Revanche – Ti ucciderò, è il film di  GOTZ SPIELMANN, in corsa agli Oscar per il miglior film straniero. Non è la prima volta, il regista austriaco è già stato selezionato con Lo Straniero (1999) e candidato con lo «scandaloso» Antares (2004) tra i componenti dell’Academy.

Il suo ultimo lavoro racconta la vita serena della campagna rurale austriaca, con le sue famiglie modello – villette, matrimonio, figli, ordine, e naturalmente razzismo. C’è pure la Vienna di sesso, commercio del corpo meglio se «clandestino», bordelli, coca e botte in cui vivono i due protagonisti, Alex e Tamara, lui è stato dentro e ora lavora come tuttofare per il padrone del bordello. Lei è ucraina, ha un debito da saldare e si prostituisce.

I due stanno insieme di nascosto, lui progetta di rapinare la banca del paesino del nonno. Lì abitano anche Suzanne e suo marito Robert, poliziotto, non riescono a avere figli, la colpa è forse di lui, lei è devota iporcita, lui macho, sono razzisti, non adotterebbero mai un bambino – «chissà poi che carattere ha ».

I principi di ordine e pistola, la morale dell’«essere costretti a difendersi», la finta distanza nel livello di crudeltà tra città e mondo rurale sono gli elementi che caratterizzano la pellicola. innestati in una costruzione narrativa canonica: un prologo, il dramma, l’epilogo innestati nel «genere vendetta» – la storia dell’uomo che vuole uccidere l’altro perché a sua volta gli ha ucciso l’amata – col paesaggio sociale e culturale ove pian piano la stessa vendetta si confonde.

La prima impressione che si evince da Legion è una semplice e chiara considerazione: il genere apocalittico non pare proprio voler tramontare. Dopo i vari titoli che si sono occupati di scenari della medesima fattispecie, come il recentissimo The Book of Eli (da noi tradotto maldestramente CODICE GENESI), il cinema Hollywoodiano sembra non volersi fermare a sfornare film di questa caricatura.

Ma dietro a tanta perseveranza in genere dovrebbe esserci quantomeno un riscontro sul mercato, o (sarebbe la cosa migliore) un avvicendarsi di opere di una certa levatura artistica. Se nel film precedentemente citato dei Fratelli Hughes almeno si poteva riscontrare il loro indubbio talento e la bravura di certi attori protagonisti, in questo caso ahimè siamo di fronte a, vale la pena di dirlo, un totale disastro per l’appunto apocalittico. Sin dall’inizio appare chiaro il limite registico che introduce una seppur buona interpretazione di Paul Bettany.   Nel deserto del Mojave uno squallido ristorante diventa l’epicentro del giudizio finale per la Terra; Los Angeles, 23 dicembre. Dio si è stancato delle malefatte umane e ha sguinzagliato sulla Terra una legione di angeli per portare l’Apocalisse. L’arcangelo Michael, però, non è d’accordo e vuole salvare l’umanità.  Nonostante il buon presupposto, del tutto ottimistico che l’uomo merita di essere salvato, il film a stento decolla.

Questo fallimento è dovuto a molti aspetti. In primis senza alcun dubbio, la mancata costruzione di una vera e propria climax d’assedio. Infatti, la vicenda ruota tutta intorno ad un’area di servizio nel deserto, dove vive Bob Hanson (Dennis Quaid), proprietario di un ristorante isolato, Charlie (Adrianne Palicki), la bella cameriera del ristorante, prossima al parto del nuovo messia, Sandra e Howard (Kate Walsh e Jon Tenney) e alla loro figlia adolescente Audrey (Willa Holland), capitati lì inseguito alla rottura della proprio autovettura e bloccati in attesa che il figlio di Bob, Jeep (Lucas Black), ripari la loro automobile.

Mentre in casi esemplari come GLI UCCELLI del maestro Hitchcock, il film faceva leva su un carico di tensione che culminava con una insostenibilità dovuta appunto alla costruzione di una climax  d’assedio elevatissima, in questo caso il film è ingabbiato in un forzato tentativo di moralizzare il prossimo e perde di vista gli aspetti fondamentali che rendono un film di questo tipo (in)sostenibile. Poi si vanno ad aggiungere la poca originalità del pretesto, ossia proteggere il parto di un bambino che dovrebbe rappresentare l’unico baluardo di un’umanità ormai allo sbando, e la poca credibilità del tentativo retorico del mezzo cinematografico.  Peccato perché i presupposti per un buon film almeno nella base di partenza c’erano tutti.

