Con Four Daughters – candidato all’Oscar come miglior documentario – Kaouther Ben Hania aveva (dis)unito i confini tra realtà e finzione per ricongiungere spiritualmente quattro sorelle e la loro madre, raccontando le piaghe di un sistema socio-familiare profondamente radicato nella storia della Tunisia. La sparizione delle due figlie più grandi diventava l’occasione per rileggere la storia dell’intero nucleo tramite uno strumento di indagine estremamente originale. Assoldando tre attrici, chiamate a interpretare la madre e le sorelle scomparse, cercava di ricucire le fila di una famiglia distrutta e, contemporaneamente, interrogarsi sul ruolo dell’immagine cinematografica in questo gioco di specchi e ruoli. Ora, la regista tunisina porta a Venezia l’attesissimo La voce di Hind Rajab (The Voice of Hind Rajab), il documento audiovisivo che immortala incontrovertibilmente il genocidio che si sta consumando sulla striscia di Gaza e la pulizia etnica del popolo palestinese.

Recuperando la straziante telefonata alla Mezzaluna Rossa di una bambina di 6 anni morta nella macchina in cui si trovava con la sua famiglia, crivellata da 300 e passa colpi di fucile, Ben Hania si conferma la regista donna più coraggiosa del mondo arabo, in grado di fare un cinema politico che non può nè deve più essere ignorato.

La zona di interesse

Il 29 gennaio 2024, nel quartiere di Tel al-Hawa, a Gaza, la bambina di sei anni Hind Rajab rimane intrappolata in un’auto sotto il fuoco. A 83 chilometri di distanza, presso la sede della Mezzaluna Rossa palestinese, le chiamate di emergenza provenienti da Gaza vengono deviate a causa dei bombardamenti. È qui che la voce di Hind arriva nelle cuffie dei volontari: Rana (Saja Kilani) cerca di tenerla in linea, mentre Omar (Motaz Malhees) è consumato dal senso di impotenza. «Venite a prendermi, non c’è tempo», implora la bambina. Ma l’esercito israeliano sta bloccando ogni passaggio, e il capo della squadra rifiuta di mandare in missione l’unica ambulanza rimasta nel nord senza prima ottenere un corridoio sicuro. In quel dialogo sospeso tra paura, urgenza e impotenza, prende forma uno dei momenti più devastanti della tragedia di Gaza.

Non si può più tacere

Nel corso degli 86 serratissimi minuti che compongono La voce di Hind Rajab, emerge tutta la fatica degli operatori nel tentativo di dialogare con una bambina avvolta dalla morte; l’impotenza dell’aiuto a fronte di una tragedia umanitaria ancora in corso;  l’incomprensibilità di settanta minuti di telefonata in cui si consuma una vita ancora inesplosa. Omar vuole coordinare, non può limitarsi all’ascolto impotente. Rana partirà truccata, spronando Omar a fare il suo lavoro, ma il suo viso finirà per confondersi con il bianco del suo completo. Mehdi tenta di restare vigile, la psicologa Clara di offrire il supporto necessario a una situazione totalmente disumana. Il controcampo uditivo è quello della totale confusione della piccola Hanood, che risponde continuamente di “no“, che pensa che gli altri stiano dormendo, che afferma che non le piace niente, che sa che non c’è tempo. Proprio questa corsa contro gli istanti che fuggono annienta i volontari della Mezzaluna, interpretati da attori professionisti che hanno avuto accesso alle registrazioni autentiche di Hind solo una volta sul set.

Camera a mano, primi piani ravvicinati, Ben Hania orchestra un ritratto grezzo di presa diretta, che vive dell’urgenza di racconto. La sperimentazione stilistica e formale di Four Daughters qui cede il passo alla documentazione incandescente di un reale in cui si consuma una tragedia indicibile. C’è un vetro – come in Woman and Child – su cui viene tenuta traccia delle estenuanti tappe di questo tentativo di salvataggio: dai minuti che scorrono al telefono al tragitto che dovrebbe fare l’ambulanza, un vetro che assorbe le impronte di una tragedia troppo difficile da verbalizzare.

