Quando un titolo è fondamentale. Quando quattro parole messe all’inizio del film ne alterano la lettura e la comprensione. E’ il caso de La fuga di Martha, film incredibile diretto da Sean Durkin, premiato per la regia al Sundance, e causa della scoperta della strepitosa Elizabeth Olsen, la sorella talentuosa delle più famose gemelle.

Il titolo a cui si accennava all’inizio è quello originale del film, Martha Marcy May Marlene, ovvero tre nomi, tre identità di una ragazza che, straziata dalla vita, soffre di manie di persecuzione ai limiti della schizofrenia a causa di una convivenza di due anni in una setta religiosa, in cui era sottoposta alle attenzioni non del tutto gradite di Patrick, il leader del gruppo, interpretato da un sempre straordinario John Hawkes.

La sua vera identità, quella anagrafica è Martha, una ragazza orfana che ha vissuto l’infanzia con la zia e con una sorella apprensiva, Lucy; Marcy May è il nome che le da Patrick nella comunità, un nome che a detta sua le si addice, ma che la farà staccare dalla realtà e la convincerà che quello che dice il suo mentore è giusto e puro; Marlene è la ragazza senza identità, una specie di nome in codice che le ragazze della comunità si danno quando rispondono al telefono della casa comune, un nome che le accomuna e che allo stesso tempo le accomuna e le estranea da se stesse, che le rende uguali tra loro. Martha riesce a trovare la forza di scappare, a ritrovare la sorella e ad iniziare con lei un percorso di cura per la propria mente e la propria anima, ma non prima di aver provato quanto la vita in quella specie di comunità l’abbia traviata dalla normalità.

Elizabeth Olsen regge da sé tutto il film La fuga di Martha dando straordinaria prova della sua duttilità espressiva, che probabilmente in originale è accompagnata da toni di voce differenti per ogni momento. La regia è discreta, narrativa, ma allo stesso tempo molto incentrata su di lei, la ragazza persa, quasi interrotta, che nel bel mezzo della sua formazione da adulta, ha trovato una compagnia che l’ha staccata da sé; tutt’altro lavoro vogliono fare con lei la sorella Lucy (Sarah Paulson) e suo cognato (Hugh Dancy) che invece sono ben piantati nella realtà quotidiana e vogliono che lei pensi al futuro. Niente di più assurdo per una giovane donna spezzata dall’interno, deviata da se stessa.

La fuga di Martha è un film che va digerito, assorbito e compreso, un film di non semplice lettura che lascia aperti molti interrogativi sulla società, sul ruolo della famiglia e sulla capacità del singolo di prendere decisioni, ma resta prima di tutto il racconto di una vita e di una individualità perduta.

Quello che succede ad un uomo ordinario che viene catapultato suo malgrado in mezzo ad un’impresa straordinaria e un po’ folle. Questo potrebbe essere un breve e significativo commento a Il Pescatore di Sogni, la commedia romantica inglese diretta da Lasse Hallstrom e tratta dal romanzo Salmon fishing in the Yemen.

In Il Pescatore di sogni Ewan McGregor è Alfred Jones e lavora per il Ministero della Pesca e dell’Agricoltura. Emily Blunt è la signorina Harriet Chetwode-Talbot assistente di un ricco sceicco yemenita che vuole trapiantare la pesca al salmone nel suo Paese. Kristin Scott Thomas è Patricia Maxwell, portavoce del Governo britannico e alla disperata ricerca di una notizia che possa gettare una luce positiva sui rapporti tra Regno Unito e Medio Oriente. Le tre vite di questi personaggi collideranno burrascosamente e si concentreranno nella realizzazione di un progetto folle e visionario.

La sceneggiatura di Il pescatore di sogni è firmata da Simon Beaufoy è il punto forte del film: brillante, divertente, che ben caratterizza i personaggi e li colloca alla perfezione in una storia che sebbene dall’inizio sia prevedibile, non manca di fascino. Merito soprattutto del personaggio dello Sciecco, interpretato splendidamente da Amr Waked (Syriana), e che scardina il cliché del ricco uomo orientale preso dalla sua ricchezza e dalle sue mogli e ne fa un uomo di fede, in cerca di un misticismo e all’inseguimento di una visione di grandezza per il suo popolo. A lui si contrappone un impiegato banale, grigio e con la testa sulle spalle, un McGregor che si conferma ottimo interprete e ritrae un uomo tenero e inconsapevolmente insoddisfatto che scardinerà la propria vita per seguire un’emozione mai provata prima.