Nuoce gravemente a LEGION anche una precaria regia che amalgama malamente le varie vicissitudini che accompagnano i personaggi.  Alcune note positive si possono riscontrare nell’efficace scelta iniziale di utilizzare la comunicazione come primo segnale di isolamento, la comparsa di un’insolita vecchietta che da il via alle danze, e la scena del bambino che da un punto di vista spettacolare sono di grande effetto. In ultimo la volontà di rifarsi all’iconografia rinascimentale dei due arcangeli tipica dei dipinti di quel periodo.   In definitiva, LEGION è un film molto debole che rasenta il ridicolo in alcune scene lasciando poco margine ad una riflessione di altro genere.

Alice in Wonderland è indubbiamente uno dei film più attesi del 2010, avendo suscitato l’entusiasmo generale a partire dalla pre-produzione. Ma le enormi aspettative dei fan di Tim Burton, della storia tratta dai romanzi di Lewis Carroll, o della versione Disney degli anni cinquanta non vengono soddisfatte del tutto.

Alice in Wonderland è infatti un film che presenta diversi aspetti negativi, a partire dalla sceneggiatura: dopo quindici minuti dall’inizio apprendiamo immediatamente che Alice è destinata a riportare la pace nel Sottomondo sconfiggendo, nel giorno Gioiglorioso, il Ciciarampa, restituendo così la corona alla Regina Bianca e liberando il regno dalla dispotica Regina Rossa. Il tutto è scritto sull’Oraculum, il che evidenzia che il ruolo di Alice, attesa da anni dagli abitanti del Sottomondo, è soggetto a un destino al quale lei dovrà attenersi: dunque ben poco spazio è lasciato al libero arbitrio. In tal modo lo spettatore è già consapevole di come si concluderà il film, eliminando ogni potenziale colpo di scena.

Alice dovrà realizzare che ciò che sta vivendo non è un sogno, ma il compimento del proprio destino nel “Paese delle Meraviglie”, dove si intravede il nonsense, anche se non risulta dominante: l’assurdo e la follia si palesano nel personaggio del Leprotto Bisestile, nel martellante indovinello (no, non si tratta della domanda “Perché i tramonti son pupazzi da legare?”, bensì del quesito: “Perché un corvo somiglia a una scrivania?”) e nello straordinario Cappellaio Matto.

Alice in Wonderland, il film

Uno degli aspetti che rende godibile il film è proprio il cast, a partire dal trasformista Johnny Depp, che ci regala l’ennesima interpretazione indimenticabile: il suo personaggio potrebbe apparentemente sembrare un mix tra Jack Sparrow e Willy Wonka, ma in realtà è originalissimo nella mimica, nell’atteggiamento, oltre che nell’aspetto variopinto, e la caratteristica più interessante è la facilità con cui cambia d’umore, passando da battute divertenti e risate ai suoi tratti più oscuri ed inquietanti, rivelati nel cambiamento di colore delle iridi e nelle ombre violacee sotto gli occhi.

Oltre Depp spicca l’interpretazione della signora Burton: la Regina Rossa di Helena Bonham Carter conquista il pubblico e suscita simpatia molto più della sorella Regina Bianca, una Anne Hathaway a tratti ridicola che, con la sua esagerata leggiadria dei modi, sembra prendere in giro le principesse Disney. Se la cava bene la giovane Mia Wasikowska nei panni della protagonista, bionda e diafana al punto giusto, anche se la sua performance è talvolta sottolineata da un doppiaggio non all’altezza, che fa desiderare di vedere il film in lingua originale, anche per sentire le voci di Alan Rickman, Stephen Fry e Michael Sheen, rispettivamente nei panni del Brucaliffo, dello Stregatto e del Bianconiglio (i primi due sono personaggi riusciti alla perfezione).