È l’ora di un Leone d’oro storico

C’è sempre sovrapposizione di realtà e messa in scena in Ben Hania, perchè in fondo questi confini si annullano, è impossibile rinchiudersi nelle futili etichette tecniche quando è irrinunciabile fermarsi nel racconto. The Voice of Hind Rajab è la storia di una voce, quella di un popolo obbligato al silenzio, degli oltre 18.000 bambini mai usciti dalla classe delle farfalle, dei 50.000 e più tra morti e feriti, e centinaia di migliaia senza famiglia e costretti alla fame. Una voce scomparsa ma che, grazie a questo documento audiovisivo, potrebbe portare a un Leone d’oro storico.

Presentato come film d’apertura della 20ª edizione della Festa del Cinema di Roma, La vita va così segna il ritorno di Riccardo Milani dietro la macchina da presa con una storia che intreccia memoria, identità e progresso. Dopo il successo di Un mondo a parte (qui la nostra recensione), che ci portava tra le montagne d’Abruzzo, il regista sceglie questa volta la Sardegna meridionale come teatro di un nuovo scontro tra tradizione e modernità.

Nel cast, un mix inaspettato: Virginia Raffaele, Diego Abatantuono, Aldo Baglio, Giuseppe Ignazio Loi e la partecipazione di Geppi Cucciari. Un ensemble che, almeno sulla carta, promette equilibrio tra ironia e dramma, anche se non sempre riesce a mantenere la promessa.

Prodotto da OURFILMS in collaborazione con Netflix e distribuito da Medusa Film e PiperFilm, La vita va così arriva nelle sale dal 23 ottobre. E nonostante la potenza visiva della fotografia di Simone D’Onofrio e Saverio Guarna — che trasforma la Sardegna in un personaggio vivo e pulsante — la pellicola finisce per perdersi nei suoi stessi orizzonti.

La vita va così: una storia di resistenza e appartenenza

Alla soglia del nuovo millennio, Milani costruisce un racconto di contrasti: Efisio Mulas (Giuseppe Ignazio Loi), pastore solitario e ultimo custode di una costa incontaminata, si trova a difendere la propria terra da Giacomo (Diego Abatantuono), imprenditore deciso a trasformare quel paradiso in un resort di lusso. Attorno a loro ruotano Francesca, la figlia di Efisio (Virginia Raffaele), divisa tra la voglia di cambiare e il peso delle radici, e Giovanna (Geppi Cucciari), giudice chiamata a dirimere un conflitto che presto travalica il piano legale per diventare simbolico.

L’idea di Milani è nobile: raccontare la tensione tra progresso e identità, tra chi vede nel cemento una promessa di futuro e chi riconosce nella terra la memoria di un passato da non tradire. Tuttavia, La vita va così si muove su binari fin troppo prevedibili, e il suo messaggio – pur potente – si perde in un ritmo che fatica a trovare una direzione precisa.
Il film, infatti, risulta troppo lungo per il suo racconto: la durata dilatata ne appesantisce la struttura e ne smorza l’emozione, lasciando spesso lo spettatore intrappolato in sequenze ripetitive che sembrano dire sempre la stessa cosa.

Eppure, nonostante le sue debolezze narrative, il film possiede una delicatezza visiva e un senso del paesaggio che rimangono impressi. La Sardegna filmata da Milani è ruvida, bellissima, sospesa in un tempo che non esiste più: una terra che parla con il vento, con il silenzio e con la luce. È in quei momenti, tra una collina dorata e il mare che sembra non finire mai, che il film trova la sua verità più autentica.

I volti del cambiamento

Virginia Raffaele, qui in un ruolo lontano dalle sue corde comiche, sorprende per misura e sensibilità: la sua Francesca è un personaggio fragile, combattuto, che porta in sé il peso di una generazione in bilico. Abatantuono offre invece una performance solida ma prevedibile, mentre Aldo Baglio, nei panni di Mariano, regala qualche lampo di umanità che spezza la rigidità del racconto.