Anche Emily Blunt conferma il suo talento anche se forse messo al servizio di un personaggi meno interessante. Grandissima prova per la Thomas che invece mette in scena una donna solida, senza scrupoli nel lavoro così come è attenta nella vita dei suoi figli e di suo marito. Forse dietro al suo cinismo e al suo linguaggio non proprio british si nasconde una critica all’attività della stampa e alla manipolazione dei media, ma poco importa, dal momento che la Maxwell è il principale veicolo di comicità del film e si contrappone al tema romantico affidato alla coppia Blunt – McGregor.

Il pescatore di sogni racconta di un sogno, dell’importanza di un progetto nella vita e delle scelte che si compiono per realizzare proprio quei sogni che ci guidano; è un film romantico e ironico, sicuramente melenso in alcune scelte, ma ben confezionato e ben raccontato da un regista che padroneggia alla perfezione questi elementi narrativi.

Trai tanti registi del panorama cinematografico mondiale, Tim Burton è davvero tra quegli eletti che si fanno riconoscere da pochissime inquadrature, e così anche Dark Shadows, la sua ultima creatura, incarna alla perfezione il suo immaginario estetico e stilistico.

Barnabas Collins è l’erede di una importante famiglia di imprenditori e vive una vita agiata e laboriosa nella sua grande casa a Collinswood. Un giorno però rifiuta l’amore di una donna e questa si rivela essere una strega che gli farà pagare caro l’affronto subito trasformandolo in vampiro e aizzandogli contro gli abitanti del villaggio. Questi lo seppelliscono vivo in una bara e solo dopo 200 anni, per errore, Barnabas viene riesumato e torna così nella sua vecchia dimora dove i suoi discendenti non versano proprio in ottime condizioni.

Dark Shadows, la serie tv rivive al cinema

Basato sull’omonima serie tv degli anni ’70 e fortemente voluto dal suo protagonista Johnny Depp, qui anche produttore, Dark Shadows è, come accennato, un film pienamente burtoniano, o meglio che rispecchia benissimo l’amore per l’estetica e la bellezza scenografica dell’ultimo Burton. Nell’ultima parte della sua carriera il regista sembra aver dimenticato la semplicità realizzava propria dei suoi primi lavori a favore di una ricostruzione magniloquente degli scenari e del decor in generale, merito del maggiore afflusso di denaro del quale si può servire adesso rispetto agli inizi, tuttavia questa attenzione alla parte estetica sembra fargli perdere di vista l’anima dei suoi film, che all’inizio riempiva gli occhi e il cuore dello spettatore.

Dark Shadows si rivela quindi, purtroppo, una bellissima scatola con poco contenuto. Fanno eccezione i protagonisti del film: Johnny Depp è uno straordinario Barnabas che strizza l’occhio ripetutamente al temibile Nosferatu di Murnau per le sue movenze singhiozzanti e le sue lunghe unghie scure; Eva Green è di una bellezza mozzafiato, strizzata fino all’inverosimile nei sontuosi abiti di Colleen Atwood e con lei ci sono altre splendide tre donne: Michelle Pfeiffer nel ruolo della capo famiglia Elizabeth Collins, Chloe Moretz nei panni della irriverente figlia adolescente e Helena Bonham Carter, che con Depp, è quasi una presenza fissa nel cinema di Burton è invece la dottoressa Hoffmann.

Da buon abitudinario Burton punta sui suoi cavalli affidando a Danny Elfman la colonna sonora, che non è affatto male e che costituisce uno dei punti più interessanti del film. Il tono del film prevalentemente scanzonato e divertente assume a tratti le giuste tinte fosche e la giusta quantità di schizzi di sangue che solo un vampiro può giustificare; allo stesso tempo il tono ironico sembra prevalere su quello violento e così, per quanto a tratti macabro, il film può considerarsi una commedia per tutti, divertente e portata a casa dalle belle performance degli attori.

