti, la vicenda ruota tutta intorno ad un’area di servizio nel deserto, dove vive Bob Hanson (Dennis Quaid), proprietario di un ristorante isolato, Charlie (Adrianne Palicki), la bella cameriera del ristorante, prossima al parto del nuovo messia, Sandra e Howard (Kate Walsh e Jon Tenney) e alla loro figlia adolescente Audrey (Willa Holland), capitati lì inseguito alla rottura della proprio autovettura e bloccati in attesa che il figlio di Bob, Jeep (Lucas Black), ripari la loro automobile.

Mentre in casi esemplari come GLI UCCELLI del maestro Hitchcock, il film faceva leva su un carico di tensione che culminava con una insostenibilità dovuta appunto alla costruzione di una climax  d’assedio elevatissima, in questo caso il film è ingabbiato in un forzato tentativo di moralizzare il prossimo e perde di vista gli aspetti fondamentali che rendono un film di questo tipo (in)sostenibile. Poi si vanno ad aggiungere la poca originalità del pretesto, ossia proteggere il parto di un bambino che dovrebbe rappresentare l’unico baluardo di un’umanità ormai allo sbando, e la poca credibilità del tentativo retorico del mezzo cinematografico.  Peccato perché i presupposti per un buon film almeno nella base di partenza c’erano tutti.

Nuoce gravemente a LEGION anche una precaria regia che amalgama malamente le varie vicissitudini che accompagnano i personaggi.  Alcune note positive si possono riscontrare nell’efficace scelta iniziale di utilizzare la comunicazione come primo segnale di isolamento, la comparsa di un’insolita vecchietta che da il via alle danze, e la scena del bambino che da un punto di vista spettacolare sono di grande effetto. In ultimo la volontà di rifarsi all’iconografia rinascimentale dei due arcangeli tipica dei dipinti di quel periodo.   In definitiva, LEGION è un film molto debole che rasenta il ridicolo in alcune scene lasciando poco margine ad una riflessione di altro genere.

Alice in Wonderland è indubbiamente uno dei film più attesi del 2010, avendo suscitato l’entusiasmo generale a partire dalla pre-produzione. Ma le enormi aspettative dei fan di Tim Burton, della storia tratta dai romanzi di Lewis Carroll, o della versione Disney degli anni cinquanta non vengono soddisfatte del tutto.

Alice in Wonderland è infatti un film che presenta diversi aspetti negativi, a partire dalla sceneggiatura: dopo quindici minuti dall’inizio apprendiamo immediatamente che Alice è destinata a riportare la pace nel Sottomondo sconfiggendo, nel giorno Gioiglorioso, il Ciciarampa, restituendo così la corona alla Regina Bianca e liberando il regno dalla dispotica Regina Rossa. Il tutto è scritto sull’Oraculum, il che evidenzia che il ruolo di Alice, attesa da anni dagli abitanti del Sottomondo, è soggetto a un destino al quale lei dovrà attenersi: dunque ben poco spazio è lasciato al libero arbitrio. In tal modo lo spettatore è già consapevole di come si concluderà il film, eliminando ogni potenziale colpo di scena.

Alice dovrà realizzare che ciò che sta vivendo non è un sogno, ma il compimento del proprio destino nel “Paese delle Meraviglie”, dove si intravede il nonsense, anche se non risulta dominante: l’assurdo e la follia si palesano nel personaggio del Leprotto Bisestile, nel martellante indovinello (no, non si tratta della domanda “Perché i tramonti son pupazzi da legare?”, bensì del quesito: “Perché un corvo somiglia a una scrivania?”) e nello straordinario Cappellaio Matto.

Alice in Wonderland, il film

Uno degli aspetti che rende godibile il film è proprio il cast, a partire dal trasformista Johnny Depp, che ci regala l’ennesima interpretazione indimenticabile: il suo personaggio potrebbe apparentemente sembrare un mix tra Jack Sparrow e Willy Wonka, ma in realtà è originalissimo nella mimica, nell’atteggiamento, oltre che nell’aspetto variopinto, e la caratteristica più interessante è la facilità con cui cambia d’umore, passando da battute divertenti e risate ai suoi tratti più oscuri ed inquietanti, rivelati nel cambiamento di colore delle iridi e nelle ombre violacee sotto gli occhi.

Oltre Depp spicca l’interpretazione della signora Burton: la Regina Rossa di Helena Bonham Carter conquista il pubblico e suscita simpatia molto più della sorella Regina Bianca, una Anne Hathaway a tratti ridicola che, con la sua esagerata leggiadria dei modi, sembra prendere in giro le principesse Disney. Se la cava bene la giovane Mia Wasikowska nei panni della protagonista, bionda e diafana al punto giusto, anche se la sua performance è talvolta sottolineata da un doppiaggio non all’altezza, che fa desiderare di vedere il film in lingua originale, anche per sentire le voci di Alan Rickman, Stephen Fry e Michael Sheen, rispettivamente nei panni del Brucaliffo, dello Stregatto e del Bianconiglio (i primi due sono personaggi riusciti alla perfezione).

Rovina un po’ la performance del Fante di Cuori (Crispin Glover) la sua camminata legnosa, che rende palese, anche a chi non ne fosse a conoscenza, che l’attore ha dovuto costantemente misurarsi con i trampoli per riprodurre l’imponente altezza del personaggio. In effetti le sproporzioni sono altri aspetti che caratterizzano altri soggetti, dalla testa ingigantita della Regina Rossa agli occhi ingranditi del Cappellaio.

Gli aspetti migliori del film sono di natura tecnica: le sontuose scenografie e gli ottimi effetti speciali, gli splendidi costumi e la strepitosa colonna sonora di Danny Elfman. Quanto al 3D, esso risulta efficace in alcune scene (come la caduta di Alice nel buco e le evaporazioni dello Stregatto), talvolta fastidioso (creando immagini doppie) e in altri casi del tutto assente; di certo è impossibile paragonarlo al 3D di Avatar, anche perché Alice è stato rimasterizzato in stereoscopia soltanto in post-produzione.

E la regia? Ecco l’altro aspetto dolente. La visionarietà di Tim Burton risulta frenata, limitata, non molto riconoscibile (forse per volere della Disney), e Alice in Wonderland non è certamente il suo capolavoro: nel finale ci sono alcuni momenti imbarazzanti, in altri casi è chiaro che il film vuole conquistare innanzitutto il target infantile, e infatti piacerà sicuramente ai bambini. Noialtri possiamo limitarci a trascorrere due ore d’intrattenimento, con l’amarezza di non essere stati completamente catturati da un mondo che speravamo fosse più onirico di quanto sia in realtà.