Esordio alla regia in solitaria di Eric Tosti, A spasso con Willy è una simpatica avventura spaziale, indirizzata ai più piccoli, che non manca di aspetti affascinanti che riescono a catturare anche l’attenzione dei più grandi.

Willy è figlio di due esploratori spaziali e il suo sogno è quello di seguire le orme dei genitori: scoprire e catalogare nuove specie animali in giro per la galassia. Giunti alla fine di una missione nello spazio, la famiglia è pronta a rientrare alla base, ma una tempesta di asteroidi li colpisce. Willy riesce a trovare rifugio in una capsula di salvataggio, ma per i genitori non c’è niente da fare: l’astronave esplode, mentre il bambino non può fare altro che guardare lo spettacolo da lontano. La capsula approda su un pianeta misterioso, dove Willy è completamente solo, con l’eccezione di Buck, robot tutto fare che ha il compito di proteggerlo e garantirne l’incolumità. I due, accompagnati da un simpatico animaletto che incontreranno sul pianeta ignoto, vivranno tantissime avventure, fino a giungere al felice epilogo della vicenda.

La caratteristica evidente di A Spasso con Willy è che si presenta come un prodotto per i più piccoli, un prodotto semplice ed efficace che cerca di portare emozione e sorrisi ai più piccoli, con una trama lineare e uno sviluppo scontato, ma non per questo noioso. Il design e i colori delle location, soprattutto il pianeta misterioso su cui Willy impara a prendersi cura di sé, sono accattivanti e le scenografie fondono la fantascienza e il fantasy più puro.

Il film è una semplice storia di maturazione, un rito di passaggio in cui il protagonista diventa un giovane uomo e affronta le difficoltà che gli si presentano, imparando a contare sulle sue forze ma anche a dare il giusto valore all’amicizia.

E’ stato presentato alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia , A simple life, il film di Ann Hui.

Tao ha lavorato per sessant’anni come domestica per la famiglia Lee e ora si prende cura di Roger, che lavora come produttore nell’industria del cinema ed è l’unico membro della famiglia che ancora vive ad Hong Kong. Tao si occupa di lui come se fosse un figlio.

Quando viene colpita da un brutto malore, decide di andare in pensione e trasferirsi in una casa di riposo, dove trova una nuova stravagante e bizzarra famiglia fatta di persone sole, avvizziti Don Giovanni, golose signore e simpatiche amiche. Roger non fa che dedicare sempre più tempo e attenzioni ai bisogni di Tao, realizzando quanto lei significhi per lui.

A Simple Life è ispirato alla vera storia del produttore Lee ed è narrato con straordinaria sobrietà e misura emotiva, è una pellicola sulla gratitudine e sul rispetto, una commedia crepuscolare sull’amore filiale e sull’amicizia.

L’opera del regista Ann Hui, si rivela essere sempre incredibilmente vera, basata su eventi e persone reali, ritraendo la società e i rapporti interpersonali così come sono nella vita quotidiana di tutti i giorni. Di nuovo insieme sul grande schermo, il divo del cinema orientale Andy Lau e l’incredibilmente talentuosa Deanie Yip, (che è stata premiata all’ultima Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia con la Coppa Volpi come miglior attrice) offrono un duetto recitativo che regala grande tenerezza e una dolce commozione.

Vedendo A simple life lo spettatore si sentirà coinvolto in quello che è il dare e avere dei due protagonisti, entrambi di un’umanità spiazzante, intensa, dolce e disinteressata. Si rimane coinvolti dall’umanità con la quale Roger cerca di far capire tutta la sua gratitudine e il suo affetto per la semplicità con la quale Ah Tao ha guidato la sua vita, in un crescendo di sentimento, dall’inizio in cui il rapporto fra “padrone” e domestica è più formale, fino alla fine quando questa distanza viene sempre meno e fra i due si crea un vero rapporto.

Il consiglio sarebbe di vedere il film in lingua originale, per rendere giustizia alle varie sfaccettature e accenti della lingua cinese di Deanie Yip che accompagnano la sua splendida performance recitativa. Ma qual’ora non fosse possibile, speriamo che il doppiaggio le dia giustizia.

