Tutti amano dire e dirsi che quello che vivono è “Un amore sopra le righe”, una storia vivace, interessante, coinvolgente, lontana dai cliché. Certamente è sopra le righe la relazione tra Victor e Sarah, due giovani, nella Francia degli anni ’70, che si incontrano per caso e che non si lasciano più, per i 45 anni successivi. Una relazione fatta di grandissima passione, gioia e fughe romantiche, ma anche di tradimento, di lontanza e di crescita, maturazione. Insomma una storia che nella sua complessità regala uno sguardo inedito sulle relazioni, su ciò che le tiene in piedi nel tempo, ma anche sull’ambizione, sull’aspirazione, sugli equilibri che due persone che si amano sono disposte a mantenere per andare avanti.

Una relazione grandissima passione ma anche di tradimento e maturazione

Quando si incontrano per caso, nel 1971, non immaginano che lui diventerà uno dei più importanti scrittori francesi e che si innamoreranno perdutamente. Sarah ha deciso da subito che avrebbe fatto innamorare Victor di sé, lui, come ogni uomo, è un po’ più lento ma capisce che non può fare a meno di lei, del suo sorriso, del suo supporto, dell’ispirazione che da lei arriva.

Opera prima dell’attore e sceneggiatore Nicolas Bedos, Un amore sopra le righe (Mr & Mme Adelman) è sicuramente un film che racconta una storia d’amore, ma è anche una riflessione spietata sull’ambizione di un uomo e sulla capacità dello stesso di aggrapparsi a una donna, fino a diventarne completamente dipendente, quasi succube, se solo lei volesse esercitare con spietatezza il suo potere.

Bedos, che interpreta anche Victor, e Doria Tillier, interprete di Sarah, co-sceneggiatrice e compagna nella vita del regista, restituiscono un’intesa di coppia dinamica e raccontano un amore realmente complesso, lontano dalle romanticherie e dai classici schemi cinematografici. Se tradizionalmente la commedia romantica racconta la storia d’amore al nascere, interrompendosi con un fiducioso “e vissero felici e contenti”, Un amore sopra le righe è sicuramente un film romantico, ma non è una commedia, né tantomeno una storia tradizionalmente raccontata, dal momento che ha il coraggio di raccontare l’amore in tutte le sue fasi, nel corso della vita.

Un viaggio capace di sorprendere a ogni svolta

Sfociando nel thriller, attraversando il dramma e chiaramente trovando un comodo spazio nella commedia brillante, il film di Bedos si potrebbe spiegare come un viaggio, lungo (il film dura 120 minuti), capace di sorprendere a ogni svolta svolta narrativa, incatenando lo spettatore alla sorte di Victor e Sarah. Le parabole dei due protagonisti si sviluppano parallele e in direzione inversa; all’inizio siamo abbagliati dal brillante scrittore in erba, alla fine siamo stregati da questa donna affascinante che ha abbracciato l’età con grazia, diventando sempre più bella, una donna che strega prima lo spettatore e poi il protagonista con il suo sorriso magnetico e il suo fine intelletto.

Un amore sopra le righe non regala fiori, non fa complimenti, sconvolge la quotidianità e apre gli orizzonti, svincolato dai canoni, scappa nella notte sotto la pioggia, al suono di risate giovani e ribelli, sotto un fuoco incrociato di grida di persone di mezza età in crisi di identità, abbracciando due vite così eccezionali da sembrare aliene.

Brillante, travolgente, sorprendente, è la storia d’amore che stavate aspettando.

Una nuova commedia spagnola del regista Paco Caballero è uscita su Netflix giusto in tempo per la festa della mamma: si tratta di Un amore di mamma (Amor de Madre), interpretata da Carmen Machi, Quim Gutiérrez, Yolanda Ramos, Celia Freijeiro, Juanjo Cucalón e Justina Bustos. Dopo Donde caben dos, Caballero dimostra di aver trovato la sua idea di commedia leggera, il cui fine principale è sorprendere lo spettatore con un torrente di risate, piuttosto che innovare e sperimentare con la tradizione. Le sue sono storie che ruotano intorno alla tematica amorosa, mai sviscerandola nel suo senso più comune della relazione tra innamorati, e soffermandosi piuttosto sul concetto primigenio del sentimento affettivo: il rapporto madre-figlio.

