Può un grande amore cambiare la storia? Ne è convinta Amma Asante, regista di  A United Kingdom, in sala dal 2 febbraio, ma soprattutto lo è il protagonista David Oyelowo (Selma – La strada per la libertà), che ha voluto il film con il produttore Rick McCallum.

A Oyelowo e Rosamund Pike (Gone Girl – L’amore bugiardo) il compito di incarnare Seretse Khama e Ruth Williams, che negli anni ’50 con la loro unione interraziale hanno traghettato il Botswana, allora Bechuanaland, verso l’indipendenza dalla Gran Bretagna – ottenuta nel 1966 – e la democrazia, opponendosi al dilagare delle politiche segregazioniste in molti stati africani, primo fra tutti il vicino Sudafrica.

A United Kingdom, il film

Seretse e Ruth si conoscono nel 1947 a Londra. Lui, laureato ad Oxford, sta per tornare in Botswana,  protettorato britannico, per diventare re, prendendo il posto dello zio Tshekedi. Ruth è una giovane londinese impiegata in uno studio legale. Si innamorano e decidono di sposarsi contro il parere di tutti: Tshekedi e il popolo del Botswana non vogliono una regina bianca; il Sudafrica minaccia di invadere lo stato e impedire agli inglesi l’accesso alle risorse minerarie sudafricane; il governo britannico è determinato a tutelare i propri interessi nell’area. Nonostante ciò, la coppia si sposa e in Botswana inizia una dura battaglia per poter vivere liberamente il proprio amore – contrastato anche con l’esilio di Seretse – e per l’autodeterminazione del paese africano.

Rosamund Pike e David Oyelowo nel trailer di A United Kingdom

Il soggetto del film è tratto dalla biografia di Ruth e Seretse ad opera di Susan Williams, una storia vera di per sé appassionante, i cui protagonisti sono due figure anticonformiste, che hanno avuto il coraggio di osare compiendo un gesto rivoluzionario e di resistere. Parla di razzismo – dei bianchi nei confronti dei neri e viceversa – e di un’integrazione possibile, del ruolo della donna nella società – la figura femminile è forte e determinata, rivendica la sua libertà al fianco del marito in un contesto fortemente tradizionalista – anticipando le lotte per i diritti civili degli anni ’60.

Tuttavia, anziché proporre questo materiale in una veste dinamica, coinvolgente, attuale e realistica, non imbrigliata in rigidi schemi che le tolgano vitalità, Asante sceglie una regia paludata e confeziona un mèlo romantico in stile retrò, che riporta alla filmografia anni ’40. La sceneggiatura di Guy Hibbert sacrifica alcuni punti chiave: non riesce a rendere l’amore travolgente che ha spinto Ruth e Seretse a sfidare le convenzioni, raffreddandolo nello stereotipo romantico con l’uso di un linguaggio affettato e retorico; né fa di Khama quella figura carismatica, elogiata anche da Nelson Mandela, che certo è stata.

Diventa quindi difficile per i protagonisti far passare le emozioni attraverso i formalismi, sebbene Pike abbia l’elegante bellezza della first lady e Oyelowo cerchi di sfruttare al meglio gli stretti margini a disposizione. Così A United Kingdom, anziché essere un viaggio appassionante nel profondo di due mondi e di due individualità, diventa un’occasione non colta.

Attore di cinema e teatro, volto televisivo di film e serie di successo, diretto tra gli altri da Avati, Ronconi e Sollima, per cui ha interpretato il ruolo di Nicola Scialoja nella serie tv Romanzo Criminale, che gli ha dato la prima notorietà, Marco Bocci passa dietro la macchina da presa con A tor bella monaca non “piove” mai, in sala dal 28 novembre, per raccontare una storia in parte ispirata da una vicenda personale, già narrata nel suo esordio da scrittore con il romanzo omonimo.