Alla sua undicesima fatica, A silence, Joachim Lafosse decide di dipingere un inquietante e infausto affresco sul silenzio familiare, il quale nasce da un profondo senso di vergogna scaturito da qualcuno facente parte dello stesso nucleo. Perché se il silenzio è cifra dominante, l’albero visibile dell’ultimo film del regista belga, il disagio provocato da esso, che altri non è che un segreto oscuro inaccettabile, ne è la radice nascosta. La quale giorno dopo giorno, anno dopo anno, diventa sempre più fitta, più grossa e più difficile da estirpare. Lafosse per delineare il suo A silence parte da una figura esistente, legata a un fatto di cronaca che sconvolse il Belgio: Marc Dutroux, soprannominato il Mostro di Marcinelle, che abusava e seviziava adolescenti per poi lasciarle morire.

Fra queste c’erano Julie e Melissa, 8 anni, il cui avvocato dei genitori che seguiva il caso si scoprì in seguito essere lui stesso stato condannato per detenzione di immagini pedopornografiche, e che nel film di Lafosse diventa uno dei protagonista principali. Un racconto, dunque, non solo disturbante, ma anche allucinante, che suscita non poche riflessioni su un sistema nel quale, alla fine dei conti, nessuno è davvero al sicuro. O tutelato, da quegli stessi paladini della giustizia che poi si scoprono essere a loro volta carnefici. A silence è in Concorso alla 18esima edizione della Festa del Cinema di Roma nella sezione Progressive Cinema, e ha nel cast Daniel Auteuil, Emmanuelle Devos e Matthieu Galoux.

A silence, la trama

Astrid è la moglie di un importante avvocato, François, il quale sta cercando di ottenere giustizia su un caso che vede coinvolte due bambine vittime di pedofilia e abusi sessuali, oramai morte. Attacca perfino il sistema giudiziario, si espone ai giornalisti inveendo contro il folle criminale che ha commesso oscenità inaudite. Ma una volta tornato a casa da Astrid e il figlio adottivo Raphaël, e chiuse le porte, quello stesso uomo non è chi dice di essere. Non è quello che sembra. Fra le mura di quella villa c’è un segreto, che la moglie nasconde da tantissimo tempo, ed è legato alle notti di François.

Egli infatti invece di dormire sta davanti a un computer e guarda qualcosa che si percepisce essere indecente. Eppure lei non vuole parlare. Nel frattempo, però, la figlia maggiore si reca dalla madre per darle una notizia: Pierre, lo zio, a distanza di venticinque anni vuole denunciare François per averlo violentato quando era giovane. Da quel momento in poi, l’equilibrio apparentemente stabile della famiglia si sgretola. Ma mentre Astrid cerca di tenere insieme i pezzi, quasi negando la verità a se stessa, Raphaël deciderà di agire in un altro, duro, modo.

Dentro i silenzi di una donna sola

Lafosse inizia dalla fine. Comincia con un breve piano sequenza sugli occhi di Astrid mentre si reca dalla polizia, gli unici che non possono mentire come la sua bocca ha fatto per lungo tempo. È uno sguardo affranto ma al tempo stesso consapevole, il suo. Smarrito, colpevole, pieno di vergogna. Il silenzio è stato un cancro che l’ha mangiata viva per ben venticinque anni, ma nel suo cuore conosce la verità, ed è di questa che ha proprio paura. In fondo, non è la paura di perdere qualcosa che genera proprio l’atto del tacere? Deve arrivare una scossa, quella decisiva e assestante, per rimettere in prospettiva una vita che è andata perdendosi per proteggere qualcuno che, poi, neanche si conosce o vuole più.

A silence parte con lei e finisce con lei, perché Astrid è il filo conduttore del racconto, le sono legati tutti i personaggi i quali, nell’operazione lenta di disvelamento che avviene fra luci e ombre, dipendono da lei. Se parla, crolla tutto. Le false certezze su cui ha costruito castelli di sabbia fragili, un amore tenuto in piedi solo per timore di rimanere sola (ma lo è già), e la lussuosa casa, in cui si rifugia per ricordarsi che almeno vive nell’agio, anche se poi comunque piange. Il regista, con questa scelta, decide di focalizzarsi, più che sul crimine commesso da François – che fa comunque da sfondo e da escamotage narrativo – sulle reazioni dei familiari, sulla rottura degli equilibri interni, e sulla poca lucidità che si ha verso stessi e gli altri quando questa è figlia della vergogna.

