I Laureati è il film noto del 1995 di e conLeonardo Pieraccioni, al fianco di  Mariagrazia Cucinotta, Rocco Papaleo, Alessandro Haber, Gianmarco Tognazzi, Massimo Cecchirini.

In I Laureati Leonardo, Rocco, Bruno e Pino sono quattro universitari trentenni fuori corso, che vivono assieme in un appartamento di Firenze. In realtà, sono studenti solo sulla carta e la loro vita privata è tutt’altro che esaltante. Leonardo ha lasciato la moglie dopo pochi mesi di matrimonio, Bruno è iscritto all’università solo per compiacere il ricco suocero, Rocco si mantiene facendo il metronotte e Pino cerca un improbabile successo nel cabaret.

Lungi dal dedicarsi agli studi, i quattro tirano avanti tra momenti di divertimento goliardico ed altri di profonda malinconia, senza nessuna voglia di “crescere” e nessuna prospettiva per il futuro. Solamente il tentativo di suicidio dello strambo professor Galliano fornirà loro un’occasione per riflettere sul proprio futuro.

Mentre la stella di Francesco Nuti si spegneva lentamente fino a un tragico epilogo, un’altra stella toscana faceva breccia nel cielo del Cinema italiano. Parliamo di Leonardo Pieraccioni, fiorentino, che dopo una gavetta tra tv, locali e teatro, sforna questo suo primo lungometraggio nel 1995. Affidandosi a coloro che saranno a lungo suoi fedeli compagni di viaggio, Rocco Papaleo e Massimo Ceccherini, a un figlio d’arte, Gianmarco Tognazzi, alla bellezza prorompente di Maria Grazia Cucinotta e a un attore che non ha bisogno di presentazioni, Alessandro Haber, Pieraccioni propone un film fresco, frizzante, uno squarcio della provincia italiana che può adattarsi alle vite di molti trentenni italiani degli anni ’90.

Momenti di comicità a momenti di profonda malinconia

Il film alterna momenti di comicità a momenti di profonda malinconia. I protagonisti, di fatto, ricordano un po’ quelli di Amici miei. Ovvero persone che camminano su un filo sottile, sospeso tra due cime: da un lato la voglia di scherzare e godersi la vita illudendosi di essere eterni adolescenti, e dall’altro la consapevolezza di non potersi più gongolare. Pieraccioni, appena trentenne, è promosso a pieni voti anche davanti alla cinepresa; dimostrando di saper far ridere e di avere una certa personalità e disinvoltura pure sul grande schermo. La sua verve creativa come regista sarà mantenuta per tutta la seconda metà anni ’90, un periodo nel quale proporrà altri film di buona qualità quali Il ciclone, Fuochi d’artificio e Il pesce innamorato, mentre i film successivi peccheranno di ripetitività.I laureati fece anche la fortuna di Vittorio Cecchi Gori, da poco mandato quasi in bancarotta da un film costato una fortuna ma che fu un flop al botteghino: Occhio Pinocchio, di Francesco Nuti. La pellicola costò 2 miliardi di lire e ne incassò ben 15.

A Natale mi sposo, con Massimo Boldi e Vincenzo Salemme, Paolo Costella torna nelle sale con una commedia dai toni farseschi, in cui a farla da padrone è ancora Salemme, nei panni di Gaetano. In Baciato dalla fortuna Gaetano è un vigile napoletano che vive a Parma, “classicamente” sfortunato: la sua compagna Betty/Asia Argento, ristoratrice supersexy, lo tradisce con l’attraente comandante Grandoni/Alessandro Gassman, mentre lui è occupato a destreggiarsi con sempre crescenti problemi economici, visto l’alto e incongruo tenore di vita che conduce assieme a Betty. È vessato anche sul lavoro dal comandante Grandoni, ha due “sinceri” amici (Dario Bandiera/Nicola e Giuseppe Giacobazzi/Osvaldo), gioca sempre al lotto e non vince mai. Quando pare che finalmente, dopo anni di giocate, abbia vinto il massimo montepremi, tutta la città, che prima lo snobbava, si fa accondiscendente e disponibile con lui, sperando di ottenerne vantaggi, ma non tutto è come sembra.