Mauro (Libero De Rienzo) è un quasi quarantenne mite e rispettoso delle regole. Ama Samantha (Antonia Liskova) e anche se lei lo ha lasciato per un facoltoso medico, punta a riconquistarla. Ancora vive di lavoretti e della “paghetta” della nonna, perché se oggi trovare lavoro è difficile per tutti, a Tor Bella Monaca è ancora più difficile. Suo fratello Romolo (Andrea Sartoretti) ha dei precedenti ma, scontata la pena, ha una nuova vita, una famiglia, un lavoro e nessuna intenzione di tornare sui suoi passi. Lotta ogni giorno per scrollarsi di dosso l’immagine del delinquente. Il padre Guglielmo (Giorgio Colangeli) assieme alla madre Maria (Lorenza Guerrieri) non si dà pace perché il suo negozio è occupato da mesi da un inquilino moroso, eppure non c’è modo di cacciarlo. La situazione precipita quando la nonna muore, lasciando la numerosa famiglia senza la pensione indispensabile per andare avanti. È allora che Mauro pensa di dare una svolta alla sua vita organizzando con due amici una rapina ai danni della mafia cinese.

A tor bella monaca non “piove” mai, l’opera prima di Marco Bocci

Con la sua opera prima da regista Marco Bocci si mette in gioco e fa alcune buone scelte. Innanzitutto, rinuncia a mettersi anche davanti alla macchina da presa, se non per una fugace apparizione, dedicandosi in modo più attento alla regia e andando a cercare un pubblico diverso da quello che lo segue come attore.

Inoltre, il regista racconta ciò che conosce: una periferia che ama e che ha vissuto, quella del quartiere romano di Tor Bella Monaca, su cui sembra pesare un pregiudizio – come sui protagonisti Mauro e Romolo, ingabbiati in ruoli che non riescono a scrollarsi di dosso. È al centro delle cronache ma anche spesso ritratta al cinema nel suo lato oscuro, criminale e con esso identificata. Il legame tra il regista e questa realtà si percepisce, dando vita e verità al film.

In periferia certe contraddizioni emergono in maniera più eclatante, ma essa è anche l’occasione per affrontare questioni riguardanti ogni latitudine. Il film mostra ciò che accade quando il tessuto sociale non offre prospettive e le istituzioni latitano. Ecco il riferimento del titolo, A tor bella monaca non piove mai: “piove” in gergo indica l’arrivo della polizia. Mentre qui la polizia, le istituzioni in genere, non ci sono quando i cittadini ne hanno bisogno. L’assenza di pioggia è anche assenza d’acqua che nutre la vita, indispensabile affinché non tutto secchi e inaridisca, dentro e fuori l’animo umano. Non a caso l’unico personaggio che versa lacrime è Romolo, anche l’unico ad essere riuscito a ripartire dalla sua umanità e a rifiutare il determinismo dell’ambiente.  Andrea Sartoretti interpreta con efficacia il ruolo più complesso del film, con la maggiore evoluzione. Romolo è forse il più stabile, ma ancora in conflitto con sé stesso e con l’ambiente esterno.

A tor bella monaca non “piove” mai – cattivi si nasce o si divente?

In questo contesto, Mauro e gli altri, non possono che trovare le proprie soluzioni ai problemi, anche se per farlo tradiscono, per poco, la loro indole di “buoni” per diventare “cattivi”, subendone le conseguenze. Sottotitolo del film è, appunto, cattivi si nasce o si diventa? È chiara la risposta del regista, che attribuisce la responsabilità di questo incattivirsi proprio al vuoto lasciato dalle istituzioni. La tesi può non essere condivisa, ma invita a riflettere.

Da attore, poi, Bocci sceglie un ottimo cast, creando un gruppo affiatato di interpreti, tutti in parte, con una grande attenzione anche per i piccoli ruoli – tra questi spicca Giordano De Plano nei panni di Ruggero, ex poliziotto, sprofondato in abissi di dolore e disagio, distrutto da una tragedia che non ha avuto giustizia.  Antonia Liskova si adatta bene a un ruolo per lei inusuale.

Il film ha un buon ritmo ed è narrativamente coeso. Si illumina con ironia, sarcasmo e momenti divertenti, perfino grotteschi, un contesto spesso drammatico e disperante.