Un amore di mamma, quando l’amore è in…famiglia

In Un amore di mamma, José Luis (Quim Gutiérrez) è stato appena piantato all’altare, e come se non bastasse, Mari Carmen (Carmen Machi), mamma iperattiva e alquanto oppressiva, ha insistito per accompagnarlo in viaggio di nozze con la scusa di non perdere la valanga di soldi spessi. Ogni minuto che passano alle Mauritius, José Luis si sente sempre più infelice e fallito mentre, in maniera totalmente opposta, Mari Carmen dimostra di sapersi divertire un mondo, vivendo tutte le esperienze che ha sempre desiderato e rivelandosi la donna meravigliosa che è veramente, e che la sua famiglia non riesce a scovare al di là della sua figura di madre.

Un amore di mamma mira, in maniera molto onesta, ad essere una fresh comedy da piattaforma, da domenica pomeriggio, lanciata in occasione della festività più opportuna, quella della mamma. In questo senso, è puntuale come un orologio svizzero nel raggiungere il suo obiettivo, ossia inondare i nostri divani di risate (non mancherà neanche qualche lacrima) e spazzare via i dolori che ci circondano, ogni volta che accendiamo la televisione.

L’assunto di partenza è semplice ma quanto mai incisivo, nutrimento efficace per l’idea di commedia attuale, immediata e di tendenza, requisiti imprescindibili per le piattaforme streaming che frequentiamo quotidianamente. La stragrande maggioranza delle madri conosce a fondo i propri figli, ma… Quanto sappiamo davvero delle nostre madri? Siamo certi che abbiano dato tutto per la famiglia, che sono le donne della nostra vita: ma chi sono state, prima di diventare le nostre madri?

Quando la moglie diventa la mamma

È impossibile immaginare una madre migliore per questo film di quella interpretata da Carmen Machi, che regge il carico emotivo del film sulle sue spalle e dimostra ancora una volta di essere un’attrice a tutto tondo nel panorama del cinema spagnolo, capace di commuovere con un buon dramma, ma anche di mettersi volontariamente in situazioni ridicole e uscirne a testa alta.

E’ la prima volta che Carmen Machi e Quim Gutiérrez lavorano insieme e già dimostrano di poter comprendere efficacemente tono e finalità dell’opera che andranno ad impreziosire, muovendosi accuratamente tra risate ed emozioni, al ritmo di una colonna sonora pop che mira a coinvolgere un preciso target di spettatori: quello dei genitori, che sono stati figli e, troppo spesso, si dimenticano che non smetteranno mai di esserlo. Adulti che stanno pian piano abbracciando il mondo del cinema da casa, del pomeriggio di weekend passato sul divano, nonché fetta di spettatori che Netflix sta sempre più cercando di fidelizzare.

Non mancano gag spassose, come quando la mamma applica a José Luis, suo malgrado, la crema solare sul viso, o quando la direttrice dell’hotel dove alloggiano spiega che ha cacciato altre coppie per non essere passate dall’altare… costringendoli a spacciarsi per sposi (con tutti gli equivoci possibili che entrano in gioco). Non vi è nulla di volgare o fuori luogo a livello di scrittura, e manca quel pizzico di sana e aspra satira che tanto piace ai giovani registi delle commedie moderne, ma questo perché Un amore di mamma vive di comicità impostata, sketch rassicuranti e riconoscibili che non ricercano un’opportunità per brillare, ma senso comico da reiterare.

Il messaggio di Un amore di mamma è univoco, e funziona al di là di uno script prevedibile e del tono umoristico tipico delle commedie spagnole: spazziamo via ogni rimorso o traccia di costernazione filiale perché é, e sarà ancora, tempo di stare con chi ci sarà sempre, si metterà in ridicolo per noi, e non penserà due volte a riportarci sulla strada del sorriso.

Alla sua terza prova di regia, Mia Hansen Løve si conferma a soli 31 anni, una delle più promettenti e interessanti registe del cinema francese, e non solo. Come i precedenti Tutto è perdonato (2007) e il Padre dei miei figli (2009), anche Un amore di gioventù nasce dalla stessa sensibilità ed evidenza: “il bisogno di superare un vuoto affettivo”, esistenziale, e di farlo con l’aiuto dell’Arte. Ma la passione e il tormento provati dalla giovane Camille (cui Lola Créton cede il fascino acerbo e fotogenico di un’esordiente) per la fine del suo primo amore, non sono soltanto il frutto di una riflessione autobiografica, ma, come tiene a precisare l’autrice stessa, materiale cinematografico,  che come tale deve essere trattato.