Baciato dalla fortuna deve molto a Salemme, dal momento che il tutto parte da un atto unico per il teatro utilizzato come soggetto, scritto da Salemme stesso, e dalla sceneggiatura, inizialmente opera sua assieme a Massimiliano Bruno, e che poi ha visto collaborare Paolo Costella, chiamato anche a dirigere.Commedia giocata sul registro farsesco, dicevamo, che punta molto sulla comicità di situazione, sull’equivoco (espediente classico) e su una recitazione spesso sopra le righe. È la concezione comica che hanno sposato tutti gli attori del cast, accentuando moltissimo le caratteristiche dei loro personaggi. Si pensi a quello di Asia Argento, ristoratrice focosissima, “romanaccia” e greve (nella prima scena in cui la vediamo l’elemento della sensualità, come quello di un’aggressività brutale, sono sottolineati il più possibile).

Lo stesso accade per Alessandro Gassman/Grandoni: bello, ma donnaiolo, ipocrita, falso, e chi più ne ha più ne metta. Pregio e difetti sono sottolineati in ogni occasione (ad esempio, più donnaiolo non potrebbe essere: incontra di continuo e guarda sempre interessato le belle donne di Parma, le conosce tutte e ha una relazione in corso con due di loro – oltre a Betty anche Teresa/Elena Santarelli, moglie di Nicola/Bandiera. Anche Nicole Grimaudo (che si cimenta con la sua prima commedia) è un’amica di Gaetano, assillante fino all’esasperazione. Questi toni esageratamente marcati però non giovano, anzi finiscono per risultare ridondanti, e stancare.

Stesso discorso vale per la comicità di situazione, con schemi ripetuti, e dunque prevedibili: la Argento che picchia, dà pugni, gomitate e quant’altro, infierendo su Salemme e Gassman ogni volta che può, anche più volte nella stessa sequenza; Grimaudo/Anna che entra in scena alle spalle di Salemme spaventandolo con uno scherzo (accade più volte); i due vigili “amici” di Gaetano, che prima si mostrano comprensivi con lui e poi lo scaricano, in due scene simili per concezione (dopo la prima, già sappiamo come si evolverà la seconda). Il personaggio centrale, Gaetano/Salemme, poi, condivide con gli altri alcuni dei tratti sopra descritti. Inoltre, come suo costume, ripropone in chiave moderna lo stile della tradizione napoletana, che rimanda a Totò (si pensi alla sua mimica facciale, o ai duetti con Gassman e Maurizio Casagrande – il direttore di banca) senza però i guizzi geniali del grande maestro e puntando su una comicità più facile, anche nelle battute, nei dialoghi.

La commedia Baciato dalla fortuna non vuol essere certo buonista, anzi, fotografa un’Italia meschina, egoista, col mito del denaro, che però scarseggia sempre e si può solo sognare. Un denaro per cui si sarebbe disposti a fare qualunque cosa. L’italiano medio qui è opportunista, ipocrita e vive al di sopra delle proprie possibilità. Dunque, anche attualità e comportamenti riscontrabili nella nostra realtà quotidiana, nonché critica sociale. Il tutto si voleva alleggerire con i toni della farsa, ma forse lo si è fatto troppo, e la cattiveria, l’elemento corrosivo spesso finisce per non essere molto più che un espediente comico.

Piacerà certo a chi trova comici i meccanismi dell’accumulazione e dell’eccesso, e non cerca particolare originalità. Convincerà meno quanti, come chi scrive, preferiscono una comicità più misurata, o più sottile, o vorrebbero essere stuzzicati da una maggiore varietà. Baciato dalla fortuna uscirà nelle sale il prossimo 30 settembre, prodotto da Medusa e Rita Rusic.

Possono un vampiro e un essere umano diventare amici? O nell’era di Twilight questa domanda sembra assurda? Secondo Matt Reeves (Cloverfield), che con Bella, Edward e compagnia non c’entra (per fortuna) nulla, la risposta è si. Remake dell’omonimo Lasciami entrare (Svezia, 2008) diretto dall’esordiente Tomas Alfredson, Blood Story (in originale Let me in) è la storia di due ragazzini speciali, Owen e Abby, che con circospezione e curiosità imparano a conoscersi e finiranno per aiutarsi a vicenda. A così breve distanza dal film d’ispirazione, è impossibile non fare un paragone tra questa rilettura americana e l’originale svedese.