Il vero cuore del film è però Efisio, interpretato da Giuseppe Ignazio Loi, presenza magnetica e intensa. È lui il simbolo del “non arrendersi”, del rifiuto di un mondo che cambia troppo in fretta. Nei suoi silenzi si sente tutta la malinconia di un’epoca che scompare, e quando si oppone con testarda dolcezza ai progetti di Giacomo, il film ritrova il suo centro emotivo.

Geppi Cucciari, nel ruolo della giudice, rappresenta la voce della ragione: ironica, disincantata, ma profondamente legata a quella terra. La sua presenza porta un’energia che manca altrove, e ogni sua scena accende il racconto di un calore sincero.

Il sogno (incompiuto) di Milani

La vita va così sembra voler proseguire il discorso iniziato con Un mondo a parte: Milani continua a cercare l’Italia marginale, i luoghi dove la modernità arriva come una minaccia e la semplicità resiste come un atto di fede. Ma se nel film precedente c’era una leggerezza poetica, qui la regia si fa più compassata, quasi timorosa. Il desiderio di lirismo non sempre trova parole adeguate, e il risultato è un racconto che oscilla tra la denuncia sociale e il dramma familiare senza riuscire a fondere davvero i due piani.

Rimane, però, la forza di un messaggio universale: la necessità di fermarsi, guardare ciò che ci circonda e scegliere consapevolmente dove andare. “A volte, proprio perché la vita va così, bisogna decidere da soli dove andare.” È una frase semplice che racchiude l’anima del film: quella di un cinema che crede ancora nel valore delle piccole scelte, anche quando il mondo sembra correre troppo veloce.

La bellezza non basta

La vita va così è un film sincero, costruito con cura e affetto, ma che non riesce a trovare la compattezza necessaria per emozionare davvero. L’intento è nobile, la fotografia magnifica, gli interpreti credibili – eppure qualcosa si perde per strada. La sceneggiatura, firmata dallo stesso Milani con Michele Astori, sicuramente non dà ritmo a una storia che avrebbe meritato più sintesi e più coraggio.

In fondo, come suggerisce il titolo, “la vita va così”: non sempre le buone intenzioni bastano, e anche un film pieno di luce può restare in ombra se non trova la giusta misura.

Renato De Maria porta sullo schermo il romanzo autobiografico di Aldo Nove, che dice averlo così colpito da esserne rimasto ossessionato per le immagini evocate da quella storia drammatica ma incredibilmente visionaria. E le immagini, anche se alla lunga divengono reiterate e a tratti auto-manieriste, sono l’unica cosa che sembra funzionare nel film. Ma non bastano buone intuizioni visive, o espedienti che rimandano alla video-arte e al teatro, a tenere in piedi una non-storia, fatta di riflessioni intime, di fragilità emotiva, di pulsioni incontenibili.

Ne La vita oscena Andrea, ragazzo fragile, sensibile e legatissimo alla madre, vive una vita tranquilla, cullato in un’adolescenza che sembra non voler finire. Ma la morte della donna a seguito di una malattia incurabile e quella improvvisa del padre, lo gettano in una situazione nuova e in un dolore incolmabile. E’ l’inizio di un viaggio verso il basso, fatto di droghe, sesso e di una ricerca ossessiva della morte. Solo il suo amore per la poesia e la scrittura potrà forse salvarlo.

La vita oscena, il film

Sono lontane le felici intuizioni vicine alla grafica e al fumetto che De Maria aveva saputo dosare nel lontano 2001 in Paz e, nonostante la dichiarazione d’intenti, il mondo pop di Andrea, onirico, distorto, colorato, fatto di skateboard, graffiti e pornografia, diviene un qualcosa da esibire in maniera pretenziosa, elitaria, sciorinata. La voce fuori campo del protagonista incombe sulla totalità della narrazione, annientando la spontaneità delle situazioni e divenendo in alcuni momenti pericolosamente didascalica, se non inutile. Le battute pronunciate dagli attori sono ridotte all’osso e fanno da scarna punteggiatura alla voce pensiero di Andrea, sminuendo ulteriormente interpretazioni scialbe e prive di carattere.