E la Hansen, non c’è che dire, lo fa con grazia e tenerezza. Attraverso uno sguardo semplice, minimale, che segue scrupolosamente i moti d’animo della protagonista, senza mai essere invadente. Quasi come un leale confidente, che a volte indugia sul disagio di chi soffre ma solo perché spera venga presto superato.

Ma tra il punto di rottura e la “rinascita” c’è un tempo interminabile nel mezzo; e qui il meccanismo narrativo un po’ si inceppa nel tentativo di restituirne la pienezza. Risulta quantomeno strano l’improvviso ritorno di fiamma, dopo anni di crescita e cambiamento . Un cambiamento che per Camille si nutre della passione per l’Architettura, e della relazione con il suo insegnante. I luoghi di certo hanno un’anima e lei riesce a comprenderne il linguaggio. Questo l’aiuta a dare una forma sensata, ragionata, a una realtà che fugge; proprio allo stesso modo in cui un buon architetto si sforza di trovare il barlume nell’oscurità della materia. Non è forse un caso che la luce sia un’altra componente integrante del film. Attraversa il paesaggio e si diffonde, fino ad accarezzare il volto di Camille e a raccogliere l’emozione di un’istante: l’istante che l’amore rende eterno.

Un amor, titolo dato al nuovo film della spagnola Isabel Coixet, potrebbe a primo impatto portarci fuori binario. La storia, in Concorso alla 18esima edizione della Festa del Cinema di Roma nella sezione Progressive Cinema, prima di essere un racconto d’amore non ordinario, come si potrebbe pensare dalle immagini ufficiali o dalla sua breve sinossi, è un inno al raggiungimento della libertà interiore (e sociale), quella ottenuta in seguito a una forte resistenza ma anche resilienza. La regista, le cui donne che si devono confrontare con i problemi della vita sono colonna portante della sua filmografia, per il suo nuovo lavoro affida a Natalie, protagonista di Un amor, il compito di parlarci di quanto questo possa essere complicato e distruttivo se non decidiamo di agire – e reagire – agli eventi che ci sovrastano.

A fare da sfondo a un racconto in cui è ancora una volta l’empowerment femminile a dominare, una campagna rurale spagnola dominata da misoginia, pregiudizi e a volte chiusura mentale. Sono proprio questi, però, che a forza di dare a Natalie tutti i giorni uno schiaffo in faccia non proprio piacevole, le daranno la giusta carica per ribellarsi e poter, alla fine, farsi valere. Un amor è tratto dall’omonimo romanzo best seller di Sara Mesa, e ha come interpreti principali Laia Costa nel ruolo di Natalie e Hovik Keuchkerian in quello di Andreas.

La trama di Un amor

Natalie (Laia Costa) faceva la traduttrice simultanea per i rifugiati, prima di decidere di trasferirsi a La Escapa, un paese rurale della Spagna. Il dolore provocato dal suo precedente lavoro era diventato insostenibile per lei, tanto da provocarle incubi. Ma la scelta di andare ad abitare in una remota campagna si rivela non essere quella adatta. Sin dal suo arrivo, la donna si trova a dover affrontare una serie di situazioni spiacevoli, prima fra queste una casa che sta crollando a pezzi, fatiscente, ma il cui burbero proprietario non vuole riparare. Anzi, la tratta con disprezzo, le inveisce contro senza il minimo scrupolo. Anche il vicinato non è molto trasparente: c’è chi è sospettoso, c’è chi invece mostra bontà ma non riesce a nascondere una fin troppo palese malizia.

Per Natalie le cose peggiorano quando l’abitazione in cui vive inizia ad avere problemi di infiltrazioni, fino a quando a causa delle piogge non si allaga tutta, costringendola a mettere dei secchi per arginare il problema. Una sera arriva alla sua porta Andreas (Hovik Keuchkerian), un uomo la cui età potrebbe essere superiore alla quarantina, e il cui aspetto fisico non è proprio dei migliori e affascinanti. Egli si offre di darle una mano in cambio di qualcosa di molto specifico: entrare in lei. Dopo un primo rifiuto, la donna capirà di non avere alternative e alla fine accetterà. Da quel momento instaurerà con lui una relazione quasi ossessiva, oltre che malsana. Questo, però, la porterà paradossalmente a una rinascita.