Pur mantenendo inalterate ambientazioni e trama, l’approccio di Reeves all’opera mira ad una profonda americanizzazione della messa in scena, indulgendo con piacere nel truculento, quasi assente nella versione europea. Il regista riesce però a dare autonomia al film, raccontandoci bene la solitudine, la difficoltà e il riconoscersi dei due protagonisti nell’altro/a. Molto spazio è stato dedicato al personaggio del protettore della vampirella, interpretato dal bravo Richard Jenkins. L’uomo si assume il pericoloso compito di prendersi cura della ragazzina dimostrandole una dedizione paterna e anticipando, probabilmente, quella che sarà la sorte di Owen al fianco di Abby.

Blood Story, il remake che diventa qualcos’altro

I due giovani protagonisti sono volti relativamente nuovi del panorama hollywoodiano: il ragazzino, figlio di genitori separati, con problemi relazionali e vessato dai bulletti della scuola, è interpretato da Kodi Smit-McPhee, già visto in The Road, al fianco di Viggo Mortensen. Lei, la bionda e bella (forse un po’ troppo per essere una non morta) Abby è Chloe Moretz, già arrivata in Italia nel costume di Hit Girl accanto a Nicolas Cage in Kick Ass di Mattew Vaughn.

Ogni essere umano ha bisogno di un amico, di un compagno, di una persona con cui condividere la solitudine che l’immensità del mondo ci riserva; così Owen e Abby troveranno completamento l’uno nell’altra, ma entrambi sanno, e anche lo spettatore lo sa, che per la ragazzina si tratta solo di un altro, forse l’ennesimo, schiavo che la sua condizione richiede per sopravvivere.

Presentato al FantaFestival, Blood Story è stato proiettato anche lo scorso ottobre durante il Festival Internazionale del film di Roma alla presenza di Reeves, e dopo essere uscito anche in Kuwait, Kazakhstan e a Singapore, ha finalmente trovato distribuzione anche in Italia con De Laurentiis. Uscirà al cinema il prossimo 30 settembre.

Driver è un uomo gentile e silenzioso, fa lo stuntman professionista e per arrotondare si presta a fare da ‘autista’ ai rapinatori che devono lasciare il luogo del crimine in pochi minuti. Ma per tutti arriva il momento delle scelte sbagliate, e per Driver sarà la rapina sbagliata, che lo trascinerà in un bagno di sangue.

Il decantato Drive del bravissimo Nicolas Winding Refn arriva anche in Italia, in 300 copie, con tutte le aspettative che gli hanno messo addosso i critici che l’hanno già visto a Cannes e soprattutto la Palma alla regia per l’olandese Refn. Il film, con atmosfere che ricordano molto gli anni ’80, e un cast in stato di grazia racconta con ansiolitica lentezza una storia cruda e nemmeno troppo complessa, ma sullo schermo straordinaria. Una città cupa, almeno quanto gli animi dei protagonisti, fa da perfetta cornice a un uomo con la sua auto e a tutta la violenza che riesce a scatenare la vendetta e la paura, ma anche l’amore. Un amore che per brevissime sequenze regala al film una profondità emotiva davvero impensabile, un contrasto interessante che impreziosisce la storia. Grande importanza viene data alla musica, molto invadente ed onnipresente che aiuta la costruzione della suspance, cifra distintiva si dall’inconsapevole inizio.

Drive, il film

Bellissime le interpretazioni, a partire dalla delicata Carey Mulligan, passando dal truce Ron Perlman, fino al grande silenzioso protagonista, Ryan Gosling che ipnotizza con i suoi silenzi e folgora con le sue parole. Intrecciando in diversi punti il presente con il prossimo futuro, Refn realizza una struttura filmica molto dinamica, che non sacrifica il peso e la durata di ogni inquadratura e che coinvolge e stravolge.

Lo scoppio della brutale violenza che si concentra in diversi momenti paralizza e disgusta ma mai ci fa mettere in dubbio la fondamentale gentilezza di questo laconico Driver. Con una grande leggerezza Refn si muove sia nello stretto abitacolo di una macchina sia alle sue spalle, segue con movimenti fluidi i personaggi in camere e corridoi, senza mai alterare il suo racconto anche quando il sangue scorre a fiumi. Belle le luci, cupe e calde, che raccontano, insieme agli intensi sguardi di Gosling una vita in bilico.