Forse alcuni passaggi sono un po’ troppo frettolosi considerato il carico drammatico ed emotivo del film, ma nel suo complesso il dramma funziona e nel suo rivelarsi diventa sempre più tetro. E poi c’è Emmanuelle Devos, pilastro principale di A silence, che con la sua provata e imponente presenza scenica riempie ogni sequenza e ci permette di accedere allo stato d’animo di una donna in crisi, combattuta e fragile, che proprio per questo non vuole accettare la realtà dei fatti. Per allieviare il suo senso di colpa mente a se stessa, dicendo sia a lei che ai suoi figli che ciò che è accaduto è oramai nel passato, e la cosa giusta è rimanere in silenzio per il bene della famiglia.

Ma quando poi è la stessa famiglia a ribellarsi, a cercare giustizia e in qualche modo farsela, quali sono le cose che contano davvero? Qual è la scelta giusta da prendere? Forse nessuna, forse quando la vergogna è troppo grande, ci dice Lafosse, quello che rimane da fare è lasciarsi andare agli eventi e far decidere il destino. Ma quando poi si è liberi, come lo sarà Astrid, ma anche Raphaël, tutto ha un sapore diverso. E finalmente si può vedere la luce.

A SERBIAN FILM: per una definizione di immagine estrema e immagine pornografia

La vera storia della guerra in Iraq è stata redatta dai media commerciali di massa: se siamo disposti a provocare questi disordini, allora dobbiamo anche affrontare le orrende immagini che conseguono da questi atti”

(Brian De Palma, a proposito di Redacted)

Cosa colpisce in A serbian film? Immagini estreme senza censura. Estremismo è fastidio, direbbero alcuni. Cappabianca definisce invece immagine estrema quella che riesce a mettere in crisi, in senso quasi fisico, la nostra stessa sicurezza; quella che si rifiuta di essere contemplata, anche in nome della sua bellezza formale o della sua acutezza intellettuale; quella che ci sconvolge perché non riusciamo più a credere che sia solo un’immagine.

Nel cinema la realtà più cruda diventa incorporea, ma qui qualcosa resiste: l’immagine trasuda disperazione e denuncia, diventando altro rispetto all’immagine in sé- intesa e come documento e come film. Sorretta da un contesto grigio e palpabile, quest’immagine prende vita, sanguina e grida. E il suo grido viene da lontano: è il grido represso a causa delle oppressioni inflitte da un potere tiranno. Il grido si fa immagine: immagine estrema.

L’immagine diventa immagine estrema, la quale, lontana dall’autoreferenzialità, trascende il film per divenire pura voce – e grido appunto.Ma cosa ha reso l’immagine, un’immagine estrema? La guerra, risponderebbe il regista in questo caso. Non tutte le immagini di guerra sono però immagini estreme. Debray avvalora quanto detto affermando che le immagini catturate dell’evento mass-mediatico non riescono più ad avere un vero e proprio valore di testimonianza. A serbian film: immagini di guerra in un film porno: la guerra diventa pornografia: nulla di più vero. Spettacolarizzata e commercializzata, l’immagine di guerra entra nelle nostre case tramite giornali, tv e trilioni di siti internet: totalmente svuotata di un senso altro, quest’immagine si guarda allo specchio incapace di esprimere altro da sé. In tal senso significa che l’immagine, ripresa dai media con intenti meramente commerciali, non sarà mai immagine estrema, ma immagine pornografica semmai, e sarà sempre piatta e priva di significati ulteriori.

“Questo film (A serbian film) è il diario delle angherie inflitteci dal Governo Serbo, il potere che obbliga le persone a fare quello che non vogliono fare, devono sentire la violenza per capirla”. L’immagine di A serbian film in tal senso si pone come immagine cognitiva: conoscenza della violenza e del contesto in cui tale violenza vive, ma non è solo tale. Lo spettacolo c’è, eccome. La violenza è spettacolarizzata dal momento che è pensata per essere commercializzata: lo snuffmovie all’interno del movie stesso è emblema dell’immagine capitalizzata e resa pornografica. L’immagine di A serbian film è immagine estrema dal momento che si pone oltre il documento pornografico- che pur denuncia- e si colloca nella sfera delle immagini che attivano processi cognitivi. Il processo cognitivo in tal caso è doloroso, ma perdura dal momento in cui attiva la coscienza e si distacca dall’immagine pornografica, la quale non innesca una conoscenza ma solo un momentaneo sentimento patetico.