Una protagonista inaspettata

Isabel Coixet per il suo Un amor decide di utilizzare il 4:3; una scelta che se all’inizio è quasi incomprensibile, soprattutto per i panorami rurali e montuosi filmati il cui skyline perde di maestosità a causa del formato, comprendiamo solo in seguito essere lo strumento adatto per poterci restituire i sentimenti – e la condizione – di Natalie. Grazie infatti a queste inquadrature ristrette, il campo si concentra tutto sulla protagonista. La macchina da presa aderisce a lei, e in quello spazio chiuso – dove non riusciamo a vedere molto altro – possiamo percepire la sofferenza di una donna che si sente stretta in una morsa dalla quale non riesce a liberarsi. Ha cambiato vita per allontanarsi da un lavoro che le provocava incubi per quanto emotivamente stancante, ma il suo trasferimento si è trasformato in un altro brutto sogno in cui il proprietario di casa è un maschilista arrogante, gli uomini quasi tutti maliziosi e i vicini di casa sospettosi e analizzatori. In un ambiente per certi versi così ostile e ambiguo, Natalie trova riparo in una relazione amorosa (o dovremmo dire sessuale) con Andreas, ma nella quale niente è sano se non il suo bisogno di stare bene.

Crede di aver trovato qualcuno con cui vivere la sua vita solitaria, che però a stento conversa con lei. L’amore, dunque, diventa solo pretesto per farle risolvere i suoi dubbi esistenziali. È l’escamotage narrativo perfetto, non il viaggio. È l’inizio, non la fine. Tanto che questo singolare legame – in cui c’è comunque una necessità da parte della regista di sovvertire gli stereotipi di età – nasce verso il secondo atto e si consuma anche molto brevemente. Quello che resta, che impregna e bagna ogni sequenza, la ravviva e la colora, è solo Natalie, che da tutte queste esperienze e vicissitudini rinasce, nelle ultime battute, come una fenice dalle proprie ceneri. Il finale di Un amor è fra gli inserti più belli e puri; è catartico, potremmo dire quasi sublime: è equilibrato ma impattante, semplice ma significativo. Di cui difficilmente potremo dimenticarci. E applausi a Laia Costa.

Antoine (Victor Cabal), un vivace bimbo di sette anni, coltiva un grande sogno: incontrare Babbo Natale e poter fare un giro sulla sua slitta per raggiungere la stella dove crede che si trovi il suo papà. Quando Babbo Natale in persona piomberà sul balcone di casa, il piccolo Antoine non vorrà farsi sfuggire l’occasione di poter realizzare il suo sogno anche se, sotto la casacca bianca e rossa del vecchietto, si cela in realtà un giovane topo d’appartamento (Tahar Rahim).

Un amico molto speciale, il terzo lungometraggio di Alexandre Coffre, presenta la classica struttura narrativa del film natalizio per famiglie. La differenza la fanno il tentativo di un maggior realismo nella presentazione delle vicende ma soprattutto nella descrizione dei sentimenti ed un irresistibile attore esordiente, Victor Cabal, che duettando con il sempre bravo Tahar Rahim, riesce a tenere in piedi una storia tutto sommato abbastanza convenzionale nell’ambito del filone Natalizio. Poi c’è Parigi e soprattutto i suoi tetti, da poco entrati a far parte del patrimonio dell’Umanità. Il ladro, in principio riluttante, vista la naturale propensione del bambino ad arrampicarsi, decide infatti di sfruttare la sua credulità per svaligiare una serie di appartamenti nei quartieri alti di Parigi e lo porta con se in un’avventurosa odissea alla ricerca dell’oro che, dice al piccolo Antoine, servirà come carburante per la slitta. Il giovane che non ha avuto un’infanzia molto facile, inizierà però ad affezionarsi al suo piccolo assistente.

Coffre si è entusiasmato per questo soggetto proprio perché il tema si avvicinava molto alle relazioni padre/figlio ed in più c’era la magia del Natale che gli ricordava le sue prime esperienze da spettatore cinematografico quando i genitori, a Natale appunto, lo portavano al cinema. Questa magia passa attraverso gli occhi ingenui del piccolo Antoine che crede ancora nelle favole. Tutto ciò viene messo in evidenza da una scenografia e dalla fotografia particolarmente curate che rendono perfettamente come, durante quella magica notte, anche il quotidiano possa rivestirsi di una scintillante patina se guardato attraverso gli occhi di un bambino. Un altro punto di forza del film sono le scene d’azione e le acrobazie che però non rubano spazio alla storia ed all’esplorazione dell’evolversi della relazione tra i due protagonisti.

Il film di Alexandre Coffre commuove, emoziona e diverte senza scadere nel classico buonismo spicciolo natalizio. In questo senso può essere considerato nonostante tutto un film natalizio che esce dai soliti binari e che può piacere tanto ai piccoli spettatori quanto a quelli più grandi.

