Un martellante jazz ci accoglie dalle prime scene e ci accompagna con ritmo nella storia thriller di Al Final del Túnel, una co-produzione spagnola e argentina per la regia di Rodrigo Grande con Leonardo Sbaraglia, Clara Lago e Pablo Echarri, che figura anche tra i produttori. Presentato alla Festa del Cinema di Roma in Selezione Ufficiale e accolto da stampa e pubblico con applausi a scena aperta, risate e reazioni di sorpresa, il film è senza dubbio tra i più originali in concorso.

Joaquín (Leonardo Sbaraglia) è un ingegnere informatico costretto su una sedia a rotelle in una grande casa dove si sente il peso di una vita precedente. Costretto dai debiti, decide di affittare una stanza alla ballerina Berta (Clara Lago) e sua figlia Betty (Uma Salduende), che da due anni ha smesso di parlare. Una notte, mentre sta lavorando, Joaquín sente dei rumori sospetti dall’altro lato della parete e in breve tempo, grazie alla sua manualità tecnologica, riesce origliare la conversazione e a vedere tramite una microcamera cosa sta succedendo nel seminterrato accanto. Scopre così che una banda di delinquenti, guidati da Galereto (Pablo Echarri), sta scavando un tunnel per arrivare alla banca dall’altro lato della strada e fare un grosso colpo aiutati da un poliziotto corrotto. Sommerso dai debiti, Joaquín decide di scavare un entrata alternativa per batterli sul tempo nella rapina. Ma se l’ostacolo della sedia a rotelle potrebbe sembrare il più grande, la storia si complica quando scopre che Berta non è solo una ballerina…

Commedia, thriller, crime e anche momenti da classico film horror confluiscono in Al Final del Túnel, tra colpi di scena e svolte decisamente sorprendenti e originali che stupiscono fino all’ultimo minuto. Rodrigo Grande si districa in riprese difficili nel tunnel, tenendo alta la suspance dietro al protagonista paraplegico che, se di aspetto ci ricorda un George Clooney argentino, nelle azioni sembra più un incrocio tra MacGyver e il Tom Cruise di Mission Impossible. Non c’è solo mera tensione e urgenza di sopravvivere a degli eventi che si evolvono come schegge impazzite, ma grazie anche ad una sceneggiatura brillante, il regista riesce ad indagare nel modo giusto nella psiche dei protagonisti, dalla condizione “intrappolata” di Joaquín, ai conflitti interni di Berta, fino ai misteriosi silenzi di Betty.

Dopo essere stato molto apprezzato allo scorso festival di Cannes arriva alla Festa del Cinema di Roma La Tortue Rouge di Michaël Dudok de Wit, un particolare film d’animazione senza alcun dialogo e prodotto anche da Studio Ghibli.

È la storia di un uomo che scampa miracolosamente a un naufragio e approda su un isola tropicale deserta, ma piena di piante e animali. L’uomo non si perde d’animo e sopravvive grazie a tutto quello che quell’atollo sperduto riesce a regalargli. Tenta però più volte di fuggire e di tornare alla civiltà, costruendosi una zattera con il bambù. Ma ogni volta che si allontana dall’isola qualcosa distrugge la sua imbarcazione, costringendolo a tornare.

Quando l’uomo scopre che è una gigantesca tartaruga marina rossa a ostacolarlo si avventa su di lei e con rabbia la ribalta, abbandonandola sulla spiaggia a morire. Dopo qualche ora però si pente del suo gesto violento e avventato e tenta inutilmente di farla riprendere. Ma quando la creatura sembra ormai completamente priva di vita, il carapace si spacca e suo il corpo si trasforma in quello di una bellissima ragazza dai lunghi capelli rossi.

La Tortue Rouge è un film estremamente raffinato

Michaël Dudok de Wit realizza un film estremamente raffinato, dalla grafica essenziale e di grande rigore stilistico. Gioca con i colori tenui che costituiscono una pacata tavolozza, assai efficace a sintetizzare l’essenza di un isola tropicale e arriva addirittura a desaturare quasi completamente le scene notturne, creando un interessante contrasto espressivo tra giorno e notte. Rinuncia completamente alle parole e si abbandona ai suoni, ai rumori, ai versi dei tanti animali e al commento musicale.

Pur nella drammaticità della storia, in La Tortue Rouge non mancano spunti di pacata ironia, che rendono godibile la narrazione, senza mai perdere di eleganza, come le tante piccole avventure che vivono i granchi che popolano la spiaggia.

Si afferrano i tanti temi importanti che sono alla base, come l’istintività umana, la lotta tra uomo e natura e di come siano fragili gli equilibri tra le due parti, e anche la famiglia, intesa come meccanismo fondamentale della ciclicità della vita, ma rimangono aperte tante interpretazioni. Forse qualche chiave di lettura in più non avrebbe certamente guastato in questa toccante fiaba moderna che ha il sapore di un sogno fatto addormentandosi in riva al mare.

Un treno parte la mattina presto da una stazione di Seoul, diretto verso Busan. A bordo, passeggeri di ogni tipo pronti ad affrontare un viaggio: ma nessuno di loro è pronto a fronteggiare un’epidemia di zombie che sta contagiando le città dell’intera Corea del Sud e che li raggiunge fin sopra il loro treno, ultimo baluardo per la loro sicurezza che adesso dovranno essere pronti a difendere ad ogni costo. Questa è la trama dell’adrenalinico Train to Busan, film sudcoreano presentato stamattina alla Festa di Roma 2016 e che ha già battuto ogni record in patria, incassando 63,9 milioni di dollari e del quale è già stato annunciato un imminente remake ad opera della 20th Century Fox.

Uno zombie-movie atipico che riscrive, aggiornandola, la “genealogia” dei morti che ritornano, restituendone un immagine ben lontana dallo stereotipo americano (creato da Romero nel ’68) che li vuole lenti, inesorabili e affamati; in questo horror moderno i non – morti sono vittime di un contagio (partito da un senzatetto di Seoul), elemento che si ricollega ad una mitologia più contemporanea (sospesa sempre tra Romero e Resident Evil) dove la morte è una malattia, un male che mangia dall’interno e che spinge ad una insaziabile avidità di carne umana.

È comunque possibile interpretare Train to Busan attraverso una chiave di lettura alternativa che superi la brillante patina di suspense, action e orrore creata da  Yeon Sang-Ho: l’horror potrebbe semplicemente costituire una macabra allegoria della nostra società, divisa dall’eterna lotta di classe (tema presente anche in altri film asiatici di genere sci – fi, come Snowpiercer), dal consumismo dilagante, dall’alienazione e dall’egoismo pronti a diffondersi come una pandemia e a dividere le persone, allontanandole. Il treno è la vita stessa, scorre lungo i propri binari, è diviso in scompartimenti e i viaggiatori non si conoscono tra loro, evitando qualunque tipo di contatto durante il viaggio. Sottoporre questo ampio campionario d’umanità ad una causa esterna estrema (l’arrivo di un’apocalisse zombie) sovverte lo status quo di partenza e lo costringe a prendere delle decisioni drastiche, che spesso mettono in luce aspetti nascosti – positivi o negativi – delle svariate personalità.

Train to Busan si “nutre” della tensione, dell’adrenalina e dell’ansia che riesce a creare mentre sinuosamente fa scivolare lo spettatore in un orribile incubo che sarà costretto ad ammirare, con stupore sempre più crescente, ad occhi aperti seduto sulla propria poltroncina.