La storia de La vita oscena è un filo sottilissimo, quasi inesistente, che certamente non aiuta i tanti personaggi, così esili da essere trasparenti, insignificanti, quando non si riducono in macchiette, come le numerose prostitute con le quali Andrea si intrattiene. Durante la narrazione ci si chiede continuamente quando arriverà una svolta, un qualcosa di significativo, un episodio che finalmente possa dar vita al film; si spera questo nei primi dieci minuti, si continua a farlo per altrettanti e infine si rimane amareggiati nel rendersi conto che tutta la storia, se di storia si può parlare, sarà portata avanti in questo modo, senza più sorprese. Così la noia sopraggiunge e ci accompagna sferzante e beffarda fino a un finale che definire banale è dir poco.

Si respira poi una straniante e fastidiosa sensazione di già visto, forse dovuta anche alla presenza di Isabella Ferrari e all’uso di sequenze amatoriali in super8 e di vecchie fotografie, che riporta la mente ad altri film italiani che seguono la stessa codifica, per non dire la stessa deriva, come E la chiamano estate di Paolo Franchi. Che sia una nuova preoccupante tendenza del nostro cinema?

Dall’ideatore della serie di successo This Is Us, arriva il nuovo film dal titolo La vita in un attimo, con un ricco cast di attori che va da Olivia Wilde a Oscar Isaac, da Antonio Banderas ad Annette Bening. Il regista Dan Fogelman ci conduce all’interno di un film commovente e umano, che guarda alla famiglia, all’amore e al ruolo del destino. Scandito dai brani dell’album Time Out of Mind di Bob Dylan, il film vuole essere un’autocelebrazione della vita e di tutte le sue sfumature.

Il film segue le vicende di Will (Oscar Isaac) e Abby (Olivia Wilde), dal loro primo incontro al college al matrimonio, dal concepimento di un figlio fino all’inaspettata separazione. Man mano che la storia si dipana, si riveleranno i loro legami con Dylan (Olivia Cooke), giovane ribelle che cerca di sfuggire alla propria sofferenza, e al signor Saccione (Antonio Banderas), ricco proprietario terriero spagnolo e alla famiglia del suo braccio destro Javier (Sergio Peris-Mencheta).

Esperto di questo genere di racconti che hanno come nucleo fondante l’imprevedibilità della vita, Fogelman ci presenta un film scandito per capitoli, come quelli di un romanzo. Ognuno di questi capitoli risulta ben presto essere influenzato dal precedente, e causa di influenza sul successivo, in un continuo gioco di citazioni e rimandi che incastrano gli episodi in un più ampio puzzle che è quello della vita. A guidarci attraverso questi è la voce di un narratore, che più di una volta sembra però rivelarsi inattendibile.

Attraverso questa figura Fogelman ci consegna le intenzioni del film, dove la vita, identificata come narratore esterno per eccellenza, si rivela essere inattendibile poiché imprevedibile, pronta a nascondere costantemente ciò che potrà accadere ai suoi protagonisti. La vita in un attimo diventa così non tanto un film sulla vita, ma sulle sfumature e sugli imprevisti che questa può assumere e riservare.

Con un incipit accattivante, merito anche di un bizzarro cameo di Samuel L. Jackson, La vita in un attimo, si guadagna l’attenzione dello spettatore. Un inizio insolito per un film che si presenta come un dramma sentimentale, costituito da una comicità brillante, e che per l’intero primo episodio, con protagonisti due splendidi Olivia Wilde e Oscar Isaac, mantiene alta la sua attrattiva nella sua destrutturazione spazio-temporale e nel suo affrontare con sguardo amorevole i piccoli dettagli dell’amore. Si viaggia avanti e indietro nella storia d’amore di Will e Abby, appassionandosi così sempre più ai due personaggi.