Un nuovo capitolo delle saghe mucciniane “borghesia e conflitti familiari”. Questa volta è il fratello Silvio, senza più zeppola, a dirigere il secondo film, firmandone nuovamente anche la sceneggiatura, scritta insieme all’inseparabile Carla Vangelista.

In Un altro Mondo Andrea (Silvio Muccino) è un ventottenne mantenuto, che vive nel suo splendido appartamento romano insieme alla bulimica fidanzata Livia (Isabella Ragonese). Una vita fatta di feste, nottate brave e poche responsabilità. Insomma una di quelle vite che ormai soltanto quel 10% di famiglie italiane può permettersi di fare. Ma come le saghe mucciniane insegnano, anche questi alto borghesi hanno le loro storie tristi. Andrea infatti è stato abbandonato dal padre ancora bambino, ed ha una madre che gli passa un lauto assegno, ma di sicuro non riesce a trasmettergli alcun affetto, visto l’inevitabile scopa in culo da donna ricca e frustrata che si ritrova. Ma ecco che una lettera vola tra le sue mani: è il padre in punto di morte che chiede di rivederlo. Andrea parte dunque per Nairobi dove conoscerà il suo fratellino keniota Charlie.

Il confronto con questa realtà nuova e completamente opposta al suo dorato mondo romano cambierà la disposizione delle carte in tavola. Trasportato a Roma, Charlie si inserirà nella soluzione chimica inerte di relazioni familiari di Andrea e sconvolgerà il tutto portando dell’inevitabile entropia.

Una trama che di suo ha davvero poco di originale. La sceneggiatura è incentrata su delle caratterizzazioni piuttosto scontate. Andrea è colui che si sveglia tardi la mattina, che ha una madre fredda e che chiama per nome, che ha una fidanzata stupenda ma che vomita ogni volta che mangia troppo. Uno che potrebbe avere tutto ma non è felice. La sua controparte africana, il fratellino Charlie, ha perso entrambi i genitori ed è in realtà un borghese piccolo piccolo del Kenya. Non esistono altri appigli sui quali ricamare. Personaggi dunque che si presentano piatti. Muccino poi correda le immagini con una regia estremizzata e fastidiosa a volte. Tagli di luce teatrali a Roma, immagini gialle e sature in Africa, dove dalla steadycam si passa alle riprese a mano, eccessivamente abusate.

In Un altro Mondo il cambiamento di Andrea-Silvio è banalizzato nel rapporto con il migliore amico, tramite chiamate senza risposta e attese vane di sms al cellulare. Come la madre Cristina, i personaggi rivelano con confessioni la propria evidente e complicata psicologia. Solo Charlie, in quanto bambino senza peli sulla lingua, regala ogni tanto un colore ai dialoghi e qualche risata in più. Rimangono al margine interpreti solitamente eccellenti come Maya Sansa, rinchiusa nel continente africano (un’amica del padre di Andrea), o Isabella Ragonese, che nonostante la sua presenza scenica non ha spazio per spiccare.

Poteva essere anche un film per famiglie e in particolare per bambini, se magari l’avessero incentrato sulla figura di Charlie e si fossero evitate le scene di sesso spinto. Ma la realtà è che la storia è imperniata su una figura di bamboccione viziato, che si imbarca in una presa di responsabilità troppo grande.

 Una teoria del filosofo norvegese Finn Skårderud sostiene che l’essere umano nasca con un deficit di 0,5% di alcol nel sangue. Cosa succederebbe dunque se si provasse a colmare tale mancanza, mantenendo poi costante il nuovo livello alcolemico? È questa la domanda a cui tenta di rispondere il regista danese Thomas Vinterberg (Il sospetto, Kursk) con il suo nuovo film Un altro giro.

Sviluppando questa premessa egli arriva così a costruire un film che è tanto un ode all’alcol quanto una riflessione sulla mezza età e sulla necessità di sentirsi liberi. Dotato di grande umorismo, ma anche di una forte componente drammatica, il film si è affermato come uno dei migliori visti durante la Festa del Cinema di Roma. Qui è stato accolto dopo il mancato svolgimento del Festival di Cannes.