Tim Burton non riesce con Dark Shadows a risollevarsi dopo la deludente realizzazione di Alice in Wonderland, rimanendo ancora lontano dai bei film che ha dimostrato di saper fare con Big Fish.

In 100 metri dal paradiso Monsignor Angelo Paolini (Domenico Fortunato) è esperto in comunicazione e ha un’idea fissa: svecchiare l’immagine e il linguaggio della Chiesa per renderla più interessante, cosicché la gente vi si avvicini. Per far ciò, si prodiga nei modi più disparati, incontrando non poche resistenze tra i suoi superiori più tradizionalisti. Finché un giorno, l’idea geniale: far partecipare il Vaticano a un importante evento sportivo e mediatico: le Olimpiadi di Londra 2012.  Quest’idea arriva per caso, quando un suo vecchio amico, Mario Guarrazzi (Jordi Mollà) – ex campione dei cento metri, ma mai qualificatosi ai giochi olimpici – gli rivela che suo figlio Tommaso, anche lui centometrista, vuole abbandonare gli allenamenti per la qualificazione olimpica e lo sport per farsi frate. La Nazionale Olimpica del Vaticano appare così ad Angelo il modo migliore per tenere insieme sport e fede e aiutare l’amico, che ha riposto tante speranze e aspettative nella carriera sportiva del figlio. Da qui ha inizio l’avventura che porterà l’intraprendente monsignore a mettere insieme una squadra olimpica bislacca e variopinta, in grado di gareggiare per le Olimpadi 2012.

100 metri dal paradiso, il film

L’idea della Nazionale Olimpica Vaticana è strampalata quanto azzeccata e si rivela efficace. Consente infatti agli sceneggiatori (il regista della pellicola Raffaele Verzillo, assieme a Pier Francesco Corona e Salvatore De Mola) di sbizzarrirsi nel mettere insieme un gruppo eterogeneo e basare sulle sue individualità spesso agli antipodi e complessivamente ben caratterizzate il meccanismo comico. Su tutti spicca  senz’altro il personaggio del fisioterapista/preparatore atletico Ottavio, interpretato da Giorgio Colangeli, attore che spesso in questi anni abbiamo visto offrire eccellenti prove in ambito drammatico, ma che qui dimostra di reggere ottimamente anche ruoli comici. Da citare senz’altro anche altre caratterizzazioni che funzionano bene: quella di padre Livio (Enzo Garinei), quella dell’assillante industriale Montolina (Luis Molteni), del segretario Liborio (Angelo Orlando), di alcuni religiosi-atleti come il prete di strada Padre Rocco (Gennaro Silvestro), o Suor Adele (Chiara Rosa, vera primatista nel getto del peso). Questi personaggi vengono resi attraverso pochi tratti distintivi del loro modo di essere, o alcune battute chiave che spesso pronunciano. Il che funziona, lo dicevamo, per i ruoli non di primo piano.

Per quanto riguarda i personaggi principali, invece, ci saremmo aspettati forse qualcosa di più. Perché è soprattutto attraverso di loro che il regista mettere sul piatto temi importanti e meritevoli di approfondimento. Primo fra tutti quello attorno a cui ruota tutto il film: il rinnovamento della Chiesa di cui Angelo avverte la necessità e l’urgenza, ma che è puramente formale, d’immagine, non di contenuti. Questa sua convinzione non viene mai messa in dubbio, o scandagliata neppure di fronte alle obbiezioni della sorella, una brava Giulia Bevilacqua. Angelo è ottimista, sa sempre cosa fare, cos’è giusto, mentre sua sorella è un po’ pasticciona, e ancora in cerca di una piena realizzazione. Ma a parte questo gioco di opposti, chi sono questi due personaggi? La lente del regista resta in superficie, li osserva bisticciare e far pace perché in fondo, e questo è l’importante, si vogliono bene. Lo stesso può dirsi della coppia formata da Angelo e dal suo amico d’infanzia Mario Guarrazzi: giocano un po’ come il gatto e il topo, si becchettano ma alla fine sono uniti.