Nel passaggio ai capitoli successivi, tuttavia, il film sembra rientrare nei binari più canonici al genere, diventando più lineare e perdendo così quelle particolarità che avevano reso vincenti la prima parte dell’opera. La seconda parte, che ha tra i suoi protagonisti principali Antonio Banderas, risulta così ben meno interessante. Lentamente il film scade in un sentimentalismo da lacrima facile. Il regista, anche sceneggiatore, si fa prendere la mano e calca gli eventi alla ricerca di emozioni che tuttavia appaiono forzate. Le storie dei protagonisti iniziano ad intrecciarsi in modi che paradossalmente si allontanano dalla ricerca di un realismo e tendono ad assomigliare sempre più a situazioni riscontrabili prevalentemente al cinema.

Non bisogna dimenticare che La vita in un attimo è anche un film sui casi del destino, ma Fogelman sembra arrivare a narrare di questi dimenticando quanto fatto in precedenza. Quella che poteva rivelarsi un’originale storia sulle infinite sorprese della vita, finisce invece con il diventare un classico prodotto buono per intrattenere e commuovere, ma che in fin dei conti manca di perseguire fino in fondo il proprio scopo originario.

La vita in un attimo, il trailer

https://www.youtube.com/watch?v=StxXUICkiIo

La vita facile di Lucio Pellegrini è una commedia che scava nella profondità caratteriale dei due protagonisti, due borghesi che hanno deciso di vivere in maniera completamente differente la loro professione e di conseguenza la loro vita. Mario è l’italiano medio, e come dice Favino stesso “C’è un Mario Tirelli in tutti quelli che parcheggiano in doppia fila, in quelli che si accodano alle ambulanze per sfruttare la scia, in quelli che se non chiedi fattura sono 30 euro di meno, e che se vuoi la visita in ospedale è fra sei mesi, a studio privato fra un’ora”. Luca invece ha preso una strada completamente diversa: ha abbandonato questo mondo per ricercare una nuova dimensione di sé, a livello professionale e umano, e quale posto migliore dell’Africa?

La vita facile  è la vita vissuta da Mario, (Pierfrancesco Favino) medico di una lussuosa villa privata, residente nel centro di Roma, sposato con una donna, Ginevra (Vittoria Puccini), invidiata da tutti, persino dal suo migliore amico. L’amico in questione si chiama Luca (Stefano Accorsi), medico anche lui, ma che svolge la sua professione in Africa e la sua non è una vita facile. Queste due vite s’incrociano, un giorno, quando Mario dopo dodici anni, decide di andare dal suo amico Luca in Kenya, perché vuole ritrovare se stesso e il senso della vita che forse ha smarrito nel lusso e nel benessere. Da quel momento in poi la loro vita subisce radicali cambiamenti, alcuni positivi, altri totalmente inaspettati; il peggio arriva quando Ginevra, stufa di stare sola a Roma ad attendere il marito, decide di raggiungerli in Kenya. Luca, che aveva abbandonato l’Italia, non solo spinto dalla vocazione, ma anche dall’amore e dalla sofferenza che provava a vedere Ginevra insieme a Mario, ne è sopraffatto e l’invasione della donna rompe inevitabilmente il suo equilibrio.

Lucio Pellegrini ha diretto un buon film che probabilmente è migliore anche grazie alla sua principale ambientazione: il Nord del Kenya che con i suoi scenari immensi, assume il ruolo di co-protagonista del film. Per il resto è una commedia che scorre ma senza particolari eccellenze, divertente grazie al modo spontaneo e rozzo con cui ha recitato Favino, al quale vanno i principali meriti della riuscita del film. Lo stesso vale per il personaggio di Stefano Accorsi, assolutamente sincero nella sua sensibilità verso una professione che ultimamente assomiglia troppo a quella meccanica e utilitaristica svolta dall’amico. Il personaggio che interpreta Vittoria Puccini invece è poco simpatico, inadeguato, a tratti vuoto.

Il film uscirà nelle sale italiane il 4 marzo 2011 ed è stato prodotto dalla Fandango in collaborazione con Medusa Film, Sky Cinema e Apulia Film Commission.

Cédric Klapish dirige il suo nuovo lungometraggio immergendosi ancora una volta nel mondo del balletto classico. La vita è una danza, in sala dal 6 ottobre, racconta della ballerina Elise che subisce un grave infortunio proprio durante uno spettacolo ma, da quel momento in poi, la sua vita cambierà totalmente.