La storia è quella di Martin (Mads Mikkelsen), annoiato professore di storia consapevole di vivere una vita ogni giorno più grigia e priva di stimoli. In seguito ad un crollo emotivo durante il compleanno di un suo storico amico, egli viene introdotto ad una particolare teoria. Secondo questa, mantenendo un livello costante di alcol nel sangue si può aumentare la creatività e ridurre la pressione dei propri problemi. Questi, insieme ai tre amici, anche loro insegnanti e con esistenze problematiche, decide di intraprendere tale esperimento. I primi risultati si rivelano per loro emozionanti e particolarmente positivi. Ben presto i loro eccessi presenteranno però anche l’altro lato della medaglia, con cui i quattro dovranno inevitabilmente fare i conti.

Un altro giro: un brindisi alla vita

Un film che elogia gli aspetti positivi dell’alcol sembra una vera e propria follia. Eppure, in mano a Vinterberg tale premessa è diventata l’occasione per una riflessione sulla società e le sue problematiche. Tutto nasce dalle ricerche condotte su grandi personalità della storia, da Churchill ad Hemingway, i quali hanno dato il meglio di sé grazie all’influenza degli alcolici. Il regista, pur non nascondendo mai gli inevitabili effetti negativi, dimostra il potenziale di tali bevande nell’aiutare gli oppressi a sentirsi più disinibiti. L’alcol diventa così il pretesto per parlare di personalità apparentemente giunte al capolinea. Grazie a quella che viene ritratta come una vera e propria bevanda magica, i quattro protagonisti riescono invece a riscoprire quel senso di libertà tanto tipico dei giovani che riempiono le prime immagini del film.

Ha così per loro inizio una rinascita che li porta ad essere protagonisti dei momenti migliori del film, carichi di un umorismo tanto semplice quanto efficace. Può infatti essere scontato ridere nel guardare quattro uomini adulti in preda all’ubriachezza. Vinterberg, però, arricchisce tali sequenze facendo mantenere ai personaggi credibilità e umanità, e sono proprio tali valori a renderli tanto comprensibili da generare la risata. Su di loro, quasi come fosse un documentario, il regista costruisce poi lo svolgersi della teoria, da confermare o sfatare. Il risultato di questa può forse essere prevedibile, ma le conclusioni a cui il film giunge sono piuttosto inaspettate.

L’alcol sembra infatti qui servire ad ognuno dei personaggi per prendere coscienza dei propri limiti. Ma sfuggire a lungo da questi non è possibile, e ben presto arriva dunque il momento di fare i conti con la propria vita. È così che dopo tanto divertimento, con sequenze realmente memorabili, si entra in un terzo atto ben più introspettivo e cupo. Un cambio di registro certamente rischioso, ma che permette di esaltare il racconto di quattro amici e del loro desiderio di sentirsi nuovamente parte della vita. Poiché, oltre a trattare del ruolo e del peso dell’alcol nelle passate e presenti generazioni, il cuore narrativo non ruota che intorno ad una storia di esseri umani fragili e feriti dalla mezza età. Questi non aspirano ad altro se non ad una seconda possibilità.

Un altro giro: la recensione

Con Un altro giro (di bevute, ma anche della giostra della vita) si costruisce così un discorso più universale di quanto si potrebbe pensare. Tale capacità è data in primo luogo dal grande intrattenimento fornito, composto da una sovrabbondanza di colori, musiche, luoghi, ma anche dalla grande umanità dei personaggi. La stessa sceneggiatura, scritta da Vinterberg insieme a Tobias Lindholm, è un tripudio di situazioni che danno vita ad un’epica dell’alcol, risultando avvincente ed emotivamente toccante su più fronti. Questa non è però certo priva di pecche. Specialmente nel corso del terzo atto, qui particolarmente complesso per contenuti, si avverte infatti un’incertezza nei confronti del finale. Questo sembra più volte sul punto di arrivare, salvo poi ritardare ancora di qualche scena il suo arrivo vero e proprio.

Lo spettatore dovrebbe in realtà qui riabituarsi ad un ritmo più pacato, ben lontano da quello festoso e comico che ha caratterizzato i primi due terzi del film. Per contenuti e riflessioni è infatti questo il momento più complicato dell’opera. Attraverso questo si può però evincere tutta la forza della storia e della pellicola in sé. La possibile frustrazione avvertita nell’attesa del vero finale viene però infine ampiamente ricompensata. Un gigantesco Mads Mikkelsen (ma anche gli altri tre co-protagonisti non sono da meno) si lancia infatti in quella che è probabilmente una delle sequenze finali di maggior impatto viste di recente. Durante questa Un altro giro riafferma tutta la sua forza, la sua vitalità e il suo valore più profondo.