A Mario e al figlio Tommaso (Lorenzo Richelmy) è affidato poi un altro tema che il film ci propone, ma risolve forse un po’ troppo semplicemente: quello del rapporto padre-figlio e in particolare delle aspettative spesso eccessive che i genitori riversano sui figli, condizionando anche pesantemente la loro vita. Mario proietta sé stesso su Tommaso, gli interessa esclusivamente che suo figlio gareggi e arrivi dove lui non è arrivato. Ma non ostacola la sua scelta di farsi frate. Inoltre, se sport e fede paiono inizialmente inconciliabili, arriva poi provvidenziale l’idea di Angelo  che li riunisce, evitando strappi troppo duri. Tra padre e figlio non ci sono mai veri e aspri confronti. Non vediamo neppure come Tommaso vive la vocazione nel rapporto coi suoi coetanei. L’ottica che emerge è quella dei buoni sentimenti, delle tensioni (sempre lievi) che si ricompongono in nome dell’amore e dell’amicizia, evidente anche in qualche scivolata retorica dei dialoghi.

Ne risulta una commedia da tranquillo salotto casalingo. E d’altronde, il regista Verzillo ne sa, visto che ha lavorato a Un medico in famiglia 6 e 7 e ad altre fiction. Una commedia con buoni meccanismi comici, per far sorridere e divertire, e per la quale Verzillo ha chiamato a raccolta proprio diversi volti noti delle fiction tv – Giulia Bevilacqua (Distretto di Polizia), Gennaro Silvestro (La Squadra), Lorenzo Richelmy (I Liceali), Milena Miconi (Don Matteo), tra gli altri. Una commedia che piacerà alla Chiesa, perché la tiene lontana dalle sue ombre, dai clamori delle cronache e dagli scandali, ricordando agli spettatori il suo volto più umile e vicino alla gente (a onor del vero, regalandole anche un paio di scene e battute quasi  da spot pubblicitario). Un lavoro, però, privo di quel graffio, di quell’ironia che fa riflettere e che al cinema ci aspetteremmo di più. Sarà nelle sale da venerdì 11 maggio in 150 copie, prodotto da Scripta e Rai Cinema e distribuito da 01 Distribution.

In Chronicle un ragazzino introverso con una situazione familiare complicata decide di comprarsi una videocamera e filmare la sua vita, quasi a cercare di dare un senso a quell’emarginazione alla quale sembra destinato.

Un giorno un suo cugino e unico amico lo porta con sé ad una festa dove il loro destino cambierà. I due, insieme ad un compagno di classe ricco e famoso vengono in contatto con una strana entità che conferirà loro poteri telecinetici soprannaturali. I fumetti ci hanno insegnato che quando un ragazzo viene in possesso di super poteri si trasforma in supereroe, Peter Parker docet, ma se non tutti facessero la stessa scelta? Questo è quello che i tre giovani dovranno decidere prima che la situazione sfugga loro di mano.

La trama di Chronicle sembra volerci guidare nel filone cinematografico dei supereroi, tuttavia lo stile e l’esito della storia ci portano da tutt’altra parte. Tutta la narrazione è mostrata attraverso la videocamera del protagonista,  alternata a punti di vista di altre … videocamere. Un progetto che tiene conto della presenza di “occhi invisibili” nel mondo tecnologizzato da aggeggi sempre più piccoli e funzionali quali cellulari e videocamere di sorveglianza.

Il film può quindi ricordare quella serie di film che utilizzano uno stile da mockumentary, a partire da The Blair Witch Project fino a Cloverfield, passando per REC. Detto questo è chiaro che chi non ama questo tipo di tecnica con riprese molto mosse  e a tratti ravvicinate è meglio che non veda affatto il film, ance perché presenta diversi momenti narrativi che dilatano il tempo del racconto, appesantendo una storia che poteva declinarsi con successo nel genere action.

Tuttavia il film possiede un vero motivo di vanto nell’utilizza e nella resa degli effetti speciali che ne caratterizzano l’aspetto migliore insieme all’interpretazione dei protagonisti Dane DeHaan, Alex Russell e Michael B. Jordan. Il film, esordio alla regia di Josh Trank che firma anche la sceneggiatura, è quindi difficilmente collocabile per quanto riguarda il genere, mentre ha un chiaro target di riferimento negli adolescenti, raccontando infatti storie di coetanei che faticano a responsabilizzarsi o che probabilmente hanno il compito di occuparsi di faccende e di gestire facoltà più grandi di loro.