Nel caso della guerra, l’immagine-documento spesso non riesce a rinviare ad altro che a sé stessa, allontanandosi dalla portata documentaria che dovrebbe avere, cercando un semplice approccio emotivo- e quindi effimero. L’avvento massmediatico non ha fatto altro che avvalorare tale tesi. Non a casa Brian De Palma per costruire il suo Redacted si serve dei mezzi propri dei massmedia (video dei militari americani) creando un falso documentario basato però su testimonianze vere. Perchè De Palma non ha usato i veri video?

Perché aveva bisogno di una drammaturgia alla base che distinguesse l’immagine pornografica dall’immagine che egli voleva creare: un’immagine conoscitiva appunto; De Palma con il suo lavoro conferma la tesi di Debray secondo la quale la fuga senza ritorno delle immagini che avviene giorno dopo giorno è un canale di ricambio per le memorie e una dissuasione per l’intelligenza.  Essa feticizza l’istante, destoricizza la storia, scoraggia lo stabilirsi della minima serie causale”.

Pasolini da parte sua per Salò e le 120 giornate di sodoma si ispira ai racconti del marchese De Sade: l’approccio filologico e concettuale- unito alla freddezza dell’immagine- dichiarano il voler prendere le distanze da qualsiasi forma di cinema emotivo e patetico-abitudine ci certo cinema americano- per cercare di instillare nello spettatore la coscienza- e perché no, la conoscenza- del male: lontani dal tempo dello “spettacolo”, che non funziona più nei termini del racconto, ma in quello della rappresentazione-sostituzionesimulazione.

A serbian film, la violenza allo statu puro

Nel caso specifico di A serbian film, la violenza è violenza allo stato puro che si fa spettacolo: spettacolo (pedo)pornografico pronto per essere fagocitato dai produttori(e dagli spettatori); l’immagine estrema in tal senso non sarà l’immagine violenta in sé, quanto piuttosto l’immagine di coloro che creano l’immagine pornografica in nome dell’arte, immagini di morte in nome della vita.

Non a caso le immagini più toccanti sono riprese di filmati girati in precedenza: lo stupro sul neonato esempio obbligato, simbolo della tirannia che offende prima ancora di poter parlare e della violenza che penetra prima ancora di venire al mondo; è la violenza fatta video e pensata per essere venduta, svuotata della sua gravità e resa oggetto del desiderio dello spettatore; ma proprio in virtù di tale distacco-formale in questo caso- e dell’evidente portata simbolica, quell’immagine-quasi impossibile agli occhi dell’individuo scevro dal contesto bellico- si presenta come immagine estrema, rinviando-attraverso un processo cognitivo- ad un contesto altro(bellico appunto).

Il dover riprendere in nome della conoscenza si rivela altrettanto falso della necessità di riprendere la morte in nome della vita: il tutto sempre a discapito del soggetto incapace di avere il controllo delle proprie azioni-drogato e indotto come lo è il nostro protagonista serbo- assoggettato dal capitale tiranno(non a caso sarà proprio il bisogno di denaro per poter fuggire dal paese a far si che il protagonista diventi vittima/carnefice del gioco di coloro che non si vedono mai); e la denuncia è tale che sembra quasi che il bisogno di pornografia sia causa di morte: il compulsivo bisogno di immagine si traduce in una scopofilia deviata che non lascia in pace il soggetto neanche dopo la morte: anche il corpo morto, dissacrato e offeso, è materia prima per uno show che must go on a discapito dell’arte, della vita e dell’intelligenza umana, prodotto dell’imperante capitale che promuove una cultura che vive all’insegna del trash e della pornografica.

A Second Chance segna il ritorno di Susan Bier alla regia dopo il fiacco Una Folle Passione (Serena) e l’Oscar conquistato nel 2011 con la pellicola In Un Mondo Migliore. Questa volta, per raccontare una storia umana- troppo umana- di amore, dannazione, dolore, vita e morte, sceglie la sua amata terra scandinava dove il paesaggio naturale plumbeo e silenzioso sembra quasi un co- protagonista assoluto affianco degli attori protagonisti, che sorprendono per la loro intensità drammatica sullo schermo, riuscendo a creare una sorprendente empatia tra gli spettatori e i loro personaggi, catturati attraverso dettagli, particolari e primissimi piani che ne evidenziano i silenzi e le riflessioni nei momenti più drammatici delle loro esistenze destinate a finire allo sbaraglio.