Rovina un po’ la performance del Fante di Cuori (Crispin Glover) la sua camminata legnosa, che rende palese, anche a chi non ne fosse a conoscenza, che l’attore ha dovuto costantemente misurarsi con i trampoli per riprodurre l’imponente altezza del personaggio. In effetti le sproporzioni sono altri aspetti che caratterizzano altri soggetti, dalla testa ingigantita della Regina Rossa agli occhi ingranditi del Cappellaio.

Gli aspetti migliori del film sono di natura tecnica: le sontuose scenografie e gli ottimi effetti speciali, gli splendidi costumi e la strepitosa colonna sonora di Danny Elfman. Quanto al 3D, esso risulta efficace in alcune scene (come la caduta di Alice nel buco e le evaporazioni dello Stregatto), talvolta fastidioso (creando immagini doppie) e in altri casi del tutto assente; di certo è impossibile paragonarlo al 3D di Avatar, anche perché Alice è stato rimasterizzato in stereoscopia soltanto in post-produzione.

E la regia? Ecco l’altro aspetto dolente. La visionarietà di Tim Burton risulta frenata, limitata, non molto riconoscibile (forse per volere della Disney), e Alice in Wonderland non è certamente il suo capolavoro: nel finale ci sono alcuni momenti imbarazzanti, in altri casi è chiaro che il film vuole conquistare innanzitutto il target infantile, e infatti piacerà sicuramente ai bambini. Noialtri possiamo limitarci a trascorrere due ore d’intrattenimento, con l’amarezza di non essere stati completamente catturati da un mondo che speravamo fosse più onirico di quanto sia in realtà.

“Forse si mettono a un uomo i ferri ai piedi solo perché non fugga o ciò gli impedisca di correre? Niente affatto. I ferri non sono altro che un ludibrio, una vergogna e un peso, fisico e morale. Così almeno si presuppone. Essi non potranno mai ad alcuno impedire di fuggire. Il più inesperto, il meno abile dei detenuti saprà ben presto, senza gran fatica, segarli o farne saltare la ribaditura con un sasso.” Così Dostoevskij, in Memorie da una casa di morti e nell’incipit di questa recensione. In Cella 211, in cui si parla proprio di detenuti che riescono a fare saltare i propri ferri, tutto inizia però con una ferita, quella di un detenuto che si taglia le vene e tutto prosegue con un buon livello di tensione emotiva.

Il regista stesso Daniel Monzòn (El corazon del guerriero, El robo mas grande jamàs contado, La caja Kovak) ha parlato di ferite a proposito del film, ferita che scava dentro e fa male come poche perché “spiega la nostra fragilità e parla di come la vita di ognuno di noi sia appesa ad un filo.” Questa ferita è la storia di Juan Olivier, che dovrebbe iniziare il suo lavoro come secondino per un carcere di massima sicurezza. Dovrebbe, perché un frammento di intonaco del braccio più turbolento del carcere gli cade addosso e lo colpisce alla testa. Le guardie lo distendono temporaneamente nella cella 211, quella del detenuto morto suicida, ma non hanno il tempo di rianimarlo che i detenuti più pericolosi, guidati dal loro leader Malamadre, scatenano una rivolta e assumono il pieno controllo del carcere. Una volta rinvenuto, Juan non avrà altra scelta che fingersi detenuto a propria volta, tentando così di salvarsi, ma il gioco si rivelerà estremamente pericoloso…

Cella 211 uscirà nelle sale italiane il 16 aprile, distribuito dalla Bolero film. Il film è stato presentato all’ultimo Festival di Venezia nelle giornate degli autori e ha vinto 8 premi Goya nel suo paese d’origine, tra cui quello per Miglior Film, Miglior Regia e Miglior Attore. Il film è tratto dal romanzo di Francisco Pèrez Gandul, che ha affascinato molto affascinato il regista con la sua tensione e i suoi colpi di scena nonché per la descrizione di un universo realistico e di grande umanità.

Per filmare questo universo, la mdp (non è mai superfluo ricordare che si tratta di una digitale) si mette a servizio dei personaggi, priva di tecnicismi lambiccati e artifici stilistici, adottando uno stile di ripresa che alterna la macchina a mano a inquadrature fisse, intensissimo ed essenziale, ma sicuramente non povero di spettacolarità, per quanto il modello registico di Monzòn fosse, a suo dire, il documentario. Del resto, il regista ha all’attivo dei film particolarmente dinamici, forti di azioni spettacolari.