Il regista e sceneggiatore francese ha un rapporto con il ballo che risale a più di dieci anni fa, quando aveva diretto il documentario su Aurélie Dupont uscito nel 2010, a cui sono seguiti vari progetti e contatti con ballerini e coreografi, come la realizzazione di Four contemporary dancers del 2018, durante la quale ha fatto la conoscenza di Hofesh Shechter, che in questo film interpreta se stesso. Celebre è diventato anche il suo cortometraggio Dire merci uscito durante il lockdown: un montaggio di video che i ballerini dell’Opera di Parigi hanno girando riprendendosi con i propri smartphone mentre ballano in casa.

Ma Cédric Klapish era già famoso dal 2002 nella scena internazionale grazie a L’appartamento spagnolo, fama che gli ha fatto toccare anche la serialità con Chiami il mio agente! esilarante ritratto del capriccioso mondo dei talent scout.

La vita è una danza è una sintesi dello stile di Cédric Klapish

La vita è una danza è dunque tutto questo: una perfetta sintesi dello stile del regista, che narra la storia di una ragazza dalla bravura eccezionale, e lo fa tuffando la macchina da presa tra i movimenti tesi e muscolari, delicati e fluttuanti a partire delle prime sequenze, appena assistiamo all’impatto con la fragilità del corpo di Elise (Marion Barbeau, prima ballerina dell’Opera di Parigi), fino ad arrivare ad un divertimento spiazzante, grazie ad attori come Pio Marmaï in coppia con Souheila Yacoub, o François Civil, che interpreta un fisioterapista ispirato a niente meno che Brad Pitt in Burn after reading.

Quindi la giovane Elise troverà e proverà se stessa misurandosi con quell’infortunio alla caviglia, che la condurrà verso un nuovo lavoro, dove conoscerà nuove persone e – forse – un nuovo mondo di danzare la vita, il ballo, la musica e, naturalmente, il suo corpo.

La traduzione del titolo evoca un aspetto metaforico, che in lingua originale è En corps, suggerimento ancora più profondo del viaggio che la giovane protagonista dovrà intraprendere fuori e dentro di sé, ma sempre unite a quelle punte di comicità quasi grottesca che caratterizzano il regista francese.

L’aspetto interessante del film di Cédric Klapish è infatti la leggerezza con cui attraversa fino ad atterrare su una tematica che nella sua semplicità, alla fine, risulta essere un fondamento: scoprire che qualunque cosa di bello si sappia fare, non rappresenta mai una destinazione finale, perché al centro c’è sempre l’unicità del proprio modo di essere, che può essere quindi declinata anche in direzioni diverse e, soprattutto, inaspettate.

Elise dovrà fare fisioterapia, riprendere a muoversi con cautela, cercando di affrontare la paura di fratturarsi di nuovo, o che la spaccatura subita continuerà a restarle dolorante. E tutto questo, ovviamente, non riguarderà certo solo la sua caviglia.

La fascinazione per i corpi

Cédric Klapish è palesemente affascinato dai corpi, dalla capacità che un essere umano ha di creare un’opera d’arte a partire da se stesso, dai propri arti, nervi, e quel modo incredibile, quasi inspiegabile, di riuscire a muoverli così. Con le lunghe sequenze dei balli, anche quelle colte nei momenti di gioco tra i personaggi, lo sguardo della macchina da presa resta in silenzio a guardare, seguendo gli scatti, la lentezza di mani, gambe e piedi, che con armonia seguono la musica e, attraverso l’uso della commedia e di qualche nota romantica, raccontano che il talento ha la missione di trasmettere una bellezza che altrimenti resterebbe muta. A dispetto di quel che possa sembrare, La vita è una danza scende in profondità e parla di quanto ognuno sia fondamentalmente insostituibile, con l’urgenza di rispondere a quel richiamo che riecheggia dentro ciascuno: usare quel dono, allenandosi, giorno dopo giorno.