Ritratto vivido ed efficace di una romanità verace

Stilisticamente, A tor bella monaca non “piove” mai paga però un evidente tributo, come in parte nei contenuti. Nel lavoro vi sono soprattutto echi di Sollima – in particolare quello di ACAB – nell’estrema cura delle inquadrature e nella ricerca del dettaglio, come nello spazio lasciato ai silenzi supportati da un commento sonoro espressivo e preponderante. Bocci mostra però un senso estetico interessante nella resa visiva della periferia e non solo, coadiuvato dalla fotografia di Federico Annicchiarico e dal montaggio di Luigi Mearelli. Anche la colonna sonora, curata da Emanuele Frusi, ha buone carte da giocare. Ritmi tecno-elettro accompagnano i momenti d’azione, mentre Rock’n’roll robot di Alberto Camerini sparata a tutto volume dal vicino è perfetta per mettere a dura prova i nervi  di Guglielmo, oltre che simbolo di certi atteggiamenti e modi di vita che finiscono per avere il sopravvento.

Il film è il ritratto vivido ed efficace di una romanità verace nella sua amara quotidianità, più che quello di una Roma criminale, mentre la riflessione aperta dal film travalica i confini della capitale e diventa discorso più ampio su un contesto sociale ed istituzionale che sembra tirar fuori il peggio da ognuno, dove vige la legge del più forte e si è costretti alla guerra tra poveri. Una società in cui è radicato il pregiudizio, chiusa alla complessità delle cose, che vede tutto bianco o nero, o grigio come il cemento della torre R11 a Tor Bella Monaca.

Subito dopo la presentazione al Teatro Antico, dal Taormina Film Fest 2023 arriva nei cinema A Thousand And One, opera prima della statunitense A. V. Rockwell, già vincitrice del Gran Premio della Giuria al Sundance Film Festival 2023 e che Lucky Red e Universal Pictures International Italy distribuiscono nei nostri cinema a partire dal 29 giugno. Ad accompagnare una vicenda che attraversa la storia di New York, mostrando una faccia diversa della cosiddetta Grande Mela, complementare a quella più folcloristica o turistica che molti si accontentano di vedere.

Inez e Terry, americani di serie B

la storia di Inez, una donna determinata e impetuosa interpretata dalla cantante Teyana Taylor, uno spirito libero costretto a vivere ai margini della società e insieme una madre ferocemente decisa a garantire un futuro al figlio Terry, di 6 anni (sullo schermo Aaron Kingsley Adetola, con Aven Courtney e Josiah Cross a prenderne il posto nelle successive fasi della crescita), a ogni costo. Anche a costo di rapirlo, sottraendolo al sistema di affidamento dello Stato e nascondendosi dietro una nuova identità. Qualcosa che sembra essere precluso a quelli come lei – come la possibilità di una casa e di una stabilità – soprattutto in una città in così grande cambiamento, ma nella quale non è facile poter avere tutti gli stessi diritti. Tanto più se hai la pelle nera.

A Thousand And One, le tante Americhe nascoste

Una delle peggiori abitudini dei tempi e dei luoghi che viviamo è quella di identificare con il termine ‘Americano‘ tutto ciò che riguarda gli Stati Uniti e i suoi abitanti, ignorando tanto i canadesi quanto intere nazioni del centro e del Sud del continente, che generalmente tengono a volersi distinguere dagli statunitensi, appunto. Termine che già in sé nasconde non poche complessità e conflitti al suo interno, come si vede anche nella storia raccontata dalla  Rockwell.

Dove Harlem è diversa da quella del Gospel e della 125th st che normalmente attirano i viaggiatori, dalla retorica dell’Apollo e dell’orgoglio di una comunità che ancora oggi fatica a veder riconosciuti i propri diritti o a non essere discriminata (purtroppo, come altre). E dove la rappresentazione segue la trasformazione del quartiere senza risparmiare nulla allo spettatore nel suo attraversare diverse epoche, dagli anni ’90 di Rudy Giuliani al nuovo millennio di Michael Bloomberg.

Harlem come la Sicilia letteraria: un luogo di ‘vinti’

Ma soprattutto restituendo – anche visivamente, grazie a scelte intelligenti di luci e fotografia – con grande onestà la verità di una vita difficile, costantemente fuori dai radar delle istituzioni (spesso dimentiche del loro ruolo, al servizio del cittadino) e ostinatamente contro. Non a caso quella di Inez, non è più solo lotta per la sopravvivenza, ma un bisogno di riconoscimento che va al di là dei documenti e di risarcimento, dopo una vita di sopraffazione.