C’è una parte della critica che si sente chiamata a storcere pressoché aprioristicamente il naso dinanzi a quelle opere europee che peccano nell’avere un sapore simile ai blockbuster USA (e getta). In effetti il film appartiene a un genere largamente sperimentato dall’industria hollywoodiana, quello carcerario, e c’è da dire che spesso gioca a infilare scene madri –pestaggi, morti, e il rapporto tra Juan e Malamadre – una dietro l’altra (perdonabili, comunque, perché almeno non stupidamente gratuite), ma sarebbe un errore, bollarlo negativamente solo perché in parte riconducibile a una cinematografia hollywoodiana ad alto tasso spettacolare. Del resto, perché vergognarsi di essere spettacolari (o competitivi sul mercato che è dominato dagli USA), se si riesce a fare comunque un film valido?

Perché Cella 211 non è un capolavoro ma è un film interessante e ricco di tensione. Interessante, anche per come mostra luci e ombre degli esseri umani (di nuovo Dostoevskij, che certo Monzòn non ha scomodato) a contrasti forti come nella fotografia del folgorante incipit, contrasti che sono tanto dei detenuti quanto dei secondini e politicanti impegnati nelle trattative coi carcerati, tutti un po’ doppiogiochisti, chi più chi meno.

Si può lamentare, in effetti, il fatto che questo film non sia sceso tanto nel profondo lì dove poteva insistere di più, cioè proprio sui rapporti tra i personaggi, che sembrano a tratti ovvi e non compiutamente sviluppati e lasciati a un cliché di amicizia virile. Ma più che lamentare quello che a un film manca, e prima di rimpiangere altri grandi oggi dimenticati che si sono cimentati con il film carcerario senza essere americani né europei (Yilmaz Guney: chissà come e che film girerebbe oggi e se fosse accusato di essere anche lui vittima dello stereotipo carcerario hollywoodiano), è bene dire di quanto invece offre.

Se condividiamo le parole di Samuel Fuller nel godardiano Pierrot le fou, secondo cui un film è un campo di battaglia con amore odio violenza morte, in una parola “emozione”, ecco che siamo confermati nella nostra prima impressione a proposito di questo film. È una ferita. Ed emoziona!

Due premi oscar riuniti per The Wolfman, il remake del celebre uomo lupo di Lon Chaney jr datato 1941 e diretto da George Waggner, Benicio Del Toro nei panni di Lawrence Talbot ed Anthony Hopkins in quelli del padre padrone John Talbot. Ormai era rimasto uno dei pochi classici senza remake e la moda di oggi non poteva risparmiarsi dal ripescarlo a dispetto di una crisi di idee che sembra circondare il settore cinematografico pieno com’è di sequel, prequel e compagnia bella.

Questa pellicola ha avuto una lavorazione difficoltosa, dal regista Mark Romanek che lascia la direzione per problemi col cast, a molte scene rigirate varie volte fino alla laboriosa e complessa resa del make up “lupesco” di Benicio Del Toro affidato al leggendario truccatore Rick Baker vincitore di ben 6 premi Oscar. The Wolfman come detto, ricalca fedelmente la sceneggiatura del predecessore, aggiungedovi elementi per così dire “modernistici”, volti forse ad avvicinare un pubblico di teenager, i riferimenti vanno alle numerose scene dal sapore splatter ad una atmosfera decisamente tetra che ricorda da vicino Il mistero di Sleepy Hollow di Tim Burton. 

The Wolfman però scorre via senza suscitare particolari entusiasmi, rimanendo sì un’opera piacevole, ma priva di particolari picchi; sarà anche colpa dell’avvicendamento alla regia, il buon Johnston non osa granché ma anzi resta sulla falsariga di un canovaccio narrativo forse troppo poco “esplosivo” per un film horror.

Restano comunque le ottime interpretazioni di un Hopkins in stato di grazia, profondamente dentro al suo ruolo, una doppia personalità resa credibile anche dal trucco che lo invecchia decisamente, ed un Benicio Del Toro che rende bene le inquietudini del suo personaggio in preda alle pulsioni animalesche, così come alle paure che ne discendono. Poteva essere un gran film ma è riuscito solo a metà restando su una sufficienza che forse farà felici solo coloro che cercano le classiche due ore da passare con un blockbuster americano.