Andreas (Nikolaj Coster- Waldau) è un poliziotto dalla vita apparentemente perfetta: sposato con Anna, (Maria Bonnevie) hanno avuto da poco il bambino che tanto desideravano, Alexander. Simon (Ulrich Thomsen), collega ed amico, sta affrontando un divorzio difficile e, per colmare il vuoto esistenziale che avverte, si ubriaca pesantemente creando problemi; un bel giorno, durante un normale giro di routine, le loro esistenze si incrociano con quelle di Tristan (Nikolaj Lie Kaas) e Sanne (Lykke Maay Andersen), una coppia di tossicodipendenti, anch’essi genitori del piccolissimo Sofus. Queste vite, apparentemente distanti e slegate tra loro, sono destinate ad incrociarsi indissolubilmente quando un evento drammatico- nell’esistenza di Andreas- lo porterà a compiere alcune scelte discutibili che trascendono il labile confine tra bene e male.

La Bier realizza un film emozionante e angoscioso, riflessivo e melodrammatico, detestabile o amabile: può essere valutato solo ricorrendo ad un drastico aut- aut, perché in fondo è la sceneggiatura stessa che si nutre di questi contrasti irrisolti e marcati. I personaggi evocati sullo schermo corrono il rischio di destare scandalo per via delle loro scelte discutibili che mettono a repentaglio le nostre convinzioni morali ed etiche, strutturate nel corso dei secoli. La scelta, la “seconda possibilità” del titolo che Andreas decide di compiere è sconvolgente e folle ma, emotivamente, necessaria; lo spettro della perdita di un equilibrio familiare costruito dopo tanto lavoro lascia spazio al baratro del vuoto e dell’indecifrabile, spingendo un essere umano ben oltre i propri limiti. A Second Chance è un film poetico nella sua drammaticità, vero perché si ispira alla vita stessa, che induce alla riflessione e pone lo spettatore di fronte a difficili dilemmi morali: in fin dei conti, solo la saggezza e la comprensione da parte degli altri permettono ai protagonisti di essere salvati e di avere una seconda opportunità.

Arriva anche nelle sale cinematografiche italiane A Royal Weekend, il film che racconta in chiave leggera la nascita dell’alleanza tra Stati Uniti e Gran Bretagna prima del catastrofico secondo conflitto mondiale.

A Royal Weekend racconta le note vicende del giugno 1939, quando il Presidente Franklin Delano Roosevelt e sua moglie Eleanor ospitano il re e la regina di Inghilterra per un weekend nella loro casa di Hyde Park on Hudson. La prima visita di un monarca inglese in America sarà l’occasione per una speciale relazione tra i due Paesi, ma anche per una profonda comprensione dei misteri dell’amore e dell’amicizia.

A Royal Weekend, il film

Quello che appare più ovvio dall’inizio del film e che in fin de conti è l’unica nota positiva di A Royal Weekend è l’aver scelto due interpreti come Bill Murray (nel ruolo del presidente Franklin Delano Roosvelt) e Laura Linney (in quello della cugina Daisy Suckley), abili nel regalare ad una storia mal sviluppata, due notevoli performance attoriali, che confermano l’enorme talento dei due interpreti. Invece, quello che colpisce in negativo del film è la sua lentezza e l’assoluta inesistenza di ritmo, piaga insuperabile per un film che si presenta come una rivisitazione storica in chiave ironica di una dei momenti cruciali della storia del 900.

Questa mancanza è dovuta principalmente all’eccessivo utilizzo della voice over e all’ostinata intenzione di voler rappresentare gli eventi attraverso il punto di vista privilegiato del personaggio della cugina Daisy Suckley, i quali finiscono per diventare delle catene indissolubili per una narrazione che avrebbe meritato più margini di manovra. Ad esempio fra i pochi momenti degni del film c’è il dialogo solitario fra il Presidente e il Re, che per la prima volta permette allo spettatore di osservare la vicenda senza l’ingombrante filtro del personaggio di Daisy.