Non c’è pace per questi personaggi, dei ‘Vinti’ – pur dalla parte opposta dell’Oceano e lontani dal Mediterraneo – in cerca di rivalsa, schiavi del proprio rancore e vittime pressoché impotenti di ogni sopruso. Una realtà che la protagonista combatte fino alla fine, nel tentativo di realizzare una catarsi forse illusoria, a differenza del più solido Lucky, personaggio maschile ben reso da William Catlett (The Devil You Know, Gli ultimi giorni di Tolomeo Grey, Black Lightning, Lovecraft Country) e protagonista di una evoluzione più evidente seppur con meno ombre.

Sono molti i non detti lasciati alla sensibilità del pubblico, quelli nei quali si nasconde la vera forza di questo A Thousand And One, che sin dal titolo suggerisce simboli da decifrare. Nello specifico, di una location nella quale all’unità di luogo si sovrappone una solo apparente staticità temporale e insieme la conferma di un destino ineluttabile che condanna alla sconfitta di ogni aspirazione, persino quelle più elementari, di un letto, un tetto, un padre, una madre.

Spesso si tende a dimenticare che dietro alle vicende politiche e militari del Medio Oriente ci sono le persone con le loro storie, i loro desideri e le loro aspettative. A unire privato e politico è il sentito documentario di Sean McAllister che ha guadagnato menzioni e riconoscimenti ai recenti Sheffield Doc/Fest e al Biografilm Festival di Bologna. Pur faticando a reperire i finanziamenti per portare a termine il suo progetto, McAllister è riuscito a filmare e riprendere l’odissea di una famiglia siriana a partire dal 2009 fino ai primissimi mesi del 2015.

Amer, di natali palestinesi, e Raghda si innamorano nell’ultimo dei luoghi immaginabili per una relazione amorosa: la prigione siriana dove entrambi sono rinchiusi per il loro attivismo politico contro il regime di Assad e dove entrano in contatto parlando attraverso un piccolo foro in un muro. Si sposano non appena escono dal carcere e creano una famiglia. Quando però Sean McAllister si avvicina, nel 2009, alla loro storia, Raghda si trova nuovamente in stato di arresto, mentre Amer cresce da solo i figli più giovani della coppia, Bob e Kaka, e cerca di fomentare con manifestazioni di protesta il clima di rivolta per ottenere la liberazione della moglie. Raghda torna finalmente a casa, ma il dramma è alle porte. Anche Sean viene imprigionato per cinque giorni a Damasco e gli viene confiscata la telecamera con il girato realizzato a casa di Amer. I membri della famiglia, che già si nascondevano nel campo palestinese di Yarmouk a Damasco, non possono più restare in Siria e fuggono in Libano, da dove chiedono – e ottengono – lo status di rifugiati politici in Francia.

La peculiarità di A Syrian Love Story è il punto di vista scelto dal documentarista britannico, che non assume uno sguardo neutrale sulla vicenda e i suoi protagonisti, ma anzi intreccia con loro dialoghi e rapporti profondi, potremmo dire quasi intimi, incalzando i suoi interlocutori con domande private, spesso scomode, sui loro sentimenti ed emozioni. A Syrian Love Story offre così il ritratto di un matrimonio che si sfalda, lacerato dalle ferite della dolorosa separazione dal proprio paese; un’appartenenza che per Raghda riveste una componente identitaria molto forte. Il suo senso di frustrazione e impotenza, scaturito dal fatto di essere lontana dalla Siria in un periodo cruciale come quello della sanguinosa rivoluzione scoppiata nel 2011, le impedisce infatti di essere una compagna e una madre serena.

A Syrian Love Story è un documentario che colpisce non certo per il suo apparato tecnico o la sua estetica, ma per il coraggio e la sincerità con cui mostra gli effetti della guerra e della violenza sulle relazioni familiari e personali, restituendo l’inedito ritratto di una donna la cui vocazione all’impegno politico si scontra con gli affetti a lei più cari.