A Royal Weekend prosegue su quelle intenzioni diventando un manifesto stilizzato e manierista di una messa in scena (seppur degna) fine a se stessa. Infatti, la pecca più grande del film è di non riuscire a conferire all’aneddoto più importante (l’inizio di una salda amicizia fra due potenze), il degno e meritato spazio, offuscato da una giostrina sulla quale le uniche a divertirsi sono le interpreti femminili e il regista. Per finire, altra nota di merito va dedicata ad alcune battute degne del più brillante umor inglese, senza quella fastidiosa aurea di presunzione.

C’è del marcio in Danimarca: presentato al Festival di Berlino e scelto per rappresentare il suo paese agli Oscar 2013 come miglior film straniero, A Royal Affair (En kongelig affære) possiede tutti gli ingredienti che non dovrebbero mai mancare ad un film in costume, ma riesce comunque a offrire qualcosa in più del semplice gusto per la rievocazione.

L’incipit del film di Nikolaj Arcel sembrava piuttosto indicativo della scelta di seguire per il dramma un registro simile a quello di The Duchess, pellicola diretta da Saul Sibb e dedicata alla Duchessa del Devonshire: chiamata a vivere nel secolo dei Lumi come il personaggio interpretato da Keira Knightley, la quindicenne Caroline si presenta subito come un’adolescente pronta ad andare incontro alle incertezze del futuro con tutta la speranza possibile, anche se questo significa dover lasciare la sua amata Inghilterra per sposarsi. La nuova patria è però assai più fredda di quanto si aspettasse: oltre a dover fare i conti con una corte ostile il suo sposo Christian VII di Danimarca si rivela subito viziato e instabile, tormentato da un’ apparente schizofrenia che gli impedisce di avere rispetto della moglie e naturalmente di essere un vero re.

L’arrivo a corte del tedesco Johann Struensee come medico personale del re porta una graduale ventata di aria fresca nella vita dell’infelice regina; ad essere più interessante nel ritratto del carismatico riformatore, ricordato per aver trasformato la Danimarca nel tempio delle idee illuministe, è il suo essere qui elemento catalizzatore non tanto nella relazione con Caroline quanto nel legame quasi paterno instaurato con Christian: il duello a base di citazioni shakespeariane che i due combattono durante il loro primo incontro è qualcosa di prezioso e si rivela in fine indispensabile per scavare nella mente del re e leggerne i tormenti più segreti.

A Royal Affair, il film

L’interpretazione dell’ormai lanciatissimo Mads Mikkelsen come Struensee è magnetica e ammaliante al punto giusto, ma le nostre simpatie vanno tutte alla prova di Mikkel Boe Følsgaard nei panni di Christian, meritatamente premiata con l’Orso D’argento al Festival di Berlino: quasi impossibile non provare pena per questo ragazzo odioso e viziato ma condannato con altrettanta costanza ad essere manipolato da tutti quelli che lo circondano( per quanto la cosa avvenga per il bene della Nazione, è incontestabile), costretto a recitare la sua parte al punto da scadere nella pantomima. Narratrice degli eventi ma mai lontana dal palcoscenico, Caroline ci commuove con tutta la passione e le ingenuità della sua giovane età grazie alla performance di una brava Alicia Vikander, presto in sala nei panni di Kitty con Anna Karenina di Joe Wright; in un ottimo cast poco noto fuori dalla madre patria non sfuggirà inoltre David Dencik come Høegh-Guldberg, ministro cospiratore già visto ne La Talpa di Tomas Alfredson.

Reverente verso il curatissimo contesto storico, la camera indulge con cautela sui protagonisti stringendosi in inquadrature morbide e sinuose, fino a danzare intorno ai protagonisti durante un ballo di corte per chiuderli nell’incanto con una sequenza che pare strizzare l’occhio all’Orgoglio e Pregiudizio di Joe Wright.

A Royal Affair scalda e avvince meglio di molti altri film del genere ma la coltre gelida che copre La Danimarca e le sue anime più inquiete avvolge il film di una magia destinata a perdurare: contro Amour le speranze di vittoria sono pressoché nulle, ma A Royal Affair competerà egualmente con tutta l’eleganza e la regalità